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Fervent défenseur du cinéma, Martin Scorsese est encore plus hargneux quand il s’agit de tacler à chaque occasion les films de Super-Héros ou le contenu médiocre des productions Disney. Aujourd’hui, à l’aube de son 81ème anniversaire, le papa du Loup de Wall Street entend rappeler au monde ce qu’est le 7ème art. Dans une année où Oppenheimer, Babylon ou encore Fabelmans existent, le pari a de quoi rendre curieux ! 

Long, bonne ou mauvaise idée ?

206 minutes. Oser. Oui, il faut oser. Qui sort encore, en 2023,  un film de près de 3h30 sans que la population ne viennent y ajouter son grain de sel ? Oui, nous sommes malheureusement dans une époque ou le streaming est roi, où les spectateurs lambdas (et même maintenant les “ passionnés ”) préfèrent regarder un film sur leur télévision, téléphone et télécommande en mains. Sortir un long-métrage plus long qu’une leçon de mathématiques avec votre père un jour d’été, aujourd’hui, il faut oser. Pourtant, comme l’ont démontrées tant d’œuvres depuis les temps anciens du cinéma (Titanic, Il était une fois en Amérique, La liste de Schindler ou le récent et extraordinaire Oppenheimer) long n’est pas synonyme d’ennuyeux. Au contraire, tous les films cités passent à une vitesse folle, quand d’autres longs-métrages de 90 minutes à peine semblent interminables.

Tout le paradoxe de Killer of the Flower Moon est là. Le film démontre un talent inédit à capter l’attention du spectateur tout du long, en le laissant fortement conscient du temps qui passe.  À cela, une évidence se pose : Le nouveau Scorsese se doit d’être vu en salles. Quelqu’un d’avisé vous dira que tous les bons films se voient au cinéma et en VO. Du moins, c’est indispensable pour se forger un avis totalement objectif sur le film, débarrassé des données parasites d’un mauvais doublage/mixage français, du mauvais son d’une télé par rapport à celui d’enceintes de qualité, ou encore des lumières allumées d’un salon. Killer of the Flower Moon, c’est le genre de film qui se voit sur grand écran, parce qu’une grande majorité des gens n’en verraient pas le bout, pas d’une traite, s’ils étaient chez eux.  Ou alors, ils zapperaient quelques scènes, pour ultérieurement se plaindre de ne pas avoir compris certaines choses. Mais, rendons à « Scorsesar » ce qui appartient à « Scorsesar », Killers of the flower moon se voit en salles simplement car c’est un excellent film. Ici et plus que jamais, les longueurs restent question de subjectivité, selon les recherches du spectateur.

Le loup de Fairfax street

Soyons francs, une grande partie du public ira au cinéma pour une raison simple : le retour de Leonardo DiCaprio, revenant en force après une performance dantesque dans Once Upon a Time in Hollywood et un passage timide sur Netflix avec le plus controversé Don’t look up. Pour sa sixième collaboration avec Scorsese, l’acteur de Titanic démontre encore une fois qu’il est le roi, tant pour sa prestance à l’écran que pour l’intensité de son regard. Son personnage d’Ernest est incroyablement riche et complexe. Un peu bonnet, bien loin des hommes à l’intelligence froide habituels du comédien depuis quelques années, le protagoniste fascine autant qu’il répugne. Un monstre attachant, sublimé (et réciproquement) par sa camarade de jeu, Lily Gladstone. L’actrice  incarne à la perfection une Molly Burkhart remarquable, forte et résignée. Véritable fer de lance de l’intrigue, elle apporte une sagesse pleine de retenue et de combativité, tout en s’assurant les éloges de l’Académie en vue des Oscars. Mais, des trois acteurs en tête d’affiche, impossible de ne pas donner la consécration à Robert De Niro, acteur fétiche de Scorsese depuis Mean Streets en 1973. Imperial, dangereux, menaçant d’un simple regard, l’acteur de 80 ans continue de régner sur Hollywood. Non, si vous aviez en tête de voir le film pour son casting, vous en aurez pour votre argent.

Et ceux qui viennent pour la leçon de cinéma, promise depuis la projection du film à Cannes, qu’ont-ils ? Difficile à dire, dans un monde ou une série comme Ahsoka ou des films comme Avengers : Endgame sont considérés par certains comme de parfaits représentants du 7ème art. Mais, blague à part, hormis la longueur dont on pourrait débattre de l’utilité, difficile de reprocher quoi que ce soit à Killers of the Flower Moon. Si, on pourrait éventuellement parler de l’histoire globale, prévisible au possible et qui empêche donc ces 3h30 de passer comme une lettre à la poste. Mais dans la mesure ou elle s’est réellement déroulée, est-ce pénalisable ? Si l’on prend en compte les nombreux twists d’Oppenheimer, qui parvenait à surprendre continuellement, on serait tenté de dire que oui. Certains points de l’intrigue auraient pu être révélés plus tard, par exemple. Non, quand quelqu’un meurt, on sait qui a fait le coup (à une exception près). Quand un personnage trahit l’autre, on le voit également très vite. Scorsese choisit de montrer chronologiquement et sans ambiguïté le meurtres des indiens Osage, contrairement à ce qu’auraient fait un Nolan ou un Fincher.

L’art de mettre en scène

Oui, le film choisit de plonger le spectateur dans cette magnifique ambiance satyrique, perdant au passage ceux qui s’attendaient à un western explosif ou à une histoire au rythme aussi effréné que Le Loup de Wall Street. Ne dit-on pas que c’est le voyage qui compte, et non pas la destination ? Scorsese prend son bébé et ne lui fait faire qu’un avec ce dicton. Il sait ou il va, et plus important, a parfaitement conscience que nous le savons également. Le réalisateur va donc utiliser tout son savoir, pour mettre en scène son histoire. Décors impeccables, montage image/son aux petits oignons, photographie somptueuse et nombreuses scènes fortes, jusqu’à son troisième acte très réussi (mais là encore sans surprise). Le spectateur vit, respire presque, aux cotés de ces personnages. L’immersion et le partage de la culture du peuple, telles sont les vraies protagonistes de l’œuvre.  Et, là ou ces 3h30 sont agaçantes, c’est qu’il est difficile de dire ce que l’on aurait coupé pour de rendre l’expérience plus digeste, quand bien même on en a ressentit la durée. Peut-être une vingtaine de minutes, en additionnant tous les plans un peu trop long que l’on aurait pu couper ? Et, là encore, au vu du degré de perfectionnisme, il est évident de penser que chaque seconde à l’image est volontaire.

Résultat ? Killers of the Flower Moon aurait pu être parfait. Pour certains et pour beaucoup, il le sera. Pour d’autres (ceux qui restent jusqu’au bout, les autres ne méritent pas de donner un quelconque avis), beaucoup moins. Est-il destiné à devenir culte dans les années à venir ? Indiscutablement. Mais peut-il  trôner parmi les plus grandes œuvres du cinéma ? Le temps nous le dira. Si, objectivement et cinématographiquement parlant, on tient l’un des meilleurs film de l’année, il est fort concevable, possible même, qu’une partie du public n’y trouve pas son compte. Mais, on se disait tous la même chose du film de Nolan,  désormais réputé comme le meilleur biopic de tous les temps, et plus grand biopic au box office de l’histoire. Alors, qui sait ?

Bande-annonce : Killers of the Flower Moon

Fiche technique : Killers of the Flower Moon

Réalisation : Martin Scorsese
Scénario : Eric Roth / Martin Scorsese
Genre : Historique/Drame
Casting : Leonardo DiCaprio / Robert De Niro / Lily Glastone / Jesse Plemons / Brendan Fraser
Musique : Robbie Robertson
Photographie : Rodrigo Priero
Montage : Thelma Schoonmaker
Production : Imperative Entertainment/Appian Way/Apple Studios/Sikelia Productions
Distribution : Paramount Pictures
Durée : 206 minutes
Sortie : 18 Octobre 2023 en salles

Après un septième opus qui devait soi-disant être le chapitre final et très justement intitulé Saw : chapitre final, malhonnêtement suivi d’un huitième dénommé Jigsaw et d’un neuvième en forme de spin-off concocté par Chris Rock, Spirale, l’héritage de Saw – n’ayant tous trois pas renversé le box-office (ni les fans) – l’increvable et illustre saga maîtresse du torture porn revient une nouvelle fois avec un dixième épisode. Si on ne l’attendait vraiment pas, à la fois blasé par cette mouvance et lassé des pièges sadiques de Jigsaw, ce nouveau film surprend (un peu) en injectant du sang neuf dans son intrigue et en soignant un tantinet plus son esthétique qu’à l’accoutumée. Mais c’est bien connu, chassez le naturel et il revient au galop. En effet, Saw X retombe assez vite dans ses travers classiques tout en donnant aux puristes et amateurs du genre ce qu’ils attendent.

Synopsis : John Kramer, le tueur au puzzle, est de retour dans le volet le plus perturbant de la franchise SAW. Les événements se situent entre SAW I et II et on y retrouve un John, malade et désespéré, qui se rend au Mexique afin de subir une opération expérimentale capable de guérir son cancer. Il découvre cependant que tout ceci n’est qu’une escroquerie visant des malades vulnérables et affligés. Animé d’un nouveau but, le célèbre tueur en série retourne à son œuvre, et va prendre sa revanche sur ces escrocs dans un terrible « jeu » dont il a le secret, à travers des pièges toujours plus machiavéliques et ingénieux les uns que les autres.

L’adage est bien connu à Hollywood : « Quand il n’y en a plus, il y en a encore ! » Et celui-ci se vérifie encore plus dans le cinéma de genre. Qu’il soit slasher (la saga Halloween et ses multiples suites et reboots, ou celle des Scream, récemment exhumée avec le succès au box-office qu’on connait), films de possession (coucou L’Exorciste et sa nouvelle itération coulée dans le nouveau moule à la mode, le legacy sequel) ou encore films d’action décérébrés avec les Fast and Furious et ses bientôt onze opus.

Saw, l’étalon-maître de la mouvance du torture porn, débutée au milieu des années 2000, ne déroge pas à la règle avec un dixième film qui lui est consacré. Quand on pense que le premier opus était un petit bijou, simple thriller malin au twist final dingue et inoubliable, pensé et réalisé avec une économie de moyens admirable pour un résultat qui s’est inscrit au panthéon du cinéma de genre et du gore… Tout cela est désormais bel et bien terminé, sali par une ribambelle de suites aux velléités commerciales.

En vingt ans, ce premier film s’est donc décliné avec une suite sympathique qui dirigeait déjà la saga vers le gore et les pièges sadiques en chaine, puis avec un troisième opus extrême qui poussait les curseurs de l’écœurement à leur paroxysme, avec même une interdiction aux moins de dix-huit ans à la clé. Du jamais vu ! Après, mieux vaut oublier tous les autres épisodes avec un effet de répétition qui a terni l’image de toute la saga et surtout des scénarios de plus en plus tordus et abracadabrantesques. L’avant-dernier en date, celui de Chris Rock, tentait autre chose mais sans y parvenir. C’est donc avec une absence totale d’attente et d’excitation qu’on a appris l’arrivée d’un épisode dix. Il confirmait qu’Hollywood n’avait plus d’idées et se payait notre tête tout autant que celle des fans de la saga. Et pourtant…

Ce Saw X se révèle un peu plus réussi que les six précédents épisodes parce qu’il essaie de sortir du lot et respecte le spectateur. Jusqu’à la moitié tout du moins. En effet, pour la première fois les images de Kevin Greutert  – coupable pourtant de quelques-uns des épisodes les plus mauvais – sont soignées, et même presque belles. Le film se déroule au Mexique, ce qui permet de varier un peu des intérieurs crades et anonymes des autres films.

Ensuite, l’épisode se déroulant après le premier de la saga, on retrouve pour la première fois John Kramer, comme vrai personnage principal joué par Tobin Bell, un acteur probablement sous-employé qui peut enfin donner de la chair à son personnage. D’ailleurs, un peu comme dans la suite de Don’t breathe, le méchant s’humanise et devient presque bon. L’intrigue se joue des labos pharmaceutiques de manière un peu opportuniste mais pas pour autant idiote. Bref, cela commence plutôt bien surtout qu’hormis une séquence gore fantasmée vue sur l’affiche pour faire patienter les fans, le début reste sage et innove sans sévices pendant une cinquantaine de minutes.

Mais dès lors que la vengeance pointe le bout de son nez (avec un vrai motif ici il faut l’admettre), la saga retourne sur ses rails habituels et c’est parti pour des séquences de pièges tarabiscotés et des moments ultra gores, dont certains sont excellents pour qui est adepte du genre. Cependant, tout cela reste totalement capillotracté (comment ne pas s’évanouir, voire mourir, devant de telles tortures) et bien trop complaisant.

En somme, le reste s’avère destiné aux fans inconditionnels du tueur aux pièges et de son assistante. D’ailleurs, Amanda est là pour assurer le fan service qui va coloniser toute la dernière partie jusqu’à une scène post-générique ridicule. Alors à vous de voir si vous êtes prêts pour une nouvelle rasade de crade, de gore, d’improbable et de vengeance en mode libre-arbitre extrême malgré un postulat intéressant et une mise en scène dotée de plus de goût qu’à l’accoutumée.

Jusqu’au onze ? Non, épargnez-nous cela !

Bande-annonce – Saw X

Fiche technique – Saw X

Réalisateur : Kevin Greutert.
Scénariste : Josh Stolberg et Peter Goldfinger.
Production : Lionsgate.
Distribution France : Metropolitan Filmexport.
Interprétation : Tobin Bell, Shawnee Smith, Synnove Macody Lund, …
Photographie : Nick Matthews.
Durée : 1h58.
Distributeur : Metropolitan FilmExport
Genres : Thriller – Horreur.
25 octobre 2023 en salle / 1h 58min / Epouvante-horreur
Nationalité : États-Unis.

Huitième film d’Eric Toledano et Olivier Nakache, Une année difficile est l’événement du mois d’octobre dans le paysage cinématographique français. Avec une méthode et une approche bien rodées, les auteurs, avides de remises en cause sociétales et écologiques, dévoilent une œuvre abordant le monde avant les confinements.

Synopsis : Deux amis, Albert et Bruno, font la connaissance dans le milieu associatif de jeunes militants écolos. Les deux associés sont initialement plus attirés par les pots d’accueil que par les arguments écologiques. Sans réelles convictions, ils vont cependant peu à peu intégrer le mouvement et se rallier à la cause.

Le rideau est tombé

C’est un matin, au temps des gilets jaunes. La météo est un peu grise, l’ambiance est tendue et des visages froids dévalent dans les rues de Paris. Doit-on craindre le pire ? Que font ces personnes, on n’en sait pas grand-chose, mais la tension bien étreinte par les nappes de piano d’une nouvelle bande-son éthérée se laisse porter un peu fainéante jusque devant les rideaux de fer d’une grande enseigne, dans un centre commercial où Romero aurait posé quelques zombies. Parmi les cortèges, des écologistes, volontiers décroissants, forment une ligne humaine et scandent des discours de prise de conscience, tout en empêchant les clients d’entrer pour l’événement compulsif de l’année. Albert (Pio Marmaï) voudrait bien rentrer, lui. Il pousse les autres, râle en gros plan et les confronte. Agressif, condescendant et un peu maladroit, il ne cherche qu’une télé pour réussir sa journée. Pour clore la scène, inutile de chercher le clap, le rideau est déjà tombé.

Seulement un black friday ? 

Le black friday, c’est un sujet, une photo d’un contexte, un vrai terreau qui a porté l’idée. Le besoin de parler de ces conflits générationnels, où les suivants affirment aux premiers qu’ils ne peuvent plus se comporter comme cela sur un seul bout de terre. Pour ceux qui ont appris à s’en moquer par le rituel quotidien d’une lassitude, il reste à passer sous la ligne de flottaison où le personnage de Pio Marmaï se fait aux arnaques sans même sembler s’en rendre compte. Il livre des télés, picore à droite à gauche, mais n’arrive surtout pas à vivre correctement. Assommé de dettes de jeu, menacé par un percepteur de taxes peu compréhensif, Albert vit d’arnaques et de petits larcins pour rembourser les sommes qu’il doit. Le visage fatigué, il devrait pourtant en prendre quelques-uns. Quand il doit livrer sa télé à un homme encore plus perdu que lui, Bruno (Jonathan Cohen), et apporter son aide à celui qui se situe une phase plus loin dans le renoncement après avoir avalé des médicaments, il pose l’écran et semble démuni. Et c’est dans ce premier pas très concret que le film se construit sur une banalité affligeante, mais si bien trouvée. Penaud, Albert doit tendre la main à Bruno, le redresser, contacter les aides et les pompiers. Cette gêne de la personne qui ne sait pas comment s’y prendre n’est pas facile à penser, écrire et mettre en scène, mais les deux cinéastes réussissent à chasser les fragiles comme peu d’auteurs francophones aujourd’hui. Depuis la série En Thérapie, ils prennent même, inconsciemment ou non, les casquettes de radiologues de cette société dans laquelle ils arrivent si bien à repérer le commun qui fera le sel de leurs récits. Jonathan Cohen y est formidable, lui qui sortait rincé du tournage des fictions Canal et de sa série Le Flambeau : Les Aventuriers de Chupacabra. Il est ici le regard extérieur un peu pâle qui est nécessaire au bouillant Albert, qui se débat encore. Tous les deux ont besoin d’aide, ils le savent, mais aucun ne s’en pense encore méritant.

Décroissant tous les matins

Car une année difficile, celle annoncée en introduction par tous les présidents successifs dans une séquence d’archive très maline, c’est celle qui nous mène alors vers les confinements, les replis sur soi. En forçant la main à ces deux personnages vedettes, leurs créateurs les font entrer dans ce monde codifié de la troupe écolo, mise en scène dans les premières minutes du film. Là-bas, on ne s’appelle pas par son prénom. On devient « cactus », « quinoa » ou encore « poussin ». Et on pourrait reprocher un nouveau traitement de ce milieu-là comme un peu caricatural, forçant le trait sur les lubies enfantines de groupes, prêtes à changer le monde dans des réunions frémissantes, rappelant ainsi les meilleures scènes de V pour Vendetta. En rencontrant cette troupe-là, on sourit comme les deux accolytes de voir ces combats menés loin de toute réussite, posés dans la symbolique de luttes dont on ose encore rire. Cactus, jouée par Noémie Merlant, porte ainsi une énergie souvent complètement hors-sol par rapport à ces deux recrues qui viennent, malgré eux, rejoindre le mouvement parce qu’ils n’ont rien d’autre à faire. L’écologiste affirmée pense ainsi, et c’est symptomatique, à baptiser ces nouvelles têtes avant même d’essayer de les connaître, sans même les lire. Qui ne verrait pas dans notre monde bien réel que ces deux-là se foutent allègrement d’elle ? Mais le cinéma opère plutôt bien avec le duo de réalisateurs, touchant toujours par savoir-faire successifs les sujets qui arrivent à parler au maximum de spectateurs. Le film ronronne, bien découpé, avec des plans suffisamment ambitieux ni trop ampoulés pour casser l’esthétique téléfilm qui en a contaminé tant d’autres, et avec une bande-son une nouvelle fois très pertinente.

Des questions surtout

Selon l’adage et si on pense aux déclaration de Billy Wilder, il faut toujours penser le spectateur comme quelqu’un d’intelligent. Ce film ne veut pas dire une fois de plus aux gens comment penser. Il sait rester en retrait, toucher une zone de gris chez un de ses personnages principaux, le montrer arnaqueur, voleur, endetté, mais pas foncièrement à jeter. Bruno a perdu sa femme, se complait dans ses addictions, mais cherche malgré tout à les combattre avec beaucoup de sincérité. On pourrait goiser que dans les années 60 ou 70 un tel scénario aurait été plus picaresque, allant jusque dans les pires noirceurs pour oser en rire. Mais là où le cinéma populaire n’est pas un gros mot, il faut savoir s’arrêter parce que cet art sert ici à poser des questions. A un grand nombre, au regard de la tournée de 140 villes choisies pour présenter le film avant sa sortie officielle. Une année difficile porte une belle troupe de paumés qui cherchent un sens à tout ce qui les entoure et c’est bien là la force d’une œuvre montrant des engagés qui ne menacent jamais directement le spectateur. On est engagé par le sujet qu’on choisit, celui-ci est formidablement mis en scène laissant ça et là des histoires passionnantes mais pas foncièrement engageantes. Comme dans Samba et les autres, assez peu de spectateurs entreront dans le combat, ici l’écologie, après avoir vu ce dernier film et ce ne sera très probablement pas un président vert qui annoncera une prochaine année difficile. Car ce cinéma-là n’est pas très engagé, ne combat rien d’autre que de l’abstrait, se nourrit de quelques scories pas très utiles, mais c’est un grand barnum filmique qui a rempli sa mission. On sort en se posant des questions, c’est un chemin bien construit et achalandé qui commence. On a envie de connaître la suite.

Bande annonce

Fiche technique

Réalisation et scénario : Éric Toledano et Olivier Nakache
Photographie : Mélodie Preel
Décors : Mila Preli
Sociétés de production : Gaumont, Quad Productions, Ten Cinéma et TF1 Films Productions
Distribution : Gaumont (France)
Genre : comédie dramatique
Durée : 118 minutes
Date de sortie : 18 octobre 2023

Distribution

Pio Marmaï : Albert dit « Poussin »
Jonathan Cohen : Bruno dit « Lexo »
Noémie Merlant : Valentine dite « Cactus »
Mathieu Amalric : Henri
Grégoire Leprince-Ringuet : « Quinoa »

Qu’est-ce qu’une bonne fin de vie si ce n’est quitter ce monde l’esprit apaisé ? Une femme sur le toit est sur le point de prendre une décision radicale, mais est-ce un acte réfléchi ou bien désespéré ? Le drame d’Anna Jadowska fourmille d’interrogations élémentaires concernant les femmes du troisième âge en Pologne, de toute évidence, en perte de repères et d’affections. Il est à présent l’heure de rendre les comptes de toute une vie, où le dernier geste pèse plus que l’on croit dans la balance, cruelle et sans concession.

Synopsis : Mirka, sage-femme d’une soixantaine d’années, mène une vie irréprochable auprès de son mari et de leur fils. Pourtant un matin, quelque chose change. Après s’être levée tôt, avoir étendu le linge et acheté de la nourriture pour ses poissons, elle tente de braquer une banque armée d’un couteau de cuisine. Son geste désespéré échoue mais l’oblige à reconsidérer sa vie.

Touch Me, It’s Me, Now, Out of Love, Wild Roses… La filmographie d’Anna Jadowska suit intimement la trajectoire des femmes qui cherchent à se découvrir. Sortir de leur zone de confort, voilà le voyage que promet la cinéaste à ses personnages, souvent en couples. Elle ne change donc pas de dispositif dans son nouveau long-métrage. Mais tout comme Aki Kaurismäki et son obsession pour la classe moyenne finlandaise, Jadowska parvient à renouveler ses enjeux en explorant le malaise de femmes au crépuscule de leur vie répétitive et monotone.

Les femmes d’hier

Qu’y a-t-il de plus déchirant qu’une bonne intention qui n’aboutit pas ? Nous allons le découvrir auprès de Mirka, une sage-femme d’expérience pour qui la vie ne semble plus rien offrir, hormis le doute et un sentiment de honte. Elle fume une clope avant d’étendre son linge, deux types de routine qui la font cogiter au beau milieu d’un quartier HLM silencieux en Pologne. Elle déambule alors jusqu’au toit de son immeuble, où ses pas sont de plus en plus lourds et de plus en plus incertains, quant à l’avenir qu’elle se réserve ou bien qu’elle réserve à ses proches. Serait-ce là le lieu de sa destination finale ou bien le début de sa renaissance ? Mirka opte pour la seconde option, au risque de contrarier ses habitudes et de renoncer à sa forteresse de solitude.

La caméra d’Anna Jadowska va constamment chercher à la rattraper et à la piéger, jusqu’à ce que l’étau se resserre également autour de sa vie, à la suite d’un hold-up qui dérape. Qu’est-ce qui définit donc le mobile de Mirka ? La cinéaste laisse tout bonnement le langage corporel de sa comédienne y répondre au fil de l’intrigue. Dorota Pomykała épate dans ce rôle magnétique, autant qu’elle nous bouleverse. Dans les nombreuses séquences d’introspection en solitaire ou en confrontation directe avec ses proches, nous comprenons instantanément le triomphe de son interprétation au Tribeca Film Festival.

À deux ans de la retraite, cette épouse, cette mère perd ses moyens et sa lucidité dans un geste inexplicable, jusqu’à ce que son état dépressif soit clairement énoncé. D’autres jeunes femmes sont appelées à partager le destin tragique de Mirka, mais cette dernière est loin de vouloir s’y plier. Dans un élan spontané, sur le chemin routinier d’une femme qui assure l’entretien du foyer, la sexagénaire empoigne un couteau de cuisine et tente de braquer une banque. La négociation tourne court, mais son geste retient l’attention de la police et de sa famille. Honte et culpabilité la rongent alors de l’intérieur. Et malgré la perspective d’un butin doré qui devait la soulager, ce sont bien les causes et les conséquences de ses actes qui nous apparaissent.

Kingdom of heaven

Tout le monde lui tourne le dos et les coutures d’une pression sociale sautent aux yeux. La justice est incapable de reconnaître et de trancher sur le sort de cette femme. Tout le monde tente, à sa manière, de la ramener sur le chemin balisé duquel elle a dévié. Cette triste réalité, elle n’en veut pourtant pas et Mirka est justement prête à tout tenter pour gagner son libre-arbitre, sans qu’on la juge et sans qu’on la pourchasse. Elle digère assez mal le changement et observe jalousement une jeunesse de plus en plus libre, chez les hommes comme chez les femmes. A la maison, son mari Julek (Bogdan Koca) semble avoir abdiqué, de même  son fils Mariusz (Adam Bobik), qui se prépare promptement à quitter cette zone rurale sans saveur ni avenir. Au travail, elle enchaîne les accouchements en remettant en cause les contraintes liées aux grossesses non consenties, ce qui accélère irrémédiablement la métamorphose de Mirka.

Elle évolue sous une lumière blanche, froide et écrasante, car le soleil lui-même semble avoir perdu ses couleurs vives. Cette photographie sur-mesure, concoctée par Ita Zbroniec-Zajt, apporte tous les ingrédients nécessaires afin d’accompagner l’héroïne dans sa chute. Pourtant, toutes les perspectives ne sont pas aussi sombres qu’on le croit, car la réalisatrice lui offre un second souffle. Non pas celui de relancer sa vie et de repartir à zéro. Son âge avancé et peu représenté constitue un frein social important dans son environnement. On lui refuse ainsi le désir charnel et toute autonomie dans ce conte cauchemardesque. Il s’agit d’un second souffle au nom de toutes les femmes brisées par le temps et qui peuvent encore prétendre à une once d’espoir, dès l’instant où leur souffrance est mise à nu et qu’on a la bonne réaction pour les aider à s’élever. Le changement requiert un accompagnement sensible et exigent. Dans cette démarche, Mirka découvre peu à peu une nouvelle manière de penser et la cinéaste rend hommage aux femmes comme elle qui, dans un avenir proche, trouveront la voie de l’émancipation.

Librement inspiré d’un fait divers survenu en 2011 en Pologne, Une femme sur le toit définit tout ce qu’il y a de pire dans une fin de vie, actée par une retraite encore trop éloignée pour qu’on soit disposé à en bénéficier. Anna Jodowska en profite également pour souligner le mal ambiant qui oppresse passivement les femmes, soumises à un devoir de maternité. Parmi celles-ci, c’est Mirka qui choisit de s’élever, afin de reprendre le cours d’une vie qu’elle a laissé filer. C’est en prenant de la hauteur, à mi-chemin entre la vie d’avant et la suivante, qu’elle peut complètement se libérer de son isolement. Ce film a la clairvoyance d’adopter une démarche thérapeutique, en tendant la main aux personnes qui ont besoin qu’on les juge sur ce qui a manqué dans leur vie, plutôt que sur ce qu’ils n’ont pas réussi à accomplir. La nuance est fine, mais nous sommes déterminés à y croire.

Bande-annonce : Une femme sur le toit

Fiche technique : Une femme sur le toit

Titre original : Kobieta na dachu
Réalisation et Scénario : Anna Jadowska
Directeur de la photographie : Ita Zbroniec-Zajt
Montage : Julia Grégory, Piotr Kmiecik
Prise de son et Montage son :  Roman Dymny
Montage son et Mixage son : Vincent Verdoux
Cheffe décoratrice : Anna Pabisiak
Cheffe costumière : Maja Skrzypek
Musique : Katharina Nuttall
Directrice de production : Sylwia Rajdaszka
Casting : Piotr Bartuszek
Production : DONTEN & LACROIX FILMS, BLICK PRODUCTIONS, GARAGEFILM
Production Pologne : Maria Blicharska
Production France : Damien McDonald
Production Suède : Mimi Spång, Anna-Maria Kantarius
Pays de production : Pologne, Suède, France
Distribution France : La Vingt-Cinquième Heure Distribution
Durée : 1h35
Genre : Drame
Date de sortie : 18 octobre 2023

Rares sont les films d’horreurs qui parviennent à faire l’unanimité. L’Exorciste, réalisé par le regretté William Friedkin en 1973, entre sans aucun doute dans cette catégorie. Véritable monument du cinéma, il était d’autant plus inquiétant d’apprendre que la désormais célèbre société de production Blumhouse ambitionnait de lui offrir une suite directe. Voulant rendre hommage tout en modernisant la formule, David Gordon Green accouche d’un film très hétérogène et frustrant, ne sachant jamais sur quel pied danser.

Synopsis : Victor Fielding a perdu sa femme encore enceinte lors d’un tremblement de terre en Haiti 12 ans plus tôt. Depuis, il élève seul leur fille Angela qui a vu le jour malgré cette terrible catastrophe. Mais quand Angela et son amie Katherine, disparaissent dans les bois, pour n’en revenir que trois jours plus tard totalement amnésiques, une série d’évènements plus atroces les uns que les autres va confronter Victor à la quintessence du mal.

Sur le papier, David Gordon Green semblait être l’homme providentiel pour ce type de projet. Auréolé du succès de son Halloween en 2018, auquel il donnera deux suites, Halloween Kills en 2021 et Halloween Ends en 2022, le cinéaste a prouvé avoir les compétences pour ressusciter une franchise horrifique tombée depuis en désuétude. Si ces deux suites n’ont pas reçu l’accueil critique espéré, elles n’en demeurent pas moins des succès financiers, de quoi donc largement contenter le studio. C’est d’ailleurs toute la stratégie de la maison Blumhouse: produire beaucoup de films à fort potentiel financier pour de petits budgets, assurant ainsi une forte rentabilité sur le moyen et court terme. L’Exorciste : Devotion fait cependant figure d’exception, avec un budget de quarante millions de dollars, soit quatre fois le budget habituel pour ce type de production. Mais pour quel résultat ?

Souvent imité…

Difficile de ne pas comprendre le message dès la scène d’introduction. Un pays exotique, des chiens qui se battent, des rituels religieux bref, tout est fait pour évoquer l’ouverture du long-métrage originel. Le premier acte est prometteur. David G. Green emboîte le pas de son illustre aîné en s’appuyant sur la thématique de la relation parent-enfant avec simplicité et sincérité. Le récit prend son temps pour instaurer son cadre spatio-temporel, et profite de dialogues soignés pour impliquer le spectateur dès les premières minutes. C’était d’ailleurs une des nombreuses forces du film de Friedkin, qui dépeignait avec réalisme et justesse sa situation initiale, crédibilisant par la suite la montée en puissance de l’horreur. Force est de constater que, sur ce point, le cinéaste américain s’en sort avec les honneurs.

Difficile ensuite de repenser à L’Exorciste sans avoir ce thème iconique en tête. Viscérale, entêtante et d’une inquiétante simplicité, cette mélodie était d’autant plus efficace qu’elle n’était utilisée qu’à de très rares occasions. Encore une fois Green reproduit le schéma vu dans Halloween, et ne succombe pas à la tentation d’abuser du légendaire thème de Mike Oldfield pour se mettre les fanatiques du premier film dans la poche. Constamment amenée au bon moment, on ne boudera pas notre plaisir de réentendre cet air reconnaissable entre mille dans une salle de cinéma. Dans un souci de légitimité, le retour des icônes Ellen Burstyn et Linda Blair dans leurs rôles respectifs de Chris et Regan McNeil était impératif afin d’assurer une continuité avec l’œuvre de Friedkin. Sans toutefois être placés au cœur de l’intrigue de cet opus, Dévotion étant le premier acte d’une trilogie à venir, leurs personnages apportent une aura mystique indispensable qui occupera, à n’en pas douter, une place capitale dans les suites à venir. 

… jamais égalé

Si tout ou presque est fait pour évoquer L’Exorciste premier du nom, force est de constater que tout ou presque devient problématique une fois l’exposition derrière nous.

Devotion souffre de gros problèmes d’écriture. La promesse d’un double exorcisme s’annonçait alléchante sur le papier, mais David Green et Peter Sattler, scénaristes du projet, n’arrivent tout simplement pas à faire coexister tous leurs personnages. Le rythme est le talon d’Achille du long-métrage. Après un incipit qui prenait son temps, péripéties et jumpscares s’enchaînent à une vitesse incompréhensible et surtout très peu crédible. S’il fallait presque une heure au démon prenant possession de Regan dans le film de 1973 pour s’établir complètement, ici il ne faudra compter que quelques minutes, une fois les deux jeunes filles confrontées à l’entité démoniaque. Là où Friedkin commence dans le réel, bascule dans l’étrange et finit dans l’horreur, Green ne s’embarrasse pas de cette étape intermédiaire, et rend ainsi son développement narratif bien moins efficace. Un développement narratif qui sera d’ailleurs particulièrement hétérogène. Bien que celle- ci traverse pourtant les mêmes épreuves que notre personnage principal, on se désintéresse complètement de la seconde famille dont les membres n’auront droit à aucun développement. Une grossière erreur, l’intensité du dernier acte reposant sur un dilemme qui obligera nos héros à choisir un des deux enfants, le choix du spectateur se portera alors sans aucun doute sur le seul des deux à avoir eu un tant soit peu de dialogues. Il en va de même pour la quasi-totalité des personnages secondaires et tertiaires, qui apparaissent et disparaissent selon les besoins de l’intrigue et non de la cohérence. Tout ce beau monde se retrouvera réunis pour un climax pauvre en tension horrifique, qui additionnera références maladroites, décor insipide (difficile de faire moins ambitieux qu’un salon et deux chaises) empêchant la réalisation de pouvoir prendre de l’ampleur, et dialogues d’un cliché consommé, le tout baigné dans une lumière bleu-orange sans saveur. Tout est pensé d’un point de vue pratique et non esthétique, montrant les limites de la stratégie de Blumhouse: faire au mieux, avec le minimum.

L’Exorciste : Dévotion avait toutes les cartes en main pour réussir son pari. Un réalisateur expérimenté et habitué du genre, des icônes de retour dans leurs rôles et une franchise mondialement connue. Le Réveil de la Force en soit témoin, ces éléments ne suffisent cependant pas à faire un bon film. Dépourvu de réels moments d’horreur, c’est avec un immense sentiment de frustration que l’on ressort de la salle de cinéma, tant on aurait aimé que tout le film soit d’aussi bonne facture que ses vingt premières minutes. Bien qu’il s’agisse de l’ambition affichée, David Gordon Green se montre incapable de marcher dans les pas du maître Friedkin, tiraillé entre la tentation de reproduire et le besoin de s’émanciper. Dans une période où tout devient franchise, où même l’horreur se “marvelise”, le pire est à craindre pour l’avenir de cette saga qui, au vu du succès financier de cet opus, devrait se voir scarifié de deux nouveaux long-métrages.

Bande-annonce : L’Exorciste – Dévotion

Fiche technique : L’Exorciste – Dévotion

Titre original : The Exorcist : Believer
Réalisation : David Gordon Green
Scénario : David Gordon Green et Peter Sattler
Directeur de la photographie : Michael Simmonds
Montage : Tim Alverson
Décors : Brandon Tonner-Connolly
Costumes : Lizz Wolf, Jenny Eagan
Musique : David Wingo, Amman Abbasi
Casting : Terri Taylor, Sarah Domeier, Ally Conover
Production : Blumhouse Productions
Pays de production : États-Unis
Distribution France : Universal Pictures France
Durée : 1h52
Genre : Épouvante-Horreur
Date de sortie : 11 octobre 2023

Connaissant son amour pour le patrimoine cinématographique français, il était sans doute écrit que Woody Allen tournerait un jour un film dans la langue de Molière. Il aura finalement attendu d’avoir atteint l’âge vénérable de 87 ans pour franchir le pas, et encore cette initiative est-elle due en grande partie à son statut de paria dans son pays natal… Tourner dans une langue étrangère est un obstacle de taille, au-dessus duquel le metteur en scène new-yorkais a pourtant bondi avec l’agilité de ses vingt ans. On reconnaît ainsi immédiatement l’écriture parfaite du maître, ses thèmes obsessionnels, sa mise en scène efficace (quel plaisir de revoir un film de 93 minutes, sans aucune scène inutile !) et son impeccable direction d’acteurs. En revanche, Allen a profité de cette nouvelle expérience française (après Minuit à Paris/2011) pour changer de registre, proposant ainsi son premier thriller depuis Match Point. Contre vents et marées, le petit homme aux lunettes carrées résiste stoïquement, imposant son style de cinéma pour la… 50^e fois depuis 1965. Woody Allen est une anomalie dans la production cinématographique actuelle. Et c’est pour cela qu’on l’aime. 

Alors que des rumeurs annonçaient son départ en retraite, Woody Allen a décidé de déposer ses valises à Paris, une ville qu’il affectionne particulièrement, afin d’y tourner son cinquantième opus. La retraite est pourtant une idée qui a dû lui passer par la tête, après une attente inhabituellement longue de trois ans depuis son dernier long-métrage (Rifkin’s Festival/2020), qui fut un échec, et la publication de sa savoureuse autobiographie, Soit dit en passant (2020). Le cinéaste lui-même a d’ailleurs laissé entendre que Coup de chance pourrait être son dernier projet… On croise les doigts pour qu’il ne mette pas cette menace à exécution, tant il apparaît encore, à 87 printemps, dans une forme artistique éblouissante.

On sait que depuis 2006, le cinéaste a régulièrement délaissé sa bien-aimée cité new-yorkaise afin de trouver un nouveau souffle en Europe : au Royaume-Uni (Match Point, Le Rêve de Cassandre), en Espagne (Vicky Cristina Barcelona, Rifkin’s Festival), en France (Minuit à Paris) ou encore en Italie (To Rome with Love). La sortie de Blue Jasmine en 2013 avait signalé son retour en terre américaine pour une série de six films, avant de le voir réapparaître sur le Vieux Continent pour Rifkin’s Festival. Les exils européens ont plus ou moins coïncidé avec une attention médiatique croissante autour des affaires de mœurs dont le cinéaste est accusé, et l’ostracisme dont il fait l’objet dans le milieu du cinéma. Rappelons que depuis plus de trente ans, son ex-femme et muse Mia Farrow accuse Allen d’abus sexuels sur leur fille adoptive Dylan, une accusation qui a depuis lors donné lieu à deux investigations qui l’ont innocenté. Ce qui n’empêche pas la chasse aux sorcières de se poursuivre, encouragée par le clan Farrow, dans le contexte post-#metoo et ses abus.

L’aventure britannique de Woody Allen en 2005 avait déjà donné lieu à une surprenante et brillante réorientation stylistique : le thriller Match Point, assurément un des chefs-d’œuvre de son auteur et preuve irréfutable que celui-ci ne peut pas être considéré uniquement comme un réalisateur de comédies. Près de vingt ans plus tard, son retour en France s’accompagne d’un revirement stylistique similaire, puisque Coup de chance est lui aussi un thriller. La prémisse est pourtant du Woody Allen pur jus et aurait pu, en d’autres circonstances, donner lieu à une énième comédie romantique. Fanny (Lou de Laâge) et Jean (Melvil Poupaud) semblent vivre le parfait amour. Lui est un nouveau riche trop lisse pour être honnête, qui adore sa jeune épouse ; elle travaille dans une galerie d’art et jouit du luxueux train de vie que lui offre son compagnon. Un jour, Fanny rencontre par hasard Alain (Niels Schneider), une ancienne connaissance du lycée devenu romancier. Celui-ci lui avoue avoir été secrètement fou amoureux d’elle, ce qui ne laisse pas la jeune fille insensible. Elle entame avec lui une relation adultère, suscitant la suspicion de Jean, dont l’attitude de gendre parfait cache une nature bien plus sombre…

Il faut un certain temps d’adaptation et, avouons-le, un peu d’indulgence en voyant un scénario de Woody Allen intégralement exprimé en français. Il n’est pas nécessaire d’être un puriste pour dire que « ce n’est pas la même chose » que d’habitude. D’ailleurs, il est fort à parier que ce changement de langue, unique dans la longue carrière du célèbre dialoguiste, explique en grande partie le choix du registre dramatique. Les jeux de mots et autres traits d’esprit dont il est friand auraient en effet été difficiles à traduire… Passé cet étonnement initial, en revanche, Coup de chance renoue avec une inspiration qui avait sans doute manqué à l’opus mineur Rifkin’s Festival. L’intrigue est remarquablement bien ficelée, les personnages sont bien campés et le crescendo dramatique parfaitement maîtrisé. Tout au plus peut-on regretter une conclusion fort abrupte, habituelle au cinéma de Woody Allen mais qui convient moins bien à un thriller. On retrouve dans celui-ci plusieurs thèmes fétiches du metteur en scène : l’importance du hasard, bien sûr, mais aussi la critique de l’univers des nouveaux riches, snobs, superficiels et ennuyeux, l’amour de l’art et l’attraction des esprits. L’humour n’est pas totalement absent dans la description du milieu bourgeois ou dans le comportement de certains personnages, mais il est ici particulièrement subtil et appliqué à dose homéopathique. Il faut aussi louer l’esthétisme du film, le célèbre chef opérateur italien Vittorio Storaro livrant des images sublimes, pour sa sixième collaboration avec le maître new-yorkais. La beauté presque irréelle de certains plans reflète sans aucun doute l’amour de Woody Allen pour la capitale française.

Comme toujours, le casting réserve quelques surprises et, comme toujours, il est impeccable. Lou de Laâge s’impose immédiatement comme une vraie comédienne « allénienne », énième alter ego du cinéaste, animée des mêmes désirs, de l’élégance, de la légèreté mais aussi des failles que, jadis, Diane Keaton ou Mia Farrow. Flattée par la caméra, la comédienne livre également une prestation très sensuelle, quoique moins incandescente que Scarlett Johansson dans Match Point – ce qui n’est pas difficile. Melvil Poupaud est également parfait dans un rôle de sale type particulièrement onctueux et hypocrite. Et que dire de Valérie Lemercier, qu’on n’a sans doute jamais vue dans un registre aussi sérieux ? Même les rôles secondaires, tenus notamment par Elsa Zylberstein, Guillaume de Tonquédec et Grégory Gadebois, sont convaincants.

Arrivé discrètement sur les écrans, ce nouvel opus de Woody Allen se révèle une belle surprise, tant par la langue choisie que par son registre ou son inspiration renouvelée. Certes, il ne parvient pas à  égaler les chefs-d’œuvre passés du cinéaste, mais il s’impose sans mal comme une œuvre tout à fait recommandable dans cette dernière partie de carrière.

Synopsis : Fanny et Jean ont tout du couple idéal : épanouis dans leur vie professionnelle, ils habitent un magnifique appartement dans les beaux quartiers de Paris et semblent amoureux comme au premier jour. Mais lorsque Fanny croise, par hasard, Alain, ancien camarade de lycée, elle est aussitôt chavirée. Ils se revoient très vite et se rapprochent de plus en plus…

Coup de chance : Bande-annonce

Coup de chance : Fiche technique

Réalisateur : Woody Allen
Scénario : Woody Allen
Interprétation : Lou de Laâge (Fanny Fournier), Melvil Poupaud (Jean Fournier), Niels Schneider (Alain Aubert), Valérie Lemercier (Camille Moreau)
Photographie : Vittorio Storaro
Montage : Alisa Lepselter
Producteurs : Letty Aronson, Erika Aronson
Société(s) de production : Gravier Productions, Dippermouth, Perdido Productions, Petite Fleur Productions
Durée : 93 min.
Genre : Thriller
Date de sortie : 27 septembre 2023
France/Royaume-Uni – 2023