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The Book of Love est une des dernières grosses déceptions disponibles sur Netflix.

Synopsis : Après avoir perdu sa femme enceinte dans un tragique accident de voiture, un architecte prénommé Henry va aider une adolescente sans-abri à construire un radeau pour traverser l’océan.

Les cinéphiles ne s’intéressant pas toujours à la presse people, il ne s’agit alors pas d’une mauvaise idée de rappeler à quel point Justin Timberlake (The Social Network) et Jessica Biel forment un couple médiatisé sympathique depuis plusieurs années. Cependant nous n’allons évidemment pas vous parler de leur vie privée mais bien du travail que ce couple a effectué ensemble. Hélas, cette récente collaboration artistique n’était pas la meilleure des idées du monde. On se demande comment Timberlake et Biel ont pu croire en un tel projet auquel on a déjà du mal à adhérer rien qu’en le découvrant sur le papier. Ainsi, le chanteur-acteur s’est en partie occupé de la bande-originale (totalement oubliable) de The Book of Love tandis que l’ex-star de la série 7 à la maison en est la co-productrice. Elle s’est également attribué un rôle. Certes, un petit rôle si l’on s’en tient à son temps de présence à l’écran mais tout de même important : Biel incarne la femme enceinte décédée du personnage principal (incarné par Jason Sudeikis).

La mièvrerie est déjà ultra présente dans le synopsis, le titre et même sur l’affiche du film. Il ne faut évidemment jamais juger un film sur des a priori. Hélas, le long-métrage de Bill Purple (inconnu au bataillon et qui ne devrait justement pas sortir de sa situation) est effectivement très mauvais. The Book of Love est d’une niaiserie absolue de A à Z, accumulant les drames pour mieux nous faire pleurer. Le film démarre sur la mort d’une épouse enceinte jusqu’au cou puis il s’intéresse au sort d’une jeune fille à la rue qui elle-même a vécu une vie familiale totalement pourrie… Ce film n’aurait pas dû se présenter comme un film, il n’aurait même pas dû être sur Netflix. Il ressemble davantage à ces abominables téléfilms diffusés sur M6 l’après-midi ! Il n’y a pas grand-chose à sauver là-dedans. La mise en scène est totalement inexistante, le scénario accumule les lourdeurs, il n’y a rien pour se rincer l’œil (même pas les décors très vilains) dans tout ça, histoire de tenir le coup.

On ne peut même pas se raccrocher aux personnages, peu intéressants. Les personnages étant ce qu’ils sont, leurs interprètes ne peuvent pas être convaincants. Jason Sudeikis (Les Miller, une famille en herbe), habitué aux rôles comiques, fait de son mieux dans son rôle de dépressif : son interprétation n’est pas catastrophique mais on a connu l’acteur plus investi. Biel tente d’illuminer ses scènes principalement par son sourire ultra Colgate (vous comprenez, elle joue une artiste libre donc il faut sourire comme une idiote et dire des banalités pseudo-philosophiques sur le sens de la vie). Pire dans tout ça : le jeu de Maisie Williams (alias la Arya Stark de la série à succès Game of Thrones), pas du tout crédible en jeune SDF. Bref, tout est à jeter dans ce film qui provoque plus de la haine à la fin du visionnage que de l’amour !

The Book of Love : bande-annonce

The Book of Love : Fiche technique

Réalisateur : Bill Purple
Scénario : Bill Purple et Robbie Pickering
Interprètes : Jason Sudeikis, Maisie Williams, Jessica Biel, Mary Steenburgen…
Musique : Justin Timberlake
Producteurs : Jessica Biel, Ross M. Dinerstein, Michelle Purple, Kevin Iwashina
Société(s) de Production : C Plus Pictures, Campfire Stories Inc., Iron Ocean Films
Distribution : Netflix France
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie (Netflix) : 20 septembre 2017

États-Unis – 2016

Malgré un scénario un peu trop scolaire, Burn Out arrive tout de même à relever la tête grâce à son réalisateur, qui démontre un talent visuel dans la réalisation de scènes de course pleines d’adrénaline et la mise en tension organique de son personnage.

Cela a été dit à de nombreuses reprises, mais le cinéma de genre est peu représenté en France. Avec l’histoire de cet homme qui doit sauver son ex-femme d’un gang de manouches en usant de ses qualités de pilote de motos, on semble malgré tout être en terrain connu. Avec ce semblant de Série B, le mutisme de certains passages, la photographie aussi colorée que nocturne, les séquelles physiques de cette tension infernale, cette violence intériorisée, on sent que Yann Gozlan a bien révisé ses gammes, notamment celles de films tels que Drive ou même The Place Beyond the Pines. Certes, le cinéaste français n’est pas Nicolas Winding Refn et François Civil n’est pas Ryan Gosling, mais Burn Out s’extirpe de ces influences et s’accommode des codes du cinéma de genre pour modeler à sa guise une œuvre qui tient largement la route.

Il est vrai qu’il est difficile de se faire surprendre par un script qu’on voit venir avant le personnage lui-même et que l’intérêt pour les protagonistes secondaires s’étiole rapidement suite à un manque complet d’écriture, mais Burn Out utilise ses atouts de l’autre côté de la barrière, avec un dispositif visuel sensitif. Que cela soit par des scènes de course de motos tendues ou celles en Go Fast sur ces autoroutes pleines de néons hallucinogènes, Yann Gozlan amène un soin particulier à vouloir construire une identité esthétique, à amener une énergie sensorielle et immersive à son intrigue dans laquelle son personnage principal, François Civil, est quasiment de tous les plans.

Alors que nous ne sommes pas habitués à le voir jouer des rôles taciturnes et volcaniques, l’acteur est l’épicentre d’un film qui deviendra de plus en plus nerveux. Mais au-delà même de ces personnages et de la finalité de la trame scénaristique, c’est l’environnement développé, l’urgence constante du film, cette sensation continuelle et oppressante de danger agencée par Yann Gozlan qui amène un pouls à Burn Out. Certes l’imagerie du cinéma de genre français ne change guère avec la banlieue, les caïds de cité, les loubards, la clope, la violence, les petits arrangements, mais tout cet encadrement urbain devient un terrain de jeu propice à la soif visuelle et technique du metteur en scène.

Yann Gozlan offre un écrin racé, aussi élégant que tendu, se rapprochant plus de l’univers d’un Michael R. Roskam ou d’un Fred Cavayé que d’un Olivier Marchal. Il y a du savoir faire chez ce réalisateur qui sait manier les styles graphiques et le découpage dans les scènes d’action sans jamais que son film n’en devienne incohérent ou même gratuit : utilisant le huis clos d’une banlieue en guérilla, la rapidité et l’espace anxiogène d’une autoroute, les courses poursuites à 250 km/h avec la police, l’engin qu’est la moto n’a jamais été aussi bien mis en lumière dans un film d’action. Loin d’être un shoot de testostérone bas de gamme à la Fast and Furious ou Le Transporteur, Burn Out se veut être un trip esthétique dynamique, avec son rythme qui ne baisse jamais en tension et son mixage sonore ébouriffant.

Synopsis: Tête brûlée, accro aux sensations fortes, Tony ne vit que pour une seule chose : devenir pilote professionnel de moto superbike. Jusqu’au jour où il découvre que la mère de son fils est liée à la pègre manouche. Seule issue pour la sortir de cet engrenage : mettre ses talents au service des truands. Pilote de circuit le jour, go-faster la nuit, Tony est plongé dans une spirale infernale qui le mène au bord de la rupture…

Bande annonce – Burn Out

Fiche Technique – Burn Out

Réalisateur : Yann Gozlan
Scénario : Yann Gozlan, Guillaume Lemans
Interprètes : François Civil, Olivier Rabourdin, Samuel Jouy, Manon Azem
Photographie : Antoine Roch
Montage : Valentin Feron
Société(s) de Production : 24 25 Films,
Distribution : Gaumont Distribution
Genre : Action Drame
Date de sortie : 3 janvier 2018

France – 2018

Homme mythique ayant fabriqué son propre mythe et sa propre histoire, sujet de plus d’une dizaine de films déjà, Winston Churchill est le protagoniste du nouveau film du britannique Joe Wright, les Heures sombres. Un film fébrile et tout en action, alors même que le verbe, celui du Vieux Lion, est au centre du dispositif.

Synopsis : Homme politique brillant et plein d’esprit, Winston Churchill est un des piliers du Parlement du Royaume-Uni, mais à 65 ans déjà, il est un candidat improbable au poste de Premier Ministre. Il y est cependant nommé d’urgence le 10 mai 1940, après la démission de Neville Chamberlain, et dans un contexte européen dramatique marqué par les défaites successives des Alliés face aux troupes nazies et par l’armée britannique dans l’incapacité d’être évacuée de Dunkerque.

Alors que plane la menace d’une invasion du Royaume-Uni par Hitler et que 200 000 soldats britanniques sont piégés à Dunkerque, Churchill découvre que son propre parti complote contre lui et que même son roi, George VI, se montre fort sceptique quant à son aptitude à assurer la lourde tâche qui lui incombe. Churchill doit prendre une décision fatidique : négocier un traité de paix avec l’Allemagne nazie et épargner à ce terrible prix le peuple britannique ou mobiliser le pays et se battre envers et contre tout.

Avec le soutien de Clémentine, celle qu’il a épousé 31 ans auparavant, il se tourne vers le peuple britannique pour trouver la force de tenir et de se battre pour défendre les idéaux de son pays, sa liberté et son indépendance. Avec le pouvoir des mots comme ultime recours, et avec l’aide de son infatigable secrétaire, Winston Churchill doit composer et prononcer les discours qui rallieront son pays. Traversant, comme l’Europe entière, ses heures les plus sombres, il est en marche pour changer à jamais le cours de l’Histoire.

La Bataille d’Angleterre

Les biopics sur les grands hommes et femmes, politiques qui plus est, peuvent être mortellement ennuyeux. Il n’y a rien qu’on ne sache déjà, rien qui n’ait déjà été écrit, pire, rien qui n’ait déjà été filmé au moins une fois.

Pourtant, les Heures sombres du britannique Joe Wright est un film passionnant sur Winston Churchill qu’on suivra à la fois dans sa dimension intime, et dans ses habits fraîchement enfilés de premier ministre, pendant un petit mois, celui de Mai 1940, à une époque où les forces alliées étaient au plus mal, d’où le titre du film du cinéaste.

Le film débute par une séquence au Parlement, filmé en plongée, dans une lumière pâle mais suffisante pour que l’on puisse voir la poussière des lieux voler. La caméra descend tel un prédateur sur ces hommes en effervescence, demandant la démission de l’un d’eux, Neville Chamberlain (Ronald Pickup), le premier ministre en place. Une très belle scène inaugurale dans laquelle Churchill est absent, mais qui ne parle que de lui en creux : on chuchote son nom comme le seul successeur qui pourrait être accepté par l’opposition, mais on le chuchote comme s’il était une malédiction, comme si l’homme lui-même était une malédiction. Beaucoup de scènes s’appuieront sur de tels mouvements de caméra, impressionnants, peut-être un peu trop répétitifs pour ne pas tomber dans le gimmick facile.

Les Heures sombres se dessine plutôt comme un haletant thriller politique qu’un film de guerre. Hitler et Mussolini sont les ennemis manifestes, mais Churchill doit combattre des ennemis intérieurs tout aussi féroces, et notamment Neville Chamberlain et le sournois Halifax (Stephen Dillane, vu notamment dans Game of Thrones). Le métrage est porté par un Gary Oldman tout simplement énorme, qui réussit à la fois à faire oublier l’acteur derrière le personnage, et la tonne de latex dont il est recouvert, en interprétant à la perfection son Churchill. Les mimiques et les tics, les moindres gestes, les regards de doute, de conquête, de méchanceté ou encore de malice, sont ceux de Gary Oldman tout autant que ceux du « Vieux Lion ». La caractérisation du grand homme est dénuée de complaisance de la part du scénariste Anthony McCarten, et de la part du metteur en scène, qui n’ont pas hésité, à plusieurs reprises, à le montrer dans ses excès. Même si leur version de Churchill est globalement hagiographique, comme par exemple dans cette scène totalement inventée de Churchill frayant avec le peuple britannique et de l’Empire dans le métro de Londres, on ne peut pas leur reprocher un manque d’objectivité à l’égard du grand homme.

La réussite du film tient notamment dans ce combo caractérisation minutieuse / casting impeccable. Le roi George VI, bégayant de tout son soûl dans Le Discours d’un Roi de Tom Hooper, est un personnage beaucoup plus en nuances tel qu’interprété ici par Ben Mendelsohn. Tantôt contre Churchill qu’il a dû nommer Premier Ministre malgré lui, tantôt son allié au plus fort de ces heures sombres, donnant même une des scènes les plus empreintes de tendresse dans un film plutôt âpre, « Bertie » a une dimension très humaine que le « bad boy » australien contribue à façonner. Kristin Scott-Thomas incarne à merveille Clementine Churchill, une femme résignée mais loyale et fidèle, fatiguée mais tentant de rester à la hauteur de son époux en matière de drôlerie et de punchlines. Lily James, enfin, apporte la fraîcheur dans ce monde de vieux intrigants. La secrétaire personnelle de Churchill est l’agnelle qui aurait pu et dû se faire bouffer toute crue, et qui, in fine, devient la femme de confiance d’un homme qui a gagné une guerre avec les mots qu’il dictait et qu’elle tapait avec frénésie et avec ferveur.

Il est étrange de constater la coïncidence entre d’une part la sortie de Dunkerque, le film minimaliste de Christopher Nolan qui détaille une des journées de ce fameux moi de Mai, précisément celle de l’Opération Dynamo proprement dite, et celle des Heures sombres de Joe Wright, qui en raconte la gestation et le difficile accouchement ; et d’autre part, l’avènement du Brexit presque concomitamment à ces sorties. Comme une mauvaise ironie du sort, la frilosité quasi-xénophobe qu’une moitié des Britanniques a montré avec ce Brexit vient en totale contradiction avec ces films, avec les Heures sombres en particulier, un film qui montre combien, en plus de défendre son île, Churchill avait à cœur de protéger sa chère France et l’Europe, et surtout de défaire celui qu’il appelait alors déjà, Le Monstre, alors même qu’il était à un cheveu de céder aux sirènes de la négociation. Des hasards de calendrier qui ne sont qu’accidentels, mais qui ajoutent assurément du piment au visionnage de ce très bon film.

Les Heures sombres – Bande-annonce

Les Heures sombres – Fiche technique

Titre original : Darkest Hour
Réalisateur : Joe Wright
Scénario : Anthony McCarten
Interprétation : Gary Oldman (Winston Churchill), Kristin Scott Thomas (Clemmie), Ben Mendelsohn (Le Roi George VI), Lily James (Elizabeth Layton), Ronald Pickup (Neville Chamberlain), Stephen Dillane (Vicomte d’Halifax)
Musique : Dario Marianelli
Photographie : Bruno Delbonnel
Montage : Valerio Bonelli
Producteurs : Anthony McCarten, Tim Bevan, Eric Fellner, Douglas Urbanski, Lisa Bruce
Maisons de production : Working Title Films
Distribution (France) : Universal Pictures International France
Récompenses : Nombreuses pour Gary Oldman (Meilleur Acteur) et Joe Wright (Meilleur Réalisateur)
Budget : USD 30 000 000
Durée : 125 min.
Genre : Biographie, Histoire
Date de sortie : 03 Janvier 2018
Royaume-Uni – 2017

Chaque sortie d’un long-métrage estampillé « written by » Aaron Sorkin constitue une occasion de constater l’écrasante domination du dramaturge new-yorkais sur le reste de sa profession. C’est peu dire qu’il était attendu au tournant avec Le Grand jeu, sa première réalisation qui s’inscrit à la fois dans la continuité et en rupture de son œuvre, et s’octroie pour l’occasion les services d’une Jessica Chastain incendiaire.

De l’aristocratie en Amérique

Les gens exceptionnels font le portrait des gens exceptionnels. C’est en tous cas l’observation qui se dégage de la carrière d’Aaron Sorkin, mastermind de l’architecture scénaristique qui éblouit ceux qui essaient de s’en approcher, et Stradivarius érigé comme tel par ses pairs de plume qui ne manquent jamais une occasion de lui administrer leur déférence. Et à en juger par les figures qui constellent sa filmographie, Sorkin ne fait guère mystère de la conscience qu’il semble avoir de son statut. Jugez plutôt : un président des États-Unis durant les quatre premières saisons de The West wing, le sénateur qui a officieusement organisé la débâcle de l’armée Soviétique en Afghanistan dans La guerre selon Charlie Wilson, le créateur du réseau social qui a bouleversé la notion même d’interaction dans The Social Network… Bref, vous l’aurez compris, la filmographie du père Sorkin n’a rien de l’éloge de la normalité qui semble obséder ses contemporains, lui qui n’a cessé tirer le portrait d’une élite à laquelle il s’identifie sans fausse modestie.

Toutefois, on aurait tort d’en conclure que l’écriture de Sorkin ne constituerait pour lui que le support d’un narcissisme de classe qui lui permettrait de contempler son reflet à l’écran. Bien au contraire, son œuvre questionne ses personnages, confronte leurs envies à leurs responsabilités et les jauge à l’aune leur capacité à assumer l’exigence qui s’accompagne de leurs talents. Charlie Wilson est un politicien redoutable et apprécié, mais qui va devoir convoquer ses dons pour faire autre chose que garantir sa place et profiter de la bonne chère. Même chose pour le Will McAvoy de The Newsroom, journaliste surdoué incité à sortir de sa profitable apathie pour se mettre en danger en relevant le niveau de son journal. Quant au président Shepherd (littéralement « berger », on ne saurait être plus clair) du Président et Miss Wade, il recommence à se montrer digne de sa fonction lorsqu’il arrête de penser à sa réélection.

Or, cette notion de responsabilité est essentielle pour comprendre le rapport que Sorkin entretient avec le milieu qu’il dépeint. Chez lui, il ne s’agit pas de faire la promotion d’une oligarchie qui travaille pour elle-même, ou de plonger le spectateur dans les secrets de cour des « premiers de cordées » (pour reprendre l’expression de notre start-upper de président). L’élite à laquelle s’identifie Sorkin, c’est celle de l’aristocratie de l’Antiquité grecque, qui désigne les êtres d’excellence dont les qualités s’accompagnent d’une rigueur morale inattaquable. Soit la définition apportée par le philosophe politique Alexis de Tocqueville, notamment connu et célébré pour son ouvrage De la démocratie en Amérique, qui distinguait la noblesse, caste fermée qui menaçait de s’étioler, avec l’aristocratie qui se renouvelle au contraire par l’apport des talents nouveaux. A l’instar de Brad Bird dans A la poursuite de demain, l’auteur milite pour une élite plus que pour un élitisme et assume de confier les grandes questions sur l’avenir du monde entre les mains des personnages capables d’y répondre. C’est là que réside la dimension morale de The social Network, qui questionnait l’une des inventions les plus emblématiques de la décennie à travers le génie médiocre de son créateur, qui mobilise son intellect hypertrophié pour satisfaire sa basse névrose. Acte qui équivaut à un affront déontologique pour ce chantre d’une utopie « Frank Capraesque » de l’Amérique, où la hauteur intellectuelle n’a d’égal que la probité morale qui incombe à ceux qui ont la charge d’élever le pays au niveau de ses principes.

La plume sous les formes

Or, cette exigence, l’auteur se l’impose à lui-même à travers la haute idée qu’il se fait de son art et l’intransigeance dont il fait preuve quant à la préservation de son intégrité. En tant qu’aristocrate assumé de l’art dramatique, Sorkin se fait un point d’honneur à contrecarrer cette tendance à harceler l’exception pour l’abaisser au niveau de la norme (ou l’idée que les décideurs s’en font). Pas question de vulgariser ses enjeux pour les rendre accessibles à moindre frais, au contraire. Quand l’industrie se met au diapason pour s’adapter à la concentration de plus en plus aléatoire du spectateur/consommateur, Sorkin fait le pari de considérer le public comme un adulte capable d’encaisser un effort d’attention. Qu’il s’agisse de ses célèbres dialogues d’une densité phénoménale, ses dispositifs iconoclastes tournant le dos aux conventions (voir Jobs de Danny Boyle), sa propension à mettre protocole et procédure au centre de ses postulats… Le travail de Sorkin porte dans son ADN le majeur tendu de l’auteur adressé à la culture de masse, quintessence d’un geste artistique qui défie toutes tentatives de marchandisation de son médium. L’exigence est une vertu qui se partage.

Une profession de foi aussi prononcée influe directement sur la reconnaissance du monsieur, qui compte parmi les rares scénaristes dont la patte survit aux réalisateurs qui se l’approprient. Pas le moindre exploit quand on a travaillé avec des cinéastes aux personnalités aussi marquées que David Fincher ou Danny Boyle. Chose exceptionnelle pour un scénariste, Sorkin est même crédité comme créateur de formes avec son fameux « walk and talk », du nom donné à ces séquences caractéristiques de son œuvre dans lesquelles la caméra suit les personnages parler en se déplaçant. Avec un tel déterminisme visuel et scénique dans l’écriture, le passage du monsieur derrière la caméra n’était qu’une question de temps, même si on mesure la pression que représentait une telle transition. Car, si l’on sait déjà que Sorkin trône tout en haut de l’Olympe de sa profession, toute la question était de savoir s’il pouvait relever la comparaison en tant que metteur en scène. Si la personnalité immédiatement identifiable de l’homme de plume faisait écho dans celle de l’homme derrière la caméra…

Or, c’est peut-être parce qu’il était conscient de cet enjeu que Sorkin a choisi de relever le défi en adaptant les mémoires de Molly Bloom, ex-championne de ski qu’un grave accident a éloigné à tout jamais des pistes. Pour rebondir, la belle trouve pied dans le monde underground des parties de poker clandestines, jusqu’à devenir l’égérie du milieu de Los Angeles à New-York… Soit pour 99% des gens le prototype de la success-story dessinant une personnalité extraordinaire à l’aune de ses accomplissements dans un milieu qui ne lui tendait pas les bras. Mais pour celui qui a conté et questionné les destins fictifs ou réels de personnes qui ont littéralement bouleversé le cours de l’histoire récente, l’affaire semble un peu légère. Et pour cause, si Molly Bloom est très vite introduite comme une femme aux possibilités hors-normes, Sorkin la définit avant tout à travers le destin dont un accident improbable l’a privé.

Combattre sans péril, victoire sans gloire ?

De fait, c’est une destinée par défaut que relate Le Grand jeu, le personnage s’échinant à se déterminer en opposition avec ce qu’elle ne pourra pas être. Ainsi, bien que Sorkin s’efforce à relater avec force emphase ludique (façon « comment rendre fun et captivant les truc relous à l’écran », ouvrage cosigné par Martin Scorsese, Oliver Stone et Adam McKay) les stratagèmes tarabiscotés avec lesquels la belle se fait une place au soleil, ses exploits se révèlent constamment atténués par la narration. Structuré en flash-back séparant le présent du récit de sa propre ascension, Le grand jeu confronte sans cesse les dires de Molly au regard sévère de l’avocat à qui elle raconte son histoire. Au point de transformer ses confessions en expertise d’audience dans lesquels ce dernier endosse le rôle de procureur contre sa cliente.

On reconnaît ici l’esprit d’homme de loi, sans doute structuré par la famille de juristes dans laquelle il a grandi, qui a souvent prévalu dans le travail de Sorkin. Son insistance sur les détails protocolaires, ses joutes verbales infusées de syllogismes, ou sa persistance à décliner la dichotomie entre éthique et pragmatisme sont autant de traces du substrat juridique qui a survécu et à bien des égards a façonné la dramaturgie de l’auteur. Dans The Newsroom, l’auteur allait même jusqu’à faire du plateau télévisé sur lequel se déroulait une bonne partie de l’action le tribunal de la chose publique aux États-Unis. Le grand jeu reprend cette logique au cours des échanges entre Jessica Chastain et Idriss Elba mais les ramène à une échelle plus intime, puisque pour la première fois chez Sorkin les enjeux véhiculés par l’héroïne ne concernent… qu’elle-même. Pas de destinées supérieures entre les mains de Molly Bloom, sinon le sort des quelques clients des parties de pokers clandestines qu’elle a organisées de la côte Ouest à la côte Est.

Pour un peu, la matériau apparaîtrait presque trivial au regard de l’arsenal scénaristique déployé. Or, la question se pose dans des termes similaires à Molly Bloom, qui évolue dans un milieu clairement en deçà de ses possibilités intellectuelles. La dialectique inhérente au genre, où le héros/ héroïne s’impose dans un milieu opaque en écrasant les autres de sa supériorité, se retrouve ainsi mise en abyme à l’œuvre dans le dispositif déployé. En effet, Le Grand jeu existe dans une disproportion de moyens qui permet à Sorkin de rouler tranquillement sur la concurrence, mais qui ne se répercute jamais dans l’amplitude thématique et/ou du récit. Pour une œuvre qui s’est toujours distinguée par sa propension à ramener une narration complexe à un fil rouge intimiste immédiatement perceptible, l’absence de grande histoire à travers laquelle regarder la petite laisse dans premier temps songeur. Il faut même un moment avant de comprendre que la raison d’être du film ne réside dans ce constat : Sorkin n’est pas impressionné par Molly Bloom (ou du moins pour les raisons pour lesquelles son parcours semble être raconté).

Confessions intimes

Jusqu’à présent, la filmographie de Sorkin s’est toujours affirmée dans un paradoxe. On l’a dit, l’identification aux personnages qu’il mettait en scène dans ses textes avait valeur de déclaration de supériorité dans son propre corps de métier pour l’auteur. Mais cette identification constituait également un aveu d’humilité vis-à-vis de ces figures, justement parce qu’ils ne font pas le même boulot. Aussi (sur)doué soit-il, Sorkin s’est toujours positionné en troubadours des praticiens qui doivent gérer des problématiques sacerdotales à sa place. Il est à même de cerner les protagonistes du destin exceptionnels qu’il relate à l’écran, sans prétendre se projeter complètement en eux. C’est l’essence classique de son travail, qui construit cette compréhension des personnages en gardant à l’esprit la séparation entre le public et l’écran, à la fois fenêtre et frontière de l’imaginaire dépeint.
On commence à comprendre ce qui a interpellé Sorkin dans le personnage de Molly Bloom. Car à l’instar de son héroïne, Sorkin lui aussi a fait défaut à l’hétérodoxie familiale en tournant le dos à la carrière juridique embrassée par son père, son frère et sa sœur pour emprunter la voie des planches. Comme elle, il a durablement marqué sa profession de son empreinte et tous les deux se sont brulés les ailes dans les excès qui caractérisent leur secteur d’activité respectifs (l’addiction aux drogues dures pour Sorkin, les relations dangereuses et l’illégalité pour Molly Bloom). Et comme elle, ses prédispositions il auraient probablement permis de se distinguer dans un corps de métier moins… trivial.

On le voit, si Molly Bloom est le premier personnage que Sorkin ne regarde pas en contre-plongée, c’est moins par snobisme que par sentiment de proximité vis-à-vis de son parcours. Au final, le reproche formulé en creux à l’héroïne n’est pas tant d’avoir transgressé les limites de la légalité que d’avoir utilisé ses dons pour cela, le personnage d’Elba se substituant au jugement paternel qu’elle cherche à fuir en le poursuivant. . On ne s’aventurera pas à extrapoler sur le degré de vécu que l’auteur a intériorisé dans ce personnage. Ce qui est sur, c’est qu’il n’oublie d’ailleurs pas de mettre l’arrogance de son postulat en perspective, lorsque le sentiment de maitrise de Molly sur son petit monde se retournera inévitablement contre elle. Mais c’est également la raison pour laquelle le film se révèle parfois déceptif sur le cœur de son argument de vente (le business monté par Molly sur les parties de poker), dans la mesure où Sorkin ne semble pas plus intéressé que ça par le milieu dans lequel elle évolue. Rien de franchement honteux en soit, mais le réalisateur semble parfois dissimuler son manque d’intérêt pour le contexte derrière les apparats d’une leçon trop bien apprise, jusqu’à se reposer sur ses dialogues pour meubler . La chose se remarque d’autant plus à la lueur des précédents travaux d’un auteur qui s’est toujours épanoui dans le fait de raconter ses personnages à travers leur travail (le fameux « walk and talk » : parler sans jamais arrêter ce qu’on est train de faire, faire avancer l’histoire dans le mouvement des protagonistes). Y compris dans leurs mécanismes les plus techniques, ici relativement indifférents au spectateur, malgré la volonté de l’auteur d’y injecter du fun.

Ainsi, ce n’est pas tant dans l’ascension de l’héroïne et les passages ou elle se surélève par rapport à ses contemporains qui constitue le cœur du film, mais au contraire ceux qui la descendent de sa position. Jusqu’à présent, les dispositifs scénaristiques atypiques de Sorkin participaient de cette volonté d’inviter l’audience sur le piédestal sur lequel trônaient ses personnages, sans les en faire descendre pour autant. C’est le parti-pris inverse qui est adopté dans Le grand jeu, à travers l’opposition de l’héroïne avec le personnage d’Idriss Elba qui donne lieu aux meilleures scènes du film. Sorkin y révèle d’ailleurs son meilleur profil en tant que metteur en scène, s’efforçant de traduire dans son découpage les rapports de force induits par son texte plutôt que de se contenter de les illustrer. Le procédé fonctionne d’autant plus que la direction d’acteurs se révèle au diapason de cette volonté : Elba y est impérial d’autorité crypto-patriarcale, et Chastain plante une bonne fois pour toutes son drapeau au sommet de la montagne qu’elle occupe depuis un moment déjà. L’actrice parvient à véhiculer une variation épatante de nuances dans une enveloppe outrancièrement sexualisée (de par la nature du rôle) sans jamais trahir de façon nette la distance que son personnage nourri vis-à-vis de sa propre image.

De fait, cette impossibilité pour le personnage de se grandir à travers sa fonction constitue l’enjeu principal du récit, et va cristalliser le lien que le réalisateur-scénariste nourri avec le personnage. Ainsi, dans la mesure où le réalisateur ne réussit à simuler qu’une excitation molle pour le parcours factuel de Molly Bloom (en cela, son surnom de « Loup de Wall Street au féminin » mis en avant par la promo française relève du contre-sens total), c’est ailleurs que Sorkin va construire son respect et l’admiration dont il a besoin pour raconter son histoire. A la faveur d’indices subtilement distillés, c’est ainsi l’intégrité morale de la jeune femme qui emporte l’adhésion du spectateur et l’admiration de l’auteur/ réalisateur qui, rappelons-le encore une fois, a toujours placé la vertu de ses personnages au-dessus de leur intelligence. In fine, Molly devient un personnage éminemment sorkinien, rejoignant la constellation d’autodidactes géniaux qui tapisse la filmographie du grand auteur, qui n’a peut-être jamais autant parler de lui dans un écrin à priori pourtant impersonnel. Les confessions d’un grand auteur sont toujours une chose précieuse. Le grand jeu ne fait pas exception.

Le Grand Jeu : Bande-annonce

Fiche technique : Le Grand Jeu (Molly’s Game)

Réalisation: Aaron Sorkin
Scénario: Aaron Sorkin, d’après Molly’s Game: From Hollywood’s Elite to Wall Street’s Billionaire Boys Club, My High-Stakes Adventure in the World of Underground Poker, de Molly Bloom
Interprétation: Jessica Chstain (Molly Bloom), Idriss Elba (Charlie Jaffey), Kevin Costner (Larry Bloom), Chris O’Dowd (Douglas Downey), Michael Cera (Player X), Graham Greene (Juge Foxman)…
Photographie: Charlotte Bruss Christensen
Décors: Patricia Larman
Costumes: Susan Lyall
Montage: David Rosendbloom
Musique: Daniel Pemberton
Production: Mark Gordon, Amy Pascal
Sociétés de production : Entertainment One, Pascal Pictures, Huayi Brothers Pictures et The Mark Gordon Company
Sociétés de distribution : STX Entertainment (États-Unis), SND Films (France)
Genre : Thriller, Drame
Durée : 140 minutes
Date de sortie : 3 Janvier 2017

États-Unis 2017