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Dans son ouvrage graphique L’Île où le roi n’existe pas, publié par les éditions Bamboo, Raphaël Drommelschlager offre une exploration subtile et nuancée des thèmes de l’accomplissement personnel et du rêve face à la réalité. À travers le personnage de Max, un libraire aspirant à une vie au-delà des contraintes quotidiennes, l’auteur charpente une trame narrative riche en symbolisme et en introspection.

Max est un libraire introverti, célibataire et solitaire, confronté à l’absence de clients dans son commerce. Ainsi, au début du récit, une matinée entière s’écoule sans que personne mette les pieds dans sa librairie… Son ami Gus, qui ne tourne pas autour du pot, ne manque pas de lui rappeler cette problématique des plus contemporaines : la lutte des commerces traditionnels face aux géants numériques, incarnés par des plateformes telles qu’Amazon. Mais l’économie du secteur du livre n’est pas tout à fait le sujet de L’Île où le roi n’existe pas. Ses enjeux sont plutôt à chercher dans le nom de la librairie de Max : Le Grand Départ.

Ancien grand rêveur, toujours doué d’une vie intérieure riche, Max s’est enraciné dans un quotidien qui semble le satisfaire. Mais cette façade masque en réalité une aspiration à une vie plus significative, loin de l’immobilisme et de la monotonie dans laquelle il s’est encastré. Sa librairie, ainsi que sa relation avec son chat et ses proches, notamment Camille, offrent une fenêtre sur sa perception de la société humaine, marquée par une certaine distanciation et un désir d’évasion qui va se matérialiser au moment où sa librairie part en fumée. Raphaël Drommelschlager intègre dans son histoire une comparaison pertinente avec le James Stewart de Fenêtre sur cour : les deux hommes observent passivement le monde, renforçant un sentiment d’aliénation.

Max déclare avoir « jeté l’ancre dans un océan de livres ». Il vend des ouvrages sur le tourisme sans jamais quitter son quartier. « Je vais vivre ma journée dans la folle société des hommes », annonce-t-il à son chat, le matin, juste avant de partir travailler. Son rapport au monde est complexe et une rencontre avec son « moi » d’enfance en atteste amplement. Cette introspection brutale met en lumière l’évolution de Max, passant d’une jeunesse pleine d’utopies à un présent marqué par l’angoisse et le manque de passion. Ce dialogue intérieur agit comme un catalyseur pour une réévaluation de sa vie.

Le thème central de l’œuvre est la quête de l’accomplissement personnel. Max, à travers ses expériences et ses rencontres, explore les possibilités d’une vie au-delà des limites imposées par la société. Le voyage de Max (« Vous êtes revenu dans le décor du passé mais en tant que adulte ») est une invitation à la réflexion sur nos propres aspirations et rêves, avant que l’incendie ne lui permette de faire table rase de son quotidien pour s’échapper et s’épanouir.

L’Île où le roi n’existe pas est une œuvre poétique, joliment illustrée, et profondément humaine. Raphaël Drommelschlager réussit à capturer, avec finesse et sensibilité, les tourments et les aspirations de l’homme moderne. L’album se présente, au-delà de ses aspects critiques, comme un hymne à la poursuite des rêves et à l’importance de l’accomplissement personnel.

L’Île où le roi n’existe pas, Raphaël Drommelschlager
Bamboo, janvier 2024, 96 pages

Drôle et piquant, Le Tatouage mais avec humour, anthologie éditée par Fluide Glacial, met à l’œuvre une pléiade d’auteurs de renom tels que Boucq, Margerin et Zidrou, qui s’amusent à explorer avec esprit le tatouage, forme d’art propice à une liberté créative débridée.

Visuels, le tatouage et la bande dessinée ont toujours flirté, en ce sens qu’ils ont longtemps évolué en marge des arts traditionnels. Cet album collectif consolide cette fraternité artistique avec un esprit espiègle. Les premières pages déroulent une brève histoire du tatouage, un périple allant des aborigènes aux bikers, en passant par les marins et les conservatismes petits-bourgeois. Le livre ose même imaginer le pape rêvant de tatouer la chapelle Sixtine sur sa peau, sans prendre la mesure que son corps frêle ne permet qu’un insert insignifiant. Ces récits, et cela constituera la règle, sont ponctués de clins d’œil humoristiques, tissant un récit souvent mâtiné d’absurde.

Le Tatouage mais avec humour se distingue par une série de caricatures et de situations décalées. On y retrouve des tatouages mal placés, des erreurs hilarantes et des remplacements improbables de prénoms. Des planches variées, oscillant entre noir et blanc et couleurs vives, illustrent ces anecdotes avec une diversité visuelle frappante. À travers son humour, l’album touche parfois à une critique sociale subtile. Il questionne par exemple le tatouage en tant que symbole d’identité dans un monde où il devient banal, perdant de sa singularité.

Parmi les tatouages les plus insolites, on retrouve des listes de courses, un « No Future » inscrit sur le bras d’un malade condamné ou encore ces plans à la Prison Break. Ce n’est pas la seule référence à la culture populaire, puisque Star Wars, par exemple, se verra explicitement cité. Jeunes désireux de s’affirmer, vieux encore « dans le coup », motards plus sympas qu’il n’y paraît, devinette façon La Cité de la peur (ODIL_), l’album de Fluide Glacial comporte de nombreux gags et personnages permettant de porter un regard amusé sur cette pratique de plus en plus répandue (une personne sur cinq serait actuellement tatouée en France).

Le Tatouage mais avec humour fait la part belle à une imagination débordante et offre autant de situations cocasses qu’il n’y a de récits. Qu’ils se déploient sur une ou plusieurs planches, ou qu’ils se cantonnent à un dessin unique, ces derniers devraient trouver leur public parmi les amateurs d’humour et… de tatouages, prouvant une fois de plus que l’encre, qu’elle soit sur papier ou sur peau, est un puissant vecteur d’expression.

Le Tatouage mais avec humour, collectif
Fluide Glacial, janvier 2024, 64 pages

Les éditions Glénat publient le premier tome du diptyque Au cœur de la Terre, de Jean-David Morvan et Rafael Ortiz. Deux hommes y sont confrontés à un monde inconnu et hostile.

Dans ce premier tome d’Au cœur de la Terre, le courageux David Innes et son compagnon de fortune, le professeur Abner Perry, atteignent à l’aide d’une machine de forage révolutionnaire le monde souterrain et inexploré de Pellucidar. Sis sous des centaines de kilomètres de croûte terrestre, ce territoire bénéficie d’un « soleil » qui ne se couche jamais et est peuplé de créatures préhistoriques qui ont évolué selon leur logique propre.

À l’époque de la publication du roman d’Edgar Rice Burroughs, le monde était en pleine mutation. La science et la technologie évoluaient à un rythme sans précédent et alimentaient l’imagination des auteurs, de Jules Verne à H.G. Wells. Comme eux, l’auteur américain, prophète en son pays mais moins célébré en France, excelle dans l’art de mêler réalité scientifique et fiction.

Après le succès retentissant de sa série Tarzan, Burroughs s’oriente vers un univers moins conventionnel, exploitant la fascination de l’époque pour les mondes perdus et inexplorés. Cela lui permet d’explorer des thèmes variés, allant de l’aventure à la critique sociale. L’exploration de Pellucidar est une métaphore de la découverte de soi et des limites de la connaissance humaine. La confrontation entre la technologie et un monde primitif soulève des questions sur le progrès et la nature humaine. Le romancier utilise également ce cadre pour examiner des thèmes comme la domination, la liberté et l’unité face à l’adversité.

Jean-David Morvan et Rafael Ortiz, respectivement scénariste et illustrateur, s’approprient le roman pour en faire un diptyque graphique dont le premier tome est assez convaincant. David Innes, protagoniste principal, y symbolise l’audace et l’esprit d’aventure, tandis que son acolyte Perry représente plutôt la connaissance et la sagesse, souvent en contraste avec l’impulsivité de son ami. Le rendu des détails, les paysages vertigineux, la ronde de créatures imaginatives questionnant le darwinisme donnent un allant visuel très engageant à l’ensemble.

Une grande partie de ce premier tome repose sur l’exposition : des personnages, des lieux, des enjeux. La rencontre avec Diann, une indigène issue de la noblesse et solidaire des deux protagonistes, instaure une nouvelle dynamique au récit, qui dévoile en parallèle l’organisation plus structurée qu’il n’y paraît de ce monde inconnu et hostile. Pellucidar, avec son ciel éternellement lumineux et sa faune préhistorique, constitue un personnage à part entière. Chaque région du monde souterrain possède une identité distincte.

L’influence de Jules Verne, et notamment de son œuvre Voyage au centre de la Terre, est palpable dans le récit de Burroughs. Cependant, là où l’écrivain français privilégie l’exploration scientifique, l’Américain se concentre sur l’aventure et la survie, deux dimensions qui forment par conséquent l’essence de ce premier tome. Au-delà de ça, Au cœur de la Terre offre une méditation sur les concepts de temps et d’espace. Le monde de Pellucidar, avec son soleil perpétuel, invite à une réflexion sur sa nature relative et son influence sur la psychologie humaine. Un creuset qui devrait alimenter la suite de ce diptyque.

Au cœur de la Terre, Jean-David Morvan et Rafael Ortiz
Glénat, janvier 2024, 64 pages

Les éditions Glénat publient Bobigny 1972, de Marie Bardiaux-Vaïente et Carole Maurel. Elles y narrent l’affaire Marie-Claire Chevalier, du nom d’une jeune femme de 16 ans traduite en justice pour avoir avorté clandestinement de l’enfant de son violeur.

La vie de Marie-Claire Chevalier a pris un tournant tragique lorsqu’elle a été victime d’un viol à l’âge de 16 ans. Cette expérience traumatisante a été exacerbée par la découverte, quelques semaines plus tard, de la grossesse qui en a résulté. Démunie, déshonorée, craignant d’être traînée dans la boue si elle révélait son histoire, la jeune femme n’a eu d’autre choix que de recourir à un avortement clandestin, avec l’aide bienveillante de sa maman. C’est cette affaire douloureuse qui a été jugée à Bobigny en 1972, dans un contexte particulier où la loi, rétrograde, tendait de plus en plus à s’écarter des réalités sociales et des combats féministes.

Les auteures rappellent très bien les événements qui ont entouré ce procès. L’appel des 343, publié dans le magazine Le Nouvel Observateur en 1971, voyait des dizaines de célébrités déclarer avoir eu recours à l’avortement, un acte alors illégal et parfois lourdement condamné. Parmi les signataires de ce manifeste controversé figuraient Simone de Beauvoir, Catherine Deneuve et Gisèle Halimi. C’est précisément cette dernière qui va prendre en charge la défense de Marie-Claire Chevalier en 1972, quelques années à peine avant la promulgation de la loi Veil, qui visait à mettre (enfin) la loi en adéquation avec son temps. Car l’avortement était alors amplement pratiqué, l’émancipation des femmes passait par le désir de gérer elles-mêmes leur maternité et la justice sociale ne tolérait plus que les riches puissent subir des interruptions de grossesse à l’étranger quand les plus modestes étaient convoquées devant les tribunaux pour les mêmes actes.

Tous ces phénomènes transparaissent clairement dans Bobigny 1972. Confrontée à une grossesse non désirée et aux stigmates sociaux associés, Marie-Claire Chevalier a pris la décision difficile de subir un avortement, réalisé dans des conditions clandestines et risquées. Peu après, elle a été dénoncée à la police, ce qui a mené à son arrestation ainsi qu’à celle de sa mère et de la praticienne qui a réalisé l’avortement. Mais ce qu’on juge dépasse de loin cette seule affaire : c’est une justice désuète, écrite et dispensée par les hommes, pénalisant les femmes et les pauvres, qui fait l’objet de l’attention de Marie Bardiaux-Vaïente et Carole Maurel, qui ne manquent pas de faire état des convictions de l’avocate de la défense en la matière.

Au cours du procès, Gisèle Halimi (dont l’enfance a récemment été racontée en bande dessinée aux éditions Delcourt) a non seulement plaidé pour l’acquittement de sa cliente mais a également utilisé la tribune qui lui était offerte pour critiquer la législation française sur l’avortement et mettre en lumière les difficultés et les injustices auxquelles les femmes étaient confrontées. Le procès a attiré une attention médiatique considérable et a suscité un débat national sur l’avortement. Les témoignages du député Rocard ou du professeur Monod, présents parmi d’autres dans l’album, appuient cette lecture critique des faits législatifs et judiciaires. La détresse de Marie-Claire Chevalier est double, puisqu’au viol s’ajoute le jugement, dans une continuité parfaitement ordonnée de masculinité toxique et d’impuissance féminine.

Alternant le présent fictionnel (le procès) et les flashbacks (le viol, notamment) avec des codes associés (pages jaunies ou non, pointillisme, etc.), Bobigny 1972 comporte plusieurs séquences mémorables. Parmi elles : la perquisition matinale et hâtée des Chevalier, les révélations tardives et poignantes faites par Marie-Claire à sa mère et surtout cette agression sexuelle glaçante, qui n’est pas sans rappeler ce que Maran Hrachyan mettait déjà en vignettes dans le roman graphique Une nuit avec toi, paru également aux éditions Glénat, en septembre. Ainsi, de par son intérêt historique et son souffle dramatique, cet album passionnant constitue l’une des belles surprises de ce début d’année. Il permet de resituer le combat pour l’avortement dans son contexte français originel et de faire état de son urgence perpétuelle, alors même que certains, à l’instar du nouveau président argentin Javier Milei, aimeraient en revoir les modalités.

Bobigny 1972, Marie Bardiaux-Vaïente et Carole Maurel
Glénat, janvier 2024, 192 pages

Jean-Yves Delitte, scénariste et dessinateur, clôt son diptyque La Buse aux éditions Glénat. Il nous offre une immersion dans l’univers tumultueux et captivant de la piraterie du XVIIIe siècle.

Dans le premier tome de La Buse, Jean-Yves Delitte posait les bases de son histoire. Le contexte historique de la fin du XVIIe siècle, marqué par une recrudescence de la piraterie, était rappelé et servait d’écrin aux aventures de ses forbans. Le récit s’attachait à dépeindre les « prouesses » de La Buse, mais aussi à explorer les motivations et les tourments de ses compagnons, tels que La Mouche et le Breton.

Le tome 2 prolonge l’aventure, Delitte y narrant les péripéties postérieures au succès de La Buse dans la capture d’un vaisseau portugais regorgeant de trésors. Le cœur de cet album repose sur une bataille navale grandiose, mettant aux prises les pirates de La Buse et un navire anglais résolu. Dans un style graphique éblouissant, dont il nous a habitués en qualité de dessinateur officiel de la Marine, Delitte parvient à nous transporter au cœur de l’affrontement, illustrant avec un réalisme saisissant les ravages causés par les combats sur les hommes et les navires.

Le récit s’articule évidemment autour de la figure emblématique de La Buse, un pirate dont le destin hors du commun est habilement relaté. « Trop de richesse, c’est comme l’ivresse, cela finit toujours par apporter des ennuis… », lit-on en guise d’avertissement, tandis que l’idée d’un partage germe dans l’esprit des pirates. « Je ne vais plus me battre pour poursuivre une quête qui est devenue une folie ! », prévient un protagoniste, soulignant l’envie de rejoindre sa famille.

Si les doubles pages témoignent amplement de la maestria de Jean-Yves Delitte, on appréciera aussi les éléments sur l’expansion du commerce aux Indes (de nombreux engagements se terminent en tragédies…) ou une caractérisation des pirates parfois réalisée au détour d’une posture ou d’une tirade. On peut par exemple citer le cas de la misogynie avec cette description des mystifications de Taylor : « Il est aussi droit qu’une femelle. »

Avec « Pour l’éternité », Jean-Yves Delitte confirme son statut de maître dans le genre de la bande dessinée maritime. Alliant une narration prenante à des illustrations grandioses, ce deuxième tome ravira les passionnés d’histoires de pirates et de récits maritimes. L’auteur et dessinateur belge nous offre, au travers de ce récit, une fenêtre sur une époque révolue, pleine de bravoure, de trahisons, et de quêtes de trésors, capturant avec brio l’essence même de la vie des pirates.

La Buse : Pour l’éternité, Jean-Yves Delitte
Glénat, novembre 2023, 48 pages

Dans Entre deux gares, Sébastien Samson, professeur d’arts plastiques et auteur de bandes dessinées, tisse un récit poétique et introspectif, où se mêlent réalité et fantaisie, introspection et critique sociale. Ce récit graphique édité par La Boîte à bulles se déploie comme un voyage dans le temps et l’espace, explorant les contrastes entre la ruralité et l’urbanité, l’enfance et l’âge adulte, l’ambition et la nostalgie.

La couverture d’Entre deux gares ne saurait être plus symbolique : un enfant marche sur une voie ferrée, quittant un passage à niveau rural pour se diriger vers un « ailleurs » qu’on imagine plus urbain et animé. Le petit village retiré de Sébastien est rythmé par le passage très occasionnel des trains. Cette vie simple, loin des tumultes des grandes villes, est dépeinte avec une tendresse mélancolique. L’un des fondements de ce roman graphique autobiographique consiste en effet à se reconnecter à ce passé oublié.

Adulte, Sébastien s’envole pour New York, afin d’y réaliser une tournée promotionnelle dont il craint que les recettes de son livre ne suffisent pas à couvrir les frais. C’est au cours de ce voyage presque inespéré qu’il effectue un travail d’introspection et se décide à renouer avec une enfance rurale que le recul pousse à envisager avec tendresse. Son retour dans son village natal est un moment-clé du récit. Il redécouvre les lieux de son enfance, un monde à la fois immuable et transformé par le temps. Cette partie du récit est marquée par un échange imaginaire entre Sébastien adulte et son moi enfant, un dialogue intime qui lui permet de revisiter et de réévaluer son passé, éclairé par les confidences de ses parents.

Dans Entre deux gares, Sébastien Samson ne se contente pas de narrer une histoire personnelle ; il dresse aussi un tableau poignant de la France rurale contemporaine. La désertion du centre-ville de Loudun, la fermeture des commerces, des bars ou des bureaux de poste, la désindustrialisation latente reflètent une réalité sociale plus large, celle de la France périphérique telle que décrite par le géographe Christophe Guilluy. C’est devant le spectacle de cette ruralité qui se meurt que l’auteur est pris de nostalgie pour une enfance douce, malgré des conditions économiques pas toujours enviables – sur lesquelles l’album revient volontiers. Sébastien Samson regrette ce « pays d’oubli », malmené, privé de vie, et « plus encore depuis que le train s’est définitivement fait la malle ».

Histoire géographique et familiale, Entre deux gares ne pouvait taire la passion naissante de Sébastien pour la bande dessinée, décrite comme une révélation presque instinctive. Quand il découvre la magie des bulles, le jeune garçon cherche à les mémoriser, à les faire siennes, puis à se familiariser avec les techniques de dessin. Mine de rien, à travers tous ces aspects, le scénariste et dessinateur se livre beaucoup, avec pudeur et justesse. Ses planches alternent entre des scènes trichromes et d’autres vivement colorées, en fonction de la temporalité adoptée, ce qui tend à accentuer le côté poétique de l’album.

Entre deux gares est une oeuvre introspective et critique, qui allie habilement le personnel et le social. Sébastien Samson offre un miroir à une société en mutation, tout en révélant la richesse cachée de ses origines modestes. Cette oeuvre est un témoignage touchant de la quête d’identité et du sens de la vie, qui devrait résonner auprès d’un large éventail de lecteurs.

Entre deux gares, Sébastien Samson
La Boîte à bulles, janvier 2024, 144 pages