2017 nous a offert de très bons long métrages mais aussi son lot de déceptions cinématographiques. Parmi eux, Les Proies de Soffia Coppola ou encore Justice League de Zack Snyder… Découvrez notre flop 10, composé des pires films de l’année.

En réponse à notre top 20 des meilleurs films de 2017, il fallait également un flop. Nous aurions pu vous choisir le pire qu’on a pu voir cette année, mais on s’est dit que reparler de A bras Ouverts ou de Raid Dingue n’était pas très intéressant.
Du coup on a préféré vous parler de nos plus grosses déceptions, des films qui auraient pu être des grands mais qui se sont pris les pieds dans le tapis, par de grands réalisateurs ou non.
Il est à noter que parmi ces plus grosses déceptions, on en retrouve qui sont aussi très appréciés, comme 120 battements par minute ou Dunkerque. Pour avoir déçu une partie de la rédaction, ces films échouent aux portes du top 20, et se retrouvent dans ce flop. Comme nous sommes joueurs, vous trouverez le lien vers les critiques, souvent positives, pour ces films plus sources d’avis divergents que vraiment mauvais.

10. A Cure for Life,
de Gore Verbinski

Vincent : « Trop emballé par ses expérimentations visuelles, le prometteur Verbinsky oublie de soigner son scénario. A trop vouloir surprendre le spectateur à grand renfort de twist enchaînés, le film en devient brouillon, incohérent, et finit par marcher de façon un peu trop voyante sur les plates bandes de Martin Scorsese, pour finir comme un mauvais épisode de Chair de Poule. »
Kévin B : « La première heure du film, encouragée par une intrigue prometteuse et une esthétique à tomber, nous laisser présager du meilleur! Hélas, Verbinski embourbe son récit dans des situations de plus en plus risibles, jusqu’à un final effarant de ridicule, et pas du meilleur goût ! »
Adrien : « 2h30 de beauté glacée où plus le mystère se dévoile, plus on a peur de comprendre vers quoi on va (une déception, spoiler) pour finir dans du grand-guignolesque assez indigent et hors propos. Sacrément dommage. »
Note lors de la sortie salle : 2/5

9. Kingsman : Le Cercle d’Or,
de Matthew Vaughn

Vincent  : « Problème de rythme, scénario écrit à la vas-y-que-j’te-pousse et manque d’équilibre entre les différents registres. Après la bonne surprise du premier épisode, Vaughn montre ses limites en préférant la surenchère à la cohérence, avec le même problème que Machete Kills : trop de stars tuent la star. »
Antoine D : « Le premier film ne cessait de le répéter : c’est à ses manières que l’on juge un homme. Comment donc juger autrement que par ce gâchis putassier et obscène, cette parodie de James Bond coupée à la blague beauf et aux enjeux inconsistants ? »
Antoine M : « Ah ça pour valdinguer sur du vide, les Américains savent y faire oui, mais pour proposer un semblant d’empathie, de frisson ou de surprise il n’y a plus personne. »
Lire la critique (positive) de Kevin B : 4/5

8. Les Proies,
de Sofia Coppola

Ariane : « Une 1ère partie molle, une fin prévisible et des persos assez creux, ce remake reste bien fade et paradoxalement peu féministe. »
Maxime T : « Y’a autant de tension sexuelle que dans un épisode de Derrick. Par pitié, arrêtez de donner des rôles à Colin Farrell. Mention spéciale pour le personnage super mal écrit de la pauvre Kirsten Dunst. »
Gwennaëlle : « Une mise en scène élégante pour un film lent et ennuyeux servi par des actrices fades. »
Adrien : « Les Proies ou la preuve filmée qu’il faut se méfier des contrefaçons. »
Lire la critique (positive) de Kévin L : 4/5

7. Alien Covenant,
de Ridley Scott

Ariane : « Scott détruit sa créature, la créature détruit son créateur. Contemplation désenchantée d’un art morbide où se déchire le voile du mystère ». Tout le mystère installé par Prometheus est dévoilé, un peu dommage. Le film tombe aussi un peu dans le gore sanguinolant au détriment du vrai film d’horreur à atmosphère angoissante comme l’était Alien le 8ème passager. Le traitement du thème de la création est un peu maladroit. Reste un bon Fassbender. »
Hervé : « Scott ravage le mythe des xénomorphes en cherchant bêtement et inutilement à expliquer leur création. »
Jeap : « Le projet très attendu d’un Alien V par Neill Blomkamp fut officieusement annulé suite à l’annonce d’un Alien: Covenant, dont le résultat reste bien inférieur au simple travail préparatoire de Alien V »
Note lors de la sortie salle : 2,5/5

6. Valérian,
de Luc Besson

Vincent : « Malgré son admiration que l’on ne saurait lui démentir pour l’œuvre d’origine, Besson échoue à faire son space opera français. Tous les éléments sont dans le film, mais le réalisateur n’arrive pas à les agencer correctement. Une simple réécriture du scénario avec moins de blabla et plus d’actions aurait déjà rendu l’ensemble beaucoup plus digeste. Décevant, mais toujours moins que la carrière d’Edgar Wright. »
Marushka : « Valerian, le pire film de l’année, impossible de faire abstraction du budget exorbitant pour un résultat aussi minable : scénario inexistant, moneyshots inutiles, personnages au degré zéro de toute profondeur, acteurs nuls, effets visuels à vomir. »
Kévin B : « Certes, c’est visuellement splendide, et de nombreux décors nous ravissent la rétine. Encore aurait-il fallu un semblant de scénario et des acteurs un minimum convaincants! »
Lire la critique (plutôt gentille) de Roberto : 3/5

5. 120 battements par minute,
de Robin Campillo

Mégane : « À force de n’en entendre que du bien, on finit évidemment par être déçu. Si 120 BPM nous offre une très belle et émouvante réalisation, la mise en scène et les personnages se retrouvent quant à eux, complétement caricaturés et bourrés de clichés. De quoi dénaturer cette œuvre, à première vue pourtant si belle. »
Benjamin : « 120 BPM alterne entre métaphores balourdes et douteuses, dialogues stupides (mention au « tu fais quoi dans la vie ? » – « je suis séropositif ») et réalisation scolaire des scènes d’amphi, entre autres, pour aboutir à un film cliché empli de lieux communs plutôt qu’une œuvre réflexive sur les notions d’engagement et de pulsion de vie. »
Antoine D : « Ayant souffert d’un emballement médiatique disproportionné, quel dommage à l’arrivée de récolter un film ayant le toupet d’être partagé entre un portrait militant subtil et une romance balourde et surannée. »
Antoine M: « Film survendu au même titre que La La Land, cloisonnant le spectateur jusqu’à étouffement, 120 BPM propose une belle histoire d’amour guère convaincante teintée de tragédie. »
Lire la critique (élogieuse) de Chloé : 5/5

4. Song to Song,
de Terrence Malick

Tina : « Malick caricature son cinéma avec ce Fuck tout Fuck interminable, vide et prétentieux, avec cette pauvre Rooney Mara (et sa voix-off pénible), se contentant d’être mignonne en s’enroulant ridiculement dans des rideaux comme dans une pub pour Guerlain. »
Maxime T: « La vision de l’amour par Malick se résume à se courir après en rigolant dans des appartements qui feraient saliver Stéphane Plaza. Seule Rooney Mara peut donner la force de tenir les 2h (et encore). »
Chloé : « Que c’est long, et prétentieux, et vide ! Le dernier plan à lui seul achève le spectateur qui se demande vraiment ce qu’il est venu voir : une pub de deux heures pour un énième parfum ou un vague mélo sur la force de l’amour, de l’air pur de l’eau fraîche ? »
Lire la critique (positive) de Frédéric : 3,5/5

3. Justice League,
de Zack Snyder

Jeap : « Après les médiocres Suicide Squad et Wonder Woman, la Warner Bros semble continuer dans sa lancée avec un Justice League qui commet les mêmes erreurs que les deux sus-nommés mais en pire. »
Marushka : « Justice League, un plan marketing géant aux allures de feu d’artifice de pétards mouillés qui ne sert à rien sauf à annoncer le prochain feu d’artifice de pétards mouillés de la Warner/DCU »
Ariane : « Perdu entre 2 réalisateurs, entre l’identité DC et l’humour Marvel, JL piétine et ne garde le cap qu’au cœur de l’action. »
Kévin B : « Suite à de nombreuses complications, Justice League se perd entre deux identités incompatibles! En résulte un film malade, terriblement bancal, et qui sonnera peut-être définitivement le glas du DC Universel ».
Antoine D : « Monstre de Frankenstein façonné par des corporatistes sans scrupules, Justice League est de cette trempe de films trop soucieux de plaire qu’il en oublie de prendre justement des risques, pourtant jusqu’ici apanage de DC Comics. »
Lire la critique (plutôt gentille) de Roberto : 3/5

2. Dunkerque,
de Christopher Nolan

Mégane : « Dunkerque laisse un goût d’inachevé. Nolan semble être passé à côté de son film en nous contant une histoire d’une grande platitude. À la fin du visionnage, Dunkerque nous laisse une sensation de vide sidéral. »
Adrien: « Tic tac, tic tac, tic tac. Nolan creuse le sillon entamé avec Interstellar, c’est très conceptuel pour lui, sûrement très profond et probablement sensoriel quand on est pas saoulés par le dispositif lourdingue. Le souci c’est qu’après le film il faut le montrer à des gens. »
Hervé : « En reprenant des procédés qui avaient fonctionné dans ses films précédents (les différentes chronologies, la volonté d’être immersif), Nolan se perd complètement dans un film artificiel, excluant des spectateurs qui ne se sentent jamais vraiment concernés par ce qui se déroule à l’écran. »
Lire la critique (élogieuse) de Antoine D : 5/5

1. Mother !
de Darren Aronofsky

Maxime T : « Tu la vois ma belle grosse métaphore qu’elle est belle. Rarement vu quelque chose d’aussi insupportable, et comme si ça ne suffisait pas, on nous fout la gueule de J-Law quasi tout le temps en gros plan. »
Mégane : « Une pure déception. Tout simplement un méli-mélo d’incompréhension. À trop vouloir en faire et rendre son œuvre unique et originale, Darren Aronosky a fini par se perdre dans son propre scénario. Pour moi, c’est une véritable overdose et une migraine assurée après le visionnage. »
Sébastien : « Darren Aronofsky semble s’enfoncer encore plus dans la névrose avec une œuvre certes passionnante mais pleine d’esbroufe, redondante et ringarde dans ses effets visuels grandiloquents. »
Chloé : « Mother! est une overdose de tout : signification, sonorités, bruits, musiques, bizarreries, si bien qu’au final, on ne sait plus ce que l’on regarde, à part une énorme purge qui se voudrait très très (trop?) intelligente. »
Clément : « Mother! est un film complètement inutile et insignifiant. Tout se veut compliqué mais au final il n’y a rien à comprendre. Nul doute que cette métaphore biblique ratée constituera l’un des plus gros ratés de Darren Aronofsky. »
Lire la critique (élogieuse) de Frédéric : 5/5

Comme chaque année et comme tout le monde, la rédaction de CineSeriesMag a choisi les meilleurs films de l’année 2017. Beaucoup de longs-métrages ont marqué la rédaction, comme 120 Battements par Minute, Coco ou La La Land, mais font-ils partie de notre top ? Et surtout, qui succèdera à The Revenant ?

Chers lecteurs,

Chaque année, la constitution d’un top des meilleurs films de l’année est un événement en soi. Chacun y va de son avis, les coups de cœurs et les déceptions ne sont pas toujours partagés, et pourtant, il faut bien arriver à s’entendre. Voici donc notre méthode : chaque rédacteur a donné à absolument tous les films vus une note entre 1 et 10, pour un total de 347 films notés. Chacun des films se retrouvait donc avec une moyenne qui correspond à sa place. Si la méthode est discutable, elle a le mérite de prendre ainsi en compte les avis négatifs, et permet de prendre en compte l’ensemble de la rédaction. Cela explique l’absence de grands films qui ont beaucoup plu, mais qui ont aussi divisé, comme 120 battements par minute qui se retrouve aux portes du top 20. Certains films surprenants ont également leur place; en effet nous avons privilégié la qualité du film et non sa popularité, et c’est pourquoi il fallait au moins 5 votes pour qu’un film soit pris en compte. Certes les gros films peuvent s’en retrouver pénalisés, mais de cette manière, toutes les sensibilités de notre rédaction se retrouvent représentées, et tous les films présents dans ce Top 20 2017 ont une note moyenne comprise entre 7,5 et 8. Il s’agit sans aucun doute des meilleurs films de l’année.
Vous retrouverez le top 10 de nos rédacteurs en dernière page. Bonne lecture 🙂

Sont arrivés aux portes du Top 20, en vrac : 
120 Battements par Minute, Moonlight, Baby Driver, Logan Lucky, Dunkerque…

20.
The Square,
de Ruben Östlund

par Tina B

19.
Detroit,
de Kathryn Bigelow

par Adrien Beltoise

Après Démineurs et Zero Dark Thirty, le nouveau film de Kathryn Bigelow était attendu au tournant. Et quel uppercut que Détroit, œuvre bouillonnante et en colère retraçant une bavure policière méconnue survenue durant les émeutes de 1967. Cristallisant en sa trame des siècles de tension raciale, ce cauchemar viscéral abandonne l’objectivité de la cinéaste pour embrasser la révolte et la fureur. Peu étonnant, donc, que le film ne plaise pas à tout le monde (d’où échec et polémiques) tandis que le médium cinéma lui vibre encore une fois de cette électricité. Et nous de ce récit sur le fil du rasoir capté par la caméra scalpel de la cinéaste. De son introduction documentée à un deuxième acte intense et fiévreux, menant à une puissante et révoltante conclusion, Détroit cogne, fait mal pour renvoyer la société américaine au sort de ces héros. Face au mur.
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18.
Silence,
de Martin Scorsese

par Hervé Aubert

Avec cette histoire de missionnaires jésuites et de communautés chrétiennes violemment maltraitées en terre nippone, Martin Scorsese revient à ses thèmes de prédilection : comment avoir la foi dans un monde dominé par le Mal ? Comment faire le Bien au milieu d’une violence permanente ? Peut-on sauver des personnes, y compris malgré elles ? Avec ses images sublimes dressant le portrait d’un pays brutal et sauvage, tendu (comme les personnages principaux) entre souffrance et quête de la sérénité, Martin Scorsese signe un très beau film épique et émouvant, et donne à Liam Neeson un de ses plus beaux rôles.
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17.
Visages Villages,
de Agnès Varda et JR

par Gwennaëlle Masle

16.
La Planète des Singes : Suprématie,
de Matt Reeves

par Kévin Beluche

 Les deux volets de La Planète des Singes version années 2010 avaient conquis le public et la critique avec des spectacles aux scénarios soignés, intelligents, et se refusant de céder aux travers des blockbusters classiques, notamment la primauté de l’image sur le reste. Il va sans dire que La Planète des Singes : Suprématie est du même acabit, voire plus. Car ayant la lourde tâche de clôturer la trilogie, le film surpasse tout d’abord ses aînés en repoussant toujours plus les limites des effets spéciaux. Jamais les singes n’ont paru aussi réels, aussi humains grâce aux effets toujours plus saisissants de la motion capture. D’ailleurs, que serait César le leader simien, sans l’incroyable performance d’Andy Serkis ? Que serait le long métrage sans les prestations des autres comédiens, Woody Harrelson en tête, et un scénario explorant encore davantage le clivage entre les hommes et les singes, à grands coups de références (Apocalypse Now, La Grande Évasion…), et d’une mise en scène encore plus soignée ? Que serait une trilogie sans une conclusion digne de ce nom ? La Planète des Singes : Suprématie est un peu tout cela à la fois : une fin épique, et l’un des meilleurs blockbusters de 2017 !
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15.
American Honey,
de Andrea Arnold

par Marushka Odabackian

Si American Honey mérite sa place dans le top 2017, c’est avant tout parce que c’est un film poignant et épris de liberté, qui nous donne envie de tout plaquer pour prendre la route sans se soucier des conventions et des contraintes du quotidien. C’est une œuvre d’affranchis. Andrea Arnold, pourtant britannique, arrive parfaitement à capter l’esprit d’une Amérique jeune et marginale, en signant avec American Honey un road-movie énergique qui fait souffler un vent de folie sur le cinéma. Long métrage aussi atypique que marquant, ce constat à la fois désenchanté et criant d’énergie s’avère être une ode à la vie poétique et déjantée qui capture la modernité et la sauvagerie d’une époque singulière.
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14.
Mise à mort du cerf sacré,
de Yorgos Lanthimos

par Béatrice Delesalle

Le Grec Yorgos Lanthimos est un des cinéastes les plus passionnants et vraisemblablement les plus passionnés de notre temps. Non content de développer une thématique intéressante et foisonnante, celle d’une société dysfonctionnelle, il le fait avec une maîtrise quasi-absolue du langage et de la grammaire cinématographiques. Des plans tirés au cordeau, où le fait que tout soit millimétré n’est jamais entaché du soupçon de posture ni d’attitude programmatique. Au contraire, son style contribue majoritairement à rendre ses films inoubliables, car vraiment singuliers et vraiment personnels. Ce cinéaste, qui met un autre génie, Apichatpong Weerasethakul, dans son panthéon personnel est une des très bonnes surprises de ces quinze dernières années.
Dans Mise à mort du cerf sacré, il n’en va pas autrement. S’appuyant sur la tragédie antique grecque, celle d’Iphigénie, qui est précisément une histoire de vengeance et de sacrifice, le film raconte le passage d’une famille américaine sur papier glacé à une entité dystopique faite d’une violence de film d’horreur, où la vengeance, le remords, la culpabilité et l’expiation ont une place de choix. Chaque grand angle, ou à l’inverse chaque gros plan, chaque plongée et contre-plongée, tous minutieusement et magnifiquement réalisés, sont choisis pour plonger le spectateur dans une immersion totale à l’intérieur du monde allégorique de Lanthimos. Tous réussissent à installer une tension incroyable dans un film qui pourtant porte les marques de fabrique du cinéaste comme des dialogues quasi-mécaniques, et une froideur générale de la tonalité, considérées (à tort ici) comme peu porteuses d’émotion.
Un des meilleurs films de 2017, Mise à mort du cerf sacré est également le meilleur film de Yorgos Lanthimos à ce jour, en combinant l’originalité propre à ses films, et l’expérience accumulée tout au long de ses six longs métrages. Un vrai bonheur de cinéphile.
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13.
Good Time,
de Joshua et Ben Safdie

par Tina B

Good Time n’a rien remporté au dernier Festival de Cannes même s’il a fait sensation. Pourtant, ce petit bijou des frères Safdie (qui sortaient jusqu’à présent des films plutôt confidentiels) avait les épaules pour finir dans le palmarès. Le scénario tient en théorie sur un timbre-poste mais les réalisateurs parviennent à nous offrir un long-métrage d’une richesse incroyable. A travers cette odyssée folle avec une approche expérimentale dans un New York glauque, à la After Hours de Martin Scorsese (sans chercher non plus à le copier), Good Time est autant drôle que touchant (son générique final est particulièrement émouvant), autant rafraîchissant que désespérant. En grand frère paradoxalement aimant et toxique, Robert Pattinson nous confirme définitivement qu’il est l’un des meilleurs acteurs de sa génération en nous livrant ici une interprétation intense.
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12.
Laissez bronzer les cadavres,
de Hélène Cattet et Bruno Forzani

par Maxime Thiss

Après s’être amusé à déconstruire le giallo, c’est au tour du western spaghetti de passer à la moulinette du couple Hélène Cattet/Bruno Forzani. En adaptant Laissez bronzer les cadavres, une série noire signée Bastid/Manchette, le duo français nous convie à un règlement de comptes dans un village abandonné en Corse. Sous ce scénario assez simpliste se cache cependant une proposition de cinéma des plus radicales. Au gré des diverses expérimentations, les deux cinéastes donnent naissance à une œuvre extrêmement sensorielle. Chaque plan regorge d’idées. Couleurs saturées, sons amplifiés, jeu sur les textures, soundtrack rendant hommage au cinéma bis des 70s, Laissez Bronzer les cadavres bouscule tous les sens du spectateur dans un rollercoaster d’une intensité rarement vue au cinéma. Le genre d’œuvre typiquement conçue pour la salle afin d’en décupler l’expérience.
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11.
Coco,
de Lee Unkrich

par Adrien Beltoise

Dans une année marquée par la symbiose musicale (Baby Driver, La La Land,…), le dernier né des studios Pixar fait figure de Nouvelle Star. Coco, puisque c’est son nom, est un enchantement, une merveille comme seul le studio à la lampe est capable d’en produire. Visuellement à tomber par terre, thématiquement vertigineux, Coco reste pourtant d’une simplicité et d’une aisance désarmante par la sincérité qui émane de sa démarche et de sa fabrication (pourtant monumentale). Revenu aux films d’univers, Pixar s’empare ici (à la manière de Ratatouille) d’une culture étrangère pour la sublimer et y bâtir le support d’une mythologie riche et foisonnante. Un nouveau monde qu’on se passionne à explorer, riant et vibrant durant le voyage, en larmes lors de notre arrivée à destination. Et où la musique réchauffe et étreint le cœur. Du très grand cinéma et probablement plus encore.
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Suite du top 20 des films préférés par la rédaction

À l’approche de la nouvelle année, il est temps de dresser le bilan des meilleures saisons de 2017. Game of Thrones, Stranger Things mais aussi The Leftovers, voici le top 5 de la rédaction !

De belles nouveautés se sont démarquées cette année, à l’instar de The Handmaid’s Tale ou 13 Reasons Why, mais d’autres séries plus anciennes ont réussi à s’imposer dans le paysage télévisuel. Un top cependant plus diversifié que celui de l’an passé, Netflix est toujours aussi présent, mais d’autres chaines payantes comme Showtime et HBO ont cependant fait de l’ombre au géant du streaming.

• Game of Thrones saison 7 – créée par David Benioff et D.B. Weis

Synopsis : L’hiver est enfin arrivé à Westeros. Tandis que Jon Snow essaye de trouver des alliés pour vaincre les Marcheurs Blancs qui approchent, Daenerys est finalement arrivée sur le continent avec son armée, prête à récupérer le Trône de Fer des mains des Lannister. De son côté, Cersei, devenue reine des Sept Couronnes, s’associe avec Euron Greyjoy des Îles de Fer pour lutter contre la mère des dragons…

Après une sixième saison réussie, c’est sans grande surprise que Game of Thrones se retrouve de nouveau dans le top de l’année pour son avant-dernière saison. Plus courte, mais plus intense, les événements s’accélèrent : Daenerys a enfin montré de quoi elle était capable, de nouvelles alliances stratégiques se créent, tandis que l’armée des morts s’apprête à franchir le Mur. Malgré des incohérences scénaristiques les fans (et la rédac’) attendent de pieds fermes le chapitre final prévu pour 2019.

Perrine Mallard

Après nous avoir habitués au délice de la frustration sérielle, cette nouvelle saison nous offre absolument tout ce que nous attendions sur un plateau à tel point qu’elle en devient écœurante et sans surprise. La chronologie totalement incohérente n’aide en rien.

Maxime Thiss

Avec un rythme bien plus effréné, la série prend clairement conscience de son rôle de blockbuster sérielle et nous en met plein les yeux pendant 7 épisodes.

Kévin Beluche

Si la trame scénaristique perd en densité, cette saison gagne clairement en efficacité grâce à des scènes d’action maîtrisées et un caractère épique de plus en plus affirmé! Vivement la suite!

Maxime Kasparian

En dépit d’une narration très accélérée, à laquelle le spectateur ne sera pas habitué au premier abord, les showrunners nous offrent une saison exceptionnelle. Des batailles grandioses, une histoire passionnante jusqu’à l’épisode final réunissant pour la première fois les principaux protagonistes. HBO met les bouchés doubles et prépare une saison finale exceptionnelle.

• Twin Peaks saison 3 – créée par David Lynch

Synopsis : « See you in 25 years« . Nous pensons retrouver la suite des aléas mystiques de notre ville de Twin Peaks. Nous faisons finalement connaissance avec un monde sombre, plus lent, comme figé dans un entre deux temporel plus violent et plus agressif que jamais. Nos personnages tous plus colorés les uns des autres dans les premières saisons nous apparaissent que petit à petit à l’écran, chacun tristement froids et perturbés. La version maléfique de Cooper a enfermé depuis des années notre personnage lumineux dans la loge noire, est-il toujours possible d’inverser les rôles, et peut-être retrouver l’ordre normal des choses.

Il aura fallu attendre plus de deux ans avant de voir enfin ce retour tant attendu d’une œuvre magistrale qui a marqué toute une décennie de sériephiles tiré de l’œuvre d’un cinéaste hors norme qu’est David Lynch. Si la nouvelle saison de Twin Peaks n’a pas déchaîné autant les passions comme 25 vingts plus tôt, ne s’adressant finalement qu’à une grosse poignée de fans et de curieux (comme le prouvent les audiences désastreuses aux États-Unis comme chez nous sur Canal +), cette « mini-série » n’en reste pas moins une œuvre à part, qui fait débat, qui a ses adorateurs et ses détracteurs, et qui méritait bien le place dans le top 5.

Perrine Mallard

Un chef d’œuvre sériel comme on en voit peu, qui ne tombe pas dans la nostalgie mais qui est au contraire foncièrement moderne. La grande série politique de notre époque.

Adrien Beltoise

Même si certains moments ont été très douloureux, Lynch s’amusant à jouer avec nos nerfs, le cinéaste américain aura proposé avec cette troisième saison quelque chose qui fera date dans l’histoire de la télévision. Une œuvre radicale.

https://www.youtube.com/watch?v=vsdRG0mJj-w

• The Leftovers saison 3 – créée par Damon Lindelof et Tom Perrotta

Synopsis : Trois ans se sont écoulés depuis l’invasion de Miracle par les « Guilty Remnant. » Kevin Garvey est désormais à la tête de la police locale, son ex-femme, Laurie est en couple avec John Murphy, tandis que Nora Durst continue de travailler sur les fraudes liées au Ravissement. Ils vivent tous ensemble à Miracle, qui s’anime de plus en plus à l’approche du septième anniversaire des disparus…

Damon Lindelof l’a fait : il a crée une série tout aussi mystérieuse que l’a été LOST en son temps. En trois saisons, Justin Theroux, mais surtout Carrie Coon, nous ont émerveillés à travers leurs personnages complexes et brisés par la disparition de 2% de l’Humanité. Les créateurs nous l’avaient promis, ils n’expliqueraient pas concrètement ce qui est arrivé aux disparus. Le final reste assez énigmatique, obligeant le spectateur à l’interpréter lui-même comme bon lui semble, et c’est la force de The Leftovers : nous forcer à croire, nous devons comprendre les choses, sans forcément les voir. Chapeau Monsieur Lindelof pour ces trois années sérielles exceptionnelles.

Perrine Mallard

Toujours aussi mystérieuse, cette dernière saison ne pouvait pas se finir autrement. Entre humour et profonde tristesse, The Leftovers restera dans les esprits.

Maxime Thiss

Tout simplement la plus belle œuvre de 2017 tout support confondu. D’une puissance picturale sans égale, d’une intensité émotionnelle quasi-divine, un grand témoin de l’Humanité.

Maxime Kasparian

Damon Lindelof avait déjà offert deux premières saisons très mystérieuses. Il continue sur sa lancée en nous offrant un final qui joue sur l’émotion et sur l’humain avant de donner « sa » réponse sur les disparus. Une belle série qui joue sur les croyances et l’espoir. Sans doute un LOST plus réfléchi.

• Broadchurch saison 3 – créée par Chris Chibnall

Synopsis : Trois ans ont passé depuis la mort de Danny Latimer et le procès de Joe Miller, qui l’a vu ressortir libre. Alec Hardy et Ellie Miller ont une nouvelle affaire : Patricia Winterman a été violée lors d’une soirée et les premiers éléments indiquent qu’un prédateur sexuel est dans les environs de Broadchurch.

Deux trop longues années ont suffi à nous faire regretter passionnément les enquêtes de Miller et Hardy, le duo le plus électrique et stimulant jamais vu depuis Fox et Mulder, surtout grâce aux interprétations magistrales et sans faille de David Tennant et Olivia Coleman. Si la deuxième saison était centrée sur le procès de Joe Miller, le mari du sergent Ellie et présumé coupable du meurtre du petit Dany Latimer sur fond de pédophilie, la troisième s’ouvre sur un autre sujet de société tout aussi tabou, le viol. Les critiques sont unanimes et le public bien au rendez-vous pour cette dernière et ultime saison d’une des meilleures séries policières dramatiques, créée par Chris Chibnall qui avait fait ses preuves sur Life on Mars (International Emmy Award 2006 de la meilleure série dramatique) et maintenant sur Doctor Who saison 11, prenant ainsi la relève de Steven Moffat. La fin d’un mythe distribué dans plus de 180 pays et ayant connu deux adaptations très plates (Gracepoint et Malaterra).

Hervé Aubert  

Le spectateur retrouve dans cette saison 3 toutes les qualités de Broadchurch : la profonde humanité de ses personnages, le suspense d’une nouvelle enquête et les conséquences des précédentes, les dialogues ciselés, l’interprétation remarquable.

Antoine Mournes

« Après s’être attaqué à la pédophilie ou aux erreurs judiciaires, la saison 3 de la série Broadchurch tape tout aussi fort avec le viol. Sans jamais être moralisateur, le message fictionnel qui s’en dégage sonne plus que juste. Atteint de grâce, cette dernière saison ne manquera pas de marquer toute une génération de sériesphiles qui pleure une des meilleures, si ce n’est « la », série policière dramatique de ces dix dernières années. »

• Stranger Things saison 2 – créée par Matt et Ross Duffer

Synopsis : Un an après l’attaque du Démogorgon, Will a finalement pu retrouver sa famille et ses amis, mais garde des séquelles de son séjour du monde à l’envers. Libérée à son tour de cette étrange dimension, Onze décide de percer les secrets qui entourent ses origines…

Stranger Things a été un véritable succès durant l’été 2016 à travers son histoire aux bons nombres de références rendant hommage au cinéma de Spielberg des années 80. Alors qu’ils avaient l’intention d’écrire une seule saison au départ, les frères Duffer parviennent à développer une seconde saison tout aussi passionnante. L’humour, l’énergie et les mystères du début restent intacts et on attend avec impatience ce qu’ils ont l’intention de faire pour la suite.

Adrien Beltoise

La première saison faisait sa sympathique soupe dans les meilleurs pots, la saison 2 se contente de la réchauffer. Malgré sa solide exécution, beaucoup d’inintérêt pour ce qui se passe ici notamment tout ce qui à trait à l’Upside-Down. Espérons que la saison 3 change la recette.

Maxime Thiss

On a un peu l’impression que les Duffer Bros ne savent pas trop où aller après la première saison. Résultat on reprend les mêmes ingrédients et on fait la même recette, sympathique mais redondant

Perrine Maillard

Cette deuxième saison arrive à surpasser la première avec encore plus d’humour et de personnages attachants. La série feel-good de l’année.

Kévin Beluche

Certes, l’effet de surprise n’est plus aussi fort que l’année passée. Mais le plaisir de retrouver cette bande de gamins dans des aventures rétro toujours plus impressionnantes est toujours intact !

Maxime Kasparian

Une première saison réussie, les frères Duffer ont eu l’énorme challenge de faire aussi bien voir mieux que l’an passé. Mieux peut-être pas, mais ils continuent de bien développer leurs personnages et la mythologie autour du monde à l’envers, avec toujours de belles références aux années 80. Espérons juste qu’ils ne tournent pas en rond pour la troisième saison.

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La rédaction a voté parmi 60 séries, ces saisons auraient pu rentrer dans ce top 5 : 

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Des femmes ont brisé l’omerta sur les agressions sexuelles qui régnait sur Hollywood, une Française a ramené le cinéma de genre en France, une étoile franco-argentine se fraie son chemin jusqu’aux César tandis qu’une américaine a raflé toutes les récompenses pour ses pas de danse. Qui a marqué le cinéma cette année ? Cineseriesmag vous livre sa sélection des dix artistes qui ont façonné le 7ème art en 2017.

1. Nahuel Pérez Biscayart

Si on devait passer en revue les nouvelles étoiles apparues dans la constellation du cinéma français cette année, nul doute que Nahuel Pérez Biscayart émettrait la plus vive des lumières. Et avant qu’un César de Meilleur Espoir Masculin (pour ceux qui doutent encore) ne vienne couronner cet état de fait, sa révélation aura surtout été un synonyme de la pluralité de notre production francophone. Militant fiévreux chez Campillo (120 battements par minute), figure Caligarienne chez Dupontel (Au revoir, là-haut), l’argentin magnétique au regard azur emporte la mise dans ces deux propositions par une prestance, un naturel et une sensibilité désarmante. Aussi à son aise dans l’urgence d’un cinéma vérité et politique que dans les arabesques d’une grande oeuvre populaire, le jeune acteur de 31 ans y incarne d’ailleurs d’un même élan, presque en miroir, les spectres de générations sacrifiées. Comme si la confluence des sujets mais aussi d’une même colère, d’une même révolte mais surtout d’un même amour débordant pointait dans une seule direction, celle d’un acteur incandescent dont on espère que l’étoile ne sera pas filante mais de plus en plus rayonnante. Jusqu’à devenir l’un des soleils de notre culture hexagonale.

Adrien Beltoise

2. Julia Ducournau

Il n’est pas faux de dire que le cinéma français ne rime pas toujours avec cinéma de genre. Englué dans un confort miteux avec l’accumulation d’une ribambelle de comédie à l’idiotie opportune ou préférant parfois prendre ses grands airs avec un cinéma d’auteur aussi ronflant que mystérieux, le cinéma français manque de figure cinématographique qui aime gravir les codes du cinéma de genre. Heureusement pour nous, Julia Ducournau fait partie de cette catégorie. Avec son film Grave, sortie cette année en salle, la cinéaste a mis un grand coup de pied dans la fourmilière du 7ème art français. Qu’on aime ou pas son style, qui mêle imagerie gorasse sur l’émancipation du corps et drôlerie puérile, Julia Ducournau est comme une bouffée d’air frais dans un paysage du cinéma un peu gringalet. Grave aura marqué l’année 2017. C’est indéniable. Pas toujours subtil dans la mise en image de ses thématiques, Grave n’en reste pas moins un film audacieux, évocateur d’une jeunesse, œuvre qui deviendra sans doute l’égérie d’une certaine génération. Comparé par certains à David Cronenberg, la réalisatrice a su trouver son public et se faire une place de choix pour les années à venir, et a surtout fait éclater au grand jour le talent de la jeune Garance Marillier. Aride et généreux en coups de sang cannibales, Grave est un film à voir. Comme le belge Fabrice Du Welz, Julia Ducournau fait partie de ces auteurs qu’on aimerait voir plus souvent dans le monde du cinéma francophone.

Sébastien Guilhermet

3. Agnès Varda

La fin d’année de 2017 a été incontestablement celle des femmes. Si dans le cinéma cela se fait un peu plus rare, il y en a une qui marquera le septième art à jamais. Après le César et la Palme d’honneur, Agnès Varda recevait, en novembre dernier, un Oscar d’honneur pour l’ensemble de sa carrière. En devenant alors la première réalisatrice à recevoir la précieuse statuette, on voyait en ce symbole l’accomplissement de tout son engagement et la très large reconnaissance de son talent par la profession. Première grande réalisatrice française, la seule de la nouvelle vague : Agnès Varda a toujours défendu ses convictions à travers un cinéma engagé. Par ses films, ses actes ou ses discours, encore aujourd’hui, elle n’a cessé de faire valoir les droits des femmes avec élégance. Cette année aura aussi été marquée par sa réalisation de Visages Villages, en collaboration avec JR. D’abord présenté à Cannes hors compétition, le film a ensuite beaucoup séduit dans les salles françaises avant d’être présélectionné pour les Oscars 2018. Après plus de 60 ans de carrière, il était difficile de passer à côté de cette femme durant cette année.

Gwennaëlle Masle

4. Edgar Wright

Dans une industrie gangrenée par les suites et autres reboots, jouer aujourd’hui la carte de l’originalité a tout de l’extravagance, voire de l’anticonformisme. Pas étonnant dans ce cas de voir pourquoi Baby Driver et in extenso son réalisateur, le truculent Edgar Wright, ont été adulés. Car au-delà du divertissement pop dans lequel on le cantonne, Baby Driver ose, au milieu d’une histoire à priori banale (un heist-movie mâtiné d’amour), la synesthésie (ou mélange des sens). La vision d’abord, puis l’ouïe après, Wright se plait ainsi à titiller nos sens au gré d’un montage qui file à toute berzingue pour mieux nous balancer à la figure ce qui fait la richesse de son métrage : la mise en scène de la musique. A la manière du film de Tom Twyker, Le Parfum, Wright entend ainsi filmer, mettre en scène quelque chose de versatile, d’abstrait, et le tout dans un film qui n’entend pas tomber dans le pur exercice de style mais bien dans le divertissement estival référencé. En ce sens, il est facile de comprendre pourquoi Edgar Wright a pu implicitement figurer au sein des cinéastes ayant fait 2017 car au milieu de gros poids lourds (Transformers, Justice League, etc.), et seulement armé d’un budget de 34 millions de dollars, le britannique a montré que la technique peut aisément supplanter les moyens et que l’originalité est encore un facteur prisé du public.

Antoine Delassus

5. Les briseuses de silence

Impossible de parler du cinéma en 2017 sans évoquer l’incroyable mouvement de libération de la parole qui a eu lieu suite à l’affaire Weinstein. En faisant tomber l’un des hommes les plus puissants d’Hollywood, ces briseuses de silence ont pu accomplir quelque chose d’historique. Parmi elles, Rose McGowan, Asia Argento, Ashley Judd ou encore Annabella Sciorra, sont devenues les visages du courage et de la rébellion contre les violences faites aux femmes. À travers des témoignages pour les prestigieux New Yorker et New York Times par lesquels tout a commencé, les réseaux sociaux, ou encore des interventions sur les télévisions américaines et européennes, ces femmes ont pu partager leurs paroles afin de mettre fin à une omerta qui régnait depuis beaucoup trop d’années dans le milieu du cinéma. Des confessions fortes, marquantes qui ont exposé à la lumière du jour le secret de polichinelle d’un univers des plus hypocrites. Mais la force de cet événement sans précédent est qu’il ne s’est pas cantonné à la simple industrie du cinéma et s’est propagé dans le monde de la musique, de la télévision, du sport, des entreprises. Un tournant décisif dans ce combat de longue haleine opposant des milliers de femmes meurtries à des porcs supposés intouchables. Le poing levé, elles ont renversé leurs monstres, tel David contre Goliath. Oubliez Wonder Woman, ce sont elles les véritables super héroïnes de 2017.

Maxime Thiss

6. David Lynch

L’année 2017 fût marquée par le retour de David Lynch. Considéré par de nombreux cinéphiles comme une légende vivante, le réalisateur de Mulholland Drive a ravi les fans avec une nouvelle saison de la série Twin Peaks, et ce, 25 ans après la saison 2. 18 épisodes qui ont été marquants, au point que la célèbre revue des Cahiers du Cinéma a osé en faire 3 couvertures, tout en les faisant figurer n° 1 de leur top Cinéma, un comble pour une série. Ainsi, de nombreux cinéphiles mettent également Twin Peaks dans leur top cinéma, au point de provoquer un débat sans fin sur les réseaux sociaux. Si nous ne prenons pas parti, force est de reconnaître que David Lynch a beaucoup fait parler de lui cette année, d’autant plus que plusieurs films du maître ont pu bénéficier en France d’une ressortie Blu-Ray, un must de Nöel. Il faut également rajouter que cette année est sorti au cinéma un documentaire sur l’enfance et la formation du réalisateur, David Lynch The Art Life, et qu’il est en ce moment à l’affiche dans Lucky avec Harry Dean Stanton. Bref, tout ceci faisait amplement mériter sa place à David Lynch.

Alexandre Léaud

 7. Albert Dupontel

Affublé de sa casquette de réalisateur, Albert Dupontel n’a plus rien à nous prouver. Créateur de véritables ovnis cinématographiques qui, chacun à leur époque et à leur manière, ont eu l’exploit de donner un bon coup de pied dans le cinéma hexagonal (Bernie, Enfermés Dehors, Neuf Mois Ferme), on ne voyait plus vraiment quel autre défi sa fibre artistique pouvait relever. Bien mal nous en a pris. Car il aura fallu attendre 2017 pour que celle-ci s’exprime de la manière la plus ambitieuse qui soit avec Au revoir là-haut. S’éloignant du registre strict de la comédie, le film est basé sur un livre, celui de Pierre Lemaitre, véritable fresque macabre sur une escroquerie aux monuments aux morts dans la France de l’après-guerre, auréolé du prix Goncourt 2013. Travaillant avec l’auteur, Dupontel en a fait une épopée romanesque et humaine emplie d’émotion, parfois drôle, souvent touchante, toujours juste. Dans une reconstitution historique impressionnante des années 1920, Au revoir là-haut est également l’occasion pour Dupontel de montrer qu’il est aussi un formidable directeur d’acteurs, ces derniers allant de la révélation (incroyables Nahuel Perez Biscayart et Heloïse Balster !) à la confirmation des habitués du milieu (Laurent Laffite, Niels Arestrup). La réaction est sans appel : le long métrage est un immense succès critique et public, un des meilleurs de cette année. Il est également le 2e plus grand succès de l’acteur réalisateur après Neuf Mois Ferme, et sans nul doute le meilleur de sa carrière. Il va sans dire que 2017 a donc été incontestablement l’année d’Albert Dupontel. 

Kevin Béluche

8. Emma Stone

Si 2016 était l’année de l’épiphanie pour Emma Stone, 2017 est sans aucun doute l’année de sa consécration. Récompensée par l’Oscar de la meilleure actrice pour La La Land en février dernier et désormais interprète féminine la mieux payée du tout Hollywood, l’ex-compagne d’Andrew Garfield a vécu une année riche en émotion et en cinéma. De par un visage angélique et un jeu solaire, tout en nuance et dans des personnages toujours différents, il y a fort à parier qu’Emma Stone devienne une véritable icône du cinéma Hollywoodien. Outre le triomphe de la comédie musicale réalisée par Damien Chazelle, on a pu la retrouver dans Battle of the Sexes, du duo Dayton/Faris (Little Miss Sunshine), interprétant l’ex n° 1 mondiale de tennis, Billie Jean King. Portant littéralement le film à bout de bras, aussi bien scéniquement que symboliquement grâce à son propos féministe, Stone s’est vue récompenser d’une troisième nomination consécutive aux Golden Globes de la meilleure actrice. Signe d’une implication sans faille et d’un travail d’acting en perpétuelle évolution.

Louis Verdoux

9. Robin Campillo

Monteur, scénariste, réalisateur, l’aixois Robin Campillo a raflé la mise à Cannes avec ses 120 Battements par minute, palme d’or de cœur du président du Jury Pedro Almodovar, et récipiendaire du Grand prix et d’autres non moins importants. A l’origine de la série Les Revenants avec son long métrage éponyme de 2004 duquel elle a été adaptée, ou encore à l’écriture chez Laurent Cantet pour les films les plus engagés de ce dernier, Robin Campillo prend toute sa dimension de réalisateur avec l’excellent Eastern Boys sorti en 2013, avec un cinéma minimaliste qui s’appuie bien sûr beaucoup sur l’écriture, mais sans oublier un style certain pour dénoncer avant tout le sort des sans-papiers en France, en utilisant une grammaire qu’il maîtrise : les relations complexes entre les humains, ici entre des hommes qui s’aiment , des hommes qu’on désire tout autant qu’on craint, qu’on respecte et qu’on tient pourtant à distance. Avec 120 battements par minute, le cinéaste explose littéralement, de rage, de vie, de mort, avec un très beau film qui mélange l’histoire intime, celle de Sean (Nahuel Perez Biscayart) et de Nathan (Arnaud Valois), avec le combat de toute une génération, celle des années 90 frappées par le Sida, défendue avec la violente énergie du désespoir par les militants d’Act Up. Une mise en scène d’une redoutable efficacité, dans laquelle Robin Campillo fait se côtoyer le documentaire le plus factuel et le plus naturaliste qui soit, l’histoire d’amour la plus vraie et la plus bouleversante, les scènes iconiques les plus marquantes (la Seine de sang, la scène de faux sang). Véritable événement de 2017, 120 battements par minute permet à son auteur d’être distingué comme une des personnalités-clés de l’année dans l’univers du cinéma.

Bea Delesalle

10. Gal Gadot

Début 2016, Gal Gadot n’était encore connue que pour le rôle de Gisele dans la saga Fast and Furious. Après une petite apparition remarquée dans Batman V Superman en mars 2016 dans le rôle de Wonder Woman, c’est en 2017 qu’elle donne un coup de pied dans l’industrie américaine en incarnant l’amazone dans sa première aventure solo sur grand écran. Le succès est immédiat : les recettes mondiales du film avoisinent les 860 millions de dollars et le film devient l’un des plus grands démarrages de tous les temps. Le film devient le plus grand succès commercial pour une femme réalisatrice : Patty Jenkins. Alors que des internautes stupides lui reprochaient d’avoir une trop petite poitrine pour incarner la super-héroïne, Gal Gadot a brisé tous les records et a imposé son rôle d’héroïne dans une industrie trop réticente à offrir de grands rôles à des femmes. Sa gimmick, le X avec les bras croisés, a été reprise par toutes les actrices américaines sur les réseaux sociaux avant de devenir le symbole de la puissance féministe du personnage. Gal Gadot a repris son rôle en Novembre dans Justice League. Douce mais rebelle, engagée et intrépide, l’actrice israélienne ne semble désormais ne faire qu’un avec son personnage.

Roberto Garçon