LeMagduCiné

L’année 2018 était une belle année de cinéma, autant dans les blockbusters que dans les films plus indépendants, le septième art a été inspirant. Comme le veut la tradition de fin d’année chez les cinéphiles, l’heure est venue de dresser un bilan. Alors, quelles sont les projections qui ont marqué l’année cinéma 2018 ? LeMagduCiné dévoile sa sélection des 15 meilleurs films et le top 10 de chaque rédacteur.

15) Suspiria

Oser remaker un film aussi populaire que Suspiria avait tout de la mauvaise idée. Et encore plus quand l’homme qui l’a sorti de terre, Dario Argento, estime que le remake n’a pas compris sa vision. Pourtant, c’est peut-être là qu’on aurait du tiquer, non ? Un cinéaste qui estime que sa vision a été bafouée ? Et si, à la place de l’incompréhension qu’il cite, Dario Argento était juste jaloux ? Cela pourrait parfaitement se concevoir tant finalement, le Suspiria de Guadagnino excelle à distiller une ambiance qui s’abat telle une chape de plomb sur l’intrigue. On parle toujours de danse, on sent toujours en filigrane un récit qui s’aventure à la lisière du paranormal, et pourtant, le cinéaste italien (comme quoi, seuls les ritals peuvent à ce point capturer la passion) adjoint à l’œuvre d’Argento, une profondeur (ça cause libération, émancipation des femmes, féminisme donc, dans une Berlin morcelée par le rideau de fer) bardée de symboles, qui a vite fait de rendre l’exercice passionnant. La passion oui, encore et toujours. Celle de voir Tilda Swinton continuer à endosser des rôles éminemment opposés, de voir la jeune Dakota Johnson s’affirmer comme (on l’espère) une actrice de premier plan. Tout ça pour dire qu’à l’instar de beaucoup de films sortis cette année (Under The Silver Lake entre autres), Suspiria est de cette race de films qui incitent au voyage et qui se fichent pas mal de la destination, seulement du trajet parcouru. Et autant l’admettre : quand la maîtrise se lit à chaque plan, à chaque intonation et à chaque envolée lyrique signée Thom Yorke, on pourrait bien assister béat à un Suspiria qui dure l’éternité.
Antoine Delassus

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14) Girl

Dans le souffle d’un festival, il existe parfois des œuvres qui vous emportent. Une émotion. Des larmes. C’est le cas du film de Lukas Dhont, avec Girl, récompensé de la caméra d’Or au Festival de Cannes 2018. Girl est un parcours de vie intense, qui voit une jeune fille (Lara) faire tout son possible pour approcher son idéal, c’est à dire être enfin elle-même. Le film aborde le sujet délicat de la transsexualité mais l’immisce de manière bienveillante, bienveillance qui se matérialise par le prisme du père, dont sa relation avec sa fille est l’une des plus belles choses du film. Les dialogues entre les deux, entre incompréhension et tendresse, sont d’une rare vérité, d’une réelle émotion. Inscrite dans une école de danse, Lara se donne corps et âme dans sa discipline, chose qui mettra son corps et son esprit à rude épreuve, comme le faisait l’une des inspirations du film avec son personnage, le Black Swan de Darren Aronofsky. Sans forcément rentrer de pleins pieds dans les codes du teen movie, Girl est une quête identitaire forte, dure et doloriste, qui parle avec justesse d’un âge où l’on cherche juste à se définir et à s’accepter tels que nous sommes. Lara, incarnée par l’étonnant et fabuleux Victor Polster, est un personnage beau et émouvant, qui avec humilité et rage, chemine avec grâce dans nos cœurs.
Sébastien Guilhermet

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https://www.youtube.com/watch?v=apA__J_SRNQ

13) Ready Player One

Au-delà de la réussite technique et du divertissement de haute volée, Ready Player One brille par l’alchimie de dichotomies. Tout en ayant une énergie folle dans sa mise en scène, Steven Spielberg parvient à mettre sans cesse en parallèle deux procédés, deux univers. Qu’il s’agisse du tournage de certaines scènes en pellicule et d’autres en numérique ou encore de l’utilisation de décors réels et de la performance capture. En faisant cela, Steven Spielberg montre qu’une cohésion est possible entre tous ces éléments et superpose ses méthodes de conception au propos du film. Pellicule ou Numérique ? Columbus ou Oasis ? Pourquoi faudrait-il choisir alors qu’une cohabitation est possible et que chacun à sa manière a des choses à apporter. L’un des exemples de tout cela est la course poursuite automobile finale du film dans les rues de Columbus qui renvoie à la course automobile d’ouverture du film dans l’Oasis. Et si, les personnages ne se sortaient de la course poursuite dans Columbus que parce qu’ils avaient participé et s’étaient entraînés pour la course poursuite dans l’Oasis ? À cela s’ajoute un discours sur la pop culture comme moyen de s’émanciper, d’avoir une identité (les avatars des personnages principaux ne sont pas des personnages préexistants) et de trouver sa voix dans lequel Steven Spielberg a l’élégance de s’effacer et de ne pas s’auto-citer, pour mieux pouvoir s’intégrer dans le récit en filigrane et parler tout aussi bien des éléments de la pop culture qui l’ont inspiré et façonné durant sa jeunesse (King Kong, Godzilla, Shining,…) que d’éléments de la pop culture qui ont inspiré et façonné les générations suivantes, ne rendant ainsi le film que plus universel. Enfin, ajoutez à cela un casting cinq étoiles et Alan Silvestri à la musique et vous obtenez l’un des meilleurs films de l’année.
Thomas Thiel

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12) Mektoub, My Love : Canto Uno

Mektoub, My Love est indéniablement un des films français les plus marquants de l’année. Les détraqueurs de Kechiche verront toujours en ce film un voyeurisme là où il est empli de sensualité et de désir. Le réalisateur franco-tunisien offre une ode à la jeunesse durant 3h de temps où les heures passent comme des secondes. Biographie intime de ses étés, il donne à voir un merveilleux album de vacances où séduction, timidité, figure maternelle forment un tout aussi bienveillant qu’entraînant. La liberté y est sans limite, sans tabou et donne d’ailleurs un certain air nostalgique sur cette époque révolue quand aujourd’hui tout est analysé, déformé, jugé et sujet à polémique. Le cinéma de Kechiche ne lui serait plus propre s’il n’y ajoutait pas quelques provocations, mais Mektoub, My Love est bien plus grand que cette simple considération et révèle les délicats Ophélie Bau et Shaïn Boumedine.

Gwennaëlle Masle

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11) Les Frères Sisters

Avec les Frères Sisters, Audiard s’attaque au genre américain par excellence, le western. Le cinéaste français convoque à la fois des références de westerns classiques mais aussi révisionnistes, basculant tantôt entre tendresse et violence, tantôt entre envie de changement et besoin de retour aux origines. Si Audiard s’essaie à un genre très codifié et qui s’inscrit dans l’histoire d’une culture étrangère à la sienne, Les Frères Sisters n’en reste pas moins un film extrêmement personnel, que le réalisateur dédit d’ailleurs à son frère aîné, mort bien des années plus tôt. Dans cette longue traque à cheval, les vastes étendues désertiques qui défilent derrière les personnages ne sont qu’un contexte, qu’une excuse à l’analyse de leur psychologie. Car Les Frères Sisters narre d’abord le récit de deux frères, avant de raconter celui de la naissance d’une nation. Ainsi, Audiard se sert du genre du western pour faire un film d’auteur intimiste, caché derrière des codes, facilitant le dialogue avec le spectateur, qui se trouve alors face à un western à taille humaine.

Perrine Mallard

10) 3 Billboards, les panneaux de la vengeance

Cinq ans après le décevant Sept psychopathes, Martin McDonagh nous offre un troisième film moins clinquant et plus mesuré dans ses effets, et tant mieux. Le passage par la tarantinade avait finalement terni une filmographie qui démarrait pourtant très bien avec l’étonnant Bons baisers de Bruges. Moins d’effets de style, de chausses trappes idiots ou de faux méta-discours, pour un résultat efficace et finalement assez élégant, malgré la rudesse du propos (une vengeance à la suite d’une histoire de viol dans l’Amérique profonde). Frances McDormand trouve l’un de ses meilleurs rôles, Woody Harrelson renoue avec un registre mesuré qui montre toute l’étendue de son talent, et Sam Rockwell réussit un tour de force en rendant sympathique son personnage de crétin raciste et homophobe, sans pour autant justifier ses actions. McDonagh renoue également avec son goût pour le grotesque du quotidien (le touchant personnage de Peter Dinklage), dénué d’artifice clinquant. Âpre, sans concession, mais pas dénué d’humour pour autant, Three Billboards a finalement toutes les qualités que l’on attend d’un classique au sens noble, ce qu’il deviendra certainement.

Vincent B.

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9) La Forme de l’eau

Récompensé par quatre oscars en 2018, dont le meilleur film et le meilleur réalisateur, La Forme de l’eau s’impose comme le nouveau chef d’œuvre de Guillermo del Toro, certainement l’œuvre la plus aboutie de ce cinéaste unique avec le somptueux Labyrinthe de Pan. Le réalisateur mexicain y mêle subtilement un univers féerique d’une infinie poésie et un monde réel sombre, violent, dans lequel les marginaux sont opprimés et où la quête du pouvoir justifie tous les sacrifices. Dans ce conte fantastique, laissant place au drame et à la romance, le contexte de la Guerre froide se déploie dans toute son horreur et sa paranoïa, attisant le désir de puissance d’hommes obsédés par la recherche de nouvelles armes et l’isolement de laissés-pour-compte. Parmi ces personnages, Elisa, une femme de ménage muette, s’entraide avec sa collègue Zelda, prisonnière d’un mariage raté, et son voisin de palier Gilles, rejeté pour son homosexualité. C’est en rencontrant un mystérieux amphibien, comme eux singulier et persécuté, que ces trois héros apprennent à s’accepter tels qu’ils sont. Comme dans ses précédents films, Guillermo del Toro s’attache à la figure du monstre. Loin d’être agressive, la créature s’humanise ici rapidement grâce à ses émotions et à sa faculté de communiquer. Elle contraste alors avec le véritable être démoniaque du récit, Richard Strickland, rappelant le sadisme du sinistre capitaine Vidal dans Le Labyrinthe de Pan. La relation que l’amphibien noue progressivement avec Elisa, aussi inimaginable que poétique, montre que l’amour naît davantage d’une compréhension mutuelle, d’une fusion des incomplétudes que des similitudes. Au-delà de cette histoire riche empreinte de magie, on retient de La Forme de l’eau son esthétique sublime, la musique inoubliable d’Alexandre Desplat et la mise en scène ambitieuse de Guillermo del Toro.

Ariane Laure

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8) The Rider

La nature, les paysages magnifiques, la liberté… Et en même temps la quête identitaire d’un homme brisé qui cherche un nouveau sens à sa vie. The Rider est un film sensible, délicat, beau et taiseux, qui prend le temps. C’est une parenthèse, c’est suspendu. On s’arrête et on contemple, on médite. Ce film dégage une grande authenticité, avec ce héros taciturne (petit côté Heath Ledger dans Brockeback Mountain), sa relation avec les chevaux et la Terre de ses ancêtres amérindiens, sa famille. Une vraie immersion dans l’univers du rodéo et dans la culture locale du Dakota. Poétique et apaisant, et en même temps si triste. Parfait.

Marushka Odabackian

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7) Jusqu’à la garde

Jusqu’à la garde est un film construit intelligemment : la montée de l’angoisse y est brillamment maîtrisée jusqu’à un final en apothéose qui laissera le spectateur collé sur son siège. D’ailleurs celui-ci n’a d’autre choix que de prendre parti pour ce pauvre fils pris en étaux entre ses deux parents qui se livrent un combat sans merci pour désigner lequel des deux aura sa garde. C’est également un long-métrage essentiel sur les violences conjugales qui réussit à illustrer ce problème de société de façon subtile et non pas voyeuriste. Les acteurs y signent leurs plus belles prestations, surtout Denis Ménochet en père de famille abusif et terrifiant. En bref, Jusqu’à la garde est le meilleur film français de l’année, un film qui n’épargne personne, et réalisé par le très prometteur Xavier Legrand dont il ne faut pas oublier que c’est la première longue réalisation.

Flora Sarrey

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6) The House that Jack built

The House that Jack built est un film foisonnant, excessif en tout, mais détestable en rien. La représentation hyper-pompier du Dante et Virgile aux enfers de Delacroix ne nous choque pas. Les meurtres de plus en plus élaborés non plus ; destinés à faire œuvre, et œuvre d’art selon Jack, ils incluent les situations les plus insupportables (meurtres d’enfants, mutilations,…) et pourtant, ils restent bizarrement à distance, tant ils ne servent visiblement que de prétextes, la dialectique du réalisateur étant dirigée ailleurs. Même le glissement du film vers une forme fantastique dans sa dernière partie nous dérange à peine, car du début à la fin du métrage, Lars von Trier va marteler toujours les mêmes propos, la nécessité d’une absence totale de mesure pour atteindre la forme ultime de l’art, au prix de tous les dérapages et de toutes les incompréhensions.
Rarement le cinéaste s’adresse à notre cœur ; il ne cherche pas l’empathie, persuadé comme son protagoniste qu’on peut hurler les fenêtres grandes ouvertes sans que personne ne nous entende. Lars von Trier cherche notre capacité à réfléchir sur l’art avec lui. Ce sera seulement dans une séquence qu’à l’approche d’une fin inéluctable, le protagoniste quitte ses habits diaboliques pour se remémorer l’enfant qu’il a été, voire l’humain qu’il a été : un être fragile qui a peur de la mort, qui a peur de lui-même, mais qui ne peut pas s’empêcher d’aller à sa perte. Une séquence courte et chargée d’émotions, et qui permet de mettre la lumière sur tous les doutes du cinéaste. Pas toujours facile, car tel n’est pas le but de l’artiste, lui qui aurait souhaité voir plus de monde quitter la salle lors de la projection de son film à Cannes, The House that Jack built est sans doute le film le plus abouti de son auteur. L’auto-citation de ses propres films dans ce dernier opus semble signifier que Lars von Trier a fait le tour de la question ; espérons qu’il continuera encore à nous secouer fortement et longtemps.

Bea Delesalle

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5) Hostiles

Le western est un genre qui erre, depuis deux-trois décennies, sur le spectre cinématographique, sans véritablement trouver de port d’attache. Au milieu des productions à petit budget florissantes mais souvent peu reluisantes, et quelques ovnis signés Tarantino, difficile de trouver les grands héritiers d’un genre devenu incontournable dans l’histoire du cinéma. Impitoyable, The Proposition, True Grit, étaient peut-être les mieux placés pour y prétendre… jusqu’à l’arrivée de Hostiles, cette année, qui renoue avec les codes des westerns américains de l’âge d’or. Intelligemment référencé (de Ford à Mann ou Peckinpah) tout en affirmant sa personnalité propre (notamment via sa photographie et sa façon parfois « malickienne » de filmer la nature), Hostiles réhabilite ce qui n’avait plus vraiment sa place dans un western : le dialogue et la psychologie des personnages. Ces derniers sont excellemment écrits et interprétés (Christian Bale et Rosamund Pike en tête, bien sûr), mais surtout évoluent au cours d’un long voyage synonyme de rédemption pour l’un, de deuil pour l’autre. Le film est presque écrit à l’envers : là où un western classique commencerait par une ville paisible pour se finir en duel au sommet et action à tout-va, Hostiles s’ouvre sur un bain de sang pour que la violence cède sa place progressivement à l’intimité et à l’échange. Fascinant, émouvant, viscéral, les superlatifs ne manquent pas pour qualifier l’œuvre de Scott Cooper qui nous gratifie de ce qui pourrait être la nouvelle référence en terme de western moderne.

Jules Chambry

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4) Call Me By Your Name

Découvrir ses désirs et épouser ceux de l’autre. S’accepter et s’abandonner. Apprendre et pleurer. Le somptueux Call Me By Your Name de Luca Guadagnino embrasse la réalité des premières fois avec une poésie et une tendresse folle. La première fois qu’on aime, la première fois qu’on fait l’amour, la première fois que notre cœur se brise… A travers le récit de l’été 1982 d’Ezio, un bel ado polyglotte dans une Italie de rêve, le réalisateur dépeint la relation amoureuse entre deux hommes, l’un à l’âge de la découverte, l’autre plus aguerri et expérimenté. Pourtant leurs intimes passions ne trouveront foyer que dans le regard et le corps de l’autre. Call me by your name and i’ll call you by mine… Le long-métrage expose la versatilité et le talent dingue du très prometteur Timothée Chalamet face à un Armie Hammer aussi svelte que taquin. Ce tendre et long moment d’amour nous donne terriblement envie d’aimer et révèle en nous l’impulsivité et l’intensité de nos idylles. Oubliez votre coup d’un soir de cet été ou votre dernier chagrin d’amour. Désolé, mais la plus belle histoire d’amour de cette année, elle est ici.

Roberto Garçon

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3) First man

Après l’ouragan La La Land, on aurait pu penser que Damien Chazelle aurait à cœur de retourner vers des projets moins amples, moins ambitieux et en somme moins exigeants. Que nenni puisque avec First Man, le réalisateur franco-américain s’est embarqué dans un voyage qui n’a rien d’une sinécure : celui de conter la plus dangereuse mission de l’histoire de l’humanité, Apollo 11, et ce via le prisme de son capitaine, Neil Armstrong. Un homme qui sous le scope de Chazelle, se révèle meurtri, rongé de l’intérieur par un deuil qu’il va tâcher d’exorciser en effectuant un voyage au-delà des étoiles. La grande épopée patriotique qu’on supposait se mue alors en un quasi-voyage existentiel, seulement rythmé par les larmes, la mélancolie, la mort et le mutisme de cet homme qui attendra de fouler le sol lunaire pour enfin s’autoriser à pleurer. Si l’on ajoute à cela un vivier de personnages investis et touchants, une reconstitution historique flamboyante et la dextérité de Chazelle à lier le combat d’Armstrong à ses thèmes – la résilience, la passion comme moteur –, on a droit à un film qui déjoue in fine constamment nos attentes et qui parvient, et c’est là la meilleure chose du film, à dissimuler tout le glamour jusqu’ici contenu autour de cette mission pour mieux mettre en avant le coté insensé, dangereux et humain qu’elle représente.

Antoine Delassus

2) Phantom thread

Phantom Thread rend d’abord un bel hommage au plaisir visuel, avec de magnifiques plans, savamment construits et qui ne corsètent pas le propos. C’est rien de le dire pour ce film de haute couture, avec et sans jeux de mots, où l’amour est un jeu du chat et de la souris d’où personne ne semble pouvoir (vouloir ?) sortir gagnant. Un grand moment de cinéma, cousu main, mais pas de fil blanc, tant il emprunte de pistes. Parfaitement surprenant et excellemment interprété, bien que conscient de tous les genres qu’il traverse et convoque. Le huitième film de Paul Thomas Anderson est vénéneux et déroutant, oppressant et salvateur. Il ne s’agit pas simplement de conter une histoire, mais de la faire vivre sous nos yeux avec des climax assez entêtants, tels des petits déjeuners construits comme autant de moments de tension extrême ou encore des moments « muse » qui font durer la torture du temps pour le spectateur. On ne sait plus à qui donner de l’empathie tant le film sort sans cesse des sentiers battus. Enfin, force est de le constater, Phantom Thread est aussi un film boursouflé, parfois drôle, comme avorté, habité par d’autres… C’est un grand film malade, amoureux du cinéma, un grand film tout court.

Chloé Margueritte

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1) Under the Silver Lake

Dans un monde où la pop culture est omniprésente, Under the Silver Lake s’impose très vite comme un véritable objet générationnel. Après nous avoir fait frissonner avec ses saillies carpentieriennes dans It Follows, David Robert Mitchell revisite le film noir saupoudré de stoner et nous emmène au sein d’un Los Angeles aussi coloré que cryptique pour explorer la face cachée de cette pop culture. Si son récit pynchonien exigeant aura laissé du monde sur le carreau, il nous aura également permis de nous égarer aux côtés d’un Andrew Garfield ahuri dans les méandres labyrinthiques de la cité des anges. Une expérience où les multiples références, qu’elles soient cinématographiques, vidéoludiques ou musicales, agissent comme le moteur d’une enquête aux allures néo-noires qui va tourner à la quête existentielle. Comme lors de son précédent essai, David Robert Mitchell enrobe le tout dans une splendide photographie et une bande-son aux allures 50s composée avec soin par Disasterpeace. Avec Under the Silver Lake, l’américain confirme sa position de cinéaste ultra-prometteur et surtout de porte-étendard d’une génération.

Maxime Thiss

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Les tops 10 individuels des rédacteurs

Gwennaëlle Masle :

1. Mektoub, My Love : Canto Uno de Abdellatif Kechiche
2.  Razzia de Nabil Ayouch
3.  Les Filles du Soleil de Eva Husson
4. Call me by your name de Luca Guadagnino
5. Girl de Lukas Dhont
6. Shéhérazade de Jean-Bernard Marlin
7. Jusqu’à la garde de Xavier Legrand
8. Three Billboards de Martin McDonagh
9. BlacKKKlansman de Spike Lee
10. Le Grand Bain de Gilles Lellouche

Sébastien Guilhermet :

1. First Reformed de Paul Schrader
2. The House that Jack Built de Lars Von Trier
3. Les garçons sauvages de Bertrand Mandico
4. The Rider de Chloe Zaho
5. Spiderman New Generation de Bob Persichetti, Peter Ramsey et Rodney Rothman
6. Suspiria de Luca Guadagnino
7. Girl de Lukas Dhont
8. Jusqu’à la garde de Xavier Legrand
9. Burning de Lee Chang-dong
10. Mandy de Panos Cosmatos

Maxime Thiss :

1. Under the Silver Lake de David Robert Mitchell
2. Jusqu’à la garde de Xavier Legrand
3. Un couteau dans le cœur de Yann Gonzalez
4. Climax de Gaspar Noé
5. Le bon apôtre de Gareth Evans
6. Bodied de Joseph Kahn
7. Detective Dee 3 : La légende des rois célestes de Tsui Hark
8. Les garçons sauvages de Bertrand Mandico
9. Les Bonnes Manières de Juliana Rojas et Marco Dutra
10. Spiderman New Generation de Bob Persichetti, Peter Ramsey et Rodney Rothman

Jules Chambry : 

1. Under the Silver Lake de David Robert Mitchell
2. Hostiles de Scott Cooper
3. La Forme de l’eau de Guillermo Del Toro
4. A Star is Born de Bradley Cooper
5. Bohemian Rhapsody de Bryan Singer
6. First Man de Damien Chazelle
7. Maudie de Aisling Walsh
8. Une Affaire de famille de Hirokazu Kore-eda
9. Climax de Gaspar Noé
10. Mektoub, My Love : Canto Uno de Abdellatif Kechiche

Marushka Odabackian :

1. Hostiles de Scott Cooper
2. The Rider de Chloe Zaho
3. First Man de Damien Chazelle
4. Phantom Thread de Paul Thomas Anderson
5. La nuit a dévoré le monde de Dominique Rocher
6. Les heures sombres de Joe Wright
7. En guerre de Stéphane Brizé
8. Guy de Alex Lutz
9. Une valse dans les allées de Thomas Stuber
10. Sauvage de Camille Vidal-Naquet/ Une prière avant l’aube de Jean-Stéphane Sauvaire

Chloé Margueritte : 

1. Phantom Thread de Paul Thomas Anderson
2. Under the Silver Lake de David Robert Mitchell
3. Une Affaire de famille de Hirokazu Kore-eda
4. En Liberté ! de Pierre Salvadori
5. Les Chatouilles de Andréa Bescond et Eric Métayer
6. La nuit a dévoré le monde de Dominique Rocher
7. Senses de Ryusuke Hamaguchi
8. Plaire, aimer et courir vite de Christophe Honoré
9. Charlotte a du fun de Sophie Lorain
10. Bonhomme de Marion Vernoux

Ariane Laure : 

1. Les Frères Sisters de Jacques Audiard
2. La Forme de l’eau de Guillermo Del Toro
3. First Man de Damien Chazelle
4. The Rider de Chloe Zaho
5. Girl de Lukas Dhont
6. Under the Silver Lake de David Robert Mitchell
7. Phantom Thread de Paul Thomas Anderson
8. Une Affaire de famille de Hirokazu Kore-eda
9. Burning de Lee Chang-dong
10. Three billboards de Martin McDonagh

Perrine Mallard : 

1. Les Frères Sisters de Jacques Audiard
2. Call me by your name de Luca Guadagnino
3. BlacKKKlansman de Spike Lee
4. L’île aux chiens de Wes Anderson
5. Lady Bird de Greta Gerwig
6. Hostiles de Scott Cooper
7. Under the Silver Lake de David Robert Mitchell
8. First Man de Damien Chazelle
9. La Forme de l’eau de Guillermo Del Toro
10. Burning de Lee Chang-dong

Bea Delesalle : 

1. Phantom Thread de Paul Thomas Anderson
2. The House that Jack Built de Lars Von Trier
3. Cold War de Pawel Pawlikovski
4. Manifesto de Julian Rosefeldt
5. Sauvage de Camille Vidal-Naquet
6. Une Affaire de famille de Hirokazu Kore-eda
7. Suspiria de Luca Guadagnino
8. Three Billboards de Martin McDonagh
9. Pupille de Jeanne Herry
10. Roma de Alfonso Cuaron

Antoine Delassus : 

1. First Man de Damien Chazelle
2. Ready Player One de Steven Spielberg
3. Under the Silver Lake de David Robert Mitchell
4. How to talk to girls at parties de John Cameron Mitchell
5. The House that Jack Built de Lars Von Trier
6. Suspiria de Luca Guadagnino
7. Three Billboards de Martin McDonagh
8. Climax de Gaspar Noé
9. Woman at war de Benedikt Erlingsson
10. Leto de Kirill Serebrennikov/Spiderman New Generation de Bob Persichetti, Peter Ramsey et Rodney Rothman

Vincent B. :

1. Three Billboards de Martin McDonagh
2. BlacKKKlansman de Spike Lee
3. Place Publique de Agnès Jaoui
4. En Liberté ! de Pierre Salvadori
5. La mort de Staline de Armando Ianucci
6. Dans la brume de Daniel Roby
7. La Forme de l’eau de Guillermo Del Toro
8. Golem : le tueur de Londres de  Juan Carlos Medina
9. Les heures sombres de Joe Wright
10. The final portrait de Stanley Tucci

Malgré la grande richesse des propositions au cinéma cette année, 2018 a aussi eu son lot de ratés dans les salles. 10 rédacteurs ont choisi leur plus grande déception de l’année pour livrer un flop de 10 films.

Maxime Thiss : Suspiria

On sentait la mauvaise idée à des kilomètres, et ça n’a évidemment pas manqué. En offrant dans un péché d’orgueil une relecture du mythique Suspiria, le transalpin Luca Guadagnino s’est pris les pieds dans le tapis et s’est vautré sur toute la ligne. Ne parvenant à aucun moment à recréer la force picturale et sensorielle du chef d’œuvre de Dario Argento, le cinéaste plus habitué aux drames mondains essaie de trop intellectualiser le genre et nous pond un salmigondis indigeste se perdant dans des trames scénaristiques inutiles. Loin de faire de son film un cauchemar éveillé, les scènes terrifiantes pouvant se compter sur un doigt, Guadagnino opte pour une approche radicalement différente. En plaçant son récit dans le Berlin de la Guerre Froide, Guadagnino instaure un contexte politique qui n’est finalement qu’un enrobage superflu, faisant un temps illusion lorsqu’il compare les deux blocs aux deux factions de sorcières. L’italien s’attarde, au contraire de son prédécesseur, sur la danse qui est au cœur de son récit. Des séquences de danse qui la aussi témoigne d’une volonté très arty de la part de Guadagnino et qui donne lieu à des performances dignes des spectacles de l’art contemporain le plus abscons. Guadagnino sacrifie le côté populaire du cinéma de genre au profit d’une approche élitiste et hautaine. Une certaine idée du mépris du cinéma de genre qui culmine dans un climax aux allures Z opportunistes navrantes.

Relire le débat qui opposait nos rédacteurs. 

Perrine Mallard : Bohemian Rhapsody

Raconter l’histoire de l’un des plus grands groupes de rock était un pari risqué, mais c’est bien le seul risque que prend Bohemian Rhapsody. Il est regrettable qu’un film retraçant l’aventure musicale d’un groupe aussi expérimental et spectaculaire que Queen, se montre aussi conventionnel et sage à la fois dans son scénario et dans sa mise en scène. “Let’s show people how rock’n’roll is supposed to make you feel” disait Richie Finestra dans Vinyl, la série imparfaite mais passionnée de Scorsese. Ici, le rock manque au film qui, loin d’être vibrant et passionné, se révèle être un patchwork d’évènements qui s’enchainent presque aléatoirement. Le film entier est à l’image de sa séquence finale, le concert de Live Aid, excellente idée sur le papier, mais dont la réalisation, dénuée de toute émotion, rend caduque l’excellente performance de Rami Malek. En convoquant les morceaux grandioses du groupe, le film ne fait que se reposer sur eux sans jamais faire de lien entre le son et l’image, empêchant à la musique de Queen de contaminer la forme même du film. Alors soit, entendre les morceaux de Queen reste toujours aussi jouissif, mais ça ne suffit pas à faire un bon film.

Relire notre critique à sa sortie

Chloé Margueritte : Stronger

Stronger fait deux erreurs fondamentales : revenir, comme tant d’autres avant lui, sur des évènements tragiques sur lesquels le monde n’a pas encore pris assez de recul (ici les attentats de Boston en 2013), et glorifier une sorte de héros sans gloire, autre que celle de s’en être sorti, supposer donc qu’une grande épopée tragique sera prompt à rétablir le tort causé aux victimes. Il s’enfonce alors dans le pathos. Ainsi, la scène où Jeff reçoit les confessions de la douleur d’autres personnes et se drape d’une grande bienveillance, voire d’une complaisance à recueillir la parole endeuillée pour émouvoir, tombe complètement à plat et achève de démolir l’entreprise de construction d’un héros mitigé du film. L’intrigue devient classique, larmoyante, peu passionnante. Jeff, qui a perdu ses deux jambes, se relève, l’Amérique aussi et c’est la romance qui prend le pas sur la réflexion…

Relire notre critique à sa sortie

Jules Chambry : Deadpool 2

Deadpool 2, dans la stricte continuité du premier volet, aura plu à ceux qui aimaient déjà son aîné et exaspéré ceux qui ne le supportaient déjà pas beaucoup. La recette est la même, à peine remaniée, avec un vilain un poil meilleur (car plus charismatique, merci Josh Brolin), mais un humour toujours aussi discutable et un marketing indigeste. Deadpool, avant de s’intéresser à faire de bons films, c’est d’abord un incroyable produit marketing qui fait vendre presque aveuglément, pour la seule raison que le héros lance des insultes à tout bon de champ et fait des blagues sous la ceinture deux fois sur trois. C’est un peu triste de le vendre comme « le film de super-héros “subversif” » simplement parce que le personnage est un débile profond politiquement incorrect. Rien dans Deadpool n’est subversif, et rien n’est à sauver : de la réalisation sage à l’humour lourdingue, en passant par une incapacité à faire des choix scénaristiques forts ou originaux alors même que l’on se prétend « différent ». En résulte un nouveau pot-pourri de ce qui se fait de pire en matière super-héroïque, qui ravira ceux que la poudre de perlimpinpin suffira à outrer, et outrera ceux qui y constateront une nouvelle fois la désolante supercherie.

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Marushka Odabackian : Taxi 5

Enfer. Déjà les « blagues », si on peut appeler ça ainsi, se résumaient à « on va prendre un nain et une grosse et on va se foutre de leur gueule pendant 2h ». On bat des records de lourdeur à la seconde, c’était affligeant… Rien n’allait évidemment, c’était gênant tellement c’était mauvais. En plus pour qui aime Taxi j’imagine qu’on aurait pu s’attendre à plus d’action, paradoxalement il n’y avait que deux courses minables, clairement une arnaque. On appréciera également l’humour très évolué de « Pipi Caca Prout »… On aurait dit un film de gros boulet, un délire de mec prépubère au collège qui est dernier de la classe et qui fait rire sa bande de potes décérébrés en se moquant bêtement de tout le monde. Ça fait pitié.

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Beatrice Delesalle : Ni juge, ni soumise

Amateurs de l’excellent Strip-Tease , cette émission belge truculente car féroce sans jamais juger, drôle sans jamais forcer, passez votre chemin. Ni juge ni soumise, le film Yves Hinant et de Jean Libon, l’une des deux têtes pensantes de la série, a beau être la version longue et toujours sans narration d’un des épisodes de Strip-tease, il n’en a pas l’élégance. Le maître-mot ici semble être la provocation gratuite et à tout crin.

Anne Gruwez est une juge d’instruction bruxelloise aux prises avec diverses affaires criminelles, Cold Case comme actuelles. Toujours le bon mot au bord des lèvres, toujours l’immigré « criminel » du jour dans son bureau. Des systématismes qui auront déjà le don d’énerver singulièrement le spectateur. Des répétitions sans doute rendues nécessaires par le format long métrage, mais qui émoussent le mécanisme de l’uppercut qui terrassait le téléspectateur à chaque nouveau reportage dans l’émission télé.

Quand on y ajoute les différentes provocations liées au thème de fond (le cold case avec assassinat de prostituées), telles que photos explicites des cadavres des victimes ou exhumation du présumé coupable, on finit de perdre tout intérêt dans cette histoire menée par une femme pourtant pas inintéressante, malgré son pas de charge au bulldozer.

Avec Ni juge ni soumise, Jean Libon a raté son coup ; « C’est pas du cinéma, c’est pire », disait-on dans la bande-annonce : on n’est pas loin de la vérité…

Gwennaëlle Masle : La Douleur

Benjamin Biolay, Mélanie Thierry sur un texte de Marguerite Duras, La Douleur laissait présager un film fort et profond. Le réalisateur Emmanuel Finkiel a fait un magnifique travail esthétique mais son œuvre ne fait malheureusement que livrer de beaux plans et passe à côté des émotions. Les acteurs restent en surface et ne parviennent pas à faire vivre leurs dialogues pourtant si beaux. Ils oublient le sens de ce qu’ils sont en train de réciter en se regardant jouer et en répétant un rythme peu encourageant où la narration prend toute la place et oublie de plaire. L’oeuvre de l’auteure méritait un autre traitement que celui-ci très fade.

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Antoine Delassus : Un raccourci dans le temps

A l’instar de tout bon gâteau, les films sont un amas d’ingrédients respectant une recette. Cuisez-le bien, et ce qui ressortira de votre four vous enverra directement devant Cyril Lignac. Négligez la mixture et vous aurez vite fait de voir la police du bon gout vous tomber dessus pour assassinat culinaire. Avec Un Raccourci Dans le Temps, on aurait pu croire que Disney était en train de nous confectionner la Rolls-Royce du gâteau : un thème fondamental – l’amour-, une jeune héroïne afro-américaine sur le point de s’embarquer dans une grande aventure, Ava Duvernay qui supervise le tout, bref de solides ingrédients donc. Sauf que quand la pâtissière confond le sel et la cocaïne, bah ça peut donner que ce gloubi-boulga informe que même Casimir n’oserait pas gouter. C’est bien simple, la mouture concoctée par Disney est à ce point ratée qu’elle en devient incompréhensible, indigeste, inregardable (je plains les personnes souffrant d’épilepsie) et bardée d’éléments ringards. Que ça soit Reese Witherspoon qui se transforme en feuille de batavia géante, Oprah Winfrey qui passe d’une taille normale à celle d’un immeuble de 15 étages en fonction du scénario, d’un visuel hideux, d’une histoire qui verse dans la scientologie et d’un récit à ce point abscons qu’on en vient à reconsidérer les délires mindfuck de David Lynch, le film multiplie les tares à un rythme si élevé que la seule chose qui nous donne du plaisir, c’est quand ce générique de fin, encore une fois immonde, arrive. A jeter !

Sébastien Guilhermet : The Predator

The Predator de Shane Black voit renaitre de sa tombe le spectre du monstre incroyable de la franchise initiée par John McTiernan. Et ce fut l’une des pires idées de l’année, tellement, que le film est une abomination d’actioner mal fagoté et terriblement plat. Ce nouvel opus contient tous les symptômes du film à la modernité dégénérative qui rate chacune de ces cibles: humour bancal, désacralisation du monstre, réalisation anonyme et quelques giclées de sang bien maigres. Un film qui a voulu faire du chasseur, la proie. Oui, le monstre est devenue une proie comme une autre face à de super Predators. Là où Ridley Scott détruisait le mythe Alien avec Alien Covenant de manière forte, passionnante et nihiliste, Shane Black ne fait rien de son matériel de base et n’en fait qu’une œuvre désarticulée. Pourtant, même si le film s’avérait raté, nous pouvions nous attendre à un plaisir coupable nous proposant le monstre dans toute sa splendeur en train d’écrabouiller ses ennemis. Mais il n’en fait rien. Loin de l’iconisation naturalisme du film de 1987, loin de son propos sur l’Homme à l’état de nature, The Predator enchaine les moments de bravoure vains et les blagues de mauvais gouts. Un raté monumental.

Ariane Laure : Rampage, hors de contrôle

Dwayne Johnson nous a habitués depuis plusieurs années aux films d’action musclés, riches en situations catastrophes et en émotions fortes. Entre la saga Fast and Furious, San Andreas, Baywatch et Skyscraper, Dwayne Johnson est devenu une véritable figure héroïque du cinéma. Sa carrure imposante et ses rôles de sauveur du monde lui ont pratiquement conféré le statut de super-héros. Pourtant, sa seule présence au casting ne suffit pas à assurer la qualité d’une œuvre. Rampage : hors de contrôle en constitue un exemple topique. Etrange mélange entre la Planète des Singes et Jurassic Park, le film présente le combat d’un primatologue, ami avec un gorille albinos qu’il a recueilli, contre de dangereux prédateurs issus d’expériences génétiques ratées. Si l’apparence des deux animaux, à savoir un loup volant et un crocodile géant, amuse au second degré, Rampage n’a rien d’autre d’innovant ou de palpitant à proposer. Sans le moindre suspense, après que les monstres aient ravagé la ville de Chicago, Dwayne Johnson parviendra à éviter un cataclysme mondial. Que du déjà vu, teinté d’un humour parfois douteux, qui remplit à peine sa fonction de divertissement. Il vaut mieux débrancher son cerveau !
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Tandis qu’un américain a planté le drapeau américain une nouvelle fois sur la lune, un autre a signé une œuvre contestataire sur le pays derrière le drapeau. Alors qu’un réalisateur mexicain a montré la divinité beauté des monstres, un Français a relevé la nature monstrueuse des humains. Un jeune acteur polyglotte se fraie un chemin vers le succès en même temps qu’une célèbre chanteuse se révèle être une excellente actrice. Qui a marqué le cinéma cette année ? Le Mag du Ciné vous livre sa sélection des dix artistes qui ont façonnés le 7ème art en 2018.

L’ordre des personnalités dans la liste n’est pas significatif.

1. Timothée Chalamet

L’énorme succès qu’a connu Timothée Chalamet avec la sortie de Call Me By Your Name est arrivé par surprise et de manière fulgurante. A l’affiche de plusieurs films depuis 2014, celui qui interprétait le jeune frère oubliable dans Interstellar crève l’écran dans le film de Guadagnino. Il y incarne un adolescent vivant sa première idylle pendant un été aussi intense et sensuel qu’éphémère. Avec cette performance bouleversante on l’imaginait presque gagner un oscar pour le meilleur acteur, début 2018, mais celui-ci fut remporté par l’immense Gary Oldman. Il tentera à nouveau sa chance en 2019, puisqu’il est à nouveau nommé, cette fois pour sa performance dans Beautiful Boy. En l’espace de quelques semaines, le jeune homme de 22 ans, fut adulé à un tel niveau qu’il a attisé la haine et l’agacement d’une autre partie du public. Alors, talent certain ou effet de mode ? Ses prochaines performances nous le diront, une chose est sûre, Chalamet s’est imposé dans le paysage cinématographique et on le verra encore sur les écrans dans les années à venir. Il est annoncé au casting du prochain film de Wes Anderson mais aussi du très attendu et redouté Dune, de Villeneuve.

Perrine Mallard

2. Lady Gaga

Voici peut-être la révélation de l’année ; en tout cas, concernant ses talents d’actrice. Car si Lady Gaga est depuis plus de 10 ans déjà une égérie musicale, artiste accomplie qui compte parmi les idoles les plus fantasques de ce vingt et unième siècle, l’année 2018 aura révélé au grand jour que l’étendue de son talent excédait largement le domaine de la chanson. Grâce à Bradley Cooper qui lui offre le premier rôle de A Star is Born, c’est une grande actrice qui est indéniablement née, sans doute même partie pour aller décrocher moults récompenses (et peut-être un Oscar, qui sait…). Incarnant un personnages aux antipodes de celui que la diva s’est elle-même créé en devenant Lady Gaga, c’est-à-dire en abandonnant l’extravagance et le pimpant pour une sobriété et une mise à nue totales, elle est la raison première du succès de ce film qu’elle sublime de sa voix inimitable, en plus d’en avoir écrit une bonne partie de la bande-originale. De quoi montrer à ceux qui ne la connaissent pas ou ne l’aiment pas qu’elle a gagné en maturité, soulignant elle-même que ce personnage l’a changée véritablement, au-delà du tournage. Mais quand on s’intéresse un minimum à l’artiste, ce tournant n’est pas étonnant : fan de cinéma depuis sa tendre enfance, quand elle voulait encore devenir actrice, Lady Gaga avait déjà procédé à un virage stylistique certain avec Joanne, son dernier album datant de 2016, qui illustrait la maturité musicale et comportementale que la jeune femme avait atteinte. 2017 eut La La Land et son Emma Stone solaire, 2018 a A Star is Born et sa Lady Gaga lunaire. Quand cinéma et musique se mêlent, au moyen de prestations aussi flamboyantes, il y a de quoi fondre d’admiration.

3. Gilles Lellouche

Après une année 2017 qui l’aura vu briller dans tous les genres (comédie potache avec Rock’n’Roll ou Le Sens de la Fête, drame avec le Plonger de Mélanie Laurent et le HHhH de Cédric Jimenez) quitte à frôler la surdose, on avait un peu envie de voir Gilles Lellouche s’effacer. Ça tombe bien, puisque le bougre nous as pris au mot quitte à oser enfin repasser derrière la caméra en nous proposant un Full Monty à la française : Le Grand Bain. Exit la pole dance, Robert Carlyle et l’humour anglais et place ici à une brochette de quinqas prêt à laisser leur dignité au vestiaire pour se jeter à corps perdu dans la natation synchronisé masculine. Ça n’a l’air de rien mais en faisant ça, on en vient à reconsidérer l’attention, la précision et somme toute le talent du bonhomme qui ne sacrifie jamais ses personnages sur l’autel du rire et nous donne à voir un propos pour le moins intime sur la dépression et ce besoin qu’ont les gens de se relever et de s’imposer des défis. En tout cas, ça a eu le mérite d’être clair puisque Lellouche, sans doute ragaillardi par l’expérience, a embrayé sur une comédie ou il se fait éclipser par son grand pote Guillaume Canet (L’Amour est une Fête) et un drame sur l’adoption (Pupille) ou sa bonté a vite fait de l’imposer en un incontournable du cinéma français. Un vrai caméléon en somme mais qui fait du bien.

Antoine Delassus

4. Vincent Lacoste

Cette année, l’acteur a été à l’affiche de pas moins de trois films. Loin d’avoir écœuré son public, il a surpris dans des registres très différents. Vincent Lacoste se promène de films en films, dans des univers opposés dans lesquels il trouve parfaitement sa place. Il a ainsi rejoint la liste des acteurs passés par le cinéma de Christophe Honoré. Il a su y distiller de la pudeur et de l’enfantillage à la fois. Aux côtés de Thomas Lilti, il est revenu hanter les bancs de la fac et refaire un tour dans l’univers de la médecine, avec une nonchalance rien qu’à lui. Et enfin, il a tenté la maturité avec un pur drame, Amanda. Pourtant, Vincent Lacoste a gardé sa jeunesse avec la bouille de ses débuts, tout en s’imposant dans le paysage du cinéma français, sans pour autant perdre une certaine candeur dans son jeu. L’acteur moderne est peut-être celui qui, comme Vincent Lacoste, enfile des costumes, sans besoin de devenir super-héros, mais en imprimant une douce chaleur, un flegme inimitable qui font grandir ses personnages avec lui. L’année prochaine, il fêtera d’ailleurs ses 10 ans de cinéma !

Chloé Margueritte

5. Lukas Dhont

Après avoir réalisé trois courts métrages, Lukas Dhont a signé en 2018 son premier film, Girl. Le scénariste et réalisateur belge de vingt sept ans y raconte le combat de Lara, une adolescente née dans un corps de garçon rêvant de devenir danseuse étoile. Choisi dans la sélection « un certain regard » du Festival de Cannes, Girl a obtenu la caméra d’Or ainsi que la Queer Palm. Lukas Dhont aborde le thème du transgenre avec une grande pudeur et une sensibilité touchante. Il ne s’aventure pas sur le terrain du conflit familial, déjà traité dans Billy Elliot, mais sur la lutte courageuse et les émotions complexes d’une jeune fille à l’équilibre psychologique fragile, incarnée par l’exceptionnel Victor Polster. Prête à tous les sacrifices pour suivre sa thérapie hormonale, se faire opérer tout en s’entraînant durement pour intégrer une prestigieuse école de danse, Lara sera confrontée au regard des autres et à ses propres limites, malgré le soutien total de son père. 2018 aura ainsi marqué la découverte de Lukas Dhont, un jeune cinéaste talentueux, filmant à pleur de peau, dont on attend l’évolution avec grand intérêt.

Ariane L. Emmanuelle

6. Bertrand Mandico

Nous servant son extase organique depuis un certain temps déjà sous la forme de courts-métrages écumant les festivals, Bertrand Mandico a enfin franchi le pas du long-métrage en 2018. Avec Les Garçons Sauvages, le réalisateur y cultive toutes ses obsessions pour accoucher d’un cinéma transgenre dans tous les sens du terme. Une œuvre d’une puissance formelle inouïe convoquant nombreuses influences allant de Sa Majesté des mouches à Querelle de Fassbinder pour nous emmener au cœur d’un voyage initiatique au cœur des sens et de l’identité. Un cinéma français « autre » dont il devient l’un des chefs de file en compagnie de son acolyte Yann Gonzalez qui lui offrira un rôle dans son giallo Un couteau dans le cœur. Deux auteurs à la démarche similaire qui se verront cohabiter dans l’anthologie Ultra Rêve au cours de laquelle Mandico nous transportera avec Ultra Pulpe au sein d’une réflexion foisonnante sur le cinéma et l’amour, tout en dépeignant un univers d’une richesse plastique infinie en moins de 40 minutes. Avec deux essais marquants, 2018 aura été placée sous le signe de Bertrand Mandico qui a enfin pu éclore aux yeux du grand public tel une fleur turgescente.

Maxime Thiss

7. Xavier Legrand

Avec Bertrand Mandico, Xavier Legrand est le cinéaste français qui a marqué l’année 2018, faisant partie de ceux qui prouvent à tout le monde que le cinéma français est vivant et rempli de créativité. Car Jusqu’à la garde est l’un des grands moments de cinéma de l’année. Faisant suite au très bon court métrage Avant que de tout perdre, ce premier film est d’une maitrise totale. Il n’est jamais évident de voir une œuvre aussi bien mélanger le cinéma de genre et les enjeux sociaux qui découlent de l’environnement dépeint. D’un film sur les violences conjugales, Jusqu’à la garde aurait pu se trahir rapidement et enfoncer des portes déjà ouvertes depuis longtemps, malgré l’utilité évidente du message. Sauf qu’avec sa mise en scène, sa narration qui déploie les questionnements, Xavier Legrand voit le monstre se dessiner petit à petit pour jouer sur les codes du thriller horrifique.Le talent de Xavier Legrand est de nous faire ressentir l’inéluctabilité de cette peur, et que la repentance de cette violence n’était qu’un feu de paille. Commençant comme une introspection sociale, une étude de cas familiale, Jusqu’à la Garde finit en trombe, à la lisière du cinéma de genre, comme un film d’horreur qui n’a rien à envier aux mastodontes. Et nous avons besoin de cinéaste tels que Xavier Legrand, qui comme Bertrand Bonello, a autant à dire sur la France que sur le cinéma.

Sébastien Guilhermet

8. Guillermo Del Toro

Enfin ! C’est le premier mot qui nous vient à la bouche quand on regarde la vague de prix qui a récompensé Guillermo Del Toro pour The Shape of Water. Avec ce film, le réalisateur mexicain, papa notamment du magnifique Labyrinthe de Pan et des deux Hellboy, signe un conte superbe qui magnifie les monstres. Son amour pour les créatures, inhérent à son cinéma, atteint ici son apothéose en livrant une œuvre universelle qui parle autant de la nature humaine que du 7ème art. Dans son film, les marginaux sont les héros de l’histoire. A l’image de ses protagonistes, Del Toro a beaucoup évolué en marge d’Hollywood ne trouvant pas confort dans les productions calibrés et dénués d’âme. Alors quand il reçoit la reconnaissance de ces pairs à travers un Lion d’Or à la Mostra de Venise et quatre Oscars dont celui du meilleur film, on ne peut que s’en ravir ! De par son approche gothique et fantastique sur le cinéma, le réalisateur a souvent eu du mal à pouvoir exprimer sa vision. En tient pour exemple son projet de film sur Pinocchio pour lequel il n’a jamais réussi à trouver les financements. Après son succès mondial, le projet est désormais en route..chez Netflix ! Peut-être un petit doigt d’honneur aux studios ? En tout cas, on est preneur de tous les endroits où le réalisateur pourra continuer à partager sa poésie et son art.

Roberto Garçon

9. Ryan Gosling

Après une année 2017 record, enchaînant La La Land (pour lequel il décroche un Golden Globes et une nomination à l’Oscar, le sublime Song to Song et Blade Runner 2049, Ryan Gosling ne s’est pourtant pas absenté des plateaux de tournage. Avec un seul projet, il a réussi à monopoliser l’attention : First Man, 3e long-métrage très humaniste de Damien Chazelle. Gosling se retrouve habité par le personnage de Neil Armstrong, dans un film qui montre toute la dévotion d’un homme pour une cause, quitte à sacrifier sa personne et celles qui l’aiment. Mais l’année de Ryan Gosling ne s’est pas arrêté au cinéma. L’artiste, devenu réalisateur et auteur, compositeur, s’exerce désormais dans la photographie. Aux côtés de l’ONG Enough Project et du militant congolais Fidel Bafilemba, il capture des instants de vies torturées, montrant la souffrance de ce pays africain, à travers une histoire sur la colonisation brutale. Le livre Congo Stories a déjà récolté un florilège d’éloges de la part des critiques, faisant définitivement de Ryan Gosling un artiste aux multiples facettes.

Louis Verdoux

10. Spike Lee

2018 touche à  sa fin, il est alors temps de se lancer dans les traditionnels exercices de bilans de fin d’année. Avant de vous livrer nos films préférés et nos déceptions, les rédacteurs de Le Mag du Ciné ont décidé de revenir sur plusieurs moments qui ont marqué l’année audiovisuelle. Que ce soit une scène particulièrement marquante d’un film, un événement important pour l’industrie cinématographique, un souvenir de festival ou encore une série qui nous aura bouleversés, c’est au travers d’une douzaine d’instants que nos rédacteurs vont revenir sur une année particulièrement riche en émotions, qu’elles aient suscité joie, tristesse ou colère.

82 femmes sur les marches du Festival de Cannes

Par Gwennaëlle Masle

Avec un discours de la Présidente du Jury, Cate Blanchett, et celui de la cinéaste de la Nouvelle Vague, Agnès Varda, les femmes ont pris le pouvoir à Cannes le 12 mai 2018. Et c’était beau. L’image est forte et les photos uniques. 82 femmes de Céline Sciamma à Claudia Cardinale se sont rassemblées pour défendre l’égalité salariale et ce souvenir représente celui d’un Festival mémorable. On espère évidemment que cet instant marque un tournant dans le cinéma et dans cette égalité à toute échelle mais une chose est sûre, cette solidarité, cette entraide, ces poings levés font du bien. Outre le but même de cette action, la lutte est belle à voir et émouvante. Il est si important de voir que l’on peut encore se rassembler et se lever quand on a trop souvent voulu les faire taire. Il est si beau de voir que l’on peut encore s’aimer et s’aider quand on a trop souvent jugé les autres. Suivie de la projection de Les filles du soleil, cette montée des marches était un moment essentiel à Cannes cette année qui ne peut que retourner les cœurs et donner de la force. Même si certaines mesures ont été prises, pour certaines discutables, il reste des progrès à faire. La lutte continue et ne cessera jamais.

La quinzaine des réalisateurs

Par Sébastien Guilhermet

Le festival de Cannes, ce n’est pas simplement sa sélection officielle, son tapis rouge, sa croisette ou ses petits fours. Ce sont aussi des sections parallèles qui font tout la diversité et la grandeur de ce festival. Et même si la sélection officielle nous a fait découvrir de très beaux films, en compétition ou non, la quinzaine des réalisateurs a été l’une des attractions majeures de ces deux semaines intenses de cinéma. Cette année la quinzaine nous a offert un panel de cinéastes iconoclastes, au style graphique très prononcé, et aux univers aussi référencés qu’ésotériques. Ce fut Noël avant l’heure. Ce fut un plaisir quotidien de découvrir chacun des films sélectionnés, du possédé Climax de Gaspar Noé, au psyché et vengeur Mandy de Panos Cosmatos, du comique et burlesque En liberté de Pierre Salvadori, du funky et moderne Le Monde est à toi de Romain Gavras, du sanguinolent et mutique Les confins du Monde de Guillaume Nicloux, sans parler de Mirai, le petit dernier de Mamoru Hosoda. Joie, rire, éclats gores, montée ténébreuse, questionnement sur la famille, virée en enfer, redéfinition du gangster, La Quinzaine des réalisateurs 2018 fut une fête perpétuelle de cinéma.

La victoire de L’amour flou au festival d’Angoulême

Par Chloé Margueritte

Ils arrivent sur scène en pleurant, disant en souriant doucement « ça y est, on retombe amoureux », tout cela est aussi touchant que maladroit. Ils portent leur dernier bébé, soit le film pour lequel ils viennent de remporter le prix du public au festival du film francophone d’Angoulême. L’Amour flou des ex-amants (mari et femme) Romane Borhinger et Philippe Rebbot est à cette image-là : un film touchant et maladroit. Il s’agit en fait d’un rare moment de cinéma, tant il n’en est pas vraiment un, c’est un moment de pure liberté, qui dit que rien ne doit ressembler à ce qui existe déjà et que l’on peut alors tout inventer, même sa séparation. Que l’on peut même la filmer tiens, pourquoi pas. Que l’espace de cette séparation sera redéfini et qu’il deviendra un plateau de cinéma inattendu. Sur scène en tout cas, l’espace est envahi par ce couple de cinéma créé dans un moment où pourtant il aurait dû se défaire. Ils prennent donc les projections comme autant de cadeaux, pour un film qui ressemble à un adieu éternel l’un à l’autre, le public était plus qu’au rendez-vous à Angoulême, avec la troupe de comédiens et offre le cadeau d’un sourire, d’une larme, bref d’une vraie sincérité qui rappelle que le cinéma est aussi un moment de partage authentique et ça fait du bien !

Le monologue du père d’Elio dans Call me by your name

Par Roberto Garçon

« Look you had a beautiful friendship, maybe more than a friendship. And I envy you. » confie Michael Stuhlbarg, en père chaleureux, à son fils de fiction Elio, incarné par le fantastique Timothée Chalamet. A travers ces mots, le père entame un monologue bouleversant qui signe à la fois l’acceptation de l’homosexualité de son fils mais surtout un éloge de l’amour que vivaient Elio et Olivier. Derrière cette tirade, des mots universels qui parleront à tous ceux qui aiment et aimeront. Entre la pudeur et le non-dit, cette scène délivre un ultime message de bienveillance face à notre liberté et notre urgence d’aimer. A la fin de cette scène, qui ne s’est pas dit qu’il rêverait d’avoir un père pareil ? Autant dire que ce monologue réchauffe le cœur et lui donne envie de battre encore plus fort, face à une homophobie qui gangrène encore nos sociétés. Face à une actualité déprimante qui a ressorti le pire de ce que pouvait faire l’humain, Call me By Your name contre-attaque et nous donne à rêver. Arrivant sur la fin du métrage, cette séquence révèle encore plus la vérité de la merveille cinématographique de Luca Guadagnino : une exposition d’un amour vrai, passionné et jamais stigmatisé. Just remember our hearts and our bodies are given to us only once…

La scène du compositeur d’Under the Silver Lake

Par Jules Chambry

Under the Silver Lake est un film qui questionne la culture et notre rapport à elle, comment elle nous influence, voire nous détermine et, inconsciemment, manipule notre regard et nos relations sociales. Dans sa longue quête iconoclaste, le personnage principal incarné par Andrew Garfield parvient, après maintes étapes façon « chasse au trésor », à se rendre jusqu’au repère de celui censé pouvoir répondre à ses questions : le « compositeur ». Cet homme, joué par un jeune grimé en vieux, est étrange jusque dans son apparence qui sonne volontairement faux, comme masquée : il incarne un dieu qui aurait créé l’entièreté de la pop culture, des morceaux classiques aux plus grands tubes de rock, comme si tout ce qui constituait notre univers culturel était le fruit de l’imagination d’un seul homme qui créerait stratégiquement sa musique dans un but de manipulation, d’orientation des goûts. Or on le sait, la culture a ceci de mystérieux qu’on ne sait pas à quel moment une œuvre l’intègre, une autre la quitte, quels sont les critères de ce qui est « culte » ou culturel, ou encore qui en décide – d’où cette apparence de vieillard aux traits irréalistes : un dieu très ancien dont on ne peut déterminer l’âge, la morale, les intentions, c’est-à-dire l’identité. Under the Silver Lake offre ici une scène passionnante et troublante, mettant l’homme face à sa nouvelle religion : la culture, dans laquelle il s’aliène jusqu’à que celle-ci domine sa vie (ou menace les quelques réfractaire d’un coup de son fusil de l’intégration sociale…).

Le premier concert de A Star is Born

Par Jules Chambry

S’il y a bien une qualité que l’on n’enlèvera pas à A Star is Born, au-delà de sa bande-originale et de l’interprétation de ses acteurs, c’est sa virtuosité technique durant les scènes de concerts. S’ils sont tous réussis, celui où Ally monte pour la première fois sur scène est sans doute le plus mémorable d’un point de vue technique et émotionnel. On n’imagine pas à quel point il est difficile de filmer de faux concerts (Bohemian Rhapsody l’a très bien fait également, cette année), tant il faut une alchimie entre la fausse euphorie d’une foule qui se doit d’être crédible, la caméra qui doit se mettre au service de l’immersion, et la musique même qui doit offrir un rendu « live » et acoustique. Bradley Cooper fait des merveilles : même si la foule est peu montrée, la caméra préférant se focaliser sur les musiciens et les chanteurs, on la sent massive et impliquée ; les mouvements de caméra sont admirables, et participent indéniablement de ce rendu « live » puisqu’ils permettent une plongée au cœur de la scène, au milieu des câbles de guitare et des projecteurs, grâce à une caméra épaule incontrôlable. L’immersion est totale, tout est parfaitement calibré et pourtant l’impression d’imprévisible est là aussi : quand Ally rejoint Jack sur scène, le plan s’élargit pour laisser la place à l’ampleur de sa voix, et le talent de Lady Gaga fait le reste. On est alors tout entier empathique avec elle, le stress monte comme si l’on y était soi-même, la peur de ne pas prendre le train en marche ou de trébucher, dans ce monde fou des concerts où tout va si vite, où chaque intonation et chaque mouvement est réfléchi. C’est un saut dans un monde du spectacle aussi effrayant que grisant ; une leçon de musique comme de cinéma.

La richesse des comédies françaises de 2018

Par Gwenaëlle Masle

En Liberté, Le grand bain, Le monde est à toi, Mauvaises Herbes… Les comédies françaises vont bien cette année. Force de propositions et d’idées, le cinéma français a su s’armer d’une bonne dose d’humour même sur des sujets sérieux. Il est rare de voir des comédies intelligentes alors quand la France parvient à en proposer, il faut savoir le souligner. Marina Foïs le disait mieux que personne à propos du film de Lellouche, « C’est une comédie qui ne fait pas rire en se moquant. On rit avec et pas contre. » Et même si ce n’est pas toujours réussi, les comédies françaises ont au moins eu le mérite d’oser, d’innover, à l’instar d’Au Poste de Quentin Dupieux où l’originalité de la mise en scène était de mise. Et cette qualité dans le genre se retrouve d’ailleurs à Cannes où En Liberté ! et Le monde est à toi étaient présents à la Quinzaine des Réalisateurs, pour le grand bonheur du public, qui attend ce genre de surprises.

L’humanité de la série Pose

Par Maxime Thiss

Véritable bourreau de travail touche à tout, Ryan Murphy nous a offert en 2018 une énième création télévisuelle. Accompagné de son fidèle acolyte Brad Falchuck et Steven Canals, le showrunner s’est lancé avec Pose dans une reconstitution très fidèle du milieu des Ballrooms et du voguing dans le New York de la fin des années 80. Cependant ce qui a fait de Pose, la série immanquable de cette année, n’est pas son acuité à reproduire un univers avec une authenticité certaine à la manière de The Deuce de David Simon, mais bien sa galerie de personnages. Au travers de la maison Evangelista et des individus gravitant autour, les créateurs de Pose ont esquissé des portraits terriblement touchants, mettant en lumière des personnes transsexuelles comme jamais auparavant. Avec les interprétations remarquables de MJ Rodriguez, Billy Porter ou Indya Moore, Pose s’est facilement imposée comme un concentré d’humanité comme on en voit rarement à l’écran, et par ce biais devenir la plus belle chose qu’on ait pu voir sur un écran en 2018. Une série tour à tour galvanisante et émouvante, faisait poindre des larmes de tristesse ou de joie, comme dans ce sublime épisode de Noël, où la notion de famille est illustrée de la plus forte des manières.

La déception American Horror Story : Apocalypse

Par Vincent B.

« Le monde ne finira pas avec un boum, mais dans un soupir » disait T.S Elliot. C’est bien malgré lui que l’auteur résume l’état de ce qui était encore, quelques années auparavant, la série d’horreur ultime, celle derrière laquelle toutes les autres s’alignaient. Passé la surprise des trois premiers épisodes, présentant de nouveaux personnages et un contexte inattendu (un abri aux règles victoriennes trash), la lassitude se fait rapidement sentir. Ryan Murphy retombe rapidement dans ce qu’il sait faire de pire : l’auto-citation. Le cross-over annoncé entre les univers de Coven (saison 3) et Murder House (Saison 1), devient rapidement gonflant, tant les scénaristes passent leur temps à expliquer le retour de tel ou tel personnage, au lieu de développer l’intrigue initiale. Des éléments périphériques s’ajoutent (l’hôtel de la saison 5), et Apocalypse s’étire dans un interminable flashback, oubliant au passage tous les nouveaux personnages. Même les retours d’anciennes gloires de la série (Jessica Lange) apparaissent forcés. Nous aurions aimé apprécier cette nouvelle saison, mais passé la hype de l’annonce, elle s’est achevée dans l’indifférence générale devant cette auto-parodie involontaire à l’esprit camp trop outrancier pour convaincre. Presque un non-événement en fait… qui s’étale tout de même sur dix heures.

La claque Devilman Crybaby

Par Sébastien Guilhermet

La série Devilman Crybaby de Masaaki Yuasa est l’une des perles de l’année. Une œuvre, qui ne ressemble à aucune autre et qui traite avec folie et violence d’une humanité qui se désagrège. Gore à outrance, sexualisée de manière conséquente, cette série d’animation est aussi jouissive que pessimiste. Dans un monde contemporain, où un être mi homme mi démon va tenter de sauver l’humanité, son parcours va lui faire lever les yeux au ciel et comprendre que le pire ennemi de l’humain ne sont pas les démons mais l’humain en lui-même. L’humain est un fardeau, qui ne comprend pas le mal qu’il se fait. Courte, pleine de panache, la série est une sucrerie existentialiste, ténébreuse et terriblement mélancolique. Tout comme Paranoia Agent de Satoshi Kon, la série n’est pas qu’un simple défouloir : mais un portrait d’une société compétitrice, une jeunesse poussée dans ses derniers retranchements, aussi voyeuriste que déviante, qui délaisse ses individus et vit dans l’accumulation de regrets. Devilman Crybaby a cette odeur d’autodestruction incommensurable. Incroyable.

La lettre d’Icham dans Dix pour cent

Par Roberto Garçon

Alors que l’homosexualité et l’homoparentalité semblent être uniquement sources d’humiliation et de blagues attardées selon de nombreuses ridicules comédies françaises, la saison 3 de Dix Pour Cent arrive et délivre une séquence essentielle. Ichem Janowski, patron d’ASK, l’agence artistique au cour de la série, a été considéré comme un odieux personnage tout au long des deux dernières saisons. En cause, son caractère vantard et irrévérencieux, mais surtout son désir de tout contrôler jusqu’à vouloir imposer ses droits sur un enfant dont il est le père biologique mais accidentel. De son côté, Andréa, mère du futur bébé, tient de tout son cœur à fonder une famille avec Colette, son amour. Dans cette lettre face caméra, interprété avec justesse et pudeur par Assaâd Bouab, Ichem s’adresse aux deux mamans. En moins de deux minutes, la série Dix Pour Cent offre une scène inattendue et pleine de tendresse qui bouleverse cette fin de série. Dans un premier temps, le discours d’Ichem clôt le bec à tous ces manifestants qui s’opposent à la parentalité par des couples homosexuels. Dans un second temps, la série France 2 confirme une nouvelle fois l’universalité de ces thématiques, qui vont bien plus loin que le récit de caprices de stars.

La scène de danse du season finale de It’s Always Sunny in Philadelphia

Par Maxime Thiss

It’s Always Sunny in Philadelphia a toujours été connu pour son humour repoussant sans cesse les limites, ne se privant jamais d’aborder des sujets tabous de façon frontale et complètement absurde. Quel fut alors notre choc lorsque nous sommes arrivés aux 5 dernières minutes du final de la saison 13 « Mac finds his pride ». Un choc d’autant plus grand que les 15 premières minutes étaient peu inspirées, s’amusant à recycler des clichés éculés sur les gays à l’aide d’un Frank Reynolds complètement dépassé par son époque. Le contre-pied fut alors total lorsque Rob McElhenney nous offra, pour conclure l’épisode, une sublime séquence de danse entre Mac et une femme symbolisant Dieu. Depuis toujours, Mac a été dans un conflit perpétuel entre sa sexualité et sa foi, un affrontement qu’il symbolise au travers d’une danse entre lui et Dieu, sous la forme d’une femme, dansant au cœur d’une tempête. C’est au travers de cette chorégraphie accompagnée du morceau Varud de Sigur Ros, que Mac va pouvoir pleinement exprimer son homosexualité, offrant ainsi les 5 minutes les plus vibrantes et émouvantes de la série, nous laissant à l’image de Danny Devito complètement bouche bée.