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                Vainqueur du SIGNIS award au Festival international du film de Mar del Plata 2020 et nominé à une dizaine de prix de festival de film mondiaux (Macao, Athènes, Chicago, Glasgow, Sao Paolo, San Sebastian, etc…), Seize Printemps semble conquérir les jurys. Mais ce n’est pas là l’avis de tous, car l’œuvre, bien que charmante, n’est pas exempte de défauts conséquents, elle est même surcotée…Retour sur la première réalisation (et le premier rôle) de la jeune Suzanne Lindon.

L’adolescence est un âge difficile pour quiconque se cherche. Qui est-il ? D’où vient-il ? Où va-t-il ? Ces questions peuvent rendre la période compliquée, car les réponses viennent avec l’expérience. En plus des hormones qui changent le corps, qu’on ne reconnaît plus, viennent les premiers émois et les premières déceptions.

Dans ce premier film, Suzanne Lindon décrit la vie de la jeune Suzanne qui est une lycéenne qui s’ennuie de ceux qu’elle côtoie. Elle les trouve inintéressants. Mais elle voit un jour Raphaël, un comédien taciturne pour qui elle éprouve de l’attirance…bien plus que ceux qui la côtoient tous les jours au lycée. Les deux sont attirés l’un par l’autre et se découvrent petit à petit.

Les premiers rôles sont tenus par Suzanne Lindon elle-même dans le rôle de Suzanne, Arnaud Valois joue Raphael Frei, le love interest de Suzanne, Frédéric Pierrot est le père de Suzanne et Florence Viala est sa mère.

Pour la jeune réalisatrice, c’est sa première expérience dans le domaine, et hormis une expérience de figuration dans un film dirigé par sa mère en 2016, elle ne semble pas avoir d’autre expérience en temps qu’actrice. Quant à Arnaud Valois, il se fait connaître dans 120 battements par minutes, grâce auquel il est nominé pour un César en 2018. On peut voir Frédéric Pierrot dans Grâce à Dieu de François Ozon, Artemisia, Polisse de Maïwenn ou Jeune et Jolie, Elle s’appelait Sarah et Chocolat de Roschdy Zem. Florence Viala quant à elle est une actrice ayant fait ses armes dans le théâtre, à la Comédie Française. Mais elle tourne aussi au cinéma et pour la télévision.

En toute honnêteté, ce film pose un cas de conscience. Il s’agit d’une première expérience de réalisatrice et d’actrice, mais dans le même temps, le thème et le scénario mettent quelques peu mal à l’aise. Il est donc important de prendre en compte qu’étant un premier travail, il y a des négligences, des erreurs, des choses qui ne vont pas. Nous dirons donc pourquoi ce film n’est pas une bonne expérience à nos yeux, mais en essayant aussi de souligner les aspects positifs.

Poétique et rêveur

Nous allons commencer par dire pourquoi ce film est intéressant, pour une première réalisation. La jeune Suzanne Lindon intègre de la musique et de la danse qui servent de métaphores aux émotions des personnages, et cela rend l’œuvre assez sublime, pour ne pas dire subliminale. Par exemple, au lieu d’un baiser ou d’une étreinte, la chorégraphie est choisie afin de faire parvenir avec subtilité les émotions des personnages. C’est ce qu’elle-même révèle dans une interview à France Inter à la journaliste Léa Salamé.

Nous pouvons notamment penser à une des scènes se passant dans le café avec Suzanne et Raphaël, où il lui fait écouter un opéra introduisant sa pièce de théâtre, ou plus tard, lorsqu’ils se retrouvent tous les deux sur les planches du théâtre. Cette dernière, n’est pas sans rappeler les séquences de danse du film L’Amour Sorcier de Carlos Saura, dans les grandes lignes.

La maîtrise technique

Au niveau esthétique, on ne peut rien reprocher à la réalisatrice. En toute franchise, les plans sont extrêmement bien choisis, il y a des travellings lorsqu’il le faut, des zooms qui accentuent la solitude de la jeune fille lorsqu’elle est en groupe. Les gros plans sont d’ailleurs les plus privilégiés, pour montrer les émotions de Suzanne lorsqu’elle observe Raphaël. En revanche, on privilégiera les plans poitrines et les plans taille lorsqu’ils seront ensemble et qu’ils se découvrent.

Nous pouvons aussi noter l’importance de l’introduction qui commence par un certain silence et le brouhaha des amis du personnage principal, comme si on assistait à un réveil au sens propre et à la fin de la rêverie de Suzanne. Le son et le silence sont divinement bien utilisés pour transmettre l’état de solitude du personnage.

Des dialogues bancals et vides

Nous allons toucher à ce que nous avons vraiment très peu apprécié dans cette réalisation. Nous sommes déçus des dialogues. Ils sont si creux et vides de sens qu’ils ne permettent même pas de comprendre les métaphores s’il y en a. Il y a une certaine ressemblance avec les dialogues abstraits du théâtre absurde. Par exemple, lorsque Raphaël a peur d’avoir oublié comment jouer, il demande un diabolo grenadine. Cela peut montrer une tentative de reconquête de son âge adulte et responsable, par une nature enfantine profonde cachée jusqu’à l’oubli, que Suzanne a fait renaître. Comme si en la côtoyant, Raphaël avait oublié ce qu’était être un adulte. Mais c’est peut-être la seule cohérence que nous y voyons, car le reste des dialogues sont totalement hors de propos… Par exemple, Suzanne dit à Raphaël qu’il a un nouveau grain de beauté, et il lui répond qu’il le lui donnera. Et elle part sans aucune explication.

Cela n’empêche pas une bonne prestation des acteurs expérimentés de ce film, dont Arnaud Valois qui se montre assez complexe dans ce rôle. Hormis ce problème, celui de taille est la prestation de Suzanne Lindon. Son personnage est constamment mis en avant et est assez taiseux ou ne dit rien d’intéressant en plus de ne pas réellement bien jouer. Ce sentiment se maintient tout au long du long-métrage et ennuie le spectateur.

Un scénario plutôt mauvais

Nous traiterons deux points dans cette partie : premièrement, l’histoire d’amour entre Raphaël et Suzanne et ensuite les incohérences de ce scénario.

Raphaël et Suzanne

L’histoire « d’amour » entre Suzanne et Raphaël fait vraiment grincer des dents…Nous rappelons que celle-ci a 16 ans et Raphaël a 35 ans. Bien que la relation n’aille pas contre la loi (la majorité sexuelle est à 15 ans en France), l’éthique nous empêche d’adhérer à une relation entre une lycéenne et un individu proche de la quarantaine. Bien que le film ne montre ni baisers appuyés, ni rapports sexuels, on peut s’imaginer que cela subsiste métaphoriquement dans l’œuvre. Même si la relation est montrée comme largement chaste et consentie, il n’en reste pas moins que nous sommes en présence d’une jeune fille très jeune et d’un homme d’âge mûr.

De plus, lorsqu’elle n’est pas avec lui, Raphaël se montre négatif, hautain, insolent, arrogant, triste, taciturne, hypocrite, un concentré de négativité ambulante. Nous comprenons qu’il puisse représenter l’entité de « l’âge adulte », des responsabilités, des soucis qui viennent avec. Mais nous ne comprenons pas ce qu’il dégage pour que la jeune Suzanne s’entiche de lui. La beauté peut être la cause, mais mis à part, ils ne semblent pas partager beaucoup de choses… Est-ce là vraiment le genre de relation qu’une jeune fille se doit d’attendre d’un ou d’une partenaire ? Si c’est bien là le constat, il n’en ait que plus décevant.

Où sont les adultes?

Le second problème de scénario concerne les parents et les adultes. Ceux-ci ont une adolescente de 16 ans, pas une adulte de 18…Et ils l’autorisent à rester si tard dehors sans se poser de questions sur ses fréquentations, sans se demander si elle n’est pas sous la coupe d’une personne malveillante ? Et l’équipe technique du théâtre aussi est révoltante par son aveuglement. Les personnages principaux entretiennent une relation qui se voit et se sent. Comment aucun de ces adultes ne s’est-il dit que cette relation était bizarre ? Comment personne ne s’est-il inquiété ?

Ces deux problèmes gâchent le film. La relation entre Raphaël et Suzanne aurait pu être encore plus belle si elle était celle d’une amitié, et que le sentiment d’amour ne se soit pas mêlé de cela. Nous ne pouvons pas demander à Suzanne de renier ses sentiments, car elle est jeune et beaucoup d’adolescents ont des crush pour des adultes car ils les idéalisent et découvrent ces sentiments. Mais que Raphaël s’autorise de céder à ce genre de chose est irresponsable. Elle peut être la plus belle, la plus lumineuse, la plus angélique des filles, elle n’est qu’une jeune fille. Bien qu’il ne la maltraite pas, et que ce soit elle qui ait les rennes, cela reste un exemple de relation qu’il ne faudrait pas vraiment donner, surtout après Me Too.

Fille de

Par ailleurs, nous n’avons pas voulu non plus reprendre des points sur lesquels d’autres se sont attardés comme le fait que l’ascendance de Suzanne Lindon lui ait permis des facilités dans la réalisation. Fille des acteurs Sandrine Kimberlain et Vincent Lindon, elle baigne dans le milieu dans une relative facilité, certes. Mais nous avons cherché dans cet article à critiquer le film à travers d’autres arguments car le cinéma est une grande famille. Beaucoup d’acteurs sont enfants d’acteurs, certaines généalogies vont loin. Romy Schneider est fille, petite-fille et arrière-petite-fille d’acteurs, Angelina Jolie est fille d’acteurs, Carrie Fisher aussi tout comme sa fille Billie Lourd sont enfants d’acteurs, pour ne citer que les plus célèbres. Et pour ne citer qu’elle, la réalisatrice Sophia Coppola est la fille du grand réalisateur Francis Ford Coppola. Il serait donc hypocrite de tacler la jeune femme pour son ascendance, surtout pour une première expérience, alors qu’au niveau technique, le film est assez bien réalisé.

Conclusion

Nous trouvons bien triste le fait que Seize Printemps ait un tel potentiel esthétique et technique, mais qu’il pâtisse d’une écriture et d’un scénario aussi pauvres. L’innocence se substitut bien vite à la niaiserie. Nous avons conscience que pour une première réalisation, il est assez beau à regarder, mais l’apparence ne fait pas tout. Le jeu d’acteur de Suzanne Lindon n’est pas non plus excellent et c’était une gageure de se mettre en scène sans avoir beaucoup d’expérience. Derrière la caméra, Lindon semble s’y connaître, mais devant, elle reste assez peu convaincante.

Au-delà de cet aspect, le thème en lui-même met assez mal à l’aise, même s’il est possible que ce ne soit pas le cas de tout le monde. Dans son interview sur France Inter, Suzanne Lindon dit que son personnage choisit et domine dans la relation. Cela est vrai, mais cela n’exempte pas celui-ci d’un certain risque de normaliser un type de relation qui peut tourner à l’emprise assez facilement dans la vraie vie.

Sources pour rédiger cet article: interview de Suzanne Lindon par Léa Salamé -youtube- ; seize printemps -wikipedia-; Suzanne Lindon -wikipedia-; Arnaud Valois -wikipedia-; 120 battements par minutes -wikipedia-; Frédéric Pierrot -wikipedia- ; Florence Viala -wikipedia- ; L’Amour sorcier -wikipedia- ; Plan -wikipedia- ; majorité sexuelle -droitfinances-; Seize Printemps+crédit image -IMDB-

Fiche technique:

Réalisatrice: Suzanne Lindon
Scénariste: Suzanne Lindon
Directeur de la photographie: Jérémie Attard
Musique: Vincent Delerm
Costumes : Julia Dunoyer
Durée: 73 minutes
Langues: Français
Année: 16 Juin 2021

Avec Les 2 Alfred, le duo Podalydès nous livre une nouvelle fantaisie cruelle qui sait saisir les travers d’une époque, tout en luttant contre. Une sorte de conte portée par des duos qu’ils soient fraternels, amicaux, amoureux ou filiaux.

Reprendre le contrôle

Pouvoir rater, se tromper, recommencer . C’est comme cela que se présente Les 2 Alfred à ses débuts. L’alternative pour se relancer ? L’enfer du nouveau pouvoir : la start-up, les sigles à gogos et ce «no child » tendance qui aliène deux fois plus, même à l’heure des réunions en visio. C’est de ce constat, forcément encore plus fort aujourd’hui, que part Bruno Podalydès pour lancer son film. Son héros est complètement déphasé alors qu’autour de lui tout s’emballe, tout s’ubérise (sic !). Alors dans cette fable à la loufoquerie assumée (moins barrée peut-être qu’Effacer l’historique), les drones se posent un peu partout, les emplois s’enchaînent comme autant de services rendus où la concurrence est rude. Et trouver un emploi stable justifie de perdre une part de soi.

« Entrepreneur de lui-même »

Après ce constat, Bruno Podalydès se permet toutes les fantaisies, les cruautés mais surtout une grande tendresse qui fait du bien ! Tout fonctionne en duos, le père/la mère et son enfant, les deux doudous (les fameux 2 Alfred), les deux amis (qui sont aussi deux frères dans la vraie vie !), etc… C’est en créant ces duos indétrônables que Bruno Podalydès vient faire un pied de nez à cette start-up nation où le règne de l’individu s’écrit haut et fort ! Où, sous prétexte d’être un groupe, on est surtout soi face à ses chiffres, sa rentabilité. Dans l’univers aseptisé où l’on enjoint tout le monde à être soi-même, à être détendu, joyeux, en somme parfaitement calibré, l’individu s’efface tout en étant ultra autocentré. C’est un monde qui marche sur la tête alors Les 2 Alfred marche joliment et gentiment sur ce monde. Le film piétine tout cela pour revenir à ce qui fait le charme de chacun, comment il s’exprime justement dans la relation à l’autre.

Duos

Au-delà de ces moments tendres, l’entreprise en prend surtout pour son grade. Tout y est absurde, poussé à l’extrême, et pourtant tout paraît refléter la réalité. De la configuration des lieux aux réunions interminables en passant par les objectifs inatteignables. Mais aussi cette impression d’espionnage permanent où la vie privée n’a plus court, puisque la famille, c’est censé être l’entreprise. Alors on fouine, on se tire dans les pattes, pour finalement se rendre compte qu’on a plus besoin des autres qu’on ne le croit. Mention spéciale au duo Alexandre/Arcimboldo, mais surtout à celui, plus secret au départ, Séverine/Suzie. Les quatre acteurs : Denis Podalydès (toujours aussi attendrissant), Bruno Podalydès, Sandrine Kiberlain et Luàna Bajrami (qu’on a plaisir à retrouver après son rôle dans Portrait de la jeune fille en feu), s’amusent beaucoup, jouent ensemble telle une troupe qui, soir après soir, refait le monde à coup de slogans et de grande tendresse. Un tee-shirt en sera le symbole : « on ne sent pas ses chaînes, tant qu’on ne bouge pas ». Une petite pépite drôle et cruelle, à ne pas manquer à coup sûr !

Les 2 Alfred : Bande annonce

Les 2 Alfred : Fiche technique

Synopsis : Alexandre, chômeur déclassé, a deux mois pour prouver à sa femme qu’il peut s’occuper de ses deux jeunes enfants et être autonome financièrement. Problème: The Box, la start-up très friendly qui veut l’embaucher à l’essai a pour dogme : « Pas d’enfant ! », et Séverine, sa future supérieure, est une « tueuse » au caractère éruptif. Pour obtenir ce poste, Alexandre doit donc mentir… La rencontre avec Arcimboldo, « entrepreneur de lui-même » et roi des petits boulots sur applis, aidera-t-elle cet homme vaillant et déboussolé à surmonter tous ces défis ?

Réalisateur : Bruno Podalydès
Scénario : Bruno Podalydès, Denis Podalydès
Interprètes : Bruno Podalydès, Denis Podalydès, Sandrine Kiberlain, Luàna Bajrami, Yann Frisch, Leslie Menu, Michel Vuillermoz
Producteurs : Olivier Père, Pascal Caucheteux, Martine Cassinelli
Photographie : Patrick Blossier
Montage : Christel Dewynter
Sociétés de production : Why Not Productions, Arte France Cinema
Distributeur : UGC Distribution
Durée:92 minutes
Date de sortie : 16 juin 2021
Genre : Comédie

France – 2020

Porté par un grand casting peu inspiré et une voix off éreintante, Des Hommes peine à émouvoir et faire ressurgir cette flamme de culpabilité qui suinte de son récit. 

Des Hommes ne permet malencontreusement jamais à son récit de respirer ou de faire vivre ses images. Jouant la carte d’une voix off omniprésente qui explicite ce que l’on semble deviner à l’écran, le film se perd en verbiage, en formules maladroites et perd toute saveur viscérale. Adaptant l’œuvre de Laurent Mauvignier, Lucas Belvaux dévoile de belles intentions : parler d’un mal être qui dépasse le temps, de la culpabilité qui ne s’éteint jamais, des effrois de la guerre et de parler d’une France qui se déchire. C’est d’autant plus dommageable que Des Hommes s’avère assez bien découpé, d’un point de vue narratif, entre les heurts d’un village qui voit des fractures communautaires et des violences racistes se dessiner, combinés avec des flashbacks alimentant les souvenirs d’une guerre d’Algérie dont la violence n’aura fait aucun vainqueur mais que des perdants.

Voulant faire souffler un cinéma social, traçant les traits d’une société provinciale en proie en doute, Lucas Belvaux semble malheureusement particulièrement distant par rapport à son sujet, dénonciateur sans jamais vraiment l’être, comme s’il n’y avait aucun pilote à bord de l’avion : rien n’y fait, le film semble porter à chaque scène ou chaque dialogue sur ses épaules un poids bien trop lourd. Ce film choral, qui voit se combiner les voix off, les errances et les différences de point de vue, surligne son cahier des charges rempli de passages obligés. Que cela soit par le biais d’un jeu d’acteur forcé et ankylosé malgré son casting 3 étoiles, une mise en scène usant parfois de ralentis pas toujours bienvenus, un récit en bout de course qui préfère se gargariser de ses mots plutôt que de réellement faire ressentir les émois de ses protagonistes, Des Hommes reste à quai.

L’utilisation d’une voix off ou l’inspiration de la récitation épistolaire ne sont pas des problèmes en soi, et nous avons pu le remarquer dans l’immense Trois souvenirs de ma jeunesse d’Arnaud Desplechin, sauf qu’ici, les mots n’accompagnent pas le cadre mais s’y substituent, effaçant toute présence de chaque individu, délimitant toute incarnation quand celle-ci n’est pas outrancière (vociférant Gérard Depardieu). Les séquences se déroulant en Algérie, qui sont sans doute les meilleures du film, à la fois par le biais de son espace, de sa lumière ou de par son convaincant jeune acteur Yoann Zimmer, font parfois penser à l’extatique et mutique Les Confins du Monde de Guillaume Nicloux.

Mais là où ce dernier affichait une aridité vorace, quitte à ce qu’elle soit incommodante, Lucas Belvaux ne fait jamais parler les cœurs ni le silence. Toute trace de sentiments, toute once d’intimité ou de culpabilité se noient dans des discours intempestifs qui nuisent à la fluidité du récit. Le film est un peu à l’image de son acteur phare Gérard Depardieu : imposant, habité et débordant souvent du cadre, mais paraissant dépasser par ses premières intentions, celles de montrer par le prisme du cinéma, le poids des regrets. Un cinéma qui n’existe pas ou trop peu dans Des Hommes. 

Des Hommes – Bande annonce

Synopsis : Ils ont été appelés en Algérie au moment des « événements » en 1960. Deux ans plus tard, Bernard, Rabut, Février et d’autres sont rentrés en France. Ils se sont tus, ils ont vécu leurs vies. Mais parfois il suffit de presque rien, d’une journée d’anniversaire, d’un cadeau qui tient dans la poche, pour que quarante ans après, le passé fasse irruption dans la vie de ceux qui ont cru pouvoir le nier.

Après avoir raconté la genèse de Maléfique, le studio Disney s’attaque à une autre icône issue du grand classique d’animation Les 101 Dalmatiens sorti en 1961, dans une origin story bancale consacrée à Cruella d’Enfer. Le réalisateur australien Craig Gillespie (Moi, Tonya) livre ici sa version féminine et aseptisée du Joker, en troquant l’antipathique Cruella croquée par Marc Davis contre une fashionista vengeresse aux allures de Barbie punk-rock, mollement interprétée par Emma Stone. 

Après Maléfique, Cendrillon, Dumbo, Aladdin, Le Roi Lion, Le Retour de Mary Poppins, La Belle et le Clochard ou encore Mulan, le studio Disney prouve une fois de plus qu’il n’a qu’un seul intérêt : refaire ce qui a été fait, remettre en boucle le même disque, sans jamais parvenir à reproduire ce qui a plu, ému, et émerveillé par le passé. cruella

Good girl gone bad

Ici, au lieu d’entrer dans la psyché de l’iconique Cruella d’Enfer, personnage torturé, obsédé par les chiots tachetés et les manteaux de fourrure, imaginé par la romancière britannique Dodie Smith, on suit sans grand intérêt le parcours chaotique d’Estella Miller, pauvre orpheline brimée par le système scolaire et le conformisme social, mais bien déterminée à se faire un nom dans le milieu de la mode londonienne.

Intrigante sur le papier, sa rencontre fortuite avec les deux malfrats Jasper (Joel Fry) et Horace (Paul Walter Hauser), qui deviendront plus tard ses complices, ne provoque pas les rebondissements attendus. Colonne vertébrale de l’intrigue, l’interminable duel vestimentaire que se livrent Cruella et l’exécrable Baronne von Hellman (Emma Thompson, déjà vue chez Disney dans Saving Mr. Banks) sur fond de vol de médaillon, finit également par lasser. Clou du spectacle : les féroces dalmatiens veulent la peau de l’innocente Cruella..

Outre le patchwork de références stylistiques ou le soin accordé aux décors et costumes — Jenny Beavan rend d’ailleurs hommage aux exubérantes créations de Vivienne Westwood, reine de la haute couture anglaise des années 1970 –, Cruella ne tient pas la route.

Engourdi par des problèmes de rythme et une playlist pop-rock sixties envahissante qui étouffe l’effervescence du récit — le choix de la chanson « Smile » interprétée par Judy Garland fait notamment écho au Joker de Todd Phillips –, le film tombe dans le travers de la « victimisation » systématique de l’antagoniste disneyen.

En effet, s’efforçant une fois encore de vulgariser une de ses principales icônes pour plaire à la nouvelle génération, Disney suit sa recette à la lettre. Il s’agit de remplacer le méchant trop « caricatural » par un être décidément sensible, nuancé, un outsider contemporain faussement révolté et transgressif, afin d’éviter tout dangereux manichéisme ; puis de recycler le matériel narratif préexistant dans le but de flatter l’intellect des connaisseurs. Ainsi, lorsqu’il a dépassé sa condition d’infâme bourreau, l’antihéros humanisé, pétri de remords et de bonnes intentions, prend impérativement les traits d’un génie incompris, traumatisé, maltraité, qui doit susciter l’empathie du spectateur. Esclaves de cette infaillible mécanique du préquel aseptisé et raconté à la première personne, les scénaristes saccagent la mythologie originale, en disséminant tout de même quelques clins d’œil aux 101 Dalmatiens de Wolfgang Reitherman, Hamilton Luske et Clyde Geronimi.

Hélas, l’excentricité baroque du personnage de Cruella de Vil se heurte à la mise en scène laconique de Craig Gillespie. Dans une longue première partie, l’auteur de Moi, Tonya s’évertue à museler le monstre qui sommeille en Estella, et peine ensuite à réveiller l’alter ego diabolique et rebelle qui aurait dû être le sujet du film. Exit donc la chauffarde au rire bruyant et guttural, le fameux porte-cigarette lâchant derrière elle une épaisse traînée de fumée verte et nauséabonde, les plafonds décrépis du manoir croulant de Castel d’Enfer ou encore la course-poursuite finale avec Jasper et Horace dans la campagne enneigée de Dinsford…

Alors qu’elle mène une double vie pour berner sa concurrente (qui est en réalité sa mère biologique), l’ex-arnaqueuse devenue apprentie styliste, décide de se racheter en vengeant la mort de sa mère adoptive. Quant à l’égocentrique et impitoyable patronne, elle abuse de la créativité débordante de sa jeune recrue, mais aussi de son besoin d’héroïsme, de dévouement. Le luxe ostentatoire des défilés illustre à la fois le talent précoce d’Estella et la haine jalouse de la Baronne ; là se déclare également la rivalité des deux femmes.

Tout comme Cendrillon ou Blanche-Neige, autres héroïnes Disney orphelines, Estella se rend régulièrement à la fontaine de Regent’s Park — lieu de recueillement, de rupture, qui dénote parmi les ruelles d’une capitale anglaise sombre et hostile –, pour laisser libre cours à ses sentiments. Celle que l’on croyait naturellement hystérique, impulsive et fondamentalement détestable, n’est donc pas une authentique vilaine mais plutôt le reflet d’une intériorité trouble, obscure, une autoconstruction virtuelle. La cause principale de ses brutales sautes d’humeur et de sa prétendue perversité réside dans ce jeu de masques identitaire, qui est un exutoire pour Estella, prisonnière d’un carcan social trop guindé pour elle. Passé tragique et exclusion excusent la cruauté ; dès lors, l’aura et le mystère de Cruella d’Enfer s’évanouissent. C’est là tout le point faible du film.

La fadeur d’Emma Stone n’arrange rien. Loin du visage cadavérique, de la silhouette menue et des « postures narratives » créées par Bill Peet et Marc Davis, la star de La La Land ne dépasse pas le stade de la caricature. Affublée de perruques toutes plus extravagantes les unes que les autres, elle n’incarne jamais cette diablesse vulgaire à la chevelure noire et blanche en pétard qui a durablement marqué nos esprits. Rarement aussi peu investie dans un tel double rôle, Stone ne peut rivaliser avec le raffinement de Betty Lou Gerson qui prêta sa voix au personnage dans Les 101 Dalmatiens, ni avec le grain de folie de Glenn Close, excellente dans la première adaptation live réalisée par Stephen Herek en 1996.

À l’instar de Robert Stromberg avec Maléfique, Craig Gillespie se complaît dans le récit éternel de la différence, de l’enfance traumatisée et de la repentance en trahissant de bout en bout l’esthétique minimaliste du chef-d’œuvre d’animation dont il s’inspire. Conjugués ensemble, féminisme cosmétique et noirceur factice font de Cruella un conte moderne raté cruellement malhonnête.

Sévan Lesaffre

Cruella – Bande-annonce

Synopsis : Londres, années 70, en plein mouvement punk rock. Escroc pleine de talent, Estella est résolue à se faire un nom dans le milieu de la mode. Elle se lie d’amitié avec deux jeunes vauriens qui apprécient ses compétences d’arnaqueuse et mène avec eux une existence criminelle dans les rues de Londres. Un jour, ses créations se font remarquer par la baronne von Hellman, une grande figure de la mode, terriblement chic et horriblement snob. Mais leur relation va déclencher une série de révélations qui amèneront Estella à se laisser envahir par sa part sombre, au point de donner naissance à l’impitoyable Cruella, une brillante jeune femme assoiffée de mode et de vengeance…

Cruella – Fiche technique

Avec : Emma Stone, Emma Thompson, Joel Fry, Paul Walter Hauser, Emily Beecham, Kirby Howell-Baptiste, Mark Strong, Tipper Seifert Cleveland, Kayvan Novak, John McCrea, Jamie Demetriou, Niamh Lynch, Andrew Leung, Ed Birch, Dylan Lowe, Paul Bazely, Abraham Popoola, Leo Bill, Ninette Finch, Sarah Crowden
Réalisation : Craig Gillespie
Scénario : Tony McNamara, Dana Fox d’après l’œuvre de Dodie Smith
Production : Kristin Burr, Andrew Gunn, Marc Platt
Photographie : Nicolas Karakatsanis
Montage : Tatiana S. Riegel
Décors : Fiona Crombie
Costumes : Jenny Beavan
Musique : Nicholas Britell
Distributeur : The Walt Disney Company France
Durée : 2h14
Genre: Comédie / Drame / Famille
Sortie : 23 juin 2021