LeMagduCiné

En compétition au Fifam 2023, Mon Pire ennemi est le 4e long-métrage de Mehran Tamadon. Il y rejoue une violence indescriptible pour tenter de chasser ses démons peut-être, et d’une manière plus utopique dit-il, ouvrir le dialogue avec un ennemi immense, le pire de tous : l’interrogateur du régime islamiste en Iran. Le dispositif est simple, mais ce qui en ressort est vertigineux.

Dès le premier plan du film (que le réalisateur attribue à sa fille dans le générique final), Mehran Tamadon montre ses deux passeports, l’un français, l’autre Iranien. Ce simple plan raconte son exil de cinéaste, son départ forcé. Il enchaîne sur des dessins de ce que l’on pourrait appeler un storyboard où il rêve son film. Dans ces derniers, il se voit forcément regardé lui-même par la caméra. Il s’imagine interrogé par ses amis iraniens comme ils l’ont tous été en Iran. Son objectif ? Ramener son film en Iran et espérer qu’en le regardant, l’interrogateur fasse appel à sa conscience, du moins accepte un autre dialogue. Une utopie, proclame-t-il en voix off.

Le documentaire met d’abord en scène les demandes formulées par le réalisateur à ses amis. Certains refusent de se prêter au jeu, d’autres racontent ce qu’ils ont vécu. Certains se lancent, les interrogatoires restent en surface, ne vont pas au cœur de ce que recherche Mehran Tamadon avec son dispositif si frontal et brutal. Bientôt, la figure de Zar Amir Ebrahimi se dessine. Son visage est fermé, froid et elle commence à interroger son ami réalisateur. Elle ne laisse pas de place au doute : elle veut savoir. Peu à peu, le film bascule et le jeu  n’existe plus vraiment. Mehran Tamadon rit parfois à la situation, mais comme pour faire transparaître son interrogation face à la situation même qui se joue. Le corps du réalisateur est exposé, jusqu’où vont-ils aller ?

Brutalement encore, l’actrice des Nuits de Mashhad sort de son rôle pour interroger la violence du projet de son ami. Que cherche-t-il ? Croit-il pouvoir toucher la conscience des interrogateurs du régime Iranien, si tant est qu’elle existe encore ? Devant notre propre inconfort de spectateur, une histoire de la violence se joue sous nos yeux. La simplicité du dispositif, de la mise en scène, fait éclater la force de ce qui se trame à l’écran, dans les esprits. Il y a tout ce que l’humain fait à l’humain. Pourtant, ce qui est montré ici n’est rien comparé à ce que ces protagonistes ont vraiment vécu et dont nous n’aurons que quelques bribes dans leurs conversations.

D’où naît la violence ? Peut-on inverser le rapport de force, sans y céder soi-même ? Le geste de cinéma de Mehran Tamadon est d’une force inouïe, c’est un cri d’humanité aussi, mais qui habite complètement le chaos du monde, son horreur et sa perversité. Un film inoubliable porté par des interprètes qui s’extraient du monde pour se replonger dans les limbes de leurs traumatismes, pour mieux les transcender ou s’y perdre …

Bande-annonce

Fiche technique

Synopsis : Mojtaba, Hamzeh, Zar et d’autres ont subi des interrogatoires idéologiques en Iran et vivent aujourd’hui en France. Mehran Tamadon, le réalisateur, leur demande de l’interroger, lui, tel que pourrait le faire un agent de la République Islamique. Le film en devenir se rêve en miroir dressé face aux tortionnaires, révélant leur violence, leur arbitraire et leur absurdité. Mais lorsque Zar Amir Ebrahimi et Mehran Tamadon se prêtent à l’exercice, ni l’un ni l’autre ne semblent plus tout à fait maitriser les rôles qu’ils ont choisi d’endosser, jusqu’à se mettre en danger, ainsi que le projet de film.

Réalisation : Mehran Tamadon
1h 22min / Documentaire
Date de sortie: 28 février 2024

Le clap de fin de l’Arras Film Festival a toujours le goût d’une mise en bière. On tombe le rideau en fête et en famille élargie sur 10 jours de curseurs poussés à leur incandescence. De nuits sans (beaucoup) de sommeil, de journées à ne pas voir le jour, de projections d’après interview d’après projections. Plus c’est long, plus c’est bon, plus l’estomac se creuse et la faim grandit. De l’autre, de la vie, et du cinéma, tout ça en même temps et sans avoir à choisir. Bref, une certaine idée du bonheur.

On l’avait écrit au premier jour, mais cette 24^ème édition de l’AFF démarrait dans la morosité endeuillée qui règne depuis l’attentat qui frappa le lycée Gambetta le 13 octobre. Ça, ajouté à une météo atteinte d’une dysenterie diluvienne à faire passer Seven pour Les Bronzés, l’humeur générale était plus au Netflix and chill sous plaid les volets fermés. Mais comme l’a très bien dit le sage, « Le soleil, c’est dans la tête que ça se passe ». Et sur les grands écrans.

Parce qu’il y en a eu, du cinéma au cinéma durant cette édition. Du français, du bulgare, du slovaque, du polonais, national et international. Du jeune et du vieux, du live et de l’animé, des gifles qui marquent et des visages qui restent. Celui de l’actrice Éli Skorcheva dans Blaga’s Lesson de Stéphane Kondarev, et son plan final qui t’éclate la pupille et te griffe la conscience comme un Friedkin ou un Fincher. L’aller-retour de Vincent Pérez dans la mâchoire de Ridley Scott avec son Affaire d’Honneur qui envoie le Dernier Duel manger les acariens. Les bons mots de Chasse gardée et ses guinguettes à faire démarrer une chenille entre le siège de la salle. Le bœuf intercellule des taulards corses qui reprennent Julien Clerc dans la langue de Napoléon pour chanter la matonne Hafsia Herzi dans Borgo de Stéphane Demoustier. Wake Me de Marko Santic, et son réveil à la matraque. Laure Calamy qui s’ouvre la voix et les chakras sur du Booba dans Iris et les hommes de Caroline Vignal.  Robert Guédigian, et son cinéma fatigué mais au cœur vaillant qui trinque au combat perpétuel dans Et la fête continue…. On en passe et des meilleurs, pardon pour les absents. On fera en sorte de leur rendre justice ultérieurement.

Comme nous l’a dit la grande Agnieszka Hollande, à l’occasion de son Green Border qui vise le plexus en ligne presque droite : « Le cinéma n’est pas qu’un divertissement, c’est aussi une expérience ». C’est ce qu’on retiendra de cette 24^èmeédition de l’Arras Film Festival : des films qui n’ont pas peur de secouer le spectateur et de lui coller un taquet derrière la nuque. Pas pour l’accabler où l’écraser sous le poids de la vie cette pute, mais au contraire pour lui faire RESSENTIR. Les choses, le monde, la présence de l’autre. Le mouvement des plaques tectoniques sous les pieds d’une planète qui change, parfois pour le pire mais surtout pour viser le meilleur. Le gout du combat devant et derrière la caméra, joyeux, vibrant et nécessaire. « La vie n’a de sens que dans la lutte. Le triomphe ou la défaite est entre les mains des Dieux. Alors célébrons la lutte ». « Ensemble », se permettra t-on d’ajouter à Stevie Wonder, et au proverbe Swahili qui ouvrait le Lorenzo de George Miller. C’est la leçon que l’on retiendra de cette édition 2023 l’Arras Film Festival : l’important c’est de se battre. Toujours tout le temps, sans discontinuer, le poing levé et en chantant à tue-tête. Dans la vie, comme au cinéma.

Le festival de films francophones Cinemania en est déjà à sa 29e édition ! Un festival alliant majoritairement des long-métrages, mais aussi des documentaires et des courts. Une organisation à but non lucratif, destinée à faire connaître et rayonner le cinéma produit dans la langue de Molière et dont le succès ne se dément pas avec les années. Comme chaque automne, Montréal accueille les festivités à travers ses cinémas les plus emblématiques. Du Québec à la Suisse, de la France au Luxembourg en passant par le Maroc, des films pointus venus de tous horizons vont égrener les dix jours de la manifestation entre avant-premières nord-américaines et parfois mondiales. Retour sur dix jours intenses, entre anecdotes, palmarès et tendances de la compétition sur le plus grand festival de cinéma francophone d’Amérique !

Cinemania a dévoilé sa programmation le 18 octobre, seulement quinze jours avant le début des hostilités. Et le programme est alléchant : près de cent films seront présentés. Ce sont deux films français qui vont ouvrir et fermer la programmation 2023 : « Le procès Goldman de Cédric Kahn en ouverture et Second tour d’Albert Dupontel en clôture. De nombreux artistes, producteurs, comédiens ou réalisateurs seront présents pour présenter leurs films. Il y a aussi de nombreuses conférences de presse ou tables rondes qui sont organisées en marge du festival. Un festival qui ne s’est jamais arrêté depuis sa création puisqu’il s’est fendu d’une version numérique en 2020, ainsi qu’une version hybride en 2021 (entre films en salles et films en téléchargement payant). Une affaire qui roule et un rendez-vous culturel attendu chaque mois de novembre par de nombreux québécois et festivaliers venus de tous les pays de la francophonie.

Malheureusement l’auteur de ces lignes, moi en l’occurrence, était en France avant son retour à Montréal où je vis, durant les deux premiers jours du festival. Accrédité pour le couvrir par votre site de cinéma préféré, je n’ai pu arriver que le troisième jour. Récit d’une course comme peut l’être n’importe quel festival. Tel que Cannes en bien plus grand bien sûr, un festival que j’avais couvert tout jeune en tant qu’attaché de presse lors de mes années d’étudiant. Car, un festival ce n’est pas une sinécure ! C’est un vrai marathon de films, où parfois la fatigue ou la lassitude prennent le dessus. Quand on est à son quatrième film de la journée par exemple et qu’on tombe sur un film d’auteur particulièrement exigeant, il est naturel de fléchir un peu…

Retour sur un programme dense et près de trente films vus !

Vendredi 3 novembre :

J’arrive à peine de l’aéroport, je rentre chez moi en vitesse, le temps de prendre une douche et d’aller récupérer mon accréditation qui m’attend au bureau du cinéma Impérial, quartier général du festival et surtout plus bel édifice dédié au cinéma de Montréal.

En effet, je ne voulais pas louper la projection du très attendu Je verrai toujours vos visages de Jeanne Herry. Car Cinemania c’est aussi à peu près la moitié des films qui sont déjà sortis dans leur pays d’origine. Et celui-là, j’en avais entendu parler et en bien. Et effectivement, il restera mon principal coup de cœur du festival. La cinéaste était là pour parler du film à la fin de la projection et son discours sur le sujet du film, la Justice Restaurative, fut passionnant. Un véritable coup de cœur que ce petit bijou, malgré la fatigue et le décalage horaire !

Samedi 4 novembre :

La honte m’habite. Décalage, fatigue et retour à la maison ont fait que je n’ai pas eu le courage d’assister à la projection de « Le temps d’aimer ». Ce qui est bien avec ce festival, comme on ne peut pas tout voir, on nous propose des liens pour rattraper certains films chez nous. Ce que je fis avec celui-là quelques jours plus tard et j’ai bien fait : une nouvelle petite perle !

Dimanche 5 novembre :

Les choses sérieuses commencent ! Je découvre en avant-première internationale Les Rois de la piste, le nouveau film de Thierry Klifa qui ne m’emballe pas. Le réalisateur devait être présent, mais il est absent et s’en excuse pour cause de maladie. Celui qui nous avait offert de beaux mélodrames tels que Tout nous sépare ou Le Héros de la famille livre une comédie poussive et peu drôle avec un casting mal assorti.

On enchaîne sur Soudains seuls qui sort en France le 6 décembre et s’avère une belle petite surprise. Un film de survie et d’amour maîtrisé de bout en bout. Le réalisateur Thomas Bidegain se fond d’un message vidéo complètement perché qui a bien fait rire la salle avant la séance.

Lundi 6 novembre :

Première grosse journée à trois films ! Café, motivation et envie de découverte m’anime en ce beau jour ensoleillé mais frais ! La journée débute par De grandes espérances, déjà sorti en France. Un bon thriller. S’ensuit de Le livre des solutions devant une salle comble et totalement hilare. Personnellement si Pierre Niney excelle, j’ai trouvé le film sympathique et amusant, mais finissant par tourner en rond.

Le soir, c’est la projection de Le retour de Catherine Corsini que je vais rencontrer le lendemain en interview. Elle présente le film devant une salle tristement vide, mais ne s’en formalise pas. Peu emballé par le résumé, j’y allais juste pour savoir de quoi je parle durant l’entretien. Et bien j’ai eu tort, c’est un joli film et une belle surprise.

Mardi 7 novembre :

La journée débute donc par l’interview passionnant avec Catherine Corsini qui revient sur sa carrière, son film, sa place de femme et la polémique cannoise sur son long-métrage qui l’a beaucoup affectée. Vingt minutes top chrono qui ne m’ont pas permis de terminer mes questions, mais une petite discussion en off sur le monde de la techno qu’elle connaît bien, tout comme moi. Surprenant.

Je file ensuite assister à une conférence sur la place de la langue française dans la diffusion des œuvres au Québec. Un rendez-vous parmi d’autres dans le cadre de Cinemania Pro. Une heure trente de discussions à bâtons rompus sur la schizophrénie linguistique du Québec à ce niveau. Un animateur, rédacteur en chef au Film français est présent, ainsi que quatre intervenants du monde culturel canadien : la directrice de la chaîne publique Télé Québec, la directrice des cinémas art et essai montréalais, le directeur de Cinéplex (l’équivalent du circuit UGC ou Pathé-Gaumont en France) et une personne de chez Bell Média (en gros, un Canal+ québécois). Peu de temps pour les questions, mais je parviens à poser l’une des miennes sur la problématique du sous-titrage français…

On enchaîne avec la projection du très réussi Rien à perdre avec Virginie Efira. Un premier film convaincant. Et la journée se poursuit avec le tout mignon àma Gloria que vient présenter son distributeur québécois (K Films) qui a eu un véritable coup de cœur pour le film. Et on continue avec l’âpre mais convaincant Un silence, le dernier film de Joachim Lafosse.

Mercredi 8 novembre :

La journée commence tôt au Cinéma impérial avec la projection du très anecdotique mais mignon La plus belle pour aller danser de Victoria Bedos, qui vient présenter le film pour sa première à Montréal, en précisant qu’elle n’attend que du bien de la ville.

Petite pause déjeuner avant d’attaquer la seconde interview de la semaine. Et une rencontre qui me tenait particulièrement à cœur moi qui suis français de sang, mais belge de cœur, puisque c’est l’incomparable Yolande Moreau que je rencontre. Un moment inoubliable avec une grande dame, simple et qui me nourrit d’anecdotes savoureuses et parle de son film, de son pays et de ma ville, Lille, avec passion.

S’ensuit en fin d’après-midi, le film le plus surprenant que j’ai vu du festival : Le Successeur de Xavier Legrand qui nous avait gratifié de la claque Jusqu’à la garde en 2018. Un film qui m’a fait bondir de mon siège plusieurs fois ainsi qu’une bonne partie de la salle. Et un bon film qui plus est tourné au Québec et qui a obtenu le prix du meilleur film québécois.

En revanche, la journée se termine sur la projection agitée de Le jeune imam en présence de Kim Chapiron, l’un des plus mauvais de la sélection et de son auteur.

Jeudi 9 novembre :

Cette journée va être ardue et la concentration devra être à son paroxysme ! En effet, trois films à la suite en une après-midi. C’est beaucoup ! C’est trop… Heureusement que la qualité était majoritairement au rendez-vous ! On commence avec Captive, un beau film jumeau de Le Bal des folles de Mélanie Laurent.

S’ensuit la projection de Magnificat. Karin Viard, que j’aurais rêvé d’interviewer, présente trois films à Cinemania cette année (avec Nouveau départ et Une nuit). Et on peut dire que son speech était sincère et très rock’n’roll ! En prime une Yolande Moreau venue assister à la projection dans la salle pour un film décevant qui passe à côté de son beau sujet.

Le soir, c’est un film très attendu de la compétition qui est présenté. Le tapis rouge traîne et le photo call est long, ce qui retarde la projection. Il s’agit d’une production entre le Québec et la Belgique pour un premier film qui fait le buzz Quitter la nuit. Et il ne décevra pas en plus d’être maintes fois couronné.

Vendredi 10 novembre :

Journée un peu plus calme ce vendredi puisque j’assiste à seulement deux projections (en salle en tout cas puisque j’en ai rattrapé deux autres à la maison, un vrai festivalier n’est pas là pour enfiler des perles comme on dit). On commence avec Une nuit que Karin Viard présente toujours en grande forme. Et la journée se poursuit avec l’éclat de rire du festival : la comédie / polar totalement déjantée Bonne conduite qui est un peu la bouffée d’air frais de cette édition avec Iris et les hommes que je vois le lendemain, les deux étant avec Laure Calamy.

En parlant de films en ligne, j’ai donc rattrapé le magnifique Le temps d’aimer et La Voie royale. En revanche, d’autres visionnés à la maison m’ont beaucoup moins convaincu. C’est le cas de Les âmes sœurs, de Le Paradis et du film Suisse Foudre. A rappeler que le pays à l’honneur cette année était la Suisse, après le Luxembourg l’an passé. Enfin le sympathique Making-of clôt cette liste de films vus hors salle, car ratés en début de festival ou parce que les heures ne correspondaient pas.

Samedi 11 novembre :

Dernier jour de festival pour moi, car je reprends le travail le lendemain et que ce sont les films de clôture (que j’ai déjà vu en France) et des rappels le dernier jour. Me voilà donc parti pour un autre de mes coups de cœur que je n’ai pas senti venir : le film d’époque Rosalie.

En revanche, ma dernière projection était peut-être l’une des moins plaisantes : je me suis copieusement ennuyé devant le dernier film de Stéphane Brizé, Hors saison. Quant à la conférence de presse et les questions journalistes avec Emmanuelle Béart, la présidente du jury, c’était malheureusement complet.

Petit bilan personnel :

Mes favoris du festival, mon podium, sera constitué de Je verrai toujours vos visages, Le temps d’aimer et Rosalie. S’ajoutent ensuite quelques petits coups de cœur et surprises que sont Le Successeur et Quitter la nuit et le joker Bonne conduite.

Grosse déception en revanche pour Les Rois de la piste et Hors saison très attendus. Quant à Le jeune imam, Foudre, Les âmes sœurs et Le Paradis, ce sont les cartons rouges me concernant.

Palmarès des différentes sélections et catégories :

Cette édition a pris fin hier soir de la plus belle des manières, après 12 jours de festivités mêlant projections, soirées et événements, en établissant un nouveau record d’affluences en salles. Avec 45 séances à guichets fermés et des revenus de billetterie de 25% supérieurs aux précédentes éditions, CINEMANIA se réjouit de ce succès auprès des spectateurs de plus en plus fidèles et qui ont été plus de 100 000 cette année à participer aux festivités.

COMPÉTITION VISAGES DE LA FRANCOPHONIE

Le Jury Compétition Visages de la Francophonie était co-présidé par Emmanuelle Béart (actrice et réalisatrice) et Philippe Falardeau (réalisateur). Sophie Mousel (actrice), Manon Barbeau (cinéaste et fondatrice du Wapikoni Mobile), Geneviève Albert (réalisatrice et scénariste), Anne-Élisabeth Bossé (actrice et humoriste) et Eric K. Boulianne (réalisateur et scénariste) ont composé ce Jury.

Prix du Meilleur Film TV5 Québec-Canada
Remis au meilleur film de la compétition
LE PROCÈS GOLDMAN de Cédric Kahn

Prix du Jury Marc-André Lussier
Remis par La Presse au coup de coeur du Jury pour souligner l’originalité d’une oeuvre
QUITTER LA NUIT de Delphine Girard

Prix Sofitel Montréal de la Meilleure Interprétation
Remis à un.e artiste pour souligner la qualité de sa performance de jeu dans une oeuvre
LAISSEZ-MOI de Maxime Rappaz pour la comédienne Jeanne Balibar

Prix SACD du Meilleur Scénario
ANIMALIA pour la réalisatrice et scénariste Sofia Alaoui

Prix Colombier-Dompierre de la Meilleure Musique
Remis par ÉCHO SONORE, en partenariat avec le Consulat Général de France à Québec
FOUDRE de Carmen Jaquier pour le compositeur Nicolas Rabaeus

Prix Elle Québec de la meilleure réalisatrice
Prix transversal aux compétitions Visages de la francophonie et Films du Québec
IL PLEUT DANS LA MAISON pour la réalisatrice Paloma Sermon-Daï

COMPÉTITION FILMS DU QUÉBEC

Le Jury Compétition Films du Québec était composé de Amaury Augé (Responsable de la section Acid du Festival de Cannes), Alex Moussa Sawadogo (Délégué général du Fespaco, le Festival panafricain du cinéma et de la télévision de Ouagadougou, Burkina-Faso), Claire Diao (Programmatrice au Festival International du Court-Métrage de Clermont-Ferrand et au Lincoln Film Center à New York) et Hugo Latulippe (Directeur général du Festival de Cinéma de la Ville de Québec).

Prix du Rayonnement Banque Nationale
Remis au meilleur film de la compétition
LE SUCCESSEUR de Xavier Legrand

Prix du Jury Post-Moderne
SUCRÉ-SEIZE d’Alexa-Jeanne Dubé

Prix SARTEC du Meilleur Scénario
QUITTER LA NUIT pour la réalisatrice et scénariste Delphine Girard

Prix UDA de la Meilleure Interprétation d’un film québécois
Remis à un.e artiste pour souligner la qualité de sa performance de jeu dans une oeuvre
LES RAYONS GAMMA de Henry Bernadet pour l’ensemble des jeunes interprètes du film

Mention spéciale à KANAVAL d’Henri Pardo pour Rayan Dieudonné

COMPÉTITION DOCUMENTAIRES

Le jury Compétition Documentaires était composé de Luce Grosjean (Miyu distribution), Nerimen Hadrami (Toni Films), Manon Kerjean (Lost in Frenchlation) et Marie Prouzet (Time Art).

Prix du Meilleur Documentaire Planète+
Remis au meilleur film de la compétition
JE SUIS LA FRANCE de Sarah El Attar

COMPÉTITION COURTS-MÉTRAGES

Le jury Compétition Courts-Métrages était composé de Gabrielle Boulianne-Tremblay (actrice et écrivaine), de Nicolas Gendron (critique montréalais) et de Justine Lévêque (directrice du Champs-Elysées Film Festival).

Prix de la Critique AQCC du meilleur court-métrage
ANGIE de Anthony Conveney
Mention spéciale à MAMINA de Massimo Riggi

Prix Télé-Québec du Meilleur Court-Métrage Québécois
UN TROU DANS LA POITRINE de Alexandra Myotte et Jean-Sébastien Hamel.

Prix Francophonie des Amériques
En partenariat avec le SQRC (Secrétariat du Québec aux Relations Canadiennes)
LE DERNIER RHINOCÉROS de Guillaume Harvey

Prix du Public AIR CANADA
KANAVAL de Henri Pardot

À l’année prochaine Cinemania !

Au cœur d’un festival commencé depuis cinq jours, il y a des séances dont les films doivent voyager en nous avant de complètement nous habiter. Habiter un lieu, y faire sens et communauté, c’est tout l’objet des courts-métrages (du programme 3) présentés au Fifam 2023. Ce mercredi 15 novembre, les réalisateurs Thibaut Tavernier (Collisions), Paloma Lopez (Home) et Côme Webembe Tuitcheu (Ma famille est politique) étaient présents pour échanger après la projection.

Collisions

Une plongée vertigineuse au cœur des pensées tumultueuses d’un enfant de 10 ans, dans un monde qui déraille.
Réalisation : Théo Carrere, Thibaut Tavernier
Durée : 20 min

Dans ce court métrage, les deux réalisateurs ne filment pas à hauteur d’enfant, mais bien à la place de l’enfant. Les images reçues sont ainsi teintées d’une inquiétude liée à une plongée, à dix ans, dans le monde adulte. Tout semble prêt, à tout instant, à entrer justement en collision. D’où ce magnifique plan circulaire autour d’un rond-point occupé par des gilets jaunes. Tout est dans ce plan : l’incompréhension de l’enfant face à ce qui se passe, l’impression de tourner en rond, ce jaune qui devient une couleur plus qu’une colère et l’enfant perché sur son tricycle dont la dégaine n’est pas sans rappeler Shining. Au cœur même de l’œuvre : des décors déshumanisés, vides, froids : une banlieue pavillonnaire, un stade de foot vide, une zone industrielle. Dans ce quotidien d’adultes qu’il observe, l’enfant résiste et tente encore, devant une machine à laver (encore un motif circulaire) de poursuivre son émerveillement de petit garçon, de jouer. Les ruptures de plans sont brutales comme pour signifier que tout est encore en construction dans l’esprit qui regarde, qui pense… Un foisonnement teinté d’une gravité sourde, comme en creux.

Ma famille est politique

Le rapport à la politique à travers les générations à l’échelle d’une famille d’immigrés en Seine-Saint-Denis.
Réalisation : Côme Webembe Tuitcheu
Durée : 16 min

Côme Webembe Tuitcheu est issu de l’école Kourtrajmé, et son film d’une commande d’Arte (au moment des dernières élections présidentielles) autour de la jeunesse et de la politique dans le 93. Le réalisateur a utilisé ce prétexte pour filmer sa famille et ses proches sur une journée. De sa voisine qui se lève à 4h, à sa mère qui travaille dans une école maternelle à ses frères et sœurs, Côme Webembe Tuitcheu joue les petites souris. Il prend plaisir à suivre sa famille, à les raconter, en voix off. Puis, il filme une réunion de famille, le soir-même, autour des questions de vote : les plus jeunes ne votant que forcés et les mères désirantes, ne pouvant voter elles-mêmes, que leurs enfants aient la possibilité de saisir cette chance. C’est au milieu du brouhaha et du chaos que naissent des paroles sur l’identité (on devient étranger dans son pays d’origine alors qu’on est aussi étranger dans le pays où l’on a migré) se dessine. Il faut bien tendre l’oreille et l’impression peut paraître brouillon, mais elle est aussi simplement touchante et spontanée.

Egúngún

De retour à Lagos pour l’enterrement de sa mère, une femme aperçoit la silhouette d’une ancienne passion.
Réalisation : Olive Nwosu
Durée : 15 min

Dans la foule de Lagos, une femme au crâne rasé (pour mieux sentir la fraîcheur dit-elle) se met soudainement, en plein milieu de l’enterrement de sa mère, à suivre une silhouette qui devient peu à peu une femme qu’on comprend familière, mais appartenant au passé. Ce jeu du chat et de la souris devient magnifique lorsque les deux femmes se retrouvent, s’effleurent pudiquement et laissent imaginer ce qui aurait pu advenir entre elles… Le film est tout en suggestions, en images fortes et qui questionnent (l’œil qui saigne du mari comme aveugle aux désirs réels de sa femme, la cérémonie étrange qui ouvre le film et bloque une femme qui se veut en mouvement) .

Infantaria

Joana veut ses règles. Dudu veut son père. Verbena, que personne n’a invitée, cache ce qu’elle veut.
Réalisation : Laís Santos Araújo
Durée : 24 min

Dans une maison aux couleurs diverses et éclatantes, Joana va fêter son anniversaire. Chacun dans la maison a pourtant bien autre chose en tête. Seule la mère semble tenir à cette fête où sa fille est déguisée en princesse. Dans ce huis clos étonnant où sont abordés l’avortement, les premières règles et l’absence d’un père, tout se joue dans un équilibre entre comédie et drame. Les personnages ne vont jamais là où on les attend dans ce conte moderne et stylisé. Le rapport au corps y prend une place prépondérante : le sang est d’abord suggéré par des vernis, des vêtements, ou par son absence, avant de jaillir dans la nuit. Les échanges entre les personnages ne sont que des éléments parcellaires qui ne disent jamais franchement la réalité de ce que traverse chacun des personnages. Pourtant, le message devient clair et d’autant plus impactant par ce procédé qui rend le film un peu fantasque. On croit ainsi que Verbena et la mère sont parties pour une soirée, sapées comme jamais, alors qu’elles se rendent à un rendez-vous clandestin qui prendra sens quelques instants plus tard.

Home

Une mystérieuse infestation tropicale se produit dans un appartement parisien.
Réalisation : Paloma Lopez
Durée : 20 min

Le film le plus passionnant de cette sélection de courts-métrages : Home raconte l’histoire d’une famille de Caracas qui débarque à Paris. Les meubles sont emballés dans du plastique et sont beaucoup trop nombreux pour tenir dans cet appartement qui, par rapport à l’ancien, est réduit de 200 mètres carrés. Une petite fantaisie a inspiré à la réalisatrice par une exposition artistique de son père : tous les meubles de la famille exposés ainsi emballés (pour raconter autant le départ que l’arrivée) et qui à la fin se retrouvent, sans aucun but, dans l’appartement familial. De cette histoire déjà fantaisiste, Paloma Lopez tire un récit qui tire vers le fantastique. Peu à peu des grenouilles, emblématiques de Caracas, viennent envahir tout l’appartement. Chaque membre de la famille est ainsi confronté à son exil. Dès sa scène d’ouverture, Paloma Lopez vient interroger le rapport à la langue, à la culture et au manque de ceux qui sont restés. Un huis clos aux allures de conte fantastique  où la réalité est transcendée par les traces du passé qui persistent. Pour faire écho au film de Côme Webembe Tuitcheu, il ne s’agit pas ici de simplement s’adapter, mais de faire sens dans une nouvelle avec ce qu’il reste en soi de sa culture d’origine.

Le Sommeil d’or est le premier film réalisé par Davy Chou, venu le présenter le mardi 14 novembre au Fifam. Le documentaire tente de faire revivre un cinéma disparu : celui des années 60 au Cambodge, juste avant le massacre opéré par les Khmers rouges, au pouvoir au Cambodge de 1975 à 1979. Ils mettent fin à un cinéma florissant, et aux rêves des acteurs, réalisateurs, producteurs et spectateurs qui trouvaient dans le cinéma une manière de s’exprimer, et de s’évader. Un film hommage rempli de cinéma, de récits et de trouvailles.

Le premier plan du film est un travelling monté à l’envers (les voitures semblent reculer) avec, en voix off, la discussion de deux personnages qui cherchent à faire revivre un film vu dans les années 60. Son existence semble parcellaire, fantomatique dans l’esprit des voix. Le Sommeil d’or est une tentative de réveiller un cinéma disparu, dont il ne reste aucune image ou presque. Pourtant, lorsque Davy Chou découvre l’existence d’un grand-père producteur de cinéma dans les années 60 au Cambodge, il se demande si son désir de cinéma vient de là. Davy Chou n’est pas né au Cambodge, il décide donc de s’y rendre pour retrouver les films perdus. Or, il cherche dans le vide, puisque la plupart de ces images n’existent plus. Loin de se décourager, Davy Chou invente du cinéma partout où il traîne sa caméra.

Il cherche d’abord des témoignages et recueille les souvenirs des films pour les faire renaître dans l’esprit des spectateurs d’hier et d’aujourd’hui. Comme un fil invisible que l’oralité permet de tendre pour retrouver un monde oublié. Davy Chou s’intéresse également au son. Il reste quelques extraits sonores des films, mais surtout des musiques, parfois plus célèbres que les films eux-mêmes. Ces musiques existent toujours. Enfin, Davy Chou retourne dans les lieux qui ont autrefois abrité des studios ou des cinémas. Des décors aujourd’hui décrépis qui n’ont plus rien de salles de projection, puisque soit à l’abandon, soit réinvestis pour des habitations de fortune (qui sont là depuis 1979 pourtant).

Davy Chou convoque alors des fantômes en filmant des détails, des lieux avec une caméra qui longe la ville, les bâtiments dans un esprit contemplatif. Cet esprit est aussi celui d’un chercheur de cinéma, d’un créateur d’images. Partout où il passe, Davy Chou fait cinéma. Il cherche dans des ouvertures, des pans de mur, une lumière qui traverse un décor en ruine, à recréer la forme de l’écran, du cadre de la caméra. Les discours sur ce monde disparu sont de plus en plus poignants. Ce que raconte Davy Chou, c’est aussi et surtout une déchirure, un exil, une mort annoncée. Pourtant, les cinémas ont longtemps résisté à la guerre civile en restant ouverts et très fréquentés.

Quand enfin quelques images apparaissent sur un mur en briques, leur force est d’autant plus puissante qu’elle fait écho à tous les récits entendus, aux images imaginaires. Davy Chou filme un monde disparu dans un Cambodge souvent comme figé dans le temps, les lieux sont parfois insalubres, vides… Pourtant, et malgré cette volonté du premier plan de tout inverser, les images ne reviendront pas. Heureusement, Le Sommeil d’or est un travail de mémoire, de renaissance tout à fait singulier et au final bouleversant.

Davu Chou est présent durant le Fifam pour le programme « anti-archive ». Producteur au Cambodge, il accompagne de nombreux films qui seront proposés au public (en plus d’une rétrospective de ses propres réalisations). Davy Chou fait donc bien du cinéma au présent, il expliquait d’ailleurs lors de la rencontre, que parmi ses références inconscientes (mais citées par des critiques de cinéma), il y avait de nombreux réalisateurs contemporains (comme Apichatpong Weerasethakul) : « il fallait certainement ces références aux réalisateurs du cinéma asiatique moderne pour combler le trou de l’absence d’images des années 60 ». Une façon de réveiller le cinéma, d’aller de l’avant.

Bande-annonce : Le sommeil d’or

Fiche technique : Le sommeil d’or

Synopsis : Le cinéma cambodgien, né en 1960, a vu son irrésistible ascension stoppée brutalement en 1975 par l’arrivée au pouvoir des Khmers Rouges. La plupart des films ont disparu, les acteurs ont été tués et les salles de cinéma transformées en restaurants ou karaokés. Le sommeil d’or filme la parole de quelques survivants et tente de réveiller l’esprit de ce cinéma oublié.

Réalisation : Davy Chou
1h 40min / Documentaire
Avec : Dy Saveth, Ly Bun Yim, Yvon Hem

On ne pourra reprocher à l’immense Stéphane Brizé, spécialiste hexagonal du cinéma social sur le monde du travail, de vouloir tenter autre chose. C’est une gageure et il l’avait déjà fait à ses débuts. Il choisit donc d’écrire et de réaliser une comédie romantique à connotation balnéaire (c’est lui qui le dit dans sa note d’intention). Et le moins que l’on puisse dire, c’est que ce n’est pas une réussite. En effet, Hors saison est triste et terne comme jamais et nous donnerait presque des envies dépressives à la sortie de la salle. Ce n’est que très rarement drôle, pas plus que romantique, et même si on le prend comme un drame, c’est particulièrement ennuyant et long. La sinistrose ambiante qui s’en dégage fout le cafard. Stéphane, retourne donc faire des films sur le travail !

Synopsis : Mathieu habite Paris, Alice vit dans une petite cité balnéaire dans l’ouest de la France. Il caresse la cinquantaine, c’est un acteur connu. Elle a dépassé la quarantaine, elle est professeure de piano. Ils se sont aimés il y a une quinzaine d’années. Puis séparés. Depuis, le temps est passé, chacun a suivi sa route et les plaies se sont refermées peu à peu. Quand Mathieu vient diluer sa mélancolie dans les bains à remous d’une thalasso, il retrouve Alice par hasard.

On peut aisément comprendre qu’un auteur veuille changer de braquet après avoir fait le tour d’un genre ou de certains sujets. Stéphane Brizé, qui était un peu en train de devenir notre Ken Loach national, a donc décidé de laisser les méandres du monde du travail de côté (pour le moment). Lui qui nous avait gratifié de grandes œuvres engagées et éminemment sociales sur le travail et les dérives du capitalisme moderne, avec la trilogie inégale mais complémentaire En guerre, La loi du marché et Un autre monde, revient vers un cinéma plus romanesque, mais toujours autant ancré dans le réel. Malheureusement, c’est plutôt raté, surtout s’il voyait son nouveau film comme une comédie romantique.

Soyons clairs, Hors saison n’est que très rarement drôle et encore le peu de fois où le film nous fait esquisser un timide sourire, c’est un humour à froid, à la scandinave, qui ne fera pas forcément rire le grand public. Ces touches censées être humoristiques ne sont que de petites pastilles parsemées de-ci de-là sporadiquement. Quant à l’aspect romantisme, il est plutôt triste. Brizé investit davantage le terrain de la mélancolie et de la chronique dépressive. Ce qui n’est pas un mal, mais d’attribuer le terme de comédie romantique à son nouveau film est quelque peu étrange et inadéquat. Cette histoire de deux anciens amants qui vont se retrouver par hasard dans un centre balnéaire de luxe manque d’étincelles et de lumières. Mais, déjà, pour que cette partie de l’histoire débute il faut presque attendre une heure de film…

Le versant le plus réussi (ou le moins raté) est celui concernant le métier du personnage principal incarné par Guillaume Canet. Il semble presque jouer son propre rôle déguisé en version dépressive (encore une fois) puisqu’il incarne un acteur très renommé qui broie du noir, angoisse et culpabilise suite à son départ précipité d’une pièce de théâtre. Canet joue la star en plein spleen et crise existentielle (un rôle voisin de celui de Le grand bain, en version star) et cela donne un léger effet miroir suite à la catastrophe du dernier Astérix. Comme si ce rôle venait à point juste après, rendant la coïncidence étonnante.

En revanche, quand on voit la réussite de Guillaume Nicloux qui mettait également deux personnalités dans un centre balnéaire dans le génialement cynique et méchant Thalasso (il s’agissait de Gérard Depardieu et Michel Houellebecq qui jouaient vraiment leur propre rôle), « Hors saison » en est à mille lieues. Au moins, on se marrait bien si on goûtait à ce type d’humour. Ici, on sourit une ou deux fois. Mais les scènes les plus réussies concernent tout de même celles où le personnage de Canet parle de cinéma. Au détour de moments avec des figurants (les plus amusantes) ou avec sa femme jouée – vocalement seulement – par Marie Drucker qui a écrit le scénario avec Brizé et qui jouait dans Un autre monde.

Le long-métrage s’étire inutilement dans son entièreté, tout comme dans la plupart des séquences prises à part. On trouve le temps long, très long : clairement, on s’ennuie. C’est (volontairement ?) triste et austère, probablement pour coller avec l’état d’esprit de Mathieu. Cette sinistrose ambiante dans l’image et ce qui se déroule donnent le bourdon. On sort de la séance avec un sentiment dépressif (et oui, encore) et désagréable. Ce côté terne des paysages, aseptisé des décors et triste des sentiments fout vraiment le cafard.

En ce qui concerne cette redite d’histoire d’amour passée, on a en plus du mal à y croire. On ne peut pas dire que l’alchimie entre Canet et l’italienne Alba Rohrwacher saute aux yeux même si leurs prestations sont tout à fait correctes. Heureusement, une éclaircie vient illuminer ce triste tableau cinématographique : en plein milieu de film, une vidéo d’interview d’une septuagénaire lesbienne et amie du personnage féminin qui se confie sur sa vie et sa sexualité. Un moment émouvant, perpétué dans le film par la fête de mariage de la concernée. Un beau moment qui dénote du reste, mais qui fait du bien. Car Hors saison est vraiment peu agréable. Et on en serait presque étonné vu la réussite de « Quelques heures de printemps », dernière incursion de Brizé dans le mélodrame qui nous avait quant à lui bouleversé.

Fiche technique : Hors saison

Réalisation : Stéphane Brizé.
Scénario : Stéphane Brizé et Marie Drucker.
Production : Gaumont Productions.
Pays de production : France.
Distribution France : Gaumont Distribution.
Durée : 1h56.
Genre : Drame – Romatisme.
Date de sortie : 20 mars 2024.

Brigitte Sy et Damien Bonnard sont venus présenter Le bonheur est pour demain le lundi 13 novembre 2023 au Fifam. Une rencontre faite d’instants présents et de nécessité d’écrire. Le film raconte l’histoire d’amour entre Sophie et Claude, dans les années 90, sur fond de prison. Au casting, deux funambules dont l’une espère toujours voir arriver la joie, jusqu’à ce qu’elle accepte de simplement la savourer.

Juste après la sortie de L’Astragale en 2015, Brigitte Sy s’attelait déjà à l’écriture de son troisième long métrage, Le Bonheur est pour demain, qui sera finalement tourné en 2022 (entre problèmes de financement, réécriture et COVID). Comme L’Astragale, ce film parle d’une femme amoureuse et d’un compagnon emprisonné. Sophie aime Claude au moment même où il lui échappe. Sophie l’attend mais comme elle n’a pas « la vertu des femmes de marins », elle trépigne de voir Claude dehors. Que peut-elle imaginer pour cet homme coupable de meurtre et condamné à 30 ans ?

Brigitte Sy a longtemps travaillé en prison avec des détenus. Elle explique que c’est l’impossibilité de faire un film avec eux qui l’a poussé à passer, à l’extérieur par la fiction. Le Bonheur est pour demain est habité par l’obsession du dedans (la prison) pour le dehors et inversement. Le film est fait du manque des autres, de la peau de l’être aimé. Ce « manque de vivre » dont parle Brigitte Sy et que Damien Bonnard transmet en incarnant Claude. Malgré son calme et sa maîtrise, on le sent comme un lion en cage. A l’inverse du choix fait par Xavier Giannoli dans D’argent et de sang, Brigitte Sy assume le romantisme de son œuvre. Pourtant, il n’est pas question d’idéaliser ici non plus la figure du voyou.

Sophie incarne la rupture de ce romantisme, avec ses couleurs qu’elle promène partout et qui viennent se heurter au côté monochrome de la prison. Comme si ces hauts murs venaient signer la fin de la vitalité et pourtant il faut bien vivre, même sans avenir, sans perspectives. Chez Brigitte Sy, le cinéma est élégant, on se souvient du noir et blanc de L’Astragale, chaque cadre est travaillé. On le découvre dès l’un des tout premiers plans sur un vieux couple qui danse et qui nous hantera longtemps. Ou encore avec la toute première vision du vidéo-club sous la lune. Tout est savamment construit. Le directeur de la photo du film est aussi co-scénariste, ça change tout.

Dans cet espace stylisé, aux mots savamment choisis (l’échange des lettres fait battre les cœurs, la personnalité de Claude entrant sans cesse en contradiction avec son statut de voyou), une autre histoire s’écrit. Celle de Sophie, qui fait écho à l’Albertine d’autrefois. Elle vit, elle se cherche. C’est Claude qui viendra lui retirer sa perruque rousse comme tout droit sortie d’un songe. Sophie qui attend mais sans se morfondre. Au milieu du chaos, elle se rêve femme au foyer pour simplement aimer et être aimée, élever ses enfants. Quand elle rencontre la mère de Claude ou la maîtresse de son ancien compagnon toxique, elle crée un espace de solidarité avec ces femmes. A ce titre, le duo entre Béatrice Dalle et Laetitia Casta est magnifique de répliques qui fusent et de cet « entre-femme », qui fonctionne complètement, on y croit.

Le film, comme Sophie, est sans cesse en quête du bonheur et parvient à atteindre cet instant présent, ce moment où Sophie, enfin, peut profiter d’être là, simplement là, sans plus rien espérer d’autre.

Bande-annonce : Le Bonheur est pour demain

Fiche technique : Le Bonheur est pour demain

Synopsis : Sophie a un enfant, un conjoint, mais son quotidien lui semble désespérément plat, sans plaisir, sans envies. Jusqu’au jour où elle rencontre Claude. Il est drôle, séduisant, intelligent. Elle tombe immédiatement sous le charme. Mais Claude n’est pas un prince charmant. C’est un braqueur. Or, au cours d’une attaque de banque, un homme est tué. Claude est arrêté et condamné à une lourde peine de prison. Ce qui aurait dû être la fin devient alors le début d’une histoire folle, passionnelle et sans limites. Soutenue par Lucie, la mère de Claude, Sophie ne renonce pas à son amour pour Claude. Elle est prête à aller jusqu’au bout. Quelles qu’en soient les conséquences.

Réalisation : Brigitte Sy
1h 39min / Drame
Avec : Laetitia Casta, Damien Bonnard, Béatrice Dalle
Date de sortie : 31 janvier 2024