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Dimanche 12 novembre 2023, Nadav Lapid était présent au Fifam pour présenter son film Le Genou d’Ahed. La rencontre avec le public était animée par Ariel Schweitzer, rédacteur aux Cahiers du Cinéma. Un échange forcément traversé par les événements récents dans la Bande de Gaza, mais qui a aussi été l’occasion de parler de cinéma et de choix artistiques. De déchirements également et de contradictions.

Il y a une théorie d’après laquelle n’importe quelle œuvre artistique au cinématographique est, à un certain niveau, une autobiographie de son auteur. Cependant, je dirais qu’il y a des œuvres plus autobiographiques que les autres. C’est le cas du Genou d’Ahed. Dans quelle mesure le film est autobiographique ?

Je pense que c’est un film que l’on fait au maximum une fois dans sa vie, dans le sens où c’est un film qui était vraiment très lié à ma vie personnelle à l’époque. C’est un film qui a été écrit en trois semaines. Pour comparer, ça fait trois ans que je travaille sur un scénario. Je n’avais pas envisagé cela au début de l’écriture et trois semaines plus tard, le film était déjà là.

Quelque chose d’assez similaire à ce qui est décrit dans le film m’est arrivé. On m’a invité à présenter un film en 2015. Dans cette région de l’Arava, j’ai été appelé par une femme très sympathique, chaleureuse,  vivante et aussi dévouée à son travail et qui connaissait très bien mon cinéma. Au tout dernier moment, elle m’a parlé d’un formulaire, où il fallait que je détaille les sujets abordés lors de la rencontre. J’ai agi à l’opposé de mon personnage. J’ai hésité  pourtant et j’ai appelé une amie journaliste qui m’a dit : « il faut que tu la rappelles et que tu enregistres la conversation ». Je ne l’ai pas fait donc j’étais obligé de faire un film pour commettre cet acte qui aurait pourtant été assez simple… Au même moment, j’étais en plein montage de mon film précédent, Synonymes. Je le montais avec ma maman, qui avait monté tous mes films jusque-là, et qui était en train d’agoniser d’un cancer. Elle est décédée pendant le montage. Pendant mon séjour dans l’Arava, je lui avais envoyé des photos et aussi des vidéos de cette région. Quelques mois plus tard, j’ai commencé l’écriture du Genou d’Ahed.

D’une certaine manière, je pense que c’était une réaction à chaud, sans prendre aucune distance, sur un deuil personnel et collectif. Je me retrouvais face à l’amour de ma mère et symboliquement celui de mon pays, qui me paraissait comme une sorte d’abysse sans fin. Un an et demi plus tard, j’ai quitté Israël.

D’une manière plus générale, quel est ton rapport à l’autobiographie au cinéma ? Parce que ce n’est pas seulement ce film. Peut-on parler plus globalement d’une autobiographie fictionnalisée ?

Il y a au cœur de mon cinéma, un être qui a un point de vue, une attitude et un regard. J’ai imaginé ce parallèle avec moi-même. Il est filmé à plusieurs âges dans mes films. A l’âge de 31 ans, mais aussi quand il arrive à Paris et jure de ne plus jamais retourner en Israël. Et ici, dans Le Genou d’Ahed, comme réalisateur d’à peu près 50 ans. Ce qui le caractérise, c’est qu’il se trouve toujours en conflit avec cette entité qui s’appelle Israël ou l’âme israélienne. Le conflit est tragique, parce que cette entité se trouve à l’intérieur de lui. Il en fait partie. J’ai toujours l’impression que ces deux protagonistes se heurtent et se battent.

Il y a une continuité évidente avec les films précédents. Mais il y a aussi une forme de rupture pour moi… Les films précédents étaient très urbains. Et ici tu as choisi de tourner dans le désert. D’abord, pourquoi ce choix ? Quelles décisions as-tu pris au niveau de la mise en scène pour placer tes protagonistes au milieu de nulle part ?

La raison est très simple, parce que c’est là où ça s’est passé. Par exemple, le lac du film, en plein désert, est évoqué comme un miracle. Le film est très préoccupé par cette notion du miracle. Je filmais ce lac pour ma mère, les repérages étaient donc très simples. Le désert dans le film, c’est pour moi une sorte de confrontation épique et mythologique, biblique même. Le personnage est un peu comme un prophète, mais il hurle en plein désert alors que personne n’écoute. Il fustige le peuple, mais le peuple n’est même pas là. En même temps, je ne voulais pas rendre ce désert romantique. Une thématique qu’on croise trop souvent dans le cinéma français… Le citadin qui arrive, qui découvre les charmes du paysage. Il y a une dimension grandiose dans mon film. Mais surtout, mon protagoniste déteste le désert, n’aime pas cette région, donc il est aussi un peu sale, un peu vague…

Enfin, je pense que le film joue entre des moments de beauté crue de la nature et des moments où c’est plus trivial. Le lendemain du 7 octobre, j’ai fêté l’anniversaire de mon fils au Jardin du Luxembourg. J’ai été habité par toute cette beauté et je me suis dit que la tragédie du peuple israélien, c’est de se massacrer pour prendre le contrôle de ce terrain poussiéreux.

Il y avait surtout une urgence à faire le film et nous n’avons pas été soutenus par les institutions israéliennes.

A la dernière minute, pratiquement in extremis, quand le film a été sélectionné au Festival de Cannes, le film a reçu une aide à la post-production. Tout cela a fini par créer une grande polémique sur la vision négative d’Israël qui serait transmise par le film à travers le monde. A l’époque, tu as dit une phrase très belle que je cite très souvent : « Il faut mordre la main qui nous donne à manger ». Est-ce que tu peux parler un peu de ça ?

Surtout quand cette main te donne 20 000 euros. C’était le budget des frites dans le film ! C’était assez facile de mordre.

Je connais mon pays : « puisqu’on vous finance, vous ne pouvez pas dire du mal de nous » ! Vraiment une belle idée si vous vivez dans un pays fasciste, c’est le sujet du film. Dans ce sens-là, je peux leur répondre  « vous avez raison ». C’est fou comment ces gens, en étant enragés ainsi, ont d’une certaine manière donné du crédit à la thèse du film. Ils ont bien joué leur rôle, comme dans le film.

Pour un cinéaste Israélien qui fait un film sur la lune, on va quand même lui demander son avis sur la politique israélienne. En faisant le film, je me suis répété de ne pas être un ambassadeur de mon pays.

On constate depuis quelques années un déclin évident du cinéma politique en Israël. Ton film est l’un des rares films politiques tournés en Israël ces dernières années. On parle d’un problème de censure officieux et officiel, mais je pense qu’il y a aussi un problème d’auto-censure, c’est-à-dire que les cinéastes eux-mêmes savent que s’ils veulent faire des films, il faut éviter certains sujets…

La question qu’on se pose c’est : « est-ce que je peux dire ça ? ». On ne veut pas dire du mal pour dire du mal, on préférerait dire du bien. Dans le monologue de mon film, le protagoniste n’arrête pas d’insulter les Israéliens pendant 4 minutes… Pendant les projections en Israël, je n’étais pas très à l’aise. Dans des pays avec une grave crise politique, on ne veut pas paraître opportuniste… La politesse, c’est le plus difficile des efforts dans ce cas-là !

Comment le film a-t-il été reçu en Israël, mais aussi ailleurs dans le monde entier ? Est-ce qu’il y a une écoute ou est-ce que c’est un film qui prêche dans le désert ?

Le début était pas mal, il y a eu le prix à Cannes et tout… Il est sorti en plein COVID donc en Israël comme en France, c’était une sortie compliquée.

Le personnage principal du film n’est pas facile. Et le film aussi. Il n’est pas gentil. Il est cru parfois, j’ai l’impression que c’est un film très émotionnel, avec des émotions crues à l’écran. D’habitude, on crée des scènes et au bout de celles-ci, il y a des émotions. Ici, on va directement aux émotions. C’est mon film le plus condensé, le plus énergique. Ce film offre une vérité très crue d’un moment où je faisais face à un deuil personnel et une mort collective. Après bon, c’est évident que tout le monde ne va pas aimer.

Au-delà de quelques fous qui t’appellent pour te dire qu’ils vont te tuer… je pense qu’il est reçu en Israël de la même manière finalement qu’il est reçu partout. Ce qui divise, c’est qu’on ne sort pas de la séance avec un sentiment de soulagement. Au contraire c’est un cinéma qui déstabilise et qui nous hante en quelque sorte. J’ai l’impression que c’est une histoire très simple:  un mec arrive dans le désert. C’est sympa. On arrive au village. Il tire partout, puis se met une balle dans la tête. C’est comme un western !

Je pense que l’un des aspects les plus forts qui traverse ton œuvre, c’est ce rapport d’amour et de rejet vis-à-vis d’Israël. Est-ce que quelque chose a changé dans ton regard vis-à-vis d’Israël depuis que tu as pris la décision de quitter le pays ?

Si cette rencontre avait eu lieu le 6 octobre, je t’aurai dit une chose différente d’aujourd’hui. Où se trouve la vérité ?

Je suis parti pour plusieurs raisons, mais surtout parce que j’avais l’impression que ce pays me rongeait la tête. Je ne veux plus y penser, j’ai envie de faire des films sur la lune, sur l’amour et sur le sexe. Or, je suis Israélien, c’est inévitable.

En partant, je me suis dit que je pourrais regarder ce pays, mais comme un étranger.

Mes opinions politiques n’ont pas trop changé depuis l’âge de 18 ans. Quand je suis de passage en Israël, je trouve ça moins conflictuel pour moi. Parfois, j’ai l’impression d’être en territoire ennemi, mais en même temps, c’est mon pays. Si on n’accepte pas les contradictions, on vit dans un monde très pauvre.

Peux-tu dire quelques mots sur ton prochain film qui sera tourné en Israël ? Est-ce qu’il risque de changer un peu au regard des derniers événements ?

Évidemment, je pense. Puisque comme je l’ai dit auparavant, quand une telle chose arrive, tu ne peux pas l’ignorer. C’est un peu comme celui qui prépare un film sur un village de pêcheurs au Japon et en jour il y a un tsunami… Dans deux ans, je vais revenir à Amiens pour parler du film au Fifam !

Un véritable coup de cœur pour cette impétueuse et obstinée Rosalie. Un superbe personnage de cinéma dont on se souviendra longtemps et auquel Nadia Teresckowicz infuse à la fois toute son innocence, sa force et son obstination. Brodé dans une mise en scène classique et académique de toute beauté, jamais poussiéreuse, le film nous envoûte, nous touche, nous déchire le cœur jusqu’à son final au-delà de tout sublime. Et le sujet si singulier traité ici, sur la différence et son acceptation par la société, est au final résolument moderne.

Synopsis : Rosalie est une jeune femme dans la France de 1870 mais ce n’est pas une jeune femme comme les autres, elle cache un secret : depuis sa naissance, son visage et son corps sont recouverts de poils. Elle est ce qu’on appelle une femme à barbe mais n’a jamais voulu devenir un vulgaire phénomène de foire. De peur d’être rejetée, elle a toujours été obligée de se raser. Jusqu’au jour où Abel, un tenancier de café acculé par les dettes, l’épouse pour sa dot sans savoir son secret. Mais Rosalie veut être regardée comme une femme, malgré sa différence, qu’elle ne veut plus cacher. Abel sera-t-il capable de l’aimer quand il découvrira la vérité ?

En voilà une belle surprise que ce second film de Stéphanie Di Giusto après La Danseuse. En adaptant très librement la vie d’une illustre femme à barbe du début du XXème siècle, la cinéaste nous gratifie d’une œuvre belle et forte en forme d’ode à la différence. Tout comme un manifeste pour l’acceptation de celle(s)-ci. Car, en effet, Rosalie pourrait cristalliser tout ce qui ne rentre pas dans le moule. Tout ce que la société n’est pas prête à accepter. En ce sens, Rosalie est une œuvre résolument moderne qui résonne aussi bien dans l’époque où elle se déroule qu’elle pourrait le faire aujourd’hui pour d’autres choses (les personnes trans, les personnes autistes, etc.).

Dans l’obstination, le courage et la force de caractère de Rosalie pour faire accepter sa pilosité peu commune, voire presque inédite pour une femme, le film parle à tous ceux qui souffrent d’exclusion et de rejet de la part de l’autre. Ce dernier pouvant aussi bien être la société dans sa presque entièreté que des individus pris indépendamment. La manière dont elle veut garder bec et ongles sa pilosité faciale est admirable, inspirante même. Et Rosalie de le montrer avec beaucoup d’abnégation et de beauté. Di Giusto aime son personnage et cela se ressent. Et nous fait l’aimer.

La jeune Nadia Teresckowicz se pare d’un rôle vraiment pas facile et le transcende majestueusement. Grâce à sa Rosalie, elle s’envole directement pour les nominations aux Césars 2025 (puisque le film sortira début 2024 en France) et fait suite à ses prestations remarquables dans Babysitter et Les Amandiers. Cette jeune comédienne prend ce rôle à bout de bras, entre douceur et force de caractère et nous émeut aux larmes. On a peur pour elle (plus que pitié). Peur de la bêtise de l’époque qui, comme souvent, est la conséquence de la crainte de l’inconnu, de ce qui sort des clous. La comédienne est déchirante, bouleversante et le nombre de scènes où elle brille ne pourrait tenir sur nos deux mains.

En face d’elle, Benoît Magimel, dans un rôle moins immédiatement louable, ne démérite pas et s’avère un contrepoids nécessaire et salutaire. L’évolution de leur relation, entre dégoût, amour et fascination, est captivante en plus d’être touchante. Le final tragique se passe de mots. Enrobé par la sublime musique de Max Richter, composée pour la non moins sublime série The Leftovers, elle achève de nous faire fondre le cœur et couler les larmes. La progression dramatique du film est parfaite, nous ménageant surprises et alternant moments de liesse et instants de peur.

Les images composées par Di Giusto pourraient sembler académiques. Mais ce classicisme d’apparence est en adéquation avec le propos et l’époque où se déroule le long-métrage. Certains plans ressemblent à de sublimes tableaux d’antan et la reconstitution de cette communauté en autarcie régie par un notable méprisant et cruel (Benjamin Biolay tout à fait adapté) ravit nos pupilles. Rosalie ne souffre d’aucune longueur, d’aucune scène de trop et se positionne comme une œuvre belle, simple et qui parle d’un sujet a priori incongru mais finalement magnifié. De la tragédie haute couture, tout sauf poussiéreuse quoiqu’on pourrait en penser. Bouleversant !

Fiche technique : Rosalie

Réalisatrice : Stéphanie Di Giusto.
Scénaristes : Stéphanie Di Giusto, Sandrine Le Coustumer et Alexandra Echkenazi
Production : Trésor Films.
Distribution France : Gaumont Distribution.
Interprétation : Nadia Teresckowicz, Benoît Magimel, Benjamin Biolay, …
Durée : 1h55.
Genres : Drame – Romance – Film d’époque.
24 janvier 2024 en salles.
Nationalités : France.

En racontant l’histoire des femmes de sa famille, Lina Soualem fait de Bye Bye Tibériade un témoignage intime, qui se mêle aux destinées de femmes dans l’exil et les choix radicaux qu’une vie impose parfois. Un film pudique et sensible sur une expérience personnelle qui devient collective.

Nadine Naous, Hiam Abbass, Lucas Simoni (Cinéma Orson Welles) lors de la présentation de Bye Bye Tibériade au Fifam 2023 (photo de Chloé Margueritte)

Hiam Abbass n’a pas caché sa fierté et son émotion lors de la présentation du film réalisé par sa fille, Lina Soualem au Fifam ce dimanche 12 novembre. Une fierté liée à l’exercice d’hommage et de mémoire commencé par la réalisatrice dès son premier film documentaire. Leur Algérie racontait l’histoire familiale du côté de son père. Cette fois, Lina Soualem parle de son arrière-grand-mère de sa grand-mère, de sa tante et de sa mère. Le film mêle plusieurs sortes d’images et différentes manières de raconter les faits, le passé.

Les premières images qui nous sont offertes sont issues des archives familiales de Lina Soualem. On la voit se baigner, enfant, dans le lac de Tibériade avec sa mère, l’actrice Hiam Abbass, qui joue ici son propre rôle ou plutôt témoigne. Il y a donc ces images datées entre 1992 et 1994 qui restituent les traces de la présence de Lina en Palestine où elle ne cesse de répéter qu’elle est la première femme de la famille à ne pas être née. Bye bye Tibériade est aussi le récit du départ de Hiam Abbass pour Paris avec le rêve de devenir actrice. Une rupture brutale qui la sépara de sa famille jusqu’à la naissance de Lina. D’autres images d’archives historiques viennent se mêler à celles de la famille. Des images d’anonymes que Lina et ses équipes ont cherché dans un  pays où elles sont dispersées. De plus, elle ne voulait pas des images déjà vues et revues et cherchait des images de femmes dans ces archives palestiniennes. Un vrai défi ! Pourtant, ces images existent et sont dévoilées à l’écran. Elles viennent mêler histoire familiale et récit collectif. Lina Soualem ajoute à cela des photos qu’elle colle avec sa mère puis ses tantes sur les murs parisiens et les murs palestiniens pour regarder les visages de celles qu’elle a connues ou si peu (son arrière-grand-mère décédée quand elle avait dix ans ou sa grande tante dont elle ne se souvient pas).

L’histoire est avant tout dite, il fallait donc qu’elle devienne cinéma. Lina Soualem fait beaucoup appel à l’écrit dans son film, que ce soit à travers la lettre qu’elle a écrite sur sa famille et qu’elle fait lire par sa mère, à travers les écrits de jeunesse de sa mère ou encore à travers sa voix off. Enfin, Bye bye Tibériade est aussi un récit au présent dans lequel les choses sont vécues presque dans l’immédiateté : les échanges entre Hiam et Lina, avec les tantes, la grand-mère. La réalisatrice utilise aussi le métier de sa mère, actrice, pour proposer quelques mises en situation : Hiam rejoue l’annonce de son premier mariage à son père sur  la scène du théâtre où elle répétait en secret à 20 ans. Devant l’école de photographie, elle et sa sœur rejouent l’entretien de Hiam pour y entrer et échapper au destin qu’elle refuse.

Lina Soualem utilise tous les procédés possibles pour raconter cette histoire sans l’arracher à ses protagonistes. Elle interroge, elle regarde sa mère, elle apparaît aussi à l’écran. Elle veut connaître cette histoire, ne pas l’oublier, la transmettre, car elle est faite de départs forcés ou volontaires, de frontières infranchissables et surtout d’une famille qui sait toujours se retrouver… Des moments émouvants qui produisent une mémoire collective nécessaire : « Il fallait que je prouve que cette histoire intime avait du collectif en elle et que le collectif avait affecté l’intime. J’étais tout le temps entre ces deux dimensions, et ce, dès mon premier jour de tournage » (propos de Lina Soualem à propos de son premier film qui collent parfaitement à l’esprit du second).

Bande-annonce : Bye Bye Tibériade

Fiche technique

Il y a environ trente ans, Hiam a quitté son village palestinien Deir Hanna, en Galilée, où elle a grandit avec son arrière grand-mère Um Ali, sa mère Neemat et ses sept soeurs, pour poursuivre son rêve de devenir actrice, en France, à Paris.

Réalisatrice : Lina Soualem
Avec : Hiam Abbass
Montage : Gladys Joujou
Producteur : Jean-Marie Nizan
Date de sortie : 24 avril 2024 (France)

La mécanique des fluides et Les menteuses explorent, à leurs manières bien distinctes, les violences meurtrières et sexuelles faites aux femmes, les deux moyens métrages étaient présentés ce jour en compétition au Fifam 2023.

La mécanique des fluides

Synopsis : Enquête numérique dans la violence et la solitude de la communauté incel.

Réalisation : Gala Hernández López
Durée : 38 min

Gala Hernandez Lopez trouve un jour sur un internet la lettre de suicide d’un jeune homme qui accuse l’Amérique de son malheur. Intriguée et touchée par cet écrit baigné de violence, mais surtout de solitude, elle mène l’enquête. Cette recherche numérique la mène tout droit vers les Incels, ces hommes célibataires involontaires (le terme a pourtant en premier lieu été utilisé par une femme), qui développent une haine des femmes. La forme du film se veut expérimentale, en quête de traces de ces Incels sur internet. Des hommes parfois auteurs de massacres comme en 1988 à Montréal. Pourtant, dans les vidéos qu’elle déniche et sort de leur anonymat, Gala trouve surtout une grande solitude. Elle dénonce aussi un système, revenant notamment sur la genèse de Facebook ou des applications comme Tinder et de leurs algorithmes. Au-delà d’une condamnation de la violence de ces hommes, la réalisatrice essaye d’entrer dans leur tête en explorant sa propre solitude, ses propres pensées. Elle est surtout hantée par le devenir du jeune homme de la lettre (jusqu’à interroger l’IA dans une dernière tentative qui tourne à vide), jusque dans ses rêves où elle se trouve condamnée, engloutie. Tout est en construction dans le film, comme une mosaïque d’images et comme la réflexion de la réalisatrice sur ce phénomène. Voir une pensée se construire est un exercice aussi déroutant que passionnant à découvrir sur grand écran.

Les menteuses

Synopsis : Un collectif de jeunes femmes qui luttent avec les armes de la justice et de la création face à un professeur agresseur. Puissance de l’art et de la sororité.

Réalisation : Sylvaine Faligant
Durée : 52 min

En accompagnant le combat de six femmes contre leur professeur de théâtre qui les a harcelées et agressées sexuellement (sur les dix plaintes retenues parmi trente personnes accusatrices), par la justice et la création, Sylvaine Faligan raconte des doutes, des larmes et aussi des renoncements. Elle montre surtout la vivacité de la création, même face à des actes qu’on ne veut pas raconter, mais qui transparaissent pourtant sur scène. Les jeunes femmes s’interrogent au sein même du documentaire sur ce qu’elles sont en train de faire et le côté très vertigineux de ces femmes en train de créer autour de ce qu’elles ont vécu et d’être filmées le faisant, tout en vivant un procès éprouvant. Il y a tout ça dans le film, qui se contente de capter les visages, les corps, les émotions et les mots, sans aucun commentaire. On  regrette simplement ces lignes roses un peu incongrues qui viennent parfois entourer les corps ou les lieux, les objets. Elles donnent l’impression que la réalisatrice avait besoin de montrer qu’elle était là ou de souligner son propos qui pourtant se suffit à lui-même : dans la manière d’avoir la confiance des protagonistes, de poser la caméra, de recueillir les mots, les gestes et de leur donner un espace de résonance. Ces lignes roses ont ainsi plus d’intérêt, de sens quand elles se transforment pour représenter en dessins mouvants les jeunes qui témoignent, sans parole. Aucune image du procès, aucun témoignage sur ce qui s’est passé, mais on sait par quels efforts de redire, de se souvenir, ils passent … jusqu’à être traités de menteurs, jusqu’à avoir besoin du collectif pour s’assurer de sa mémoire, de ne pas être allés trop loin. Il faut au moins cette pudeur du dessin pour rappeler que les mots ont été dits et par quelles étapes passent les victimes dont la parole n’a de valeur que collective ici (les faits individuels ne sont pas qualifiés).

Tout le monde se souvient du génial et inattendu Antoinette dans les Cévennes en plein Covid et du succès public qui s’ensuivit, tout comme de son triomphe aux Césars. La nouvelle collaboration de Caroline Vignal derrière la caméra et Laure Calamy devant est peut-être moins emballante, fraîche et homogène, il faut l’avouer, surtout après son début tonitruant et à mourir de rire. Mais l’abattage de la comédienne et un sujet dans l’air du temps nous font passer un bon moment.

Synopsis : Un mari formidable, deux filles parfaites, un cabinet dentaire florissant : tout va bien pour Iris. Mais depuis quand n’a-t-elle pas fait l’amour ? Peut-être est-il temps de prendre un amant. S’inscrivant sur une banale appli de rencontre, Iris ouvre la boite de Pandore. Les hommes vont tomber… Comme s’il en pleuvait !

Ah la délicieuse Antoinette et son âne Patrick ! Quel bon souvenir de cinéma que cette Antoinette dans les Cévennes. Un film qui consacra Laura Calamy comme une actrice incontournable (César à la clé), révéla une cinéaste en la personne de Caroline Vignal et nous fit passer un bon moment de comédie bucolique et primesautière, qui sortait des sentiers battus et prenait des chemins de traverse admirables. Un petit coup de fraîcheur dont tout le monde avait besoin, justement sorti à une période sombre et honteuse. Un bon vent d’air frais en somme.

Comme on dit, on ne change pas une équipe qui gagne ! Les deux femmes refont donc équipe pour une nouvelle comédie qui devait s’intituler, à raison, « Il pleut des hommes » et qui sera finalement titrée de manière plus triviale, Iris et les hommes. Dommage, surtout que cette francisation du culte « It’s raining men » aurait trouvé sa justification pour le titre grâce à un moment de fantaisie et de pure folie présent au sein du long-métrage. Un moment où il se mue en comédie musicale sur le tempo de cette chanson. Une séquence risquée mais parfaitement négociée où Laure Calamy, certes un peu mal à l’aise, se lâche et chante (un peu faux) en pleine banlieue avec des figurants qui se mettent à danser comme dans une comédie musicale. Inattendu, sincère, surprenant et amusant !

Cette seconde collaboration va traiter un sujet en plein dans l’air du temps et de manière tout à fait adéquate. Il s’agit du manque de désir dans le couple et de la tentation de la double vie grâce aux applications de rencontre. Un postulat qu’on trouvait en amont parfaitement adapté pour cette nouvelle association de Calamy et Vignal. La première bien sûr une nouvelle fois devant la caméra et la seconde derrière. Et c’est peu dire que le film commence très fort, sur les chapeaux de roue même. Entre le générique amusant chez l’ostéo, la scène dans le métro avec ses hommes qui parlent à Iris de partout et figurant les messages des applis de rencontre (belle idée de mise en scène) ou encore l’énorme fou rire de la séquence de la photo coquine au cabinet de dentistes, Iris et les hommes nous conquiert de plein fouet.

Mais la cadence a du mal à être tenue sur la longueur. Et on est finalement moins emballé par ce second opus que par l’exceptionnel Antoinette dans les Cévennes puisque la comparaison s’impose forcément. Le personnage d’Iris va évoluer et se redécouvrir au fil des rencontres et on peut affirmer que Vignal évite brillamment le piège du film catalogue où Iris passe d’un homme (et peut-être d’un cliché) à un autre. Le script et le montage sont assez bien verrouillés pour contourner ce risque qui aurait peut-être lassé le spectateur. Attention, on a quand même droit à quelques rencontres diversifiées, voire gratinées, mais juste comme il faut.

En revanche, on pourra trouver la progression psychologique et l’évolution du personnage de Calamy un peu trop soudaines, manquant de finesse. Mais, surtout, plus le film avance moins on rit. Pas que le film devienne inintéressant, mais il semblerait que toutes les cartouches comiques aient été tirées dans le premier tiers. Dommage. Et certaines séquences semblent un peu poussives et peu crédibles, comme celles du repas avec les amis. La relation d’Iris avec son mari passe également, du tout au tout, bien trop rapidement à deux reprises. On se rattrape sur la jolie conclusion et on laissera juger de la morale finale (une femme doit aller voir ailleurs pour pouvoir retrouver le désir marital en gros) à la gent féminine.

Dans cet agréable, mais pas inoubliable moment de cinéma léger et contemporain, il reste tout de même la cerise sur le gâteau, la valeur ajoutée, celle qui fait le sel de cet encas cinématographique. C’est bien sûr une Laure Calamy encore une fois exceptionnelle, déchaînée et dotée d’un tempérament comique une nouvelle fois incroyable. Mais sans pour autant n’être que cela, puisqu’elle est aussi à l’aise dans l’émotion. Une comédienne incroyable malheureusement découverte sur le tard qui a vraiment le sens de la comédie jusqu’au bout des ongles. Un véritable show qu’elle nous propose ici avec « Iris et les hommes » et on en redemanderait presque !

Fiche technique : Iris et les hommes

Réalisatrice: Caroline Vignal.
Scénaristes : Caroline Vignal et Noémie De Lapparent.
Production : Chapka films et France 3 Cinéma.
Distribution France : Diaphana Distribution.
Interprétation : Laure Calamy, Vincent Elbaz, Suzanne De Baecque, …
Durée : 1h44.
Genres : Comédie sentimentale.
3 janvier 2024 en salles.
Nationalités : France.