LeMagduCiné

Ils commettent le pire du crime : celui d’ôter la vie. Non sans déplaisir, ils sont les coupables des plus grandes atrocités, pourtant nous les aimons. Ces tueurs maniaques, sociopathes ou compulsifs nous fascinent à travers une obsession quasi-morbide. Dans le cadre de notre cycle sur les tueurs en série au cinéma, on vous parle de nos tueurs favoris. Des fois même nous souhaiterions les voir arriver à leurs fins…

Hannibal Lecter, le dandy Killer de la série de Bryan Fuller

Dans cette version d’Hannibal, Mads Mikkelsen est loin d’incarner un meurtrier repoussant à l’égal d’Anthony Hopkins. Tel une plante carnivore, le Dr Lecteur attire ses victime grâce à sa beauté avant de les dévorer. Tiré à quatre épingles dans son costume de parfait gentleman, il dissimule avec finesse le monstre cannibale qui sommeille en lui.
Sans jamais aucune violence, Hannibal opère ses crimes avec art et minutie. Il force même le respect, tant le meurtre semble facile pour lui. C’est sa confiance en lui et son intelligence qui le rendent autant attirant que dangereux.
Même Will Graham, son ennemi, est fasciné par la beauté de ses crimes, plus que leur horreur graphique. Dans la série, c’est justement sa relation avec Will qui le rend d’autant plus attachant. Le spectateur est bercé d’admiration et tombe lui-même sous le charme de cet anti-héro au goût douteux.

Céline Lacroix

L’emblématique Lecter dans Le silence des agneaux

Dans Le Silence des agneaux, Jonathan Demme met en scène un tueur en série cannibale, docteur en psychiatrie, tribun du mal et manipulateur hors pair. Tôt, on le décrit, par la voix du docteur Chilton, comme « un monstre » et « un pur psychopathe », avant que Clarice, l’héroïne du film, n’assène finalement à son propos, mi-captivée mi-horrifiée : « Il n’y a pas de mot pour le définir. » Enfermé dans un asile de Baltimore depuis huit années, Hannibal est sollicité par le FBI pour aider l’agence à appréhender le serial killer Buffalo Bill, qui kidnappe, assassine et écorche des jeunes femmes dans le Middle West. Anthony Hopkins, malicieux et glacial, c’est-à-dire luciférien, va alors placer son interlocutrice, jeune recrue des fédéraux, dans une situation des plus inconfortables : dépendante des informations qu’il consent à lui donner, elle doit s’épancher, à sa demande, sur sa propre vie et composer avec un sentiment ambivalent de fascination-répulsion. Il suffit de se remémorer les plans serrés sur le visage d’Hannibal ou le monologue mémorable au cours duquel il perce à jour la carapace de Clarice pour comprendre qu’il figure en bonne place, et à bon droit, parmi les tueurs en série les plus charismatiques de l’Histoire du cinéma.

https://www.youtube.com/watch?v=EwWr8KbOPRg

Jonathan Fanara

Keyser Söze, le diable d’Usual Suspects

Pour certains, il ne s’agit que d’un mythe, une légende que l’on se raconterait dans le milieu des criminels pour se foutre la trouille, un peu comme on parlerait du Croque-mitaine pour calmer des enfants récalcitrants. Personne ne l’a jamais vu, et personne ne travaille directement pour lui. Seules circulent des histoires semi-légendaires parlant d’hommes qui connaissent l’homme qui a rencontré un mec qui prétend avoir travaillé pour lui. Keyser Söze serait une idée, un symbole, mais pas une véritable personne. Pour d’autres, il serait bien réel et tirerait justement sa force de ce manque de foi en son existence. Empereur du crime, manipulateur, assassin dépourvu de pitié (on prétend qu’il a tué sa propre famille pour lui éviter de tomber entre des mains ennemies), le mystère qui l’entoure fait de lui un être à la limite du surnaturel, qui paraît être partout à la fois et diriger voleurs et policiers comme des marionnettes.

Hervé Aubert

Le pionnier du crime dans M le Maudit

Chef d’œuvre du cinéma allemand, M le Maudit met en scène un des premiers tueurs en série du septième art. Un meurtrier qui terrorise la population en assassinant des enfants. Un mal sans nom, filmé dans l’ombre, régi par des pulsions incontrôlables et insatiables. Une présence hors champ oppressante, manifestée par le sifflement angoissant de Peter Lorre. Recherché par la pègre comme par la police, le tueur installe une véritable psychose au sein du peuple. Les habitants se soupçonnent mutuellement et sont prêts à lyncher de rage ce meurtrier au tribunal. Figure intemporelle, M le Maudit symbolise la criminalisation de la société en pleine montée en puissance du nazisme, tout en abordant les débats de l’irresponsabilité pénale des aliénés et de la peine de mort. Hans Beckert ouvre ainsi une réflexion sur l’opposition entre l’humain et une force sexuelle instinctive, le bien et le mal. Tueur schizophrène, M le Maudit expose aux citoyens et aux spectateurs, dans un monologue d’anthologie, une impressionnante autoanalyse psychologique révélant la dualité de son moi et de son surmoi : « je n’ai aucun contrôle sur cette chose diabolique en moi (…) Quelqu’un me suit, en silence… mais je sens sa présence derrière moi… cette ombre, c’est moi ! ».

https://www.youtube.com/watch?v=ssdtn60srNc

Ariane L.Emmanuelle

Norman Bates dans le Psychose de Gus Van Sant

Gus Van Sant réalise en 1998 un remake du classique d’Alfred Hitchcock (1960), digne d’une réalité parallèle. Le plan de tournage est respecté, la quasi totalité des plans (95%) sont conservés, avec les mêmes cadrages, le même script et un autre casting. Si pour l’ensemble des acteurs, les choix collent au mieux avec la première mouture, deux acteurs sont terriblement exposés : Anne Heche, qui porte sur ses épaules la scène de la douche 2.0. L’autre, c’est Vince Vaughn. De formation comique, plus expressif, moins théâtreux, l’acteur tranche avec le légendaire Anthony Perkins. Plus costaud, plus expressif, si différent à mettre en scène. Là où en 1960, le tueur est ainsi un vrai visage d’ange ne montrant rien, le second reprend le costume pour deux publics : ceux qui ont vu le premier film et ceux qui ne l’ont pas encore vu et ne comptent peut-être pas le voir. Pour ceux-là, le langage cinématographique, la mise en scène et la direction d’acteurs ont changé. Le tueur incarné par Vince Vaughn apparaît plus inquiétant. On pense à son regard de fin, beaucoup moins sybillin qu’en 1960. Il incarne plus vite le malaise. En 1998, le visage d’un tueur en série est ainsi celui de sociétés qui ne découvrent plus le phénomène au cinéma : le regard porté sur un homme seul accueillant une jeune femme dans un motel perdu et miteux est évidemment méfiant. Malgré le contexte plus favorable sur ce point, c’est tout le génie d’Antony Perkins en 1960 d’avoir déjà réussi à faire oublier cet aspect qui a couronné sa carrière. Pour Vaughn, son talent repose dans une réelle modernisation du rôle, qui ne pouvait de toute façon pas singer la première interprétation. Si le film de Gus van Sant joue ainsi avec cette notion de mimétisme d’un point de vue esthétique, la performance de son tueur en série paraît hantée par ses premiers fantômes. Il est moins fin, plus prévisible, plus crade. Le malaise passe par lui, beaucoup moins que par la mise en scène 38 ans plus tôt. Ce tueur de 1998 vit sa névrose obsessionnelle et sa schizophrénie, l’ingère et tout se voit. Sur son visage, son corps et dans son regard. C’est une peur plus vivace qui nous saisit lorsqu’il nous regarde dans les yeux, mais plus fugace, incontestablement moins obsessionnelle qu’un autre regard si terriblement ambigu, sur la pellicule noir et blanc. Cette interprétation est aussi celle d’une réelle évolution du regard porté sur les tueurs en série : moins imprévisibles, plus malades, leur aspect asocial ressort bien plus chez Gus van Sant, avant que d’autres cinéastes ne se penchent sur leur représentation.

Romaric Jouan

Villannelle, l’obsessionnelle de Killing Eve

À l’instar de ce qu’elle fait ressentir à Eve, Villanelle fascine le public depuis le début de Killing Eve. De ses éclats de génie dans ses meurtres aux fantasmes réciproques éprouvés par les deux personnages féminins, l’intelligence avec laquelle elle tue la rend malsaine et passionnante. C’est d’ailleurs souvent cela le propre des tueurs en série dans les films et séries. Ils sont très souvent érotisés et rendus héroïques dans leur procédé d’action. Killing eve ne déroge pas à la règle mais c’est surtout grâce à Jodie Comer et sa capacité folle à jouer de ses expressions non verbales et à s’amuser du public et de ses victimes. Un aller-retour entre meurtre et désir qui se lit sur son visage et dans la construction très habile de son personnage, jamais lassant, toujours surprenant. Villanelle dégage quelque chose qui fait de Killing Eve une série très rapidement addictive.

Gwennaëlle Masle

Marion Crane prend sa douche dans un hôtel. Une main armée d’un couteau arrive dans le champ et massacre la pauvre femme. Hitchcock illustre alors l’une des plus grandes scènes sanglantes du cinéma. Depuis, les cinéastes n’ont jamais cessé d’innover lorsqu’il s’agit de mettre en scène une mort. Dans le cadre de notre cycle sur les tueurs en série au cinéma, on explore cinq scènes de meurtre préférées du 7ème art. Cinq manières de filmer la mort. Mais attention, ne regardez pas dans la boîte.

Snake Eyes de Brian de Palma – La scène de boxe

Comme souvent dans les thrillers de Brian de Palma, Snake Eyes se déploie autour d’une scène qui sert à la fois de point de départ et de matrice de l’action. Le film tourne sans cesse autour de cette scène, la rejoue de multiples fois, l’approfondit, que ce soit dans le temps (par les flashbacks) ou dans l’espace (par les multiples angles de prises de vues). Ici, cette scène-mère se déroule lors d’un match de boxe. Dès le début, le principe qui sert de base au film est posé : à la fois nous montrer tout et détourner notre attention pour qu’on ne voie rien. Jouant sur la subtile différence entre « regarder » et « voir », Brian de Palma fait de nous (au même titre que les 14 000 spectateurs présents dans la salle de boxe) des témoins qui ne savent pas ce qu’ils voient. On croit assister à un match de boxe, et c’est bel et bien un meurtre qui se déroule devant nos yeux, en l’occurrence celui du Secrétaire d’État à la Défense. En bon disciple d’Hitchcock, Brian de Palma a parfaitement compris que dans un film, c’était le spectateur qu’il fallait diriger.

Hervé Aubert

Seven de David Fincher – Le premier péché 

Le premier péché de Seven : dans ce thriller culte de David Fincher, le tueur en série John Doe, aspirant à devenir le serviteur de Dieu, utilise comme mode opératoire les sept péchés capitaux (la gourmandise, l’avarice, la paresse, la luxure, l’orgueil, l’envie et la colère). Ses scènes de crime, macabres et surprenantes, nous laissaient l’embarras du choix. Le péché de gourmandise restera certainement longtemps dans les mémoires. Premier péché représenté, c’est aussi le choc initial pour les spectateurs. Les deux inspecteurs David Mills et William Somerset découvrent avec horreur le cadavre d’un homme obèse, attablé pieds et mains liés dans la cuisine. Son visage à l’expression ébahie est plongé dans une assiette pleine. La pièce, remplie de bocaux et de conserves, comme la corpulence de la victime, révèlent la quantité impressionnante de nourriture que cet homme pouvait ingurgiter. Dans l’esprit de John Doe, c’est un véritable cochon, un porc destiné à l’abattoir, mort pour avoir consommé de façon immodérée. Un symbole ultime et glaçant d’angoisse pour la gourmandise, qui ne présage que le pire pour les péchés à venir.

Ariane L.Emmanuelle

Ténèbres de Dario Argento – Le plan-séquence domestique 

Véritable genre de la mise en scène, le giallo a tout au long de son âge d’or s’étalant des années 60 aux années 80 offert des séquences de meurtre hallucinantes, jouant notamment sur un fétichisme des armes blanches et de la caméra subjective. L’un des moments les plus renversants est signé par le maestro Dario Argento dans son grand classique Ténèbres. Au milieu du film, le cinéaste transalpin nous assène un plan séquence acrobatique de près de 3 minutes démarrant sur la future victime avant de nous faire voyager entre les étages de sa maison. La caméra d’une fluidité extrême serpente alors autour de la maison, quitte à passer au-dessus du toit comme le témoin d’une menace encerclant la future victime. Ce tour de force tient de l’utilisation exemplaire de la Louma, dispositif où une caméra est fixée à une grue. Cette envolée lyrique ne serait pas complète sans la partition de synthétiseurs et de percussions tonitruante de Goblins inclue directement dans la diégèse du film, offrant un aspect cacophonique annonciateur d’un malheur imminent. La coupe est alors fatale quand le rasoir assassin s’abat sur la jeune femme tranchant à la fois son haut immaculé et l’écran de cinéma, l’arrosant d’une gerbe de sang écarlate.

https://www.youtube.com/watch?v=xL2hVO5BRIQ

Maxime Thiss

Psychose d’Alfred Hitchcock – La scène de la douche

Comprenant pas moins de 78 plans et 52 coupes, diversifiant les angles autant que les échelles, la shower scene de Psychose regorge d’idées de mise en scène – l’ombre derrière le rideau de douche, la caméra placée sous le pommeau, les visions embuées et brouillées, l’œil qui se confond avec le trou d’évacuation… Elle porte en elle une terreur indicible, se cristallisant par les hurlements tétanisants de Janet Leigh. Un fragment de cinéma anthologique, tourné en sept jours et semblant suggérer que c’est l’écran de cinéma lui-même que le tueur cherche à lacérer. Dans ses célèbres conversations avec François Truffaut, Alfred Hitchcock confessera ceci : « Je crois que la seule chose qui m’ait plu [dans le livre Psycho] et m’ait décidé à faire le film était la soudaineté du meurtre sous la douche ; c’est complètement inattendu et, à cause de cela, j’ai été intéressé. » Ailleurs, Janet Leigh exposera quant à elle des enjeux plus sibyllins, arguant que « quand elle entre dans la baignoire, c’est comme pour recevoir les eaux du baptême ». Au regard de ses immenses qualités, ce n’est guère surprenant que des personnalités aussi diverses que Brian De Palma, Mel Brooks ou Matt Groening se soient par la suite approprié cette séquence.

Jonathan Fanara

Burn after reading des frères Coen – La scène du placard

En voilà une scène atypique de meurtre. Le type de scène qui, à travers la mort, fait basculer son film dans un terrain complètement différent. L’histoire improbable de Burn After Reading nous contait les trajectoires croisées de plusieurs personnages tous aussi ridicules les uns que les autres. A l’image de Chad, ce mec un peu sportif mais complètement débile incarné par Brad Pitt qui deviendra la victime. Persuadé d’avoir découvert un complot gouvernemental et voulant obtenir plus d’informations, Chad se rend chez Harry Cox (Georges Clooney), l’amant de sa meilleure amie. La caméra se place au niveau de Chad, caché dans le placard. Les frères Coen jouent avec nous : se fera-t-il surprendre ? Les allers-retours de Georges Clooney aux abords du placard font monter la tension. Et soudain, la porte s’ouvre, Harry saisit son arme et explose le crâne de Chad qu’il prend pour un intrus. Le choc. Ce qui était une comédie devient un drame. Ce qui était une fable humoristique pointant du doigt la stupidité de ses protagonistes plonge dans un récit sur la paranoïa. La mort comme point de bascule.

Roberto Garçon