La Grande évasion : l’évasion comme un devoir moral

En réalisant La Grande évasion, d’après un fait authentique, John Sturges signe un des films de guerre marquants du cinéma hollywoodien des années 60, avec un casting parmi les plus remarquables.

1963. Après le succès international des Sept Mercenaires, l’équipe qui avait produit, réalisé et interprété le western se réunit à nouveau. On retrouve Steve McQueen, Charles Bronson et James Coburn dans la distribution, Elmer Bernstein à la musique, et le grand John Sturges à la réalisation. Et on retrouve ici les qualités déjà présentes dans Les Sept Mercenaires.

Cela commence par la musique, une marche militaire entraînante et joyeuse qui reste en tête longtemps après avoir vu La Grande évasion. Bien entendu, l’interprétation est formidable. Steve McQueen joue à fond sur son image « cool » : blouson de cuir, gant de base-ball à la main, s’amusant à lancer la balle pour passer le temps quand il est au trou, et surtout devenant carrément iconique en enfourchant sa moto. A ses côtés, outre ses camarades des Sept Mercenaires, on trouve un casting anglo-américain de toute beauté : Richard Attenborough en cerveau des évasions, Donald Pleasance, David McCallum, Gordon Jackson, James Garner et même Angus Lennie, moins connu que les autres mais inoubliable lorsque l’on a vu le film.

Et à la tête de tout ce beau monde, John Sturges est au meilleur de sa forme. Son sens du rythme est sans faille : il parvient à faire un film de près de trois heures sans le moindre temps mort, en alternant savamment scènes d’action, suspense, drame et même humour. Car La Grande évasion réserve quelques scènes très drôles, comme cette célébration du 4 juillet par les détenus américains, avec distribution d’un tord-boyau de fabrication artisanale.

Une des autres grandes qualités de la réalisation réside aussi dans l’organisation spatiale du film. Dès la scène d’ouverture, nous faisons un tour du camp de prisonniers où se déroulera une partie importante du long métrage. Jamais le spectateur n’est perdu dans les multiples recoins du camp, et chaque espace est utilisé à un moment ou à un autre : les dortoirs bien sûr, le bureau du directeur, mais aussi les jardins, les barbelés, les miradors… Avec une efficacité souveraine, Sturges ne laisse rien au hasard : tout ce qu’il montre est nécessaire à l’action.

Depuis la fin des années 50, le cinéma propose des films de guerre à grand spectacle avec casting foisonnant : Le Pont de la rivière Kwai, de David Lean, Le Jour le plus long (signé par plusieurs réalisateurs, parmi lesquels l’Allemand Bernhard Wicki et l’Américain Andrew Marton) ou Les Canons de Navarone, de Jack Lee Thompson. D’un certain côté, La Grande évasion s’inscrit dans cette mode qui durera un long moment. De plus, La Grande évasion se présente comme l’adaptation d’un fait authentique (même s’il a été fortement remanié pour le film).

Et cependant le film se démarque des réalisations habituelles sur la Seconde Guerre mondiale. Se déroulant en immense partie dans un camp de prisonniers, il prend ainsi un soin particulier à ne pas jouer dans la même cour que le film à succès de David Lean. Ici, on ne pose pas trop de réflexions sur les accords de Genève et les protections dont pourraient bénéficier les prisonniers. Dès le début, le ton est donné : dès qu’ils débarquent dans le camp, les prisonniers cherchent la moindre faille dans la sécurité, le moindre petit angle mort dans la surveillance des miradors, la fragilité de la palissade, etc. Il faut dire que les prisonniers réunis ici sont tous des pros de l’évasion, et que le camp a été conçu et fabriqué spécialement pour eux.

Or, pour ces hommes, l’évasion n’est pas seulement une question de liberté : c’est une obligation morale. Très vite les enjeux sont fixés : pour tout officier emprisonné, le devoir est de chercher à s’évader de toutes les façons possibles. C’est bel et bien une question d’honneur, de devoir moral. L’évasion, c’est la continuation de la guerre par d’autres moyens. Et si La Grande évasion ne nous propose pas de grandes scènes de combat, si l’on n’y voit aucun tank, s’il évite toute l’artillerie lourde des films de guerre traditionnels, il appartient pourtant pleinement à ce genre.

Cela lui confère une sorte de recul par rapport aux événements (ce qui permet l’humour), mais cela n’empêche pas Sturges de nous offrir un film spectaculaire et passionnant.

Synopsis : 1943. Des prisonniers, ayant tous pour point commun de s’être déjà évadé d’un camp allemand, sont réunis dans un camp spécial d’où toute évasion serait impossible. Ce qui ne les empêche pas d’essayer…

La Grande évasion : bande annonce

https://www.youtube.com/watch?v=svDSVgrw7B8

La Grande évasion : fiche technique

Titre original : The Great Escape
Réalisation : John Sturges
Scénario : James Clavell, W. R. Burnett
Interprètes : Steve McQueen (Hilts), James Garner (Hendley), Richard Attenborough (Bartlett), Charles Bronson (Danny), Donald Pleasence (Blythe), James Coburn (Sedgwick), David McCallum (Ashley-Pitt), Gordon Jackson (MacDonald), Angus Lennie (Ives)
Photographie : Daniel L. Fapp
Montage : Ferris Webster
Musique : Elmer Bernstein
Production : John Sturges, James Clavell
Société de production : The Mirisch Company
Société de distribution : United Artists
Date de sortie en France : 11 septembre 1963
Genre : guerre
Durée : 172 minutes

États-Unis – 1963

Note des lecteurs1 Note
4.5

Festival

Reims Polar 2026 : Mata, l’ombre du contrôle

Présenté en clôture de la 6e édition de Reims Polar, "Mata" est le film le plus ambitieux de Rachel Lang — et peut-être le plus frustrant. Un thriller d'espionnage à la française, anti-spectaculaire et introspectif, porté par une Eye Haïdara à contre-emploi, qui cherche sa radicalité sans toujours la trouver.

Reims Polar 2026 : Sons of the neon night, un champ de bataille sans stratège

Reims Polar a le chic pour dénicher les objets cinématographiques qui résistent — ceux qui ne rentrent pas tout à fait dans les cases, qui portent en eux quelque chose d'inachevé ou d'excessif, et dont la programmation constitue en soi une invitation à débattre. "Sons of the Neon Night" y trouve naturellement sa place. Présenté en séance de minuit à Cannes en 2025, ce polar hongkongais de Juno Mak a fait parler de lui autant pour son ambition visuelle démesurée que pour ses failles narratives béantes.

Reims Polar 2026 : Morte Cucina, la vengeance est un plat qui se dévore sans modération

En compétition Sang Neuf au festival Reims Polar, "Morte Cucina" du thaïlandais Pen-ek Ratanaruang suit Sao, cuisinière d'exception marquée par un viol commis dans son adolescence, qui retrouve par hasard son agresseur des années plus tard à Bangkok. Entre thriller culinaire et drame de la résilience, le film use de la nourriture comme arme et comme langage, avec plus d'intentions que de tranchant.

Reims Polar 2026 : Mi Amor, noyé dans le bruit

Ce jeudi 2 avril au soir, l’impériale Cécile Maistre-Chabrol a remis le Prix Claude Chabrol à Thomas Ngijol pour "Indomptables", polar camerounais dans lequel le réalisateur-acteur réussit une mue radicale et convaincante — quitter la comédie pour plonger dans un thriller âpre, ancré dans la réalité de Yaoundé, entre enquête policière et portrait d'une paternité qui déraille. Une belle soirée pour le genre, achevée par Guillaume Nicloux et son nouveau film, "Mi Amor". Le contraste est cruel, d'autant plus piquant que Nicloux n'est pas un inconnu des festivals de polar. Il s’était déjà fait connaître au Festival du Film Policier de Cognac, ancêtre direct de Reims Polar, avec Une affaire privée. Et ce film-là racontait déjà... une disparition de jeune femme.

Newsletter

À ne pas manquer

Wedding Nightmare : Deuxième partie – Battle of the ring

En apparence, ce "Wedding Nightmare : Deuxième partie" promettait d'être une suite qui se démarque de la surexploitation des studios. Le film de Matt Bettinelli-Olpin et de Tyler Gillett s’inscrit pourtant dans cette triste réalité, après un premier volet qui avait su encapsuler tout le plaisir régressif d'une série B, avec ce qu'il faut de suspense, d'effusion de sang et de maladresse calculée pour que le spectateur s'amuse ludiquement dans une partie de cache-cache à mort.

Pour Klára : mange, existe, aime

Cinquième long métrage du Slovène Olmo Omerzu, "Pour Klára" embarque une famille décomposée sur les rivages ensoleillés de l'Adriatique pour mieux l'observer se noyer à sec. Un drame familial d'une subtilité redoutable, porté par un regard qui n'accuse personne — et qui, du coup, nous met tous en cause.

Romería : la mémoire des vagues

Carla Simón n'a jamais vraiment cessé de filmer sa propre histoire. Avec "Romería", son troisième long-métrage en compétition à Cannes 2025, elle va plus loin que jamais : reconstituer la jeunesse de ses parents, morts du sida, à travers le regard d'une fille de 18 ans qui débarque en Galice pour la première fois. Un film sur les origines, les silences de famille et le pouvoir du cinéma à combler ce que la vie n'a pas laissé le temps de vivre.

The Drama : pour le pire ou pour le rire ? Telle est notre (délicieuse) interrogation

Voilà une œuvre qui montre qu’un certain nouvel Hollywood (ici A24 mais ça pourrait être Neon ou FilmNation) peut nous offrir des bons films dits du milieu. Deux stars à l’alchimie indéniable, un scénario original et impeccablement écrit et la réalisation alerte d’un cinéaste qui confirme une voie singulière pour un petit bijou. Une œuvre dont on ne saurait dire si c’est un drame ou une comédie ou les deux, en tout cas accouchée d’une veine romantique acerbe.

Un jour avec mon père : ce qui reste dans la lumière

Il y a des films qui arrivent comme arrivent les souvenirs d'enfance : par effraction, sans prévenir, avec cette netteté particulière des choses qu'on n'a pas cherché à retenir. "Un jour avec mon père", premier long métrage du réalisateur britanno-nigérian Akinola Davies Jr., est de ceux-là. On entre dans ce film comme on entre dans une journée ordinaire et on en ressort changé, sans trop savoir pourquoi, avec quelque chose de chaud et de douloureux logé quelque part dans la poitrine.
Herve Aubert
Herve Auberthttps://www.lemagducine.fr/
"professeur de français, j'ai découvert le cinéma grâce aux films de Spielberg des années 80, mais je suis vraiment devenu cinéphile avec John Huston (Quand la ville dort) et Akira Kurosawa (Le Chateau de l'Araignée), Humphrey Bogart (Le Faucon Maltais) et Marlon Brando (Sur les quais). Appréciant aussi bien le cinéma classique que moderne, les séries des années 60 que celles des années 2010, c'est de la diversité que je tire mes plaisirs."

Mortal Kombat : Destruction finale – Flawless misery

Le succès a été instantané au box-office pour le "Mortal Kombat" de Paul W. S. Anderson, dont la bisserie n'a pas fait l'unanimité. Le film n'a pas été épargné par le bras de fer entre le réalisateur et les producteurs, mais continue de fasciner par certaines idées et séquences qui rendent hommage au cinéma d'action hongkongais, tout en composant avec les motifs du jeu vidéo. Le miracle ne s'est pas réalisé deux fois cependant, avec cette "Destruction finale", qui trahit à peu près tout ce qui plaisait dans le premier opus et aux joueurs inconditionnels de la franchise — une promesse brisée, symptôme d'une suite qui n'a jamais su décider ce qu'elle voulait être.

Mortal Kombat (1995) : la noblesse du kitsch

Il faut sans doute accepter "Mortal Kombat" pour ce qu'il est — et surtout pour ce qu'il n'a jamais prétendu être. Film inclassable, maladroit et souvent pauvre dans sa construction scénaristique comme dans sa mise en scène, l'œuvre de Paul W. S. Anderson accumule plus de défauts que de qualités objectives. Et pourtant, trente ans plus tard, elle résiste. Non par excellence, mais par singularité.

Princess Bride : la voix d’un conteur, l’éclat d’un film

Avec "Princess Bride", Rob Reiner nous murmurait à l’oreille un conte de cape et d’épée, d’aventure et de magie, d’amour et d’amitié, au pouvoir d’évocation immense. Mais avant d’être images, visages ou paysages, le long métrage est d’abord une voix : celle d’un narrateur espiègle (Peter Falk) qui nous fait aimer la littérature fantasy romanesque en déjouant les codes du genre pour mieux les célébrer. Soit un film qui écoute le livre. Et un livre qui se met au service d’un film. Une réussite sur ce que le cinéma métatextuel a pu faire de mieux dans les années 80.