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Ce qu’il y a de plus terrifiant dans les films de monstres, c’est l’attente qui précède le coup fatal. Vermines est généreusement rempli de ce genre de séquences angoissantes et a de quoi faire pâlir tout cinéphile qui estimerait avoir tout vu. Avec les codes du film catastrophe dans les gènes, tout en brossant le portrait de banlieusards sacrifiés, Sébastien Vaniček nous piège dans un nid de parasites qu’il ne faudrait pas secouer. Arachnophobes avertis, frissons garantis !

Synopsis : Face à une invasion d’araignées, les habitants d’un immeuble vont devoir survivre.

« L’angoisse n’est pas supportable sans l’humour. C’est le mélange qui fait le plaisir. » On en revient encore à la célèbre devise du maître du suspense, Alfred Hitchcock. Une leçon brillamment retenue par Frank Marshall lorsqu’il a rendu hommage aux créatures classiques d’Hollywood dans sa première réalisation, une comédie horrifique culte, Arachnophobie, sous la tutelle d’Amblin et d’Hollywood Pictures (une filiale de Disney). Ce dernier déclarait que les gens aiment avoir peur mais en riant, comme des montagnes russes. Personne ne veut être terrifié au point d’en faire une crise cardiaque. Sébastien Vaniček y a forcément pensé lorsqu’il a commencé à tisser sa propre toile cauchemardesque au sein d’un immeuble emblématique de Noisy-le-Grand, lieu de rencontre adéquate pour celles et ceux qui sont appelés à revêtir le masque de vermines.

Une cité à régner

Non sans rappeler l’expédition archéologique du père Merrin dans L’Exorciste, nous comprenons que l’antre du mal sera importé depuis un désert ardent du Moyen-Orient. L’obscurité qui cache une espèce d’arachnide, rare et mortelle, trouve la parfaite symbiose avec un complexe HLM délabré situé en Seine-Saint-Denis. L’entretien limité du bâtiment constitue également un terrain de jeu idéal lorsqu’il s’agit d’incorporer une dimension politique au film de monstre. Tout cela est d’abord vu à travers les yeux de Kaleb (Théo Christine), qui enchaîne les petites combines en espérant un jour restaurer son foyer qui tombe en ruine, tel Youri dans Gagarine. Sa sœur Manon (Lisa Nyarko) entend le contraire et cherche désespérément à trouver un nouveau point de chute. L’entraide et le partage des locataires des lieux ne suffisent pas non plus à apaiser les tensions qui y règnent, entre un énergumène un tantinet xénophobe et une concierge qui en a ras-le-bol de nettoyer les dégâts derrière les incivilités dans les espaces communs.

C’est un portrait tout chaud d’une population blasée et laissée à l’abandon dans une impasse sociale qu’il nous est donné d’observer. On rejoue la carte de l’auto-confinement, évidemment accéléré par la présence de bestioles tueuses, qui prennent d’assaut les chambres saturées en bricoles et autres souvenirs de famille, en passant par la salle de bains. Imaginez simplement où ces insectes rampants pourraient se planquer et vous les trouverez. Le film en fait une liste non exhaustive et s’en sert pour aligner des instants de frissons garantis. Les plans fixes laissent ainsi les araignées captiver toute notre attention et le cinéaste ne lésine pas sur les jeux de miroirs ou du hors champ pour atteindre sa cible, le public. Chaque plan est pensé et façonné avec énergie, afin d’immerger le spectateur dans la même cage entoilée où évoluent une bande d’amis hétéroclites, à laquelle il est possible de s’identifier. Et le travail sonore de Douglas Cavanna et Xavier Caux contribue à bousculer nos repères. Le visionnage est plus actif que jamais et promet des sensations fortes une fois que les proies sont jetées dans les arènes du Picasso.

Faire volte-face

Le premier long-métrage de Sébastien Vaniček a déjà fait le tour du monde en festival (Mostra de Venise, Sitges Film Festival, Chicago International Film Festival) avant de revenir tranquillement sur les écrans français (L’Étrange Festival, PIFFF, Les Arcs Film Festival). Moins géantes que grand-mère Tarantula, plus agressives qu’Arachnophobie, mais aussi casse-cous que Arac Attack, les créatures à huit pattes de Vermines constituent une belle promesse du cinéma de genre français. De véritables spécimens rampants ont été mêlés à des versions numériques pour les besoins de cette production. L’enveloppe de l’heteropoda maxima semble ainsi tout indiquée pour qu’elle ressemble à celles que l’on peut croiser dans nos appartements, déclare Vaniček. La photographie nébuleuse d’Alexandre Jamin aide également beaucoup ces créatures photoréalistes à devenir aussi vivantes et démoniaques que jamais.

Pour repousser cette invasion, pas question de jouer les héros comme dans Attack the block. La coalition des locataires n’a plus d’intérêt dans un moment de crise aussi mortel. Lorsque les filles hurlent de terreur, les messieurs voient leur virilité s’effriter devant une menace qu’ils ne comprennent pas. Ce décalage apporte d’ailleurs beaucoup d’humour en surface. Florent Bernard, scénariste émérite du format web-série (Bloqués, La Flamme, Le Flambeau : les aventuriers de Chupacabra), est un soutien précieux pour s’oxygéner au milieu d’une atmosphère nerveuse et anxiogène. Cette touche de légèreté est notamment bien amenée par le premier degré d’un Jerôme Niel que l’on croirait perdu dans un mauvais sketch. Que nenni. Il accapare tout le capital sympathie que l’on a pour ces héros de l’ombre, de simples personnes vulnérables qui cherchent une échappatoire à leurs conditions de vie.

Cousin des « parasites » de Bong Joon-ho, Vermines laisse également ses sujets se dévorer entre eux. Ce qui souligne d’ailleurs une défaillance dans la communication, que ce soit entre un frère et sa sœur, deux vieux amis ou encore les jeunes et la police. Et ce dernier cas pointe les effets secondaires de la peur, générés par les valeurs institutionnelles ou bien par le manque de considération. Il s’agit d’un commentaire social loin d’être aussi séduisant que les séquences dédiées aux arachnides. La dramaturgie et le divertissement qui en découlent mettent ainsi à l’honneur le point commun qui existe entre les deux espèces qui s’affrontent à l’écran. Ce sont des êtres enfermés dans une boîte et leur réflexe, c’est d’en sortir. Alors si vous êtes obstiné à vous chausser des mêmes Nike TN jusqu’à la mort, laissez-vous tenter par cette piqûre de rappel, foudroyante et jubilatoire.

Bande-annonce : Vermines

Fiche technique : Vermines

Réalisation : Sébastien VANICEK
Idée originale : Sébastien VANICEK
Scénario : Sébastien VANICEK, Florent BERNARD
Production : Harry TORDJMAN
Image : Alexandre JAMIN
Son : César MAMOUDY, Samy BARDET
Mixage : Vincent COSSON
Musique originale : Douglas CAVANNA, Xavier CAUX
Mise en scène : Robin PLESSY, Amonlath PHOLYOTHA
Casting : Constance DEMONTOY
Scripte : Mayliss DESAINT-ACHEUL
Montage : Nassim GORDJI-TEHRANI, Thomas FERNANDEZ
Décors : Arnaud BOUNIORT
Costumes : Marie-Lola TERVER, Marlène HERVÉ
Maquillage : Stéphanie GUILLON, Lucky NGUYEN
Coiffure : Nicolas CUEFF
SFX : Pascal LARUE, Sarah PARISET, Pierre PARRY
VFX : Thierry ONILLON, Léo EWALD
Direction de production : Samuel AMAR
Direction de post-production : Chloé BIANCHI
Production : MY BOX FILMS
Distribution France : TANDEM
Durée : 1h45
Genre : Epouvante-horreur
Date de sortie : 27 décembre 2023

La frustration chronique est désormais une réalité pour le commun des mortels, surtout à l’ère d’Internet, un espace où les vérités se forment et se déforment sans raison. Dream Scenario est teinté de cette problématique, où un monsieur tout-le-monde est soudainement propulsé dans les fantasmes et les cauchemars de son entourage et au-delà. Une comédie satirique truculente ! Pas la plus aiguisée, mais portée par un Nicolas Cage possédé.

Synopsis : Paul Matthews, un banal professeur, voit sa vie bouleversée lorsqu’il commence à apparaître dans les rêves de millions de personnes. Paul devient alors une sorte de phénomène médiatique, mais sa toute nouvelle célébrité va rapidement prendre une tournure inattendue…

Kristoffer Borgli nous donne assez de matières pour débattre autour d’un excès d’attention, l’antithèse de son film précédent, Sick of Myself. Pourtant, on lui attribuerait bien le même titre pour d’autres raisons. Le point de départ se situe dans un fait divers, devenu un phénomène d’actualité. Identifié et nommé plus tard comme la cancel culture, le cinéaste revient sur l’épisode médiatique qui a entraîné une vague de hashtags incendiaires sur les réseaux sociaux. Le cas d’un enseignant en éthologie à l’université qui a dû renoncer à son poste cache bien des surprises. Mais l’idée n’est pas d’en faire un biopic factuel, mais d’en transcrire le commentaire le plus cynique sur la société connectée actuelle.

Rêver sa vie…

Gare à ce que l’on désire, car le souhait de Paul Matthews va bel et bien se réaliser. Ne rêvant que de reconnaissance et qu’on le publie avant que ses idées ne finissent par être plagiées, c’est ironiquement dans le rêve d’autres personnes qu’il apparaît, sans que l’on trouve d’explications scientifiques à ce phénomène. Reste qu’il est intimement connecté à de nombreux adorateurs dans leur sommeil. Étudiants, ex-copine et autres amis perdus de longue date, de parfaits inconnus et sa propre fille cadette. Tous sont soumis à la passivité de Paul dans leurs rêves assez incongrus et portés par une certaine violence. Chacun idéalise alors son propre Paul, de passage dans des rêves où il va peu à peu passer à l’action, pour le meilleur et pour le pire.

Nicolas Cage enfile donc le masque d’un père de famille, tout à fait anonyme, mais cela reste compliqué de ne pas observer un miroir symbolique quant à sa cote de popularité. Devenu un même viral et ambulant sur les réseaux sociaux, du fait de ses nombreuses interprétations explosives à l’écran, le comédien et son personnage semblent bien engagés pour prendre leur revanche sur celles et ceux qui ont longtemps ignoré ses compétences. Armé de ses mimiques légendaires et d’un premier degré ravageur, Borgli tire de sa prestation une comédie noire assez hilarante par moment. Sous ses airs de fable hautement pessimiste, il nous est permis de rire aux décalages comiques générés par les blagues pas drôles de ce cher Paul. De quoi gonfler son anxiété au maximum dans une première partie réussie, car les maladresses du personnage viennent nourrir son incapacité à prendre conscience de l’effet domino qu’il a initié.

…vivre ses cauchemars

Le dormeur doit se réveiller, comme disait un certain prophète et la tâche s’annonce compliquée pour celui qui est rapidement comparé au fantôme nocturne d’Elm Street, Freddy Krueger, qui torture et assassine ces mêmes personnes qui l’ont déjà croisé au pays de Morphée. L’occasion de détourner les codes de l’horreur, bien connus des internautes. S’ajoute à cela une collaboration avec une marque de boisson qui tourne mal, en référence à la docu-fiction du cinéaste norvégien, Drib. Malgré une considération tardive, elle n’appartient plus à Paul, car l’image qu’il renvoie au pays des songes est devenue une malédiction dans le cauchemar qu’il vit éveillé. La désolidarisation de son entourage est aussi brusque et violente que les différentes mises à mort appliquées par la projection de Paul. Il est d’ailleurs assez frustrant de ne pas discuter davantage la réception de ces visions morbides, car la seconde partie de l’intrigue s’échine à enterrer le protagoniste sous une avalanche de haine, une étude souvent effleurée et rarement disséquée.

Il s’agit également d’un sous-texte grinçant sur le bonheur manqué, celui que l’on ne voit pas au quotidien. Pensez à La vie est belle de Frank Capra, qui n’est pas sans rappeler le mauvais rêve du personnage de Cage dans Family Man, une déclinaison du célèbre film de Noël. Mais ce sera un aller simple pour ce père de famille désaxé, incapable de satisfaire les pulsions d’une idole ou de garder le contrôle sur ses étudiants. Les lois de l’imaginaire sont plus fortes que lui et il l’apprend à ses dépens, jusqu’à ce qu’il craque pour de bon. En témoigne cette vidéo qu’il tourne en solitaire, tel un influenceur qui cherche à se racheter une conduite. Mais encore une fois, Paul n’a rien fait et Paul n’a pas grand-chose à se reprocher, si ce n’est un profond sentiment de lâcheté qui le poursuit et qu’il distribue sans le vouloir à sa femme Janet (Julianne Nicholson), perdant à la fois sa raison et sa maison.

Il a fallu les soutiens précieux de A24 et d’Ari Aster comme producteurs pour réaliser le premier rêve tourmenté de Kristoffer Borgli à Hollywood, malgré des similitudes avec le cinéma cérébral de Spike Jonze (Dans la peau de John Malkovich, Adaptation, Her). Avec un comédien à la trajectoire en dents de scie, ce rôle était forcément taillé sur-mesure pour Nicolas Cage, qui affine son jeu comme pour demander l’approbation de son public. L’ascension et la chute seront les deux seuls chapitres de son histoire, de son dream scenario. On n’avait pas vu le comédien aussi poignant émotionnellement depuis Pig, comme quoi le rôle d’outsider qui intériorise sa détresse lui va comme un gant.

Bande-annonce : Dream Scenario

Fiche technique : Dream Scenario

Réalisation et Scénario : Kristoffer Borgli
Directeur de la photographie : Benjamin Loeb
Cheffe décorateur : Zosia Mackenzie
Montage : Kristoffer Borgli
Musique originale : Owen Pallett
Costumes : Natalie Bronfman
Directeur de casting : Ellen Lewis
Producteurs : Lars Knudsen, Ari Aster, Tyler Campellone, Jacob Jaffke, Nicolas Cage
Production : A24, Square Peg TV
Pays de production : Etats-Unis
Distribution France : Metropolitan FilmExport
Durée : 1h41
Genre : Comédie, Fantastique
Date de sortie : 27 décembre 2023

Les colons, de Felipe Gálvez Haberle : des pionniers génocidaires dans le Chili du début du  XXe siècle dans un western revisité qui met à l’honneur les Indiens et la beauté sauvage de la Terre de Feu.

Synopsis :  Terre de Feu, République du Chili, 1901. Un territoire immense, fertile, que l’aristocratie blanche cherche à « civiliser ». Trois cavaliers sont engagés par un riche propriétaire terrien, José Menendez, pour déposséder les populations autochtones de leurs terres et ouvrir une route vers l’Atlantique. Sous les ordres du lieutenant MacLennan, un soldat britannique, et d’un mercenaire américain, le jeune métis chilien, Segundo, découvre le prix de la construction d’une jeune nation : celui du sang et du mensonge…

La chevauchée sauvage

Aller voir Les Colons du chilien  Felipe Gálvez Haberle sans aucun a priori et en ressortir estomaqué. Avoir été attiré par une image, une seule, qui fait penser au magnétique Jauja de l’argentin Lisandro Alonso, et être immédiatement persuadé qu’on tient là un film hors du commun.

La ressemblance avec Jauja s’avère finalement mince. Les deux films, tournés au format 1:33,  magnifient d’une manière extraordinaire leurs paysages respectifs, la Terre de feu de la Patagonie chilienne pour les Colons, la verte Pampa – pour  une partie avant que tout ne devienne minéral et gris – pour le film argentin. Pour le reste, alors que Jauja part dans le délire onirique, voire métaphysique, le chilien embrasse un genre western revisité pour narrer un pan important de l’histoire du Chili : revisité car le sauvage y est clairement le colon et non l’Indien.

Nous sommes en 1901 ; le pouvoir chilien vient de donner à des Européens la possibilité de s’accaparer des terres du sud du pays ; Jose Menéndez (le toujours excellent Alfredo Castro), un colon espagnol venant des Asturies et faisant fortune dans l’élevage ovin règne sur une grande partie de ces terres. L’histoire nous apprend que ces familles de colons du Sud seront en tout et pour tout au nombre de cinq, à régner sur des millions d’hectares. Son homme de main est le « lieutenant » britannique Alexander MacLennan (Mark Stanley), qui  ouvre le film avec une séquence où il tire sur un homme qu’il estime inutile puisque venant de perdre  sa main dans un accident. La scène est violente, mais les gesticulations grotesques de l’homme ensanglanté à terre nous arrachent un sourire, et cet humour grinçant et caustique teintera le film de loin en loin.

Menéndez ordonne à MacLennan de partir « ouvrir » la route vers l’océan pour ses moutons . Ce dernier part avec Segundo (Camilo Arancibia), un métis dont le seul mérite à ses yeux est d’être un très bon tireur. Son patron lui adjoint Bill (Benjamin Westfall), un mercenaire américain bas de plafond, tueur de Comanches, qui sait « renifler un indien à des kilomètres ». Parce  qu’ « ouvrir » une route , c’est ça : exterminer les Indiens qui se trouvent sur leur chemin, les Selknam qui sont une des ethnies peuplant la Patagonie.

Le film est divisé en de larges tableaux qui recoupent les rencontres  faites par ce trio peu aimable, mal assorti, se méprisant les uns les autres, à l’exception de Segundo. Des rencontres mettant en exergue la veulerie et la bêtise de MacLennan et de Bill. Le focus est plutôt sur Segundo, un homme taciturne qui pose le même regard accusateur que le spectateur sur les deux autres et leurs exactions. Mais c’est aussi le regard terrorisé d’un homme à moitié indien, qui a dû accepter cette  mission en craignant pour sa vie à tout instant. Les scènes d’extermination ou de viol se passent dans une pénombre et une purée épaisses, à peine les distingue-t-on quand ils lavent le sang qui les a éclaboussés. Segundo fait ce qu’il peut pour tenir les Indiens à distance de la folie meurtrière de ses « compères». Felipe Gálvez Haberle  montre très peu, mais très bien, toujours dans le cadre d’un sens esthétique exacerbé.

Si le film avait besoin d’être encore plus explicite quant à ses ambitions de rétablir la vérité sur le programme génocidaire de ces colons – noms de rues et statues à la gloire de Menéndez et ses semblables fleurissent toujours au Chili  – sa deuxième partie, se déroulant quelques années plus tard au domicile cossu du grand propriétaire, achève d’enfoncer le clou. Sous couvert de sermonner le colon, un représentant du gouvernement s’invite chez Menéndez pour maquiller la réalité des massacres, en tentant de filmer Segundo et son épouse Selknam, une survivante, en les érigeant en témoins. Tentative vaine puisqu’elle montre le peu de résistance qui est en son pouvoir, en refusant de boire le thé le petit doigt en l’air, engoncée dans la robe européenne dont on l’a attifée.

La résistance est aussi dans la caméra du cinéaste, qui réussit de manière impressionnante non seulement à contribuer au rétablissement de cette vérité taboue, de ce génocide qui à ce jour n’a jamais été reconnu comme tel, mais également à opérer un vrai geste de cinéma en détricotant avec brio et humour le genre du western tout en en gardant tous les codes (telle que la musique). Pas mal pour un premier long-métrage !

Les Colons – Bande annonce

Les Colons – Fiche technique

Titre original : Los Colonos
Réalisateur : Felipe Gálvez Haberle
Scenario : Antonia Girardi, Felipe Gálvez Haberle, en collaboration avec Mariano Llinás
Interprétation : Sam Spruell (Colonel Martin), Mark Stanley (Alexander MacLennan), Alfredo Castro (José Menéndez), Marcelo Alonso (Vicuña), Benjamin Westfall (Bill), Camilo Arancibia (Segundo), Mishell Guaña (Kiepja), Adriana Stuven (Josefina Menéndez)
Photographie : Simone D’Arcangelo
Montage Matthieu Taponier
Musique : Harry Allouche
Producteurs : Stefano Centini , Santiago Gallelli, Thierry Lenouvel, Anthony Muir, Matias Roveda, Giancarlo Nasi, Benjamín Domenech ; Coproducteurs : Fernando Bascuñán, Kristina Börjeson, Eva Jakobsen, Mikkel Jersin, Katrin Pors, Ingmar Trost
Maisons de production : Quijote Films, Rei Cine, Quiddity Films, Volos Films Co, Maisons de co-production : Film i Väst, Ciné-Sud Promotion, Cinema Inutile, Snowglobe Films, Sutor Kolonko
Distribution (France) : Sophie Dulac Distribution
Durée : 97 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 20 Décembre 2023
Chili|Argentine|Royaume-Uni|Taïwan|Allemagne|Suède|France|Danemark– 2023

Munch de Henrik Martin Dahlsbakken restitue dans un portrait diffracté tout en vibrations voluptueuses l’incandescence, la gravité folle et la mélancolie de l’artiste norvégien.

Décidément la vie d’Edvard Munch rend les cinéastes inspirés.

La Danse de la vie de Joel Peter Watkins est un chef d’œuvre indépassable arrivant à mêler des dispositifs très hétérogènes( le procédé documentaire investiguant la vie de Munch et donnant à voir de manière tactile, fébrile et sensorielle son geste pictural s’entrelaçant à un film sur l’artiste, son époque, ses fièvres existentielles autant qu’à une fiction totale) pour faire jaillir une œuvre foisonnante de 3h30, passionnante et terriblement marquante.

Munch de Henrik Martin Dahlsbakken a vu son prédécesseur. C’est sûr. C’est bien. Cela donne envie de revoir La Danse de la vie. De rester 1h30 de plus. C’est excellent. Et cela n’ôte en rien à l’incandescence et au feu de ce Munch ci, diffracté et éthéré, égaré et lucide.

Henrik Martin Dahlsbakken choisit tout en voluptés vitales et clairvoyances crâniennes la topologie Freudienne pour fabriquer le clivage scénaristique et le portrait polymorphe de l’artiste norvégien. 

Qui n’a jamais éprouvé cette dérangeante et démente sensation de ne pas se ressembler, de ne pas reconnaitre celui qu’on a été, ou plus exactement de se sentir autre à des époques de sa vie? Qui ne s’est jamais remémoré sa jeunesse en éprouvant une distanciation déstabilisante face au souvenir de «  soi-même »?

C’est sur cette sensation d’inquiétante étrangeté, universelle et désarçonnante que le réalisateur construit son axe narratif.

Nous allons suivre Munch, sa vie plurielle, son identité torturée et cohérente à travers 4 époques: sa jeunesse, sa vieillesse, scansions stables et sûres, et deux autres plus nerveuses et labiles, la vie créative jaillissante adulte à Berlin et son corollaire l’hospitalisation à Copenhague dans une clinique pour fous. 

L’audace forte du réalisateur est d’aller jusqu’au bout de cette idée que nous soyons des modalités différentes de nous-mêmes en choisissant pour les 4 époques 4 acteurs différents.

Cet éclatement des personnes restitue à merveille la fragmentation de la psychè de Munch: le jeune Munch languide et tourmenté, amoureux et mélancolique, le Munch mature de Berlin humilié, incompris et tout près de l’effondrement, le Munch de l’hôpital psychiatrique réflexif et psycho-analyste de son psy, le Munch vieillard ayant traversé toutes ces secousses, douloureux, solitaire et apaisé.

Le film se tisse sur les fréquences et vibrations émotionnelles de ces mois étrangers et pourtant identiques, enchevêtrant chacun des âges et des fragments de soi de Munch, les faisant dialoguer avec le passé et l’avenir du personnage comme cela se passe en vérité dans toute vie humaine tissée de tous nos hapax, de tous ces moments de chavirement où la vie bascule et où plus rien ne s’avère semblable

Sismographie des états d’âmes et de la vie sensible d’un homme voyant, portraits de l’artiste en homme génial et élu, Munch saisit avec profondeur, fulgurance et fièvre les angoisses et « déséquilibres spirituels » de toute vie appelée par la création. 

Quelques scènes sont ratées insistant sur la déstructuration psychique du peintre. Qu’importe lorsqu’on fait un film d’une aussi belle tenue. Sachons « sans ironie et sans sarcasme » accepter tout le maëlstrom de cette vie, de cet homme sachant regarder de toute son humanité fébrile sous les masques des êtres.

Bande-annonce : Munch

Fiche technique : Munch

De Henrik Martin Dahlsbakken
Par Mattis Herman Nyquist, Gine Cornelia Pedersen
Avec Alfred Ekker Strande, Mattis Herman Nyquist, Ola G. Furuseth
20 décembre 2023 en salle / 1h 45min / Biopic, Drame
Distributeur Kinovista

Le retour de l’homme-poisson a la lourde tâche de maintenir à flots toute une saga qui file droit vers un reboot intégral. Est-ce tout de même suffisant pour nous faire patienter jusqu’au pinacle de James Gunn chez DC ou est-ce qu’il est grand temps de noyer le poisson pour de bon ? Autant prévenir que notre avis est aussi salé que la tasse qu’Aquaman et le Royaume perdu nous a fait avaler !

Synopsis : Black Manta, toujours hanté par le désir de venger son père, est maintenant plus puissant que jamais avec le légendaire Trident Noir entre ses mains. Pour l’anéantir, Aquaman doit s’associer à son frère Orm ancien roi d’Atlantide et actuellement emprisonné. Ensemble, ils devront surmonter leurs différences pour protéger leur royaume et sauver le monde d’une destruction irréversible.

L’honneur est-il sauf après une chute libre interminable dans l’écurie super-héroïque de la Warner ? Les dernières propositions n’ont pas été encourageantes et il faudra encore attendre un petit peu pour que l’arrivée bénéfique de James Gunn soit significative. Après la désastreuse odyssée de The Flash et l’introduction anecdotique de Blue Beetle, difficile de débarquer sereinement face à ce nouvel épisode, initié et poursuivi par James Wan (parrain de la saga Saw et du Conjuring-verse). Malheureusement, le DCEU s’achève avec le même constat que l’on a pu faire pour les précédents films, sacrifiés dans un douloureux baroud d’honneur.

En pleine tempête

Aux armes ! C’est l’heure de reprendre du service pour le super-héros de l’Atlantide. N’ayez crainte si vous n’avez rien suivi jusque-là, la voix off de Jason Momoa viendra vous rafraîchir la mémoire ou trouvera le moyen de vous déprimer d’entrée de jeu. À la manière des Gardiens de la Galaxie Vol.3, ce Aquaman n’est pas directement connecté aux autres films du DCEU. De quoi repartir sur de nouvelles fondations. « Aquaman était un film d’action-aventure romantique, Aquaman 2 sera un film d’action-aventure bromance ». Selon les dires de James Wan, ce volet n’est pas non plus un prétexte pour achever Amber Heard, suite à son procès médiatique. Toutefois, nul doute que ces souvenirs remonteront à la surface, sachant que la comédienne possède un temps plus que limité à l’écran en souveraine de la cité de l’Atlantide.

Passé cette observation, il reste cette curieuse bromance qui n’est pas sans rappeler celle de Thor et Loki chez le concurrent Marvel. Cependant, avec une révision complète de la franchise, Wan joue avec ce qu’il a déjà en main, dont un Orm (Ocean Master pour les intimes) peu caractérisé et incarné, toujours campé par Patrick Wilson. Il en va de même pour toute la galerie de personnages qui l’entoure et c’est pour ces mêmes défauts que la complicité-rivalité entre les demi-frères semble bidon.

Reste le scénario comme bouée de sauvetage. Mais encore faut-il la tester avant de la mettre à l’épreuve. Sur fond de réchauffement climatique comme un enjeu ouvertement explicite, une catastrophe météorologique cause de la libération de créatures emprisonnées dans la glace. Cette menace venue du passé ne met pourtant pas nos héros en difficulté plus que ça, Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II) non plus. Avec un peu de chance, de timing par-ci par-là, entre deux punchlines qui se diluent comme deux gouttes dans l’océan, le film évacue toute notion tragédique et dramatique. Alors passez votre tour, si vous espérez du spectacle émotionnel. Au lieu de ça, c’est la chasse aux trésors à travers des mers inexplorées, mais dont certaines ressemblent à s’y méprendre à du Star Wars. Petit zoom sur cette escale dans un repaire de pirates, avec à sa tête une monstruosité des mers bien trop lisse pour faire de l’ombre à Jabba le Hutt. Si on continue dans les références, ajoutons du Seigneur des Anneaux, mais cette fois-ci avec un trident maléfique et une armée de squelettes morts-vivants. Dommage que ce soit aussi apparent, alors que l’on peut également relever du Jules Verne, de Vingt Mille lieues sous les mers à l’Île Mystérieuse. Malheureusement, malgré ces deux heures à ramer sur place, l’intrigue ne prend jamais le temps de se poser sur les nouveaux environnements qu’elle introduit.

Tonnerre de Brest

Il s’agit d’une saga qui s’est beaucoup trop reposée sur ses reshoots et ce n’est pas une information bien dissimulée par la Warner, car le film a subi maintes retouches depuis les projections tests, de plus en plus désastreuses. Si personne ne semble savoir où ça coince véritablement, le produit fini donne tout de même un aperçu du délai infernal des studios d’effets visuels. Les décors sont inachevés, à l’appel de la castagne, les mouvements paraissent moins fluides et tout ce qui nécessite l’utilisation massive de particules n’aurait pas été validé en temps normal. Ce film baigne dans la même tambouille que Black Panther : Wakanda Forever et ce faux concours de nullité est épuisant à suivre. Quand bien même on peut douter de la conjugaison de Renaud, ses paroles se révèlent pleines de sagesse au cœur de cette tempête aquatique : « c’est pas l’homme qui prend la mer, c’est la mer qui prend l’homme ».

Il a également dû manquer d’esprit critique dans la salle de montage, car ce charcutage en règle n’est point de la narration. Au mieux on se rapproche d’une succession de cases d’une bande dessinée, mais sans le panache que Gunn a eu sur The Suicide Squad par exemple. Tout cela relève du bon sens, mais la sortie expéditive de ce naufrage est une réalité punitive pour la mythique boîte de production centenaire, tout comme un certain Mickey qui n’a pas pu réaliser son vœu avec Wish.

Ces studios sont plus que jamais devenus des machines à créer de la série Z, ce qui est en décalage complet avec les promesses de cet univers qui n’a désormais plus rien de super-héroïque. Pourtant, quand les mouettes ont pied, il est temps de virer. Sans assez d’eau pour faire avancer le navire, Aquaman et le Royaume perdu s’échoue inévitablement sur l’autel de ses ambitions. Mieux vaut nager vers d’autres horizons pour éviter de se noyer dans ces eaux, à l’esthétique inutilement trouble esthétiquement et au scénario lamentablement pollué.

Bande-annonce : Aquaman et le Royame perdu

Fiche technique : Aquaman et le Royame perdu

Réalisation : James Wan
Scénario : David Leslie Johnson-McGoldrick
Direction artistique : Gary Jopling
Décors : Bill Brzeski
Costumes : Richard Sale
Photographie : Don Burgess
Montage : Kirk Morri
Musique originale : Rupert Gregson-Williams
Producteurs : Peter Safran, James Wan
Producteurs délégués : Michael Clear et Walter Hamada
Production : DC Films, The Safran Company, Atomic Monster
Pays de production : Etats-Unis
Distribution France : Warner Bros. France
Durée : 2h04
Genre : Fantastique, Action, Aventure
Date de sortie : 20 décembre 2023

Après le succès de Paddington, Paul King signe avec Wonka une nouvelle aventure familiale. En s’attachant à la jeunesse de l’extraordinaire chocolatier de l’oeuvre de Roald Dahl, le réalisateur anglais nous offre un film coloré, gourmand et réconfortant. Même si l’innovation ne coule pas vraiment à flot, Wonka se savoure sans modération.

Charlie et la Chocolaterie, roman écrit par Roald Dahl publié en 1964, a déjà été adapté au cinéma par Mel Stuart et plus récemment par Tim Burton. Ces films mettent tous deux en scène un Willy Wonka adulte, qui a fermé boutique et propose à cinq enfants chanceux, ayant mis la main sur l’un des précieux tickets d’or, de venir découvrir sa chocolaterie. Dans Wonka, Paul King adopte une autre temporalité en imaginant les débuts du célèbre chocolatier, jeune homme sans le sou mais plein de fantaisie et d’inventivité. Le film expose les défis de l’entrepreneuriat tout en composant une fable amusante, chantante et touchante.

L’entrepreneuriat : entre rêve américain et douce-amère réalité

Tout juste débarqué en ville, Willy Wonka ne possède rien. Inventeur fantasque à la tête garnie de rêves, il ne compte que sur son talent et une étrange valise dissimulant une fabrique de chocolat miniature. Désargenté, il loue une chambre à prix modique et espère s’attirer renommée, gloire et fortune au moyen de chocolats aux saveurs et aux effets tout à fait singuliers. Des chocolats qui font planer, redonnent espoir, énergie, ou replongent dans le passé. Des chocolats qui lui permettraient surtout d’ouvrir son propre magasin au sein de la prestigieuse galerie commerçante. Mais dans Wonka, le jeune génie n’agit pas que pour la célébrité. Il espère ainsi renouer avec le souvenir d’une mère disparue, dont il ne lui reste qu’une inestimable tablette de chocolat.

Confronté à des logeurs arnaqueurs, des policiers corrompus, des concurrents chocolatiers sans scrupules et un mystérieux Oompa Loompa chapardeur à la peau orange, Willy suit un parcours semé d’obstacles et de déceptions, dans un monde commercial où même la rêverie est punie d’une amende. Si toutes les plus belles choses commencent par des rêves, comme l’affirme la mère du chocolatier, il est donc loin d’être simple de les réaliser. Wonka montre alors l’entrepreneuriat comme un idéal américain, rapidement rattrapé par une réalité qui n’encourage pas le renouveau ni l’innovation. Dans cet univers figé et mercantile, un personnage brillant et un peu naïf, campé par un Timothé Chalamet plutôt convaincant, a rarement la tâche facile.

C’est ainsi grâce à l’aide de joyeux et fidèles camarades que Willy Wonka obtient une chance de réussir son entreprise.  Assisté par une jeune orpheline pleine de ressources, un comique ou encore une opératrice de téléphonie, le magicien chocolatier s’emploie à faire fondre un système entier de monopole chocolatier.

Un conte familial au coeur tendre

En cette période de Noël, Wonka, avec son histoire émouvante, ses décors chatoyants et ses chansons agréables, jamais entêtantes, se laisse volontiers déguster sous un plaid avec une bonne boisson chaude. Bon divertissement, il rappelle également l’importance de la générosité, de l’entraide, du partage, à l’heure d’une société trop souvent individualiste et matérialiste. En effet, le jeune Willy n’hésite pas à donner son dernier florin à une femme dans le besoin ou à faire des sacrifices pour sauver ses amis.

Malheureusement, le film conserve un traitement relativement classique. Wonka s’épanouit entre le conte féérique et la comédie musicale sans prendre de véritable risque créatif. Si l’innovation, l’imagination demeurent des traits d’esprit essentiels à Willy, ils ne ressortent pas vraiment dans ce film un peu lisse. Si l’univers de Paul King ne saurait se comparer à celui de Tim Burton, une touche de fantaisie ou de folie aurait donné au film un brin d’originalité.

Wonka – Bande-annonce

Wonka – Fiche technique

Réalisation : Paul King
Scénario : Paul King, Simon Farnaby, Simon Rich
Casting : Timothée Chalamet (Willy Wonka), Calah Lane (Noodle), Sally Hawkins (la mère de Willy), Rowan Atkinson (père Julius), Hugh Grant (Oompa Loompa)…
Musique : Joby Talbot
Photographie : Chung-Hoon Chung
Montage : Mark Everson
Producteurs : David Heyman, Alexandra Ferguson-Derbyshire, Luke Kelly
Société de production : Warner Bros.
Société de distribution : Warner Bros. France
Genre : aventure, fantastique
Durée : 1h57
Etats-Unis – Sortie France le 13 décembre 2023

Se faire pousser des ailes, c’est ce qui a permis aux volailles d’un élevage dictatorial de gagner leur liberté dans Chicken Run. L’appétit vorace des humains écourte pourtant cette douce utopie et une nouvelle confrontation semble inévitable. Les poulets contre-attaquent de nouveau et ça se passe sur Netflix ! Que reste-t-il de cette vigueur 23 ans après la célébration du premier opus ?

Synopsis : Face aux manigances suspectes de la ferme voisine, une bande de poulets audacieux se fédère pour se protéger d’une nouvelle et inquiétante menace… au risque d’y perdre quelques plumes.

Après avoir réussi La Grande Evasion, le studio Aardman n’as pas dit son dernier mot. La maison mère des séries animées Wallace et Gromit et Shaun le mouton s’était autrefois alliée à l’expérience de DreamWorks pour mettre en chantier Chicken Run, l’évasion iconique de ce début de siècle. Une suite n’a été que récemment envisagée pour relancer la machine à pâte à modeler, car la technique d’animation du studio anglais reste le stop-motion. Ce savoir-faire du plan par plan propulse Sam Fell comme l’artisan de confiance pour des œuvres notables (Souris City, L’Étrange Pouvoir de Norman). S’il est encore difficile de conquérir le public en salle avec un tel argument esthétique, exception faite de la surprise Marcel le coquillage (avec ses chaussures) de Dean Fleischer-Camp, mélangeant animation en volume et prises de vues réelles, on ne peut reprocher le souci de perfection visuelle qui nous en met plein les mirettes.

Quand les poules aux œufs dorment

Passé un double récapitulatif clipesque, nous retrouvons la même bande de poulettes, aux côtés de deux coqs qui n’ont pas fini de se prendre le bec. C’est au beau milieu d’une oasis utopique que la jeune Molly est en proie aux activités routinières. Cocorico, tricot, dodo. Il s’agit pourtant d’une liberté durement acquise par les anciennes captives de la ferme Tweedy. C’est une chose que Ginger et Rocky ont bien du mal à transmettre à leur enfant, aussi rebelle que son père et aussi déterminé que sa mère. Le calcul est vite fait. Il suffit qu’un convoi étrange passe non loin de leur habitat pour que Molly s’engage dans une aventure en solitaire. S’ensuit une mission de sauvetage initiée par une famille inquiète et qui les amène tous vers un complexe à la pointe de la technologie, où on y fait de tendres et délicieux nuggets de poulet.

Tous les feux étaient au vert pour nous rassurer, en attendant de retrouver le poulailler le plus loufoque d’Angleterre. Hélas, difficile de ne pas voir venir les grandes ficelles scénaristiques, tirées l’une après l’autre et sans grande conviction. À partir de là, le film ne semble plus rien proposer d’innovant et puise dans des références outrancières, dignes de la troupe d’Ocean’s Eleven, de la force Mission Impossible ou des premières missions de l’agent 007. Les films d’évasion et de casse partagent globalement la même structure narrative. Pourtant, côté animation, Toy Story 3 était parvenu à transformer l’essai grâce aux énergumènes qui composaient la garderie Sunnyside.

Nid-de-poule en vue

À force de multiplier les péripéties, il reste peu de temps pour développer toute la galerie de personnages, afin de trouver la bonne alchimie. Cela n’aurait pas été un grief conséquent si la mise en scène parvenait à être captivante et innovante. Le compositeur Harry Gregson-Williams, sans John Powell pour l’épauler, ne parvient pas non plus à compenser ce manque d’inspiration. Ni la tension, ni l’humour ne sont entretenus comme il se doit. Avec une technique d’animation unique, ce vaudeville manque de tirer parti de ses gags essentiellement visuels. Seul le recyclage des objets du quotidien comme gadgets à forcer les serrures ou à tromper la vigilance des caméras permet une lecture écologique assez maline. Une idée que le scénariste des deux Chicken Run, Karey Kirkpatrick, a su mettre à profit dans Nos voisins, les hommes. Mais au lieu de chercher à cohabiter (une configuration impossible avec le retour de la cruelle madame Tweedy), c’est un jeu de celui qui parviendra à manger l’autre en premier qui commence.

Après avoir survécus à quelques pirouettes, les poulets doivent résister à la machine de la surconsommation, les fast-foods étant les premiers ciblés dans cette affaire. Il ne s’agit pas d’en faire un procès à la Super Size Me 2 : Holy Chicken, mais simplement d’offrir une nouvelle perspective aux jeunes spectateurs, en remontant la chaîne de production jusqu’à la source. Le message a l’air d’être assez clair, mais pas de quoi nous donner la chair de poule pour autant. Les tons grisâtres et boueuses du premier film sont remplacés par une explosion de couleurs, notamment lorsque l’on découvre cette prison artificielle pour volailles. Tout est filmé à plat, sans saveur ni virtuosité. Au même moment, Molly disparaît de l’intrigue, de même pour les nouvelles têtes qui l’accompagnent. Ginger et Rocky tiennent le devant de la scène, mais on peut également regretter l’absence du casting vocal original (Mel Gibson et Julia Sawalha), car le ton n’y est pas. L’alchimie n’est plus et l’émerveillement semble bien avoir disparu.

Plus un divertissement occasionnel qu’un événement à célébrer en famille, Chicken Run : La Menace Nuggets se dévore sur le pouce, tel un fast-food. À la fin de ce repas visuel, le goût n’y est plus et les pupilles sont aussi graisseuses que les poulets frits que l’on a encouragé une heure et demie durant. Sans prises de risques, a contrario de ce que Shaun le Mouton Le Film : La ferme contre-attaque nous a permis de découvrir, le verdict est sans appel. Nous avons affaire à un récit malheureusement convenu et au burlesque tout en retenu. Pour un morceau plus croustillant, appétissant et mémorable, il faut remonter à l’époque où Nick Park et Peter Lord nous récompensaient d’une folle aventure d’émancipation, maintes fois imitée et jamais égalée.

Bande-annonce : Chicken Run – La Menace nuggets

Fiche technique : Chicken Run – La Menace nuggets

Titre original : Chicken Run – Dawn of the Nugget
Réalisation : Sam Fell
Scénario : Karey Kirkpatrick, John O’Farrell, Rachel Tunnard
Directeur de la photographie : Charles Copping
Montage : Sim Evan-Jones, Stephen Perkins
Décors : Darren Dubicki
Direction artistique : Matt Perry, Sarah Hauldren, Richard Edmunds
Musique originale : Harry Gregson-Williams
Producteurs : Steve Pegram, Leyla Hobart
Production : Aardman Animations, StudioCanal, Pathé Films
Pays de production : France, Royaume-Uni, Etas-Unis
Distribution France : Netflix
Durée : 1h41
Genre : Animation, Comédie, Famille
Date de sortie : 15 décembre 2023 (sur Netflix)