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Après L’île mystérieuse et Jason et les argonautes, Sidonis Calysta poursuit son travail d’édition consacré au génie des effets visuels et de l’animation, Ray Harryhausen, avec la sortie en coffret Blu-ray de la trilogie Sinbad.

L’Aventure, la vraie, haute en couleurs et fantaisies, par Hervé

Amateurs d’exotisme, d’aventures et de merveilleux, ces trois films sont faits pour vous ! Sidonis vous propose de voyager dans des mondes fantastiques aux côtés de Sinbad dans trois films cultes. Regarder la trilogie Sinbad, c’est la certitude de se retrouver devant des divertissements old school hauts en couleurs et de s’émerveiller face aux prouesses techniques relevées par Ray Harryhausen.

D’abord, plantons l’ambiance : des expéditions lointaines et périlleuses sur de grands voiliers, depuis les ports de l’Arabie des 1001 nuits jusqu’aux confins du monde. Une Bagdad mythique avec ses palais somptueux. Des sorciers (ou des sorcières), des maléfices, une princesse qui a rétréci, un prince changé en babouin, des temples cachés, des forces surnaturelles, un alchimiste grec, des cartes sur des parchemins ou dissimulées dans des médaillons, des rêves angoissants, et tant d’autres choses. Le tout saupoudré d’une pointe de sensualité, avec des princesses à demi-vêtues.

Dans Le 7ème Voyage de Sinbad, le célèbre marin doit accompagner un magicien sur une île peuplée de monstrueux cyclopes (et autres bestioles) pour y retrouver une lampe magique.

Le Voyage Fantastique de Sinbad est une course-poursuite maritime et mythologique entre le marin et un sorcier noir, Koura, qui tente de récupérer un médaillon. Celui-ci constitue la carte qui permet d’accéder à une source de pouvoir.

Enfin, Sinbad et l’Oeil du tigre, quant à lui, raconte comment l’aventurier va tenter de lever la malédiction jetée sur son ami le prince Kassim, transformé en babouin. Pour cela, il devra retrouver un magicien légendaire.

Même s’ils sont réalisés à presque vingt ans d’écart (de 1958 pour Le 7ème Voyage jusqu’en 1977 pour Sinbad et l’Oeil du tigre), la recette des trois films est similaire : un mélange savamment dosé d’aventures maritimes dans un monde des 1001 Nuits, avec des animaux fabuleux et des sorciers. Le rythme est soutenu et l’histoire permet de multiplier les scènes d’action et de nous offrir des effets spéciaux spectaculaires.

Car la véritable star de ces trois films, c’est bien entendu Ray Harryhausen, le concepteur des effets spéciaux. Avec un talent et une imagination rares, il donne vie à toute une faune fantastique et merveilleuse. Au fil des films, nous croisons des cyclopes, des rapaces à deux têtes, des dragons, des tigres à dents de sabre, une figure de proue qui a pris vie, un Minotaure, une déesse païenne à six bras, et tant d’autres choses encore. Non seulement l’animation est magnifique, mais l’interaction entre les créatures de Harryhausen et les personnages humains est remarquable. L’ensemble nous donne trois films d’aventures à grand spectacle indispensables aux amateurs de merveilleux.

Une édition Blu-ray loin d’être magique, par Benjamin

Déclarons-le de suite : le coffret proposé par Sidonis Calysta remet en question les attentes en termes de remasterisation et d’édition. Les deux premiers films sont proposés avec leurs précédents masters Sony/Columbia Pictures datant de 2008 et loin d’être exemplaires déjà à leur sortie. Tout de suite, deux problèmes se posent : concernant le premier, Le 7^èmeVoyage de Sinbad (1958), le rendu est équivalent en termes de problèmes à celui de Jason et les argonautes même si celui-ci a une présentation légèrement meilleure. Rappelons que ce dernier a été réédité par Sidonis Calysta à partir d’un master datant de 2010. Ainsi l’image manque de définition sur l’ensemble du film et souffre de flou et d’une trop importante présence granuleuse sur de nombreux plans qui ne comportent pas toujours de trucages visuels (dont les techniques pouvaient justement faire perdre en précision visuelle). La copie alterne entre le médiocre, le correct, et de temps en temps quelques plans soignés. On remarquera un léger changement d’étalonnage opéré par l’éditeur. Le rendu des couleurs et de la lumière est ainsi plus doux et nuancé que sur la copie d’origine de Sony. Le deuxième film, Le Voyage fantastique de Sinbad (1974), est plus récent, le visionnage est un poil meilleur sans être incroyable. On retrouve toujours un problème de définition ainsi qu’un manque de puissance dans les couleurs. Le plus important problème réside dans le constat de dvdclassik.com : l’éditeur a repris un master daté qui ne respecte pas le format d’origine… Heureusement, Sinbad et l’œil du tigre est présenté dans son dernier et jeune master, le même utilisé que dans la récente édition anglaise d’Indicator et Powerhouse Films (2017) qui avait suscité alors beaucoup d’enthousiasme. Le métrage se présente dans une copie formidable malgré quelques imperfections naturelles (certains plans à effets spéciaux, entre autres). Quant au rendu sonore des films, les trois présentent des mixages relativement satisfaisants.

L’édition des trois films est d’autant plus bancale qu’elle manque cruellement de compléments. Les rares bonus sont par ailleurs présentés en SD : L’héritage de Ray Harryhausen, un document vidéo qui enchaîne les interviews de réalisateurs et créatifs conséquents du cinéma (Dennis Muren ; Stan Winston ; Phil Tippett ; Joe Dante) qui ont été bouleversés dans leur jeunesse par le travail de Ray Harryhausen. Ce dernier aurait ainsi fait battre les premières pulsations de cinéaste chez ces grands des grands. On découvrira avec plaisir un clip promotionnel d’époque, Et voici la… Dynamation !, qui revient non sans arguments commerciaux sur le procédé technique inventé par Ray Harryhausen pour briser la frontière entre les créatures de chair et celles artificielles nées dans l’imagination du maître inspiré et animées avec génie. On retrouve enfin les éternelles bandes-annonces.

À 39,99 euros le coffret, on vous conseillerait de ne pas vous hâter dans son achat. Certes, on aimerait dire, comme pour Jason et les argonautes, que les films nous sont présentés dans leur meilleure copie à ce jour, bien au-dessus du DVD (et il faut insister sur le fait que le master de ce film est bien au-dessus du premier Sinbad). Mais cela n’est vrai que pour le troisième volet. Certains pourront peut-être dépasser ces problèmes par l’enchantement mis-en-scène dans ces récits d’aventures mythologiques. D’autres seront désarçonnés devant les conditions audiovisuelles portant et malmenant ce même enchantement. Enfin, notre observation du coffret est teintée d’une certaine déception tant on pouvait attendre d’une telle sortie.

Bande-Annonce – la collection Ray Harryhausen par Sidonis Calysta

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES

3 Blu-ray – MPEG 4 – AVC – 1.66 :1, 1.78 :1, & 1.85 :1 – 16/9 – 1080p HD – Langues : Anglais DTS-HD Master Audio 2.0 et 5.1 / Français DTS-HD Master Audio 2.0 et 5.1 – Sous-titres : Français – Durée : 89 mn, 105 mn et 113 mn ; Etats-Unis

COMPLÉMENTS

Le 7ème Voyage de Sinbad :
L’héritage de Ray Harryhausen (« The Harryhausen Legacy », 2008, 24’23 », VOST)
Et voici… la Dynamation ! (1958, 3’29 », VOST)
2 bandes-annonces (1958, 1’43 » + 3’22 », VO)
Le Voyage Fantastique de Sinbad :
Bande-annonce (1947, 2’47 », VO)
Sinbad et l’Oeil du Tigre :
Bande-annonce (1977, 2’10 », VO)

Sortie le 28 mars 2019. Prix de lancement : 39,99 €

Disponible chez Tamasa à partir du 8 mai en combo DVD/Blu-ray, La Salamandre est un titre-phare du cinéma suisse. L’ancien documentariste Alain Tanner y met en scène un trio de comédiens talentueux, dans un récit lunaire et ironique jetant une lumière crue sur les mutations en cours dans les années 1970.

Désargenté, Pierre est « obligé de faire des piges » pour un journal. Son ami Paul, romancier, ne baigne pas non plus dans l’opulence : il se livre à de modestes boulots manuels, puis rejoint sa « petite maison » au « loyer de 100 francs » sise dans un « coin perdu ». Le premier avance au second une proposition inespérée : un travail bien payé, « 2000 balles en un mois », consistant à écrire pour la télévision « un scénario sur un fait divers ». Une jeune femme aurait tiré sur son oncle à l’aide d’un fusil militaire. En l’absence de témoins, un non-lieu a été prononcé par le tribunal. Si Alain Tanner avait été Alfred Hitchcock, on aurait appelé cela un MacGuffin. Car force est de constater que le néo-cinéaste suisse se moque de son enquête comme une octogénaire de ses premières règles. La Salamandre est avant tout un portrait de femme et d’époque, filmé dans un noir et blanc des plus classiques.

Le romancier fait appel à l’imaginaire, le journaliste aux faits objectivables. Tous deux échoueront cependant à faire jaillir la vérité, mais se lieront d’amitié avec Rosemonde, la femme sur laquelle ils enquêtent. Bulle Ogier, Jean-Luc Bideau et Jacques Denis se montrent tous impeccables dans un film où les séquences s’étirent jusqu’au grotesque. Rosemonde remplit de boudin une douzaine de condoms dans une allusion sexuelle très explicite. Elle balance sa tête furieusement sur une musique entêtante et continue même lorsque cette dernière est coupée. Elle se promène, traîne un spleen urbain, se montre aguicheuse – et pathétique – dans des scènes brisant les conventions narratives. C’est elle le noeud du film : fille-mère issue d’une fratrie de onze enfants, en butte à un père agressif, engrossée précocement, se rêvant hôtesse tout en se trouvant trop vieille, ayant maille à partir avec la police, incapable de se plier aux diktats de la bourgeoisie et de la société capitaliste. Bulle Ogier irradie tout le film de sa moue boudeuse, contrariée, joviale ou lassée.

Le rapport au rythme, la caractérisation des personnages, les gags, les thèmes musicaux : tout contribue à la réussite de La Salamandre, sur lequel semble s’exercer le souffle de la Nouvelle vague française. Produit avec des moyens chiches, arrimé à une énigme féminine en mouvement, ce long métrage inspiré raconte une idylle avec poésie, une enquête avec absurdité, une époque avec amertume. Le spectateur en ressort fasciné : par les longueurs, par les protagonistes, par les ruptures de ton, par l’élégance de la mise en scène. Un beau morceau de cinéma, injustement méconnu.

BONUS ET RESTAURATION

Trois documents sur Alain Tanner, de courte ou moyenne durée, accompagnent le film. On y évoque sa carrière, ses idées, la liberté de ton de son cinéma, mais aussi Cannes, en tant que tremplin et dans son folklore. Un livret de seize pages, habituel dans le chef de Tamasa, revient sur les particularités du film : la gestion du temps, la description de la Suisse des années 1970, la veine gaucho-anarchiste ou encore le personnage féminin vers lequel tout semble converger. Le travail de restauration est aussi discret qu’efficace : image stable, piqué appréciable, granulation maîtrisée, son parfaitement audible.

Extrait : La Salamandre 

Synopsis : Un romancier et un journaliste enquêtent sur un fait divers vieux de deux ans. Ce faisant, ils rencontrent une femme avec laquelle ils vont se lier d’amitié…

Fiche technique : La Salamandre

Salamandre (La)
Un film de Alain Tanner
Avec Bulle Ogier, Jean-Luc Bideau, Jacques Denis
Suisse – 1971 – 120 min – Noir et Blanc – 1,66
Version restaurée 2K

Scénario : Alain Tanner et John Berger
Production : Alain Tanner et Gabriel Auer
Musique : Patrick Moraz
Photographie : Sandro Bernardoni et Renato Berta
Montage : Marc Blavet et Brigitte Sousselier
Pays d’origine : Suisse
Format : Noir et blanc1 – Mono – 35 mm
Genre : Comédie dramatique
Durée : 124 minutes
Date de sortie : 27 octobre 1971 (France)

Le temps est décidément le meilleur allié de l’art. Particulièrement dans un domaine comme le cinéma, dont la nature industrielle tend à l’emporter sur toute autre considération à court-terme. Ce qui ne s’est pas révélé préjudiciable pour Miracle Alabama, le film d’Arthur Penn ayant connu la consécration publique et critique dès sa sortie. Pourtant, les 57 ans qui séparent sa conception de sa réédition en blu-ray chez Rimini Editions ajoutent à l’importance d’une œuvre dont l’aura était appelée à prospérer.

Adieu au langage

Adaptation par Penn  de sa propre pièce de théâtre qui lui valut un triomphe à Broadway, Miracle en Alabama suit l’histoire d’Helen Keller, adolescente devenue aveugle et muette peu après sa naissance. Ne réussissant plus à composer avec le handicap de leur fille, ses parents font appel à Anne Sullivan, une éducatrice spécialisée elle-même mal voyante, qui va s’ingénier à apprendre le langage à sa nouvelle élève. Quitte à payer de sa personne…

On imagine la gageure consistant à réaliser sur la communication avec un personnage sourd et aveugle. Or, non seulement Arthur Penn ne contourne pas l’obstacle en se réfugiant derrière la sécurité de codes narratifs éculés, mais en plus l’érige t-il en boussole de ses partis-pris. Sur le postulat d’une héroïne privée des sens de la vue et de l’ouïe, Penn puise dans les propriétés de son médium pour réaliser un film sur le toucher, et traduire l’expérience de ses personnages en termes audiovisuels au spectateur.

Concrètement, cela se traduit par un récit résolument doloriste, à mille lieues du mélodrame érigeant des remparts de bons sentiments entre le spectateur et les aspects les plus déplaisants de son sujet. Difficile de ne pas penser à Lorenzo de George Miller, autre (très) grand film sur la souffrance s’interdisant de placer tout filtre entre le public et l’enfant à l’agonie. De fait, Penn filme des personnages qui vont « au contact » l’un de l’autre et se rentrent dedans pour se faire comprendre.

Boxer avec les images

Le dialogue des corps vire au pugilat des volontés dans ce clash de  personnalités obtuses. Un combat qui culmine dans cet incroyable affrontement de 9 minutes suspendant la narration à celle des deux qui soumettra l’autre la première. Recadrages synchronisés, raccord dans l’axe accompagnant le mouvement, chorégraphie de l’espace : Miracle en Alabama n’est pas un drama familial, c’est un film d’action. Une œuvre physique au sens premier du terme, un duel de buffles où les bovins sont déguisés en femmes faisant feu de tout bois pour marquer leur point. Jean-Pierre Améris saura s’en souvenir pour son courageux Marie-Heurtin, long-métrage aux intentions similaires mais aux fondations malheureusement trop bancales pour supporter la radicalité de ses partis-pris.

A l’inverse, Arthur Penn a toujours maîtrisé la dialectique de la confrontation. Son cinéma ainsi s’est longtemps fait l’antenne d’une génération qui s’est définie dans sa lutte avec les institutions. Qu’il s’agisse du passage à tabac de Marlon Brando dans La poursuite impitoyable (qui renvoie directement à la scène décrite ci-dessus) ou la fin de Bonnie and Clyde, l’envie d’en découdre a toujours accompagné l’expression cinématographique du réalisateur. Cette volonté qui n’a sans doute jamais été aussi manifeste que dans Miracle en Alabama. Le réalisateur ne cède rien à la périphérie du point de vue de ses personnages, quitte à aller au clash avec les habitudes du public d’alors.

Nouvelle école

Ainsi, s’il affirme sa maîtrise des codes du cinéma classique (notamment dans cette ouverture traumatisante, qui rappelle en quoi la durée d’un plan peut en changer la nature), c’est pour mieux les malmener par la suite. On se souviendra longtemps des flash-backs sur l’enfance du personnage d’Anne Bancroft (oscar de la meilleure actrice pour sa prestation, de même que Patty Duke qui obtint celui du meilleur second rôle), véritables visions d’horreurs s’animant dans l’expressionnisme flou de l’image.

La violence de l’échange « physique » constitue un préambule nécessaire au langage chez Penn. Miracle en Alabama est un film sur une famille qui se soustrait à ce contact nécessaire en se réfugiant derrière les conventions. Tout l’inverse du réalisateur donc, qui convoque cette femme qui va au contact comme catalyseur du changement. Ce n’est pas un hasard si le climax du film réside dans ce moment où les Keller prennent leur fille dans leurs bras pour la première fois. Comme s’ils sortaient enfin de leur réserve pour exprimer physiquement l’amour qu’ils portaient à leur fille. On le comprend, l’histoire du film est aussi celle de sa conception et du challenge qui l’articule. C’est peut-être la contribution majeure d’Arthur Penn dans le cinéma américain : le sens du contact.

Miracle en Alabama en Blu-Ray

Plutôt chiche en bonus, cette édition mettra néanmoins entre les mains de l’heureux acheteur un livret de 34 signé Christophe Chavdia. Intitulée  « Un miracle à Hollywood« , l’autre supplément du disque donne la  parole à Frédéric Mercier, critique à Transfuge. 36 minutes pendant lesquelles Mercier revient sur la conception du film, son impact dans le Hollywood de l’époque et sa place dans la carrière d’Arthur Penn. Pour le reste, la qualité de la restauration justifie à elle seule l’achat d’un film  indispensable.

Retrouvez le blog de Guillaume Méral ici: https://critiquetamere.com

FICHE TECHNIQUE :

• Titre original : The Miracle Worker
• Titre français : Miracle en Alabama
• Réalisation : Arthur Penn, assisté d’Ulu Grosbard (non crédité)
• Scénario : William Gibson d’après sa pièce, inspirée de Sourde, muette, aveugle : histoire de ma vie (The Story of My Life) par Helen Keller
• Interprétation: Anne Bancroft (Anne Sullivan), Patty Duke (Helen Keller), Victor Jory (capitaine Keller), Inga Swenson (Kate Keller), Andrew Prine (James Keller)
• Production : Fred Coe
• Société de production : Playfilm Productions
• Société de distribution : United Artists
• Musique : Laurence Rosenthal
• Photographie : Ernesto Caparrós
• Montage : Aram Avakian
• Direction artistique : George Jenkins

L’équipage, film d’Anatole Litvak, avec Charles Vanel et Jean-Pierre Aumont, sort en combo DVD/Blu-Ray chez Pathé : un petit événement qui permettra de (re)découvrir un très beau film.

Litvak et Kessel

Anatole Litvak a eu un parcours très mouvementé. Né à Kiev, il commence sa carrière en URSS, puis s’installe en Allemagne au milieu des années 20, avant de fuir le nazisme vers la France d’abord, puis les Etats-Unis. Cinéaste injustement méconnu de nos jours, il a réalisé quelques très grands films dans différents genres : mélodrames, thrillers (l’excellent Raccrochez, c’est une erreur) et même films de guerre. A chaque fois, il sait apporter sa science du cadrage, du rythme et du montage, une direction d’acteurs irréprochable, une grande intensité dramatique et une certaine profondeur psychologique.
Lors de son passage en France au début des années 30, le cinéaste se lie d’amitié avec le romancier, journaliste, voyageur et aventurier Joseph Kessel. De cette amitié sortiront plusieurs films réalisés par Litvak sur un scénario de Kessel : certains en France (Mayerling, en 1936, avec Danielle Darrieux et Charles Boyer), d’autres aux États-Unis (Un acte d’amour, en 1953, avec Kirk Douglas, et surtout La Nuit des généraux, en 1966, avec Peter O’Toole et Omar Sharif).
L’équipage est la première de ces collaborations. Kessel signe ici le scénario et les dialogues d’un film adapté de son propre roman, sorti une dizaine d’années plus tôt. Le roman s’inspire en grande partie de l’expérience de l’auteur lui-même, qui fut pilote pendant la Première Guerre mondiale. De fait, L’équipage mêle deux films en un : un film de guerre, et un mélodrame.

Le départ au front

La scène d’ouverture, absolument magnifique, fourmille d’idées de mise en scène et de montage, montrant d’emblée le talent de Litvak. On y assiste au départ en train de soldats qui vont au front. La douleur du départ, la crainte inspirée par ce conflit et la peur de ne pas voir revenir son mari ou son fils, tout cela est montré par des moyens purement cinématographiques, entre autres par des superpositions d’images, et non par un épanchement massif de pathos. Le ton est donné, le film sera subtil, toujours juste, et marqué à la fois par un grand art de la réalisation et par un souci de réalisme.
Là, sur ce quai de gare, nous faisons connaissance avec un jeune sous-officier, l’aspirant Herbillon, qui dit au revoir à celle qui est visiblement sa chérie. Dès les premières minutes, cette relation nous paraît étrange, la femme ne connaissant pas le nom de son amoureux ; et surtout, elle semble alarmée lorsqu’elle apprend dans quelle escadrille il est affecté, mais elle refuse de l’admettre.

Un des grands films de guerre français

Suivra ensuite une longue séquence qui se déroulera au front. L’équipage est incontestablement un des rares grands films de guerre français. D’abord par ses scènes de combats aériens, absolument stupéfiantes. Dans ce domaine, le film n’est pas sans rappeler son glorieux prédécesseur, Ailes (Wings), réalisé quelques années auparavant par l’excellent William A. Wellman. Le duel aérien final mérite de figurer dans les annales du genre.
Mais la force de L’équipage ne réside pas que dans ses scènes de combat. Il parvient à décrire la guerre de façon réaliste, avec ses moments plus calmes, ses attentes, et surtout une reconstitution minutieuse de la vie quotidienne à la base aérienne. Le film fourmille de personnages secondaires remarquables, chacun ayant sa propre psychologie, son propre caractère. L’humour est présent également, à travers les dialogues, les chansons ou certaines situations. L’éloge de la camaraderie n’est pas sans rappeler celle que l’on peut rencontrer dans le cinéma de John Ford.
Sauf que dans cette escadrille, il y a un personnage qui est rejeté de tous. Le lieutenant Maury (Charles Vanel, excellent, comme d’habitude), aviateur hors pair, mais de caractère sombre, est l’objet de moqueries. Mais Herbillon va, sans problème, sympathiser avec lui.
Le reste du film va découler de cette situation initiale avec une logique implacable. Le côté prévisible de l’action principale (la maîtresse d’Herbillon n’est autre que la femme de Maury) est largement compensé par le talent avec lequel Litvak déjoue les pièges du mélo, en évitant tout pathos (sauf dans une scène conclusive dont, honnêtement, le film aurait pu se passer, mais qui ne parvient pas à ternir la qualité de l’ensemble).
L’alternance réussie entre scènes de guerre et mélodrame ; la volonté de réalisme ; la finesse de l’écriture des dialogues et de la description des personnages ; la capacité à éviter les pièges du film larmoyant… Tout cela contribue avec bonheur à faire de L’équipage un très beau film, émouvant et émaillé de scènes remarquables.

Une très belle édition

Et, disons-le, un film très bien servi par cette édition. La restauration nous fournit une copie visuellement remarquable, et dotée d’une bande-son impeccable. Quant aux suppléments, ils permettent de remettre L’équipage dans son contexte.
D’abord, l’édition Pathé nous propose de voir des actualités d’époque, qui vont traiter aussi bien de l’aviation pendant la Première Guerre Mondiale que de l’entrée de Joseph Kessel à l’Académie Française.
Ensuite, nous avons un très bel entretien croisé de trois spécialistes du cinéma qui replacent le film dans de multiples contextes : au sein de la filmographie de Litvak, dans la carrière de son actrice Annabella et dans le cadre des films sur la Grande Guerre. C’est aussi passionnant qu’instructif.
En bref, cette édition est à recommander, pour découvrir dans les meilleures conditions possibles un film remarquable un peu oublié de nos jours.

L’équipage : bande annonce

Caractéristiques techniques

DVD • 1.37 • N&B • 99 min
LANGUES : Français mono 2.0 – Audiovision
SOUS-TITRES : Anglais – Sourds et malentendants
Infos techniques Blu-ray :
BLU-RAY • 1.37 • N&B • 104 min
LANGUES : Français DTS mono 2.0 – Audiovision
SOUS-TITRES : Anglais – Sourds et malentendants
Suppléments :
L’éloge du mensonge :
Entretiens autour du films (44 min)
Actualités Pathé d’époque :
“Alerte à un camp d’aviation” – 1916 (3 min) / “Joseph Kessel rentre à l’Académie Française” – 1964 (1 min) / “Les aviateurs” – 1915 (5 min) / “Guynemer, héros de l’aviation” – 1917 (1 min)
Prix : 19.99€ TTC
Sorti du combo : 24 avril 2019