LeMagduCiné

Après Un Peuple et son roi ou L’Empereur de Paris, en fin d’année dernière, l’année 2019 débute de la plus belle des manières avec Edmond, d’Alexis Michalik. Une proposition réjouissante qui suinte la passion pour la littérature, évidemment, mais aussi pour le Septième art.

Le cinéma français est une curiosité difficile à appréhender, noyée dans les comédies faciles ou les drames dépressifs, en tout cas dans un terre-à-terre qui ne fait pas franchement rêver. Il y a bien quelques ovnis, mais qui sont rapidement renvoyés d’un revers de la main dans la catégorie d’un cinéma de genre ou d’auteur pas assez lucratif. Toutefois, une dynamique nouvelle semble émerger depuis quelques temps : celle des films d’époque, qui font voyager dans la France des siècles derniers au moyen de costumes, décors et effets spéciaux bienvenus.

Adapté de la pièce de théâtre éponyme créée en 2016, par Michalik lui-même, le film prouve que le recours au cinéma n’était pas vain. Entre volonté de romancer et rigueur dans la reconstitution historique, Edmond met en scène la rocambolesque écriture de Cyrano de Bergerac par Edmond Rostand, face aux innombrables obstacles et contre-temps qui lui tombèrent sur le bout du nez (…) alors même que le temps lui manquait. Aussi l’urgence de l’écriture permet-elle au film de trouver un souffle régulier, une vivacité équilibrée. On ne s’ennuie jamais.

Visuellement, le film est beau : la variété des costumes, les décors (des rues aux théâtres, en passant par les cafés) sonnent juste, et même les quelques effets numériques utilisés lors des plans larges surplombant Paris sont plus qu’honnêtes. Bien que l’action se déroule essentiellement sur les planches ou dans la maison d’Edmond Rostand, le film respire et ne donne jamais l’impression d’être étouffé par ses moyens.

Cette générosité se retrouve également dans la mise en scène, étonnamment virtuose et inspirée. La caméra est libre, positionnée au cœur de la troupe d’acteurs même lors des représentations, plaçant le spectateur lui-même sous le feu des projecteurs. Ainsi la nervosité est-elle palpable, l’humanité des acteurs transparente derrière le masque de leur personnage ; on est assez près des visages pour en deviner les hésitations, les crispations, les joies contenues. Pourtant le spectacle demeure en même temps total, grâce à un montage intelligent et moderne (notamment lors des répétitions), vif, qui par sa seule ingéniosité déclenche à plusieurs reprises le rire. Une manière de filmer à l’américaine, mais dans le bon sens du terme, même si l’on regrettera – en chipotant – une réalisation parfois trop littérale.

La force du film tient indubitablement à son casting et sa galerie de personnages hauts en couleur. Coquelin, l’acteur interprète de Cyrano (incarné par le merveilleux Olivier Gourmet), est un hurluberlu incontrôlable, narcissique et obstiné ; pourtant son amour pour la langue et son dévouement total pour le rôle en fait un personnage touchant, un héros comique au potentiel tragique immense. Edmond Rostand s’avère fascinant, et Thomas Solivérès est parfait : un jeune homme à l’ambition littéraire débordante, qui s’enferme dans le travail au dépens de sa vie de famille. L’inspiration plutôt que l’amour, le temps d’avoir achevé sa pièce. Le reste de la bande est tout aussi convainquant, avec pléthore de rôles secondaires jamais de trop.

Néanmoins le bémol concerne l’écriture et la structure narrative. On notera quelques facilités, notamment dans les rencontres fortuites et les coïncidences qui permettent de faire progresser le récit et franchir les obstacles sans trop de heurts. De même pour le schéma narratif, qui répète une structure assez convenue (avancée de l’écriture, répétition avec les acteurs, obstacle – personnel ou à l’échelle de la troupe –, résolution, retour à l’écriture, etc). Toutefois, chacune des déclinaisons de ce même motif est si bien menée qu’il serait hypocrite d’en tenir réellement rigueur, d’autant plus que le film possède une dimension cartoonesque évidente, inhérente au fait qu’il était à l’origine une pièce de théâtre qui se veut par définition moins « réaliste » que peut l’être un film.

Ainsi Edmond développe-t-il son histoire avec maîtrise et passion, soucieux de mettre au centre de l’attention le couple Edmond-Coquelin, ou plutôt Edmond-Cyrano, puisque ce dernier sonne évidemment comme le reflet poétique du jeune écrivain : parallèle que le film exploite efficacement, sans tomber dans l’identification facile et peu subtile, mais en montrant au contraire, par l’alternance entre le récit de la vie personnelle d’Edmond Rostand et celui de la naissance progressive de Cyrano, l’infranchissable gouffre qui sépare l’auteur de son personnage, malgré leur connivence. Le film disserte sur cette aliénation du créateur dans sa créature, à quel point celle-ci le tient éloigné de sa réalité et de ceux qui l’aiment, le positionnant, sa troupe et lui, seuls face à tous ; pour finalement, lors d’un final à l’émotion incontestable, le ramener à lui-même et faire de cette longue dépossession une épreuve salutaire dont il sort transfiguré.

Edmond est un film qui force l’enthousiasme, parce qu’il est écrit et réalisé par un Alexis Michalik passionné qui domine son sujet, interprété par des acteurs investis, et qu’il permet à cette pièce de théâtre d’atteindre sa forme la plus noble et de franchir avec brio le cap (…) périlleux de l’adaptation. On en ressort heureux, avec pour seule envie de plonger dans Cyrano de Bergerac – et d’espérer revoir très vite certaines têtes mémorables, qui redonnent foi en un cinéma français décidément surprenant.

Bande-annonce – Edmond

Synopsis : En 1897, à Paris. Le jeune Edmond Rostand n’a rien écrit depuis deux ans lorsqu’il propose un rôle au célèbre Constant Coquelin. Le seul problème : la pièce n’est pas écrite, il n’a que le titre : Cyrano de Bergerac. Entre les histoires d’amour de son meilleur ami, les caprices des actrices, la jalousie de sa femme, le manque d’enthousiasme de son entourage, Edmond se met à écrire cette pièce à laquelle personne ne croit.

Fiche technique – Edmond

Réalisateur : Alexis Michalik
Scénario : Alexis Michalik
Acteurs : Thomas Olivérès, Olivier Gourmet, Lucie Boujenah, Tom Leeb, Mathilde Seigner
Photographie : Giovanni Fiore Coltellacci
Décors : Franck Schwarz
Costumes : Thierry Delettre
Producteurs : Alain Goldman, Benjamin Bellecour et Vanessa Djian
Société de production : Gaumont
Durée : 110 minutes
Genres : Comédie dramatique, historique, biographie
Date de sortie : 9 janvier 2019

France – 2019

Carlos Eduardo Roberto Puch, est le serial killer le plus célèbre d’Argentine. Arrêté en 1972 alors qu’il a à peine 20 ans, il est condamné à perpétuité pour onze meurtres, deux viols, et dix-sept agressions. Peine qu’il continue toujours de purger dans une prison de haute sécurité. L’Ange, le premier film du réalisateur argentin Luis Ortega lui est librement consacré.

On comprend vite pourquoi Luis Ortega a choisi pour son premier film ce personnage fascinant. A la fois ange – visage poupin, boucles blondes, lèvres généreuses – et démon, Carlos est un « monstre » au sens premier du terme, celui qui génère du désordre, celui que l’on montre du doigt, celui que les Argentins désignèrent par le surnom oxymorique d’Ange noir. Mais loin d’en faire un portrait réaliste et sombre, le réalisateur opte au contraire pour une mise en scène baroque où humour absurde et décors kitchs ne cessent de nous faire oublier qu’on a affaire ici à un des pires assassins que le monde ait connu. C’est la première bonne surprise du film, ce ton décalé dans le traitement d’un personnage qui ne manque jamais de nous surprendre.

Dès la première scène, Carlos entreprend le cambriolage d’une demeure bourgeoise, en pleine journée, avec une insouciance manifeste, mélange de décontraction et d’assurance absolue. A la différence des monte-en-l’air masqués auxquels le cinéma nous a habitué, celui-ci est à peine intéressé par les bijoux ou l’argent qu’il y trouve. Il jette plutôt son dévolu sur un disque qu’il ne tarde pas à écouter sur les lieux mêmes de son forfait, se déhanchant de manière sensuelle face caméra sur un tube de l’époque.

La sensualité est précisément ce qui va intéresser Luis Ortega. Après que Carlitos ait fait la connaissance de Ramon, un camarade de lycée, le réalisateur va mettre en opposition les corps des deux jeunes hommes. Celui de Ramon, empreint d’une virilité très sud-américaine et celui de Carlos, tout en ambiguïté : un regard de gosse mais le geste implacable, une bouille d’ange à faire tomber les filles mais une fascination pour le sexe masculin, une mâle assurance mais un visage que le jeune homme lui-même ne cesse de vouloir féminiser. Le réalisateur ponctue régulièrement l’histoire d’épisodes mettant en scène la dimension androgyne et homosexuelle de l’Ange de la mort qui précisément fit fantasmer les foules.

Pour autant, cette ambivalence affichée n’est pas forcément l’aspect le plus intéressant du personnage qui à certains égards dénote bien davantage par sa radicalité et sa toute-puissance. Aux côtés de « Blondinet », le père de Ramon, malfrat expérimenté et bourru, passe pour un enfant de chœur. Il y a par moment dans le comportement de Carlos, comme dans son regard, la même détermination que chez l’Alex d’Orange mécanique. L’un comme l’autre ne font pas dans la demi-mesure. Flingue en main, Carlos tue, instantanément et impitoyablement ; on le missionne pour voler une ou deux armes, il ressort avec toute l’armurerie et lorsque son compagnon de forfaitures commence à donner des signes de faiblesse, c’est de la manière la plus radicale qu’il règle le problème.

Mais en revendiquant son droit à voler et à tuer au gré de ses désirs – Carlos incarne à sa manière une forme de liberté funeste mais absolue. Une liberté que Luis Ortega oppose en filigrane à la violence policière du régime militaire comme l’illustre l’étonnant dernier plan du film.

 Une formidable interprétation du jeune Lorenzo Ferro pour un film captivant.

Bande annonce – L’Ange

Fiche Technique – L’Ange

Réalisateur : Luis Ortega
Scénariste : Luis Ortega, Rodolfo Palacios, Sergio Olguin
Directeur de la photographie : Julian Apezteguia
Distributeurs (France) : UGC Distribution
Genre : Drame/ Serial Killer
Durée : 1h58
Date de sortie : 9 janvier 2019

Argentine – 2018

Avec Border, Ali Abbasi nous transporte à la frontière des genres. Il délivre une fable  sur l’acceptation de soi et la différence, tout en l’ancrant dans un réalisme répugnant. Une dualité qui lui permet également de pleinement questionner l’opposition entre bête et humain.

Si la compétition internationale du festival de Cannes n’a pas été tendre avec le cinéma de genre comme en témoigne les snobs par la presse et le jury de Un couteau dans le coeur et Under the Silver Lake, un film fantastique a cependant réussi à tirer son épingle du jeu. Lauréat du prix un Certain Regard, Border, deuxième film de l’irano-suédois Ali Abbasi a eu son  petit effet sur la croisette. Après un premier film, Shelley, un poil raté qu’on se le dise, recyclant sans âme Rosemary’s Baby, Abbasi s’est cette fois-ci associé à John Ajvide Lindqvist. Le romancier suédois est surtout connu pour son roman Laisse-moi entrer qui aura été adapté en 2008 par Thomas Alfredson sous le titre de Morse. Une œuvre qui avait également fait sensation nous montrant une cinéma nordique à la fois poétique et bouleversant, se réappropriant avec intelligence le mythe éculé des vampires, et questionnant la nature humaine. Avec Border, le programme n’est au final pas très éloigné.

Abbasi nous emmène à la rencontre de Tina, une douanière au physique disgracieux. Grâce à un odorat très développé, Tina arrive à sentir les sentiments de haine ou de culpabilité chez les gens. De part sa différence physique, Tina a tout au long de sa vie questionné sa nature, et la rencontre avec Vore, un de ses semblables va bousculer son existence. Comme le titre l’indique, la notion de frontière agit au cœur du récit de Border. De manière très pragmatique dans un premier temps avec l’emploi de Tina. Son don lui permettant de découvrir des choses cachées comme une carte mémoire remplie de pédopornographie. Mais ce qui intéresse avant tout Abbasi, c’est la frontière entre l’homme et la bête. À cause de son allure bestiale, Tina subit constamment le regard  des autres. Bien que menant une vie normale, possédant une maison et un conjoint, Tina ne se sent pas forcément à sa place. C’est dans la nature qu’elle va alors chercher le réconfort, bénéficiant d’une connexion particulière avec la faune des forêts scandinaves. Le jour où elle fait la connaissance de Vore, Tina va pouvoir enfin pleinement accepter ce qu’elle est. C’est une véritable redécouverte qui va avoir lieu.

Comme dans d’autres films de monstres, Abbasi s’attache à montrer l’humanité qui peuple Tina. Elle arrive en effet à se sociabiliser, fait preuve d’empathie avec le monde qui l’entoure. À l’aide du couple Vore/Tina, c’est d’ailleurs l’un des sentiments les plus humains qu’exprime Abbasi, celui de l’amour. Cette confrontation bête/humain atteint d’ailleurs son point culminant dans une fameuse séquence de sexe, particulièrement étrange et d’un intimité extrême, exprimant de façon bestiale des sentiments particulièrement forts. De façon inverse, le monde humain est alors dépeint comme rempli de terribles personnes. Abbasi n’hésitant pas à aller dans le sordide (marque de fabrique des films nordiques) en suivant en parallèle une enquête sur un groupe de pédophiles. Roland, le conjoint de Tina est lui aussi montré comme quelqu’un de vil. L’homme n’hésitant pas à s’introduire avec force dans le lit de Tina. Une approche de la dualité monstre/humain intéressante bien que déjà vue et revue à de nombreuses reprises (comme la Forme de l’eau l’an dernier). Abbasi a cependant l’intelligence de ne pas tomber dans un discours manichéen, et nuance son propos. Le film en vient donc à questionner non pas la frontière entre monstre et homme, mais plutôt entre le bien et le mal.

Si Tina dispose d’une bonté naturelle, c’est davantage vers Vore que cette dualité va s’exprimer. Tout n’est pas blanc ou gris, et la personnalité tumultueuse de Vore en est l’expression la plus réussie. Arraché de son environnement par les humains, Vore y cherche une revanche. C’est d’ailleurs au travers des yeux de Tina que la nature réelle de Vore va s’observer. Elle le voit dans un premier temps comme une menace, faisant preuve d’une méfiance anormale envers cette personne semblant si familière mais également étrangère. Vore va cependant lui accorder ce qu’elle a toujours ignoré, la vérité sur son origine. Elle en tombe amoureuse, et le voit comme un sauveur, comme une corde de sortie. Tout cela avant qu’elle ne découvre le véritable dessein de Vore. L’ambiguïté est le moteur de Border. Une ambiguïté qui s’exprime jusque dans le sexe de ses protagonistes. Si à première vue, Vore semble être un homme de part sa pilosité abondante, on découvre qu’il possède un vagin. Les trolls de Abbasi sont des créatures hermaphrodites.

À la fois fable sur l’acceptation et la différence, film policier avec une enquête servant de fil conducteur à une partie du récit, Border se situe également à la frontière des genres. Comme Morse avant lui, le film d’Abbasi alterne entre moments de poésie gracieuse et réalisme sordide. Sa mise en scène en est l’expression de ses personnages, à la fois fascinante et étrange. N’hésitant pas à flirter avec l’obscène pour en délivrer une intimité parfois dérangeante, Abbasi a très bien compris comment allier le fond et la forme de son histoire. Avec ce deuxième film, il fait preuve d’une plus grande maturité et frappe l’un des premiers grands coups de l’année cinéma 2019.

Border – Bande Annonce

Border – Fiche Technique

Réalisation : Ali Abbasi
Scénario : Ali Abbasi, Isabella Eklöf, John Ajvide Lindqvist, d’après la nouvelle Gräns de John Ajvide Lindqvist
Interprétation : Eva Melander, Eero Milonoff, Viktor Akerblom, Matti Boustedt, Jörgen Thorsson
Image: Nadim Carlsen
Production : Nina Bisgaard, Peter Gustafsson, Petra Jonsson
Société de production: META Film, Black Spark Film & TV et Karnfilm
Distributeur: Metropolitan Filmexport
Durée : 1H48
Genre : fantasy, drame
Date de sortie : 9 janvier 2019

Suède – 2018

L’œuvre de Hu Bo est un des moments cinématographiques importants de l’année 2019. C’est indéniable. An Elephant Sitting Still est un bloc de cinéma mouvant et ténébreux, qui suit le destin de 4 personnes portant sur leurs épaules les stigmates d’une Chine à la misère sociale ravageuse. Une montagne de spleen inoubliable.

Premièrement de sa part sa longueur (4h) qui pourrait en dérouter plus d’un et deuxièmement de par son sujet. Sans rentrer dans des détails funèbres, notamment sur le suicide du cinéaste quelques mois après avoir tourné ce film, An Elephant Sitting Still est doté d’une amertume totale, où le récit et sa mise en place visuelle matérialisent avec beauté la définition même du spleen, de cette errance qui ne peut plus s’accommoder du réel. Rares sont les longs métrages qui happent de cette manière, qui agrippent sans concession, qui sondent avec autant d’émotion les regards dans le vide et qui voient leurs personnages tomber dans les méandres d’une Chine contemporaine asphyxiante et déshumanisée.

Faite de plans séquences qui aiment scruter de près les visages des personnages pour mieux les isoler du cadre et dévoiler leur solitude face à un environnement décharné, flou, la mise en scène est l’un des atouts majeurs du film, mise en scène qui voyage au grès des mouvements, qui dissèque autant qu’elle se laisse divaguer au travers des corps « inertes ». C’est alors que l’aventure commence et voit naître un film choral sur le destin de plusieurs personnes prises au piège d’une société violente, envieuse, cupide et dont les parcours vont s’entrecroiser : entre ce jeune lycéen victime d’une bagarre qui a mal tourné, un homme qui a vu le mari de son amante se défenestrer, un grand père qu’on veut envoyer en maison de retraite ou cette lycéenne qui entretient des rapports haineux avec sa mère.

C’est donc un chaos urbain qui se dénude devant nous: une virée dans les tréfonds d’un pays en décomposition, qui marginalise les plus faibles et crée ses propres monstres. Comme l’exemple de ce lycée de quartier qui va fermer et dont la seule solution qui s’offre à certains de ces lycéens est de partir et devenir des voleurs à la sauvette – quand l’éducation d’une jeunesse est vendue à l’économie de marché – et seule la rue devient alors un refuge. C’est un exemple comme un autre. Accrochée à ses personnages, attachée à faire ressentir les humeurs de chacun, la caméra distille sa violence avec intelligence, à l’image de ce travelling incroyable dans une maison de retraite montrant les chambres parsemées de « morts vivants » laissés pour compte, un enfer sur Terre peuplé de cellules criantes de douleur.

Car la violence du film n’est pas simplement physique. Malgré les coups, les morts, les suicides qui sont montrés hors champ la plupart du temps, la violence est avant tout sociétale, qui pousse ces habitants à vouloir plus, à se laver les mains de toute culpabilité et où l’envie de faire peur et de vaincre l’autre est synonyme de réussite. Quand on regarde l’affranchissement de cette Chine là, cette façon d’aborder la déconfiture d’une jeunesse chinoise aux abois, on pense bien évidemment à Jia Zhangke et ses récits dévastateurs sur son pays natal, et lorsqu’on se laisse bercer par cette caméra flottante, ces interludes musicaux on se voit plonger chez Gus van Sant ou Bi Gan.

An Elephant Sitting Still se regarde comme pourrait s’écouter les albums « ambient » de Brian Eno ou The Sight Below: avec ses longues plages qui répètent les mêmes textures, qui décalquent les mêmes structures pour mieux nous immerger dans cette atmosphère délétère et nous faire rentrer dans une bulle d’émotions disparates. Ce récit qui se construit à travers une architecture souvent symétrique n’est jamais redondant, ni se révèle jamais assommant, car la puissance iconique, cette fuite en avant magistrale vers l’espoir et l’optimisme, le visage du cadre est passionnant à observer. Le film souffre peut être de quelques longueurs, de quelques moments de flottements, mais est souvent touché par la grâce, où il est beaucoup question de vie, de regrets qui s’immergent, de pulsations mortifères, de moments de fulgurances sensationnels et d’une lévitation dans les ruelles délabrées d’une Chine dévastée. Monumental. 

Synopsis: Au nord de la Chine, une vaste ville post-industrielle et pourtant vide, plongée dans un brouillard perpétuel qui semble piéger ses habitants. Un matin, une simple altercation entre deux adolescents dans un lycée dégénère et va souder les destins de quatre individus brisés par l’égoïsme familial et la violence sociale. Une obsession commune les unit : fuir vers la ville de Manzhouli. On raconte que, là-bas, un éléphant de cirque reste assis toute la journée, immobile…

Bande Annonce – An Elephant Sitting Still

Fiche Technique – An Elephant Sitting Still

Réalisateur : Hu Bo
Scénariste : Hu Bo
Directeur de la photographie : Fan Chao
Distributeurs (France) : Les Bookmakers / Capricci Films
Genre : Drame
Durée : 3h50
Date de sortie : 9 janvier 2019

Chine – 2018

Après son premier film, Irréprochable, qui mettait en scène une Marina Foïs très ambigüe, Sébastien Marnier choisit son duo de comédie Laurent Lafitte pour porter à l’écran une cause très actuelle, l’écologie. Exercice de style ou réelle intention ? Le réalisateur se perd un peu dans ce qu’il veut montrer, et crée une œuvre fade avec L’heure de la sortie.

Nul doute que Laurent Laffite fait désormais partie de ces acteurs capables de jouer autant des personnages comiques que graves, et sa capacité à alterner les deux est tout à fait remarquable. Mais l’acteur de la Comédie Française serait peu de choses dans ce film s’il ne donnait pas la réplique à une bande de gamins très prometteurs. Menée par Luàna Barjani, cette bande d’ados insupportables est surprenante, tant dans ses interprètes que dans le symbole qu’elle représente. Le réalisateur a l’audace de mélanger une jeunesse méprisante et irrespectueuse avec un sujet qui demande pourtant le plus grand respect et l’intelligence suffisante pour avoir conscience de l’urgence écologique dans laquelle on se trouve. Difficile d’apprécier ces jeunes malgré leur engagement, tant leur caractère irrite les poils ; mais ces nouveaux talents jouent en tout cas très bien le jeu. 

Cependant, quelques problèmes font rapidement apparition dans l’œuvre. Tout au long du film, le public attend quelque chose. Une confrontation, un chaos, un éclat, un moment venant casser le rythme qui n’arrive jamais. Le ton reste le même pendant tout le film et fait perdre toute intensité au message qu’il souhaite faire passer. Irréprochable avait réussi à entraîner le spectateur dans une grande ambiguïté entre Marina Fois et Joséphine Japy et à faire entrer le public dans cette relation malsaine et dérangeante. Ici, le climat flotte et on ne peut nier l’ambiance permanente qui se dégage du long métrage, mais le cinéaste ne propose rien de plus qu’une atmosphère gênante entre un prof et ses élèves. L’heure de la sortie fait partie de ces films sur lesquels il est difficile de mettre des mots pour exprimer son ennui et la raison de celui-ci. Malgré la tension haletante symbolisée par des lumières qui tremblent, une invasion d’insectes, ou encore des appels masqués, le film tient à distance le spectateur par son manque de rebondissement et d’intensité. Les seules aérations accordées sont celles des seconds rôles comme Emmanuelle Bercot ou Gringe, qui passionnent presque plus que l’intrigue centrale en amenant un vent frais dont le film a besoin pour respirer. 

Avec une fin aussi irréaliste dans son approche et son apparition, dans une lutte pourtant bien réelle, le film, malgré son intention claire, s’égare un peu dans un exercice formel qui ne fonctionne pas. Les images documentaires montrées tout au long de celui ci rendent, elles, hommage au besoin réel de changement écologique ; mais le cinéaste finit par se vautrer avec une issue, qui certes, nous rappelle à de vrais évènements, mais ne convainc pas du tout par sa mise en scène. Dommage quand tout reposait sur l’amorce de celle-ci, qui devait être le coup de massue final. L’heure de la sortie est plein de bonnes idées et pourrait être important dans ce qu’il dit du monde actuel, mais son manque d’ardeur ne permet pas au film de s’envoler. 

L’heure de la sortie : Bande Annonce

L’heure de la sortie : Fiche technique

Réalisation : Sébastien Marnier
Scénario : Elise Griffon, Sébastien Marnier
Interprétation : Laurent Lafitte, Emmanuelle Bercot, Gringe, Luàna Barjani, Adèle Castillon
Image: Romain Carcanade
Productrice : Caroline Bonmarchand
Société de production: Avenue B Productions
Distributeur: Haut et Court
Durée : 1H43
Genre : thriller
Date de sortie : 9 janvier 2019
France

Rencontre Tinder, vacances en couple, autant de clichés déjà connus de la comédie française que l’on imagine difficilement comment le film pourrait nous surprendre. Sans réellement le faire, Premières Vacances arrive pourtant à nous satisfaire avec un duo fort en vannes.

Au départ, rien de très original, un couple que tout oppose pour une comédie romantique, la recette a déjà été servie de nombreuses fois en France sans grande étincelle. Patrick Cassir reprend les mêmes ingrédients pour servir un plat léger où Camille Chamoux, également co-scénariste, donne la réplique à un Jonathan Cohen tout en manières. Le film emmène les spectateurs exactement là où ils s’y attendent et pourtant, le moment reste sympathique. Dans l’ère du temps, la comédie narre une rencontre Tinder avec des sketchs totalement modernes qui rappelleront à beaucoup des moments de vie en vacances et de longues disputes. Il ne s’agit pas ici d’un coup d’éclat mais disons que Premières Vacances a le mérite de prouver que l’on peut dire des choses en faisant rire, en restant léger. Quelques blagues peu garnies font évidemment surface, comme on s’y attend mais sont rapidement oubliées à la faveur d’une comédie agréable.

Le casting très talentueux est bien doué pour amuser la galerie et le duo Cohen/Chamoux est pétillant de bonne humeur.  Tout comme les seconds rôles que l’on trouve en Camille Cottin, Jérémie Elkaïm ou encore Vincent Dedienne, qui font toujours des apparitions remarquées, desquels on aurait aimé en voir plus d’ailleurs. Les nouvelles têtes de la comédie française font du bien à voir et l’on oublie un peu tous les ratés portés par les formules Franck Dubosc ou Kev Adams. Après une année 2018 où la comédie française a beaucoup donné, le long métrage s’inscrit dans une lignée comique mais intelligente où l’on cherche à aller un peu plus en profondeur. Mais le film a du potentiel qu’il n’exploite pas forcément en restant assez basique dans son écriture. Premières Vacances reste une jolie fable sur les débuts de relation et sur le couple tout court où les compromis et le juste milieu doivent toujours être de mise pour que chacun s’y épanouisse. L’aventure est aussi agréable que le confort parfois et ce voyage remplit sa mission de divertir plutôt que d’épater. Sans réellement innover dans son scénario et sa mise en scène, Cassir se contente de réussir une bonne comédie et c’est déjà ça.

Premières Vacances : Bande Annonce

synopsis : Marion et Ben, trentenaires, font connaissance sur Tinder. C’est à peu près tout ce qu’ils ont en commun ; mais les contraires s’attirent, et ils décident au petit matin de leur rencontre de partir ensemble en vacances malgré l’avis de leur entourage. Ils partiront finalement… en Bulgarie, à mi-chemin de leurs destinations rêvées : Beyrouth pour Marion, Biarritz pour Ben. Sans programme précis et, comme ils vont vite le découvrir, avec des conceptions très différentes de ce que doivent être des vacances de rêve…

Premières Vacances : Fiche Technique

Réalisation : Patrick Cassir
Scénario: Camille Chamoux et Patrick Cassir
Interprétation : Camille Chamoux, Jonathan Cohen, Camille Cottin, Jérémie Elkaïm, Vincent Dedienne
Image: Yannick Ressigeac
Montage: Stéphane Couturier
Musique: Alexandre Lier, Sylvain Ohrel, Nicolas Weil
Producteur(s): Michaël Gentille,
Société de production: The Film
Distributeur: Le Pacte
Durée : 1h42
Genre : comédie
Date de sortie : 2 janvier 2019

France – 2019

Alors qu’elle vient tout juste de commencer, l’année 2019 nous offre avec délicatesse, Asako de Ryusuke Hamaguchi. Une œuvre, touchante et fine sur le poids du premier amour et sur la définition même d’aimer quelqu’un à travers le temps.

Cette mise à nu des sentiments joue sur les notes de sobriété orchestrées par la mise en scène du cinéaste. Un peu à l’image d’Asako, taiseuse, légère mais déterminée, le film puise dans la beauté lancinante de ses cadres pour voir éclore quelques moments d’étincelle: cette première rencontre romantique avec Baku, ce départ inopportun et déclencheur de tout un bouleversement ou cette course incessante sous la pluie pour rattraper le temps perdu et l’être aimé. Ce portrait de femme est sensible, affiche avec bienveillance les ambiguïtés d’une même personne, ses contradictions les plus inconnues, mais s’avère être une porte d’entrée pour le réalisateur pour mieux disséquer une société japonaise, qui derrière son accomplissement par l’acharnement au travail et la compétition, est aussi une société qui tente de cicatriser ses plaies par la solidarité et la douceur de vivre dans un environnement paisible.

Quand bien même la romance s’avère un peu abrupte dans son approche narrative, ce trio amoureux, qui n’en est pas un au final, n’est qu’un simple subterfuge pour le cinéaste, afin d’arpenter les limbes du passé et décrire le douloureux passage de flambeau entre le passé et le présent. Comment fait on pour se réécrire et surmonter le deuil du premier amour. D’un côté, il y a le passé d’Asako, le premier amour, le fantôme de Baku avec ses allures de rock star pour midinettes, devenu acteur et mannequin, qui un soir, n’est jamais revenu. Et de l’autre, le nouvel amoureux, plus traditionnel, celui qui est présent, rassurant et à l’écoute, le gentil bon père de famille, Ryohei.

Alors que la ressemblance entre les deux hommes est frappante, le réalisateur a cette bonne idée de ne pas grossir les traits de leurs personnalités, afin ne pas faire tomber son film dans les contrées du drama cheap. Dans le traitement visuel qui est fabriqué autour de cette romance, Hamaguchi utilise beaucoup le cadre, le mélange des reflets, cette idée du miroir pour voir vers l’avant de l’horizon et l’aspect fantomatique de l’indécision autour de la présence de ses personnages. Pour mieux symboliser le fuite, et séparer le réel de la volonté. Car le fil rouge du récit, l’élément qui perturbe l’avancée d’Asako dans sa vie de tous les jours est ce questionnement perpétuel entre l’oubli d’un amour qui a creusé des failles en elle-même et sa volonté de voir au-delà des ressemblances, et d’aimer à nouveau.

Dans cette quête identitaire, le film prend un rythme lancinant, éclaire les gestes du quotidien et s’immisce dans un environnement naturaliste. Asako, le film, parle de l’amour au quotidien face à celui qui est fugace, déclenche autant les rires que les larmes. Il y a une douceur de vivre qui se dégage du film, chose qui provient de cet assemblage subtil des scènes de vie quotidienne – repas entre amis ou accolade intime avec l’être aimé – et de part sa finesse, le long métrage arrive malgré tout à faire ressurgir la violence existentialiste qui émane d’Asako: ce précipice qui pourrait nous pousser à tout plaquer pour rejoindre le souvenir enchanté d’un amour éteint. Derrière le sourire de façade, il y a un volcan qui sommeille en elle et c’est à Asako de savoir si elle désire le voir naître au grand jour. 

Synopsis : Lorsque son premier grand amour disparaît du jour au lendemain, Asako est abasourdie et quitte Osaka pour changer de vie. Deux ans plus tard à Tokyo, elle tombe de nouveau amoureuse et s’apprête à se marier… à un homme qui ressemble trait pour trait à son premier amant évanoui.

Bande annonce – Asako I et II

Fiche technique – Asako I et II

Réalisateur : Ryusuke Hamaguchi
Scénariste : Ryusuke Hamaguchi
Casting : Masahiro Higashide, Erika Karata
Distributeurs (France) : Art House
Genre : Film d’animation
Durée : 1h59mn
Date de sortie : 2 janvier 2019

Japon – 2018

Avec Bienvenue à Marwen, Robert Zemeckis démontre encore une fois que pour conter des histoires extraordinaires, il faut avoir recours à des moyens qui eux aussi sortent de l’ordinaire. En faisant le portrait de l’artiste Mark Hogancamp, le réalisateur américain fait donc une nouvelle fois appel à la motion capture, procédé qu’il avait démocratisé dans les années 2000.

Bien que faisant preuve d’un éclectisme certain en allant du film d’aventure à la science-fiction en passant par le conte, la filmographie de Robert Zemeckis possède pour liant un goût pour l’expérimentation. Qu’importe le sujet de son film, le cinéaste américain a toujours eu pour but de transcender le médium cinématographique. On le remarque avec une de ses œuvres emblématiques, Qui veut la peau de Roger Rabbit ? sorti à la fin des années 80 qui mêlait prises de vue réelles et animation tout en créant une interaction entre personnages animés et acteurs. Une recherche formelle qui a atteint son point culminant dans les années 2000, où Robert Zemeckis s’est donné corps et âme dans la motion capture, révolutionnant la mise en scène de l’animation. Une prouesse technique qui n’aura pas forcément convaincu tout le monde, mais qui a permis avec Beowulf par exemple, de s’affranchir de certaines limites et de retranscrire à la perfection le caractère épique de l’œuvre. Cette technique d’animation lui permet également de s’aventurer pleinement sur le terrain de la 3D. Un univers qu’il appliquera au cinéma « traditionnel » avec The Walk sorti en 2015. Le réalisateur y retrace l’exploit de Philippe Petit, funambule français ayant rejoint les deux tours jumelles de New York à l’aide de son câble. À travers cette histoire hors du commun, Zemeckis , qui voulait dans un premier temps avoir recours à la motion capture, trouve un terrain idéal pour continuer son exploration de la 3D, retranscrivant à merveille la prouesse vertigineuse de Petit.

Même si Zemeckis a pondu au fil du temps nombreuses œuvres cultes dont la plus célèbre restera la trilogie Retour vers le futur, l’américain essuie de nombreux échecs critiques et publiques (notamment sur son territoire). Ce ne sont pas les premiers retours désastreux en provenance des États-Unis pour son dernier film qui nous feront dire le contraire. Pourtant avec Bienvenue à Marwen, Zemeckis offre un divertissement à la fois touchant et inventif. En contant cette fois-ci l’histoire de Mark Hogancamp, photographe américain traumatisé par une agression haineuse qui se reconstruit au travers de son imaginaire, Zemeckis y trouve un sujet parfait pour sa vision du cinéma. Passionné par la seconde guerre mondiale et les talons aiguilles, Mark Hogancamp a crée dans son jardin le village de Marwen, hameau belge pris au cœur du conflit dans lequel évoluent plusieurs poupées dont Hogie, un soldat américain alter-ego de Hogancamp et diverses femmes inspirées de celles qui ont marqué plusieurs étapes de sa vie. Le photographe met alors en scène la lutte sans relâche entre Hogie et ses drôles de dames face à une armée de nazis sous l’œil maléfique d’une certaine sorcière répondant au doux nom de Deja Thoris.

L’imaginaire de Mark Hogancamp prend alors vie sous la caméra de Robert Zemeckis. En ayant une nouvelle fois recours à la motion capture, le metteur en scène fait bouger les poupées de Hogancamp, donnant lieu à bon nombre de séquences d’action dignes de grands films de guerre, voire même de western (cette séquence de l’arrivée des femmes de Marwen pour sauver Hogie est tout bonnement grisante). Repoussant constamment les limites de sa mise en scène, Zemeckis fait cohabiter la motion capture du monde des poupées aux prises de vue traditionnelles du monde réel, et ce avec une fluidité exemplaire comme le montre certains raccords sur les personnages se transformant en un instant en poupée. Évidemment ce qui intéresse Zemeckis n’est pas simplement de mettre en mouvement les scènes photographiées de l’œuvre de Hogancamp, mais plutôt l’homme qui se cache derrière l’objectif. Voilà pourquoi tout au long du film, Zemeckis va nous faire voyager entre les deux mondes. Deux mondes nécessaires et complémentaires pour comprendre pleinement Mark Hogancamp, interprété par un bouleversant Steve Carell.

En mettant en scène cette lutte incessante entre Hogie et les nazis, c’est le combat d’un homme contre son traumatisme que Zemeckis dépeint. Un trauma ayant privé Hogancamp de ses souvenirs et de son talent pour le dessin et qui doit alors se reconstruire d’une nouvelle manière. C’est l’importance de l’art et de l’imaginaire que démontre Zemeckis, montrant la création comme un échappatoire aux horreurs de la vie réelle. Tout cela est traité de manière très intelligente par le réalisateur, traçant de nombreux parallèles entre les scénettes créées par Hogancamp et ce qu’il se passe dans sa propre vie. Il y incorpore également le personnage de la poupée Deja Thoris, sorcière symbolisant les addictions de Hogancamp, empêchant l’échappatoire d’être total et rappelant la dureté du monde réel à Hogie. Animation et cinéma traditionnel se répondent alors constamment. En plus de l’imagination, Zemeckis met en avant le rôle des femmes dans la vie de Hogancamp. Plusieurs femmes auront marqué la vie de l’artiste et se verront alors obtenir une poupée à leur effigie dans le village de Marwen. On y retrouve son aide à domicile, sa collègue de travail, son amie gérante du magasin de jouet, tout comme le spectre de son ex-femme qui hante encore les pensées de Hogie/Hogancamp. C’est d’ailleurs l’arrivée d’une nouvelle voisine en face de chez lui qui va avoir un effet cathartique lui permettant de surpasser certaines de ses peurs. Zemeckis rend alors ici un vibrant hommage universel aux femmes quels que soient leurs métiers ou leurs origines. Il y offre même à sa femme Leslie, le rôle de l’une des poupées de Marwen, Suzette.

Bienvene à Marwen porte donc fièrement la marque de son auteur. Une œuvre forte et poignante montrant le destin incroyable d’un homme et sa reconstruction au travers la mise en scène de son imaginaire. Un sujet qui sied à merveille à un réalisateur dont les expérimentations cinématographiques ont souvent été remises en question mais qui n’a cessé de persévérer dans cette voie, et même si cet essai ne mettra pas tout le monde d’accord, il témoigne d’un amour incommensurable pour son art et une nouvelle propension à raconter des histoires.

Bienvenue à Marwen – Bande annonce

Bienvenue à Marwen – Fiche Technique

Réalisateur : Robert Zemeckis
Scénariste : Robert Zemeckis et Caroline Thompson, d’après le documentaire Marwencol de Jeff Malmberg
Interprétation : Steve Carell, Leslie Mann, Diane Kruger, Janelle Monae, Gwendoline Christie, Meritt Wever, Eiza Gonzalez
Image : C. Kim Miles
Musique : Alan Silvestri
Montage : Jeremiah O’Driscoll
Directeurs artistiques : Chris Beach
Décors : Stefan Dechant
Costumes : Joanna Johnston
Producteurs : Cherylanne Martin, Jack Rapke, Steve Starkey et Robert Zemeckis
Sociétés de production : ImageMovers et Universal Pictures
Distributeurs (France) : Universal Pictures
Genre : Drame, biopic
Durée : 1h56
Date de sortie : 2 janvier 2019

États-Unis – 2018