Là où la plupart des séries historiques « glamourisent » de façon épique et romanesque l’héroïsme de leurs personnages (des Tudors à Vikings en passant par Les Borgia ou Reign), The Crown se démarque et tranche radicalement en montrant les dessous du pouvoir et la difficulté humaine qu’éprouvent les monarques à exercer leur fonction. Une création originale qui brille par son approche complexe et les problématiques foisonnantes qu’elle aborde.

Synopsis : Alors que la saison 1 s’intéressait au début du règne d’Elizabeth II, de 1952 à 1956, ici, l’intrigue de la deuxième saison reprend là où la précédente s’était arrêtée, et se poursuit jusqu’en 1964. L’histoire passe notamment en revue les deux dernières grossesses de la Reine (Andrew d’York et Edward de Wessex), sa crise de couple avec Philip lors des Jeux Olympiques de Melbourne, l’éducation stricte du jeune Prince Charles, le passé trouble du Duc d’Édimbourg, le mariage de Margaret avec le sulfureux photographe Antony Armstrong-Jones, la rencontre au sommet entre les Kennedy et les Windsor, ou encore la modernisation de la Monarchie et du protocole grâce à Lord Altrincham.

Arrivée sur Netflix le 8 décembre dernier, la deuxième saison de The Crown conserve son identité et continue d’explorer avec délicatesse et subtilité l’envers du décor de la Monarchie royale d’Angleterre. La saison 1 évoquait beaucoup d’événements politiques et laissait une grande place au duo Churchill/Elizabeth, avec en filigrane la question pour la jeune Reine de savoir comment s’imposer, à 22 ans, dans un monde d’hommes souvent rompus à l’exercice du pouvoir. Ici, le second volet de cette saga historique nous montre une monarque plus installée dans ses fonctions et plus à l’aise avec la diplomatie, délaissant alors les questions d’ordre étatique pour aborder plus en profondeur des problématiques personnelles, ce qui humanise davantage les personnages et permet d’apporter un nouvel éclairage sur la famille royale et la nation toute entière. Une réussite.

Humain, trop humain

Ce qui frappe d’emblée dans The Crown, c’est la façon dont les personnages ne semblent, au départ, pas taillés pour leur fonction. La Reine est une femme. Le Duc d’Édimbourg est un homme. Par conséquent, chacun éprouve des sentiments naturels, et traverse des crises identitaires plus ou moins fortes, voire décisives. Mais là où les citoyens normaux ont la liberté d’exprimer leurs humeurs, leur frustration, leur douleur ou leurs doutes, le couple royal ne peut pas. Car, et c’est là toute la force de cette série, leurs intérêts passent après ceux de la nation, du pays, de la Monarchie. A partir de cet instant, on réalise alors que le pouvoir, qui fait si souvent rêver, est davantage traité comme un fardeau dans The Crown, qui articule tout son récit autour de la dialectique entre volonté individuelle et devoir collectif. Paradoxe absolu, Elizabeth et Philip, qui figurent pourtant parmi les souverains les plus emblématiques et importants du monde moderne, n’ont aucune liberté, et doivent s’oublier pour mieux servir la Grande-Bretagne. Le comble, pour l’incarnation même du pouvoir, que de n’en avoir aucun. Ainsi, les obstacles se multiplient pour la Reine, femme prise en tenaille et écartelée entre ses envies et des peines, son affection pour ses proches, son envie de mener une vie normale, et le poids du rôle qu’elle se doit d’incarner sans jamais flancher, refoulant toujours ses chagrins, ses déceptions ou ses désirs pour s’effacer. C’est d’autant plus intéressant alors, de voir comment la jeune Reine fait face à la crise de son couple, aux infidélités répétées de son mari et aux rumeurs qui circulent à son sujet, avec une humilité et une dignité qui fait ressortir un autre aspect de la vie à Buckingham : celui du silence. C’est étouffé par le poids des non-dits et du devoir de retenue que le couple royal doit survivre aux années, survivre aux scandales. Des humains qui ne peuvent finalement pas en être : c’est ça, The Crown.

Palace People

Autre nouveauté par rapport à la première saison, cette deuxième partie s’offre le temps d’instrumentaliser à souhait les vies et les destins croisés des différents membres de la famille royale, dont certains sont parfois difficiles à contrôler. En tête, Margaret, l’indomptable sœur de la Reine, qui fait fi du protocole pour laisser libre cours à ses pulsions, et qui place au centre de ses préoccupations sa quête de l’amour. Frasques en tous genres, alcoolisme mondain, dépression, solitude, pétages de plomb, coup de foudre avec un photographe peu recommandable, mœurs libérées, train de vie très ostentatoire : Margaret fait déjà, à son époque, les choux gras d’une presse people avide de scoops, phénomène que la Monarchie s’évertue à endiguer du mieux qu’elle le peut. Au rayon scandales, Edouard VIII, l’ancien Roi, n’est pas en reste, puisque là encore, la Monarchie sera confrontée à la résurgence d’un autre dossier sensible, à savoir l’appartenance et la participation du Duc de Windsor au mouvement nazi, et son implication auprès des dirigeants du IIIème Reich, avec suspicion d’espionnage, entre autres. Autre qualité de The Crown : la série ne fait pas l’hagiographie des monarques, mais se confronte, au contraire, aux zones d’ombre et au passé parfois embarrassant de ses personnages, et donc de l’Angleterre. Enfance sordide de Philip, accointances douteuses de ses sœurs qui étaient épouses de nazis : les attaches de certains membres de la Couronne avec l’Allemagne fasciste de la Seconde Guerre Mondiale ne sont pas passées sous silence. Au final, ce postulat fait de The Crown une série courageuse qui regarde le passé en face (peut-être pour mieux l’exorciser), et qui ne cherche pas non plus à gommer les défauts, les fautes et les erreurs de ses personnages. Un souci d’honnêteté qui mérite d’être souligné.

Monarchie en danger

Dans la même idée, The Crown montre avec finesse et efficacité l’impact qu’ont eu la Seconde Guerre Mondiale et la modernisation de la société sur une Monarchie figée et poussiéreuse, institution dépassée, constamment menacée de disparition. Vieille, guindée, déconnectée des réalités, loin du peuple, ringarde : la Couronne, qui n’a pas évolué depuis des décennies, et elle aussi confrontée à une grave crise, au même titre que tous ceux qui la portent. Parallèle scénaristique habile, qui continue d’exploiter cette dichotomie apparente entre institution d’un côté, et humain de l’autre. Et si finalement ces deux éléments se faisaient le reflet l’un de l’autre ? Il n’en demeure pas moins que cette seconde saison met en lumière la façon dont la Monarchie doit sans cesse se remettre en question pour survivre, comme les personnages. Entre la réaction humiliante et insultante de Jackie Kennedy qui ridiculise ouvertement la Reine et son palais ; la lettre ouverte incendiaire d’un certain Lord Altrincham qui démolit le discours de la Reine dans un édito assassin ; ou encore l’éducation archaïque du Prince Charles qui suit les pas de son père dans un établissement scolaire aussi rustre que vieux, la Couronne est attaquée, menacée et mise à l’épreuve de toutes parts. Là aussi, on ne peut s’empêcher d’établir un lien entre le parcours de la Reine, parfois humiliée et en quête de réponses (cf. l’épisode où elle se lie d’amitié avec un prédicateur évangéliste américain pour questionner sa foi), et celui de la Monarchie en tant que symbole, sans cesse forcée à s’adapter pour survivre. Encaisser les coups, la tête haute, pour n’en sortir que plus forte : au fil du temps, la Reine et la Couronne ne font plus qu’un et mènent le même combat, celui de la survie. 

Quoiqu’un tantinet plus « strass et paillettes » que la saison précédente et moins versée sur la politique (ce qui n’exclut pas pour autant quelques épisodes diplomatiques croustillants, en Afrique notamment), la saison 2 de The Crown conserve son identité profonde et continue de questionner avec complexité la dialectique impossible entre pouvoir et humanité. Servie par une Claire Foy au sommet de son interprétation, la série éblouit par son faste et captive par son écriture.

The Crown saison 2 : Bande-annonce VO

https://www.youtube.com/watch?v=ME2umFQ_xBA

The Crown : Fiche technique

Création et scénario : Peter Morgan
Réalisation : Benjamin Caron, Stephen Daldry, Philip Martin, Julian Jarrold, Philippa Lowthorpe
Interprétation : Claire Foy (La Reine Élisabeth II), Matt Smith (Philip Mountbatten, duc d’Edimbourg), Vanessa Kirby (Margaret du Royaume-Uni), Victoria Hamilton (Elizabeth Bowes-Lyon), Matthew Goode (Antony Armstrong-Jones), Michael C. Hall (John Fitzgerald Kennedy), Jodi Balfour (Jacqueline Kennedy)
Direction artistique : Mark Raggett, Louise Lannen, Renátó Cseh, Kirk Doman
Décors : Martin Childs
Costumes : Michele Clapton, Timothy Everest
Photographie : Adriano Goldman
Production : Stephen Daldry, Peter Morgan, Allie Goss, Andy Harries, Robert Fox
Musique : Rupert Gregson-Williams
Genres : Historique, Biopic, Drame
Diffuseur : Netflix
Format de la saison : 10 épisodes de 55 minutes
Dates de diffusion en France : épisodes disponibles depuis le 8 décembre 2017 sur Netflix

États-Unis / Royaume-Uni- 2017

Alors que Star Trek Discovery va venir ranimer nos vies de spationautes ce samedi 7 janvier 2018, retour sur la série qui nous emmène dans les étoiles dix ans avant l’Enterprise et son capitaine Kirk.

Synopsis : Après un siècle de silence, les Klingons refont surface. Déterminés à réunifier leur empire, ils déclarent la guerre à la Fédération des planètes unies. Officier en disgrâce de la Starfleet, Michael Burnham se retrouve au centre du conflit.

L’image en guerre

Star Trek Discovery démarre sur un événement important de l’univers : le début d’une guerre. Une nouvelle, encore, entre les Klingons, extraterrestres communautaristes prêts à tout pour retrouver une « gloire » perdue, et la Fédération des Planètes Unies, composée par l’humanité et pléthore d’autres peuplades galactiques. Des Klingons préparent ainsi un piège pour fédérer tous leurs pairs (gérés en famille/tribu) à l’aube de l’inauguration d’une nouvelle grande ère pour ces aliens guerriers. L’USS Shenzhou est au centre du piège. Les deux premiers épisodes forment le pilote du show. Disons-le de suite : l’ensemble est empli de bonnes intentions mais se révèlera être chaotique.

Le générique de la série

https://www.youtube.com/watch?v=un1v0i_WEhY

Avec ses effets spéciaux et sa direction artistique soignés, la septième série Star Trek (la série animée comprise) se veut visuellement grandiose. Superbe et spectaculaire, Discovery, premier show complètement feuilletonnesque de l’univers, est marquée par l’ère Abrams, à tel point que les réalisateurs/monteurs n’y sont pas allés de main morte avec le bouton Lens Flare qu’on remarque et que l’on subit rapidement. Une forme de continuité visuelle, se sont peut-être-t-ils dit, qui ne poursuit cependant pas le fétichisme filmique de J.J. Abrams. Dans ces deux premiers épisodes, le show tend à imiter les prises du vue du cinéaste, certains cadres sont directement repris de ses deux films. Le montage est souvent effréné, le rythme est beaucoup moins humain que dans les œuvres du réalisateur.

Le copycat s’arrête dès l’épisode 3. Ce dernier est réalisé par Akiva Goldsman, scénariste de Batman & Robin, co-auteur des récents La 5^ème Vague et Divergente 2, mais aussi d’Un homme d’exception. Aussi expérimenté dans le monde des séries télévisées, Goldsman expose en un épisode le problème de Discovery. Il faut le savoir, Bryan Fuller, le créateur original du show, a été détaché du projet après mésententes artistiques avec les productions CBS. Alex Kurtzman, coscénariste des films d’Abrams, a repris le projet en main. Et l’épisode 3 semble caractériser ce début de saison : une réalisation qui se cherche (trop inspirée dans le pilote ; plate et terne dans le troisième épisode) ; un montage foutraque ; et un scénario pas assez réfléchi et prétexte à tout pour accoucher d’une guerre : pourquoi le personnage de Michael Burnham agit comme-ci puis comme ça ? Mais d’où sortent ces deus ex machina à la noix qui mettent en scène Sarek et Burnham ? D’où le lien vulcain est-il assez puissant pour avoir une conversation de secours lorsque le moment le nécessite ? Bêtement spectaculaire, narrativement facile, la spiritualité vulcaine n’a jamais connu pareille utilisation, même la Force de Star Wars, à l’utilisation parfois incohérente dans certaines œuvres de l’univers, n’a jamais connu un tel traitement.

Trekkies en colère

Si deux proches de Fuller ont continué de travailler sur la série, ne nous mentons pas, la patte Fuller n’est pas toujours claire à l’écran. Mais, même si l’on met de côté les problèmes de production ayant régi le show (loin d’être tous connus), on remarque que la direction artistique est loin d’être unie. D’abord, sommes-nous dans la timeline d’Abrams (la chronologie Star Trek est bouleversée par un voyage temporel) ? Sur le plan visuel, la réponse est oui. Nous sommes loin de l’ambiance colorée de la série originale de Gene Roddenberry. Ou alors sommes-nous bien face une œuvre qui se passe dix avant la toute première série et bien des années après Enterprise, qui suivait les aventures des premiers explorateurs humains à bord du vaisseau expérimental humain homonyme. Après tout, on peut percevoir une certaine continuité entre les combinaisons du Capitaine Archer et les costumes de Starfleet dans Discovery. L’intérieur de ce dernier est d’ailleurs plus agréable à vivre que le premier Enterprise à l’espace davantage fonctionnel. Plus tard, les Enterprise sont ainsi plus confortables, celui de Jean-Luc Picard ayant ainsi un pont digne d’un grand salon télévisé. En cela, même si elle poursuit la modernisation de Star Trek jusqu’à la télévision, Discovery est subtilement cohérente… La direction artistique a pris certaines libertés avec l’univers. Par exemple, les Klingons ont été redésigné. Ce qui a provoqué la colère de grand nombre de fans de la franchise. Bien sûr, on peut se demander pourquoi ils n’ont pas gardé celui – magnifique – mis en place dans les premiers films et iconisé en la personne du Lieutenant Worf dans The Next Generation ? Et on peut aussi retourner la question : pourquoi l’ont-ils fait ?

Ce choix serait imputable à Bryan Fuller. Le créateur a toujours eu un rapport important à la chair. De Pushing Daisies à American Gods en passant par Hannibal, l’obsession de Fuller s’étend ici jusque dans la galaxie de Star Trek. Notons rapidement que le créateur n’est pas un néophyte de l’univers puisqu’il a fait ses armes en tant que scénariste sur le show Deep Space Nine, puis en tant qu’auteur et coproducteur sur la série Voyager.

Les Klingons semblent ainsi avoir des armures intimement liées à leur corps. Mieux que ça, les morts sont réemployés par l’un des chefs de guerre : ce dernier pose lie leur sarcophage à la coque du vaisseau. À la défense comme à l’attaque, le Klingon de Discovery semble ainsi être un pur corps guerrier. Et parmi ces guerriers, un racisme existe. L’un d’entre eux a la peau blanche et est considéré comme étant un impur. Impur qui avait pourtant été choisi par son ancien chef pour mener l’attaque sur la fédération. Et ce corps moqué  se révélera être plus combatif que ne le penseront ses adversaires… Le travail du corps de Discovery trouvera une autre importante illustration dans le voyage spatial en deux temps : d’abord avec l’utilisation d’une créature et de spores ; ensuite, avec l’action de Stamets dont le corps est alors lié au système mis en place suite aux premières expériences avec l’incroyable créature extraterrestre et les mêmes spores.

Star Trek Discovery modernise visuellement l’univers dans nos salons, comme ceux d’Abrams l’ont fait dans les salles obscures. Toutefois, qu’importe la modernisation ou l’inscription du show dans telle ou telle timeline, d’importantes incohérences trekkiennes sont là. Et qu’on ne dise pas que le Discovery est un vaisseau expérimental (ce qui est vrai), les discontinuités qui suivent sont présentes sur d’autres starships. En effet, que penser du holodeck qui n’est pas censé exister avant quelques centaines d’années (Star Trek The Next Generation) même si l’on peut noter des premières tentatives de mise en place dans Star Trek La Série Animée (suite de la série originale) ? Et quid des conversations holographiques à longue distance ? Cette réécriture technologique de l’univers dépasse la modernisation abramsienne. Fan service ? Citations claires pour exposer que les précédentes séries n’ont pas été oubliées ? Ou gadgets technologiques présents pour capter l’attention d’un public jeune ou au contraire averti s’étant déjà habitué à ces exploits futuristes ?

Une bataille où la chair (de Stamets) va avoir un rôle important.

De la créativité mécanique à l’humanité créative

Les premiers épisodes balbutient sur l’identité de la série. Mais à partir de l’épisode 4, l’identité visuelle du show semble peu à peu se poser. Même si des facilités scénaristiques subsistent, les récits gagnent en humanité. Tel accident provoque la rencontre de personnages avec le Discovery. Et ces événements ne sont pas vains, Ash Tyler, prisonnier des Klingons, deviendra le chef de la sécurité du vaisseau. Mais est-il vraiment remis de son expérience ? Le voyou Harry Mud, célèbre bad guy de l’univers Star Trek, ne sera pas libéré par le Capitaine Lorca sur le vaisseau klingon. Mais ce dernier n’aurait-il pas sous-estimé le bandit ?

Michael Burnham, personnage principal, servait davantage de prétexte au show. Comme il a été dit plus haut, plusieurs de ces décisions sont incongrues, incohérentes… Mais Burnham est avant tout le moteur de la série, elle lance le contexte de la guerre… Spécialiste des Klingons, elle est intégrée au Discovery qu’on découvre alors. Peu à peu, le personnage se dessine, notamment grâce aux interactions avec l’équipage, mais aussi avec la découverte plus importante de son background difficile ainsi que de la mise en exergue de ses sentiments post-accident du Shenzhou.

À propos de l’équipage, notons le soin apporté au cast ainsi qu’aux personnages. Lorca, interprété par l’impeccable Jason Isaacs, est un Patton de l’espace, un capitaine prêt à tout pour gagner la guerre. Saru est un officier scientifique d’une race extraterrestre inconnue jusqu’ici, et aux propriétés physiologiques fort intéressantes pour le récit (voir l’épisode 8 Si Vis Pacem, Para Bellum) et au design curieux. Le Discovery habite aussi un couple d’hommes gays en les personnes du Lieutenant Ingénieur Stamets et du Lieutenant Médecin Culber. En cela, la série poursuit le progressisme de l’univers mis en place par Gene Roddenberry il y a déjà cinquante et un ans.

« To boldly go where no man has gone before »

Cette première partie de saison de Discovery, imparfaite soit-elle, constitue de beaux moments dans l’univers Star Trek. Les derniers – réussis – épisodes présentés ont aussi mis en lumière le potentiel du show qui pourrait avoir de belles années devant lui à la manière de Voyager, The Next Generation ou Deep Space Nine. Aussi n’oublions pas que d’autres shows Star Trek ont eu des débuts en dent-de-scie, notamment l’une de plus grandes si ce n’est la meilleure so far so long, Star Trek The Next Generation.

BANDE-ANNONCE – Star Trek Discovery

Star Trek Discovery est disponible sur CBS All Access et Netflix.

La saison 4 de Black Mirror vient de débarquer sur Netflix. Avec 6 épisodes supplémentaires, la série d’anthologie affirme encore une fois sa maîtrise et son goût pour les récits fascinants et dénonciateurs. Critique.

Quand la série Black Mirror s’est faite remarquer, elle a vite été considérée comme un OVNI télévisuel mais a rapidement acquis une notoriété et un public. Avec seulement 7 épisodes, la série attire l’attention de Netflix qui décide de produire deux nouvelles saisons, chacune composées de six épisodes. Le concept est simple et rappelle la structure des Contes de la crypte : chaque épisode est autonome et se déroule dans un univers différent. L’ensemble des épisodes sont reliés par leur posture critique envers la société moderne et notamment l’usage des nouvelles technologies. Depuis les premiers épisodes, la réalité rattrape la série et des technologies évoquées dans le show prennent leur place dans le monde réel. Avec cette 4ème saison, Black Mirror évoque différents genres cinématographiques ( la comédie romantique avec « Hang the DJ », le drame familial avec « Arkangel », la série B avec « Metalhead », le space opera avec « USS Callister » ) et aborde de nouvelles thématiques ( le contrôle parental, l’invasion des objets connectés, la prolifération de l’intelligence artificielle ou encore l’avènement des applications de rencontres ). Plus optimiste que les saisons précédentes, ce quatrième chapitre offre à ses intrigues des conclusions moralistes mais plus éclairées. La technologie n’est désormais plus le symbole infernal d’une société dépassée mais un cadeau à double-tranchant. Sans aucun doute, Black Mirror est la version moderne de la Quatrième Dimension.

USS CALLISTER réalisé par Toby Haynes (4 x 01) avec Jesse Plemons (Friday Night Light), Cristin Milioti (Fargo), Jimmi Simpson (Westworld), Michaela Coel (Chewing Gum) et Billy Magnussen (Aladdin).

Toby Haynes signe là le meilleur épisode de la saison et l’un des plus remarquables de la série. Prenant le ton de pastiche des space-opera à la Star Gate, l’épisode conte les aventures galactiques d’un vaisseau dans l’univers de Space Fleet. Surprise, les équipiers du vaisseau sont en réalité des humains piégés dans le délire d’un informaticien à l’égo surdimensionné. Reprenant les codes des récits de science-fiction, USS CALLISTER offre une œuvre colorée sous tension et une réflexion sur les possibilités terrifiantes de l’intelligence artificielle lorsque mêlée à la cruelle nature humaine. Jesse Plemons, déjà vu dans Friday Night Lights, excelle dans son rôle double de capitaine et de looser et Cristin Milioti, vu dans Fargo ou How I met Your Mother, retient l’attention par son charme et son énergie. Loin de la poésie et des longueurs de la série, USS CALLISTER est un épisode dynamique dont la moitié des événements se déroule en quelques heures. Un shoot d’adrénaline.

ARKANGEL réalisé par Jodie Foster (4 x 02) avec Rosemarie Dewitt (United States of Tara), Brenna Harding (A Place to Call Home) et Owen Teague (Bloodline)

A l’opposé de l’épisode précédent, Arkangel se concentre sur un drame familial où une mère paranoïaque implante une technologie à l’intérieur de sa petite fille pour surveiller tous ces agissements. L’épisode est très fidèle à l’identité des premiers épisodes de la série et rappelle les récits intimistes de « Retour sur image » ( 1×03) ou « Bientôt de retour » (2×01). L’intrigue se concentre sur la jeune fille, représentée pendant l’enfance puis l’adolescence, tandis qu’elle grandit et s’émancipe face à une mère aimante mais bien trop intrusive. La douleur de la mère, interprétée avec justesse par Rose Marie Dewitt, est communicative mais le désir de s’émanciper de sa fille est tout à fait compréhensible et louable. Ici la technologie est vouée à protéger les enfants, mais devient vite un élément dangereux et liberticide. En plus d’apporter une morale ambiguë, l’épisode fait le constat de parents dépassés par la trop grande exposition qu’offre Internet à leurs enfants, mais transmet aussi un message alarmiste sur le contrôle parental.

CROCODILE réalisé par John Hillcoat ( 4×03) avec Andrea Riseborough (Bloodline), Andrew Gower (Outlander) et Kiran Sonia Sawar (Murdered By My Father)

Avec cet épisode, John Hillcoat délivre un des épisodes les plus faibles de la saison. Avec des airs de déjà-vu, « Crocodile » raconte deux histoires en même temps qui vont finir par se rejoindre. D’un côté, on suit une femme prête à tout pour se débarrasser des preuves  et des témoins d’un meurtre que son ex-petit copain à commis des années auparavant et de l’autre une employée de la police qui reconstitue une scène de crime à travers une technologie qui permet de fouiller dans les souvenirs des témoins. La confrontation des deux protagonistes est inévitable et offre un final au premier abord cruel mais dont on se délecte avec le sourire grâce au rebondissement final. Cependant le rythme est bien trop lent pour passionner et le récit met du temps à nous faire comprendre de quoi il s’agit. On peut retenir une métaphore intéressante sur les traces douteuses qu’on laisse sur les espaces numériques, et qu’il est quasi-impossible de faire disparaître.

HANG THE DJ réalisé par Timothy Van Patten (4×04) avec Tim Van Patten (The Sopranos, Game of Thrones), Georgina Campbell (Flowers, Broadchurch), Joe Cole (Peaky Blinders) et George Blagden (Versailles, Vikings).

« Hang the DJ » tient son intérêt par son concept cocasse et ingénieux : imaginez si avant de vivre une relation amoureuse vous saviez combien de temps elle allait durer. A partir de cette idée rigolote, « Hang the DJ » propose une comédie romantique où deux personnes vont tomber amoureuses alors qu’elles sont destinées à ne rester que douze heures en couple. Bien qu’originale au premier abord, l’idée a déjà été traitée dans la comédie romantique Timer, sorti en 2009. Le traitement de la romance est très classique et attendu mais « Hang the DJ » est un bel épisode à des kilomètres de la noirceur ambiante de Black Mirror. Cependant dans ces dernières minutes, l’épisode surprend et retourne son histoire à l’envers pour offrir un petit clin d’œil aux applications de rencontres qui restructurent nos rites conjugaux et ré-organisent notre rapport à l’amour et à la sexualité.

METALHEAD réalisé par David Slade ( 4×05) avec David Slade (Hannibal, American Gods), Maxine Peake (Silk), Jake Davies (The Missing) et Clint Dyer (Hope Springs)

Black Mirror propose son épisode le plus atypique à travers celui-ci. Avec aucun élément de contextualisation, « Metalhead » retrace une course-poursuite entre une femme et un robot tueur. L’épisode puise dans la série B et se révèle être un croisement curieux entre Duel de Steven Spielberg et Rubber de Quentin Dupieux. Grâce à sa mise en scène et sa photographie bichrome, ce cinquième épisode se pose comme un simple exercice de style sublimé par un bel usage des reflets et des ombres. Si on peut y voir une angoisse sur l’intrusion des objets connectés, « Metalhead » tient son intérêt bien plus dans la forme que dans le fond, curieux pour un épisode de Black Mirror. Le méchant est très peu menaçant et la tension est peu palpable malgré une maîtrise de celle-ci pour insuffler du suspense. Quelques fulgurances de la caméra sont à retenir en dépit d’un message peu clair.

BLACK MUSEUM réalisé par Colm McCarthy (4×06) avec Babs Olusanmokun (Roots, The Defenders) Douglas Hodge (Catastrophe) et Letitia Wright (Humans).

« Black Museum » est un des épisodes les plus passionnants et fascinants de la série. A l’image de l’épisode de Noël, « Black Museum » imbrique plusieurs récits et ce en trois volets. Chacune des histoires racontée aurait pu mériter un épisode entier. Dans la première, on découvre un médecin qui développe une obsession malsaine à travers une technologie qui le connecte à la douleur de ses patients. Dans le second, on rencontre un père de famille qui, suite à la mort de sa femme transmet sa conscience dans son propre cerveau pour qu’elle puisse continuer à lui parler. Dans le troisième..il faudra voir l’épisode pour ne pas être spoilé sur le dernier clou du spectacle. L’ingéniosité du scénario nous permet de conceptualiser les enfers numériques, qui pourraient devenir la première arme des intelligences artificielles. Avec cet épisode vicieux, Black Mirror établit une connexion avec le spectateur : il faut être animé par un voyeurisme et un goût pour le morbide pour continuer à se délecter des épisodes de Black Mirror de la même manière que les visiteurs du Black Museum prenne un malin plaisir derrière le rideau rouge.

Black Mirror – Saison 4 | Bande-annonce officielle

https://www.youtube.com/watch?time_continue=49&v=SgXDXViH-Og