LeMagduCiné

« Je m’appelle Jean-Pascal, j’ai 38 ans et je suis en colère. Je suis en colère parce que la situation des noirs dans ce pays, elle est catastrophique. C’est pour ça que j’ai décidé d’organiser le 27 Avril prochain une grosse marche de protestation noire, place de la république. »  C’est par cette déclaration que débute le film Tout simplement Noir, de Jean-Pascal Zadi et John Wax. Retour sur une sortie ciné faisant écho à l’actualité.

Réalisé par Jean-Pascal Zadi et John Wax, le film n’est pas le premier essai de Zadi, puisqu’on peut le retrouver derrière la caméra pour Sans pudeur ni morale ou African Gangster, nous pouvons aussi l’apercevoir comme acteur dans le film Coexister. John Wax quant à lui est photographe de plateau et collaborateur artistique. Il a notamment travaillé sur les plateaux de Taxi 5 et Coexister. Tout simplement noir est son premier long-métrage.

Synopsis : L’histoire se concentre sur Jean-Pascal, comédien trentenaire en difficulté qui poste une vidéo sur internet où il exprime sa colère contre les injustices que subissent les noirs en France. Il veut faire une grande marche de protestation à Paris, invitant la communauté noire à y participer en masse. Il commence à être activiste en faisant des mises en scène dans la rue de lui en esclave, en les postant sur Facebook et YouTube. Nous le suivons dans sa quête où il rencontre des figures noires connues ou moins connues, afin de trouver des alliés dans sa lutte. Nous verrons comment à travers ses rencontres, il se confronte aux diverses opinions des intervenants. Et les opinion sont aussi diverses que variées!

Le casting est composé de Jean-Pascal Zadi lui-même, Claudia Tagbo, Fary, Eric Judor, Joeystarr, Amelle Chahbi, Ramzy et Melha Bedia, Jonathan Cohen, Fadily Camara, Ahmed Sylla. La majorité de ces comédiens sont des professionnels de la scène comique, ayant acquis une notoriété indiscutable. Mais Zadi a aussi eu pour intervenants Lilian Thuram, Soprano et Kareen Guiock, des figures sportives et journalistiques dont le point de vue est intéressant sur le débat que soulève le film, celui de la représentation des noirs, de leurs droits et de leur place en France.

Un format à cheval entre le documentaire et le documentaire parodique

Une grande partie des plans du film tendent à suggérer une caméra portée renforçant l’aspect documentaire de celui-ci, ce qui est assez logique puisque Jean-Pascal est suivi par une équipe de télévision. Mais l’intérêt de ce film ne réside pas dans les techniques employées mais bien dans la limite ténue qui existe entre le documentaire et la parodie de documentaire qu’elle instaure. De fait, les propos tenus par tous les intervenants pourraient se retrouver dans un documentaire sérieux sur le sujet du racisme par exemple, puisqu’ils expriment des points de vue différents, pertinents, honnêtes et cohérents et qu’ils argumentent leur opinion. Néanmoins, le côté parodique réside dans les interventions verbales de Zadi qui ne sont pas toujours intelligentes, ce qui aura tendance à excéder l’intervenant en face. Par exemple, Jean-Pascal écrit une chanson avec Soprano pour sa marche. Soprano lui explique que ses paroles sont à la limite du racisme et méprisent le combat écologique, alors que ce dernier est tout aussi important aujourd’hui. Zadi ne supporte pas la critique, le taxe de rappeur pour collégiens et se fait jeter par les gardes du corps de son allié éphémère.

A la recherche des marcheurs du 27 Avril…

Le film est aussi une aventure pour le spectateur, comme pour Jean-Pascal qui part à la recherche de ceux qui adhéreront à son opinion. Mais Jean-Pascal se heurte à beaucoup de difficultés lorsqu’il donne son point de vue. Dans une scène où accompagné de Joeystarr et Fary, il expose son point de vue, le spectateur commence déjà à entrevoir la limite simpliste de la pensée du personnage. A la question « qu’est-ce qu’un noir pour lui ? », Jean-Pascal cite une suite de stéréotypes auxquels aucun des individus en face de lui ne peut s’identifier, alors qu’ils se considèrent comme noirs. On lui dit qu’être noir, et s’arrêter seulement à la couleur de peau ou à savoir si le cheveu est crépu ou pas est une erreur. Cela est tout aussi similaire lorsqu’il ne veut pas inclure les indiens et les maghrébins dans sa marche, les maghrébins étant pourtant des Africains aussi. De fait, il exclut de nécessaires alliés de sa marche à cause de sa conception encore inachevée des choses.

Grâce à Fary, Jean-Pascal accède à un vaste réseau de connaissances où il pourra explorer les différentes opinions de personnalités noires : les métis qui se considèrent noirs, malgré le fait qu’ils ne correspondent pas aux « critères »: trop clairs pour réellement être noirs pour certains, ou trop foncés pour être blancs pour d’autres, les métis qui ont souffert du racisme et ont dû cacher cette partie de leur identité quitte à s’assimiler à une autre par peur (comme le personnage d’Eric Judor), les noirs originaires de Martinique, de Guadeloupe, des Antilles, qui se considèrent comme Français avant tout et qui sont bien souvent oubliés, les noirs issus de l’immigration plus récente et ayant une double-identité…

Aucun n’est d’accord, et à chaque intervention où Jean-Pascal cherche à revoir et retravailler son point de vue, il se retrouve face à de nouvelles problématiques. De fait, l’un des points problématiques du débat reste l’esclavage. Pour certains personnages, les manifestations de Jean-Pascal à ce sujet sont un manque de respect et un abcès nécessaire à crever pour d’autres. Ce sera même un sujet sur lequel le personnage de Fabrice Eboué et Lucien Jean-Baptiste se disputeront vivement.

… Ou du 26 Août

Le personnage se retrouve aussi confronté à plusieurs symboliques comme celle de la date de sa marche initiale : le 27 Avril. En explorant des opinions parfois plus radicales, qui attachent une importance certaine aux divers symboles comme les dates-clés pour la communauté noire, ou ses figures emblématiques, on lui fait remarquer par exemple, que la date qu’il a choisie pour sa marche est celle de l’abolition de l’esclavage. Certes, lui répond-on, mais elle est une action résultant de l’autorité « des blancs ».  Il se retrouve alors à subir la pression de ces groupes, qui questionnent son combat. Désorienté par ce genre de remarque, Jean-Pascal se retrouve alors perdu dans son propre combat, car exposé à tant de différentes opinions, au sein d’une communauté aussi large et aux avis aussi divergents, il n’arrive plus à comprendre ce qu’il cherche, ni pourquoi il veut faire sa marche. Lui qui voulait unir une communauté autour d’un même combat, l’égalité, se retrouve sans cesse critiqué pour ses prises de positions parfois peu réfléchies. A la fin du film, la date est fixée au 26 Août, une date qui a une importance clé pour toute une nation, comme il le voulait.

Une voix oubliée, celle des femmes noires

En cherchant des alliés partout autour de lui, Jean-Pascal se retrouve à une table ronde avec des afro-féministes. Leur discussion autour des termes de la marche avec Jean-Pascal éveille sur le double racisme que subissent les femmes noires, dont celui des hommes noirs eux-mêmes (thématique que l’on retrouve aussi dans la série Madam C.J Walker). Jean-Pascal n’a jamais cité ses compatriotes féminines pour l’occasion, alors qu’elles aussi voudraient une place dans la lutte pour l’égalité.

Mais il se confronte à un autre problème, lorsqu’il parle à Kareen Guiock, elle lui reproche de vouloir l’estampiller du tampon « journaliste noire », alors qu’elle voudrait qu’on la reconnaisse juste à son travail de journaliste, et que le fait de se référer à sa couleur de peau la gêne. Ces deux opinions différentes convergent vers un seul et même point. Nous avons des femmes noires qui souhaiteraient qu’on reconnaisse juste leur valeur d’être humain, avant qu’on ne regarde leur couleur de peau.

Les femmes noires sont en effet en proie à de la discrimination en générale, en temps que personnes noires, mais aussi en temps que femmes, ce qui fait de leur lutte plus qu’une simple demande à l’égalité avec leur confrères hommes. Elles sont bien souvent discriminées à l’emploie, discriminées dans les soins, à l’éducation. Jean-Pascal a juste oublié que le genre rendait les choses savamment plus compliquées pour d’autres…

Le monde du divertissement : ses représentants

Hormis la critique du militantisme de façade des membres de l’industrie et de la récupération des combats comme le présente bien le personnage de Fary, nous voyons aussi le personnage principal participer à des castings, lui présentant des exigences totalement absurdes, saugrenues et stéréotypées. Il est soit le cliché d’une « racaille » de banlieue, soit un esclave travaillant dans des champs de coton ou de caoutchouc…

Dans les deux cas, on voit un Jean-Pascal déshumanisé, où ce qui lui est demandé est un condensé de violence ou d’émotions qu’il devrait connaître, et tout ça, masqué par une soi-disant exigence artistique… Le plus choquant reste une scène où un réalisateur voulant le caster comme un esclave aux champs prend la largeur de son nez avec un instrument de mesure. Il est déçu que la largeur du nez de Zadi ne faisant que 3.8 cm, car le précédent candidat avait 4cm de largeur… L’impression qui s’en dégage est violente pour l’esprit, tant elle rappelle les actes « scientifiques » racistes du XIXe siècle.

Des méthodes peu orthodoxes

Mais si le cinéma mainstream peut avoir des méthodes critiquables, le nouveau cinéma auquel Fary lui demande de participer n’est pas en reste et n’est qu’instrumentalisation nauséabonde. Dans une scène où celui-ci montre à Jean-Pascal son nouveau film, le titre est assez dérangeant.

Ce film de Fary, intitulé « Black Love », est juste une version française de Moonlight. La séquence est intelligemment présentée pour que le spectateur soit amené à réfléchir sur les intentions de l’industrie cinématographique. C’est tout simplement une critique des industries montantes qui cherchent à faire du profit en mettant en scène des personnages cumulant plusieurs facteurs de discrimination. Dans ce cas de figure, les personnages sont noirs et appartiennent à la communauté LGBTQ+, pour pouvoir faire du profit et cela en le marquant dans le titre.

Le but est bien ici de vendre une histoire d’amour entre deux individus non-blancs et de mettre en avant. Cela génèrera du bénéfice autour du fait qu’ils soient des acteurs issus de la diversité mais aussi LGBT. De fait, Jean-Pascal se retrouve complice de ce genre d’industrie qui certes, donne des rôles plus intéressants mais pas moins stéréotypés, jouant sur les cordes sensibles des spectateurs.

Le conservatisme derrière un masque de modernité

Lorsque Fary lui explique le sujet de son nouveau projet intitulé « Black Dentist » dans lequel il offre le rôle principal à Jean-Pascal, celui-ci n’a rien de différent des films mainstreams… Il présente mieux, en offrant un personnage noir ayant réussi dans sa vie professionnel. Mais encore une fois, il y a l’addition de cet adjectif « black » qui gêne. Il n’y a aucune nécessité d’offrir ce détail pour un personnage blanc qui est dentiste dans le cinéma. Alors pourquoi l’est-il pour des personnages qui ont une autre couleur de peau ?

C’est ce genre de question que Zadi cherche à poser et ce genre d’épisode qu’il cherche à critiquer. Le pire est à venir car, en décrivant le personnage dans une scène à Stéfi Celma, celle-ci est dégoûtée par ce personnage de « Black Dentist » car il ne semble être qu’un pâle reflet d’un homme bien loti financièrement, ayant un comportement discutable avec les femmes. Ce n’est qu’une sorte de « Christian Grey » noir, un personnage déjà discutable, que l’on « exotise » pour faire du bénéfice au box-office. C’est aussi l’idée qu’un personnage noir original et plein de nuances ne puisse pas exister de manière spontanée, mais qu’il doive être un dérivé d’un personnage blanc existant qui énerve.

Au final, la représentation de ce dentiste noir, décrit comme un macho pénalise complètement le film, car lorsque encore une fois des personnages de couleur sont mis en avant, c’est pour encore plus tomber dans des stéréotypes. Et même pire, ce black dentist n’est que le remplacement du cliché de la « racaille » de cité, demandée au début par l’un des réalisateurs lors du casting à Jean-Pascal.

Conclusion

Le film s’achève sur un message fort pour n’importe quelle communauté souhaitant dénoncer les discriminations dont elle est victime, mais nous restons quand même sur quelque chose d’inachevé. Bien plus que cela, le film de Wax et Zadi peut être critiqué à cause de l’ambiance un peu anarchique qui y règne. Il peut être en effet compliqué pour le spectateur de suivre les péripéties de Zadi, car nous nous retrouvons dans des enchainements de sketchs, rendant un peu difficile et tâtonnante la compréhension du processus de déconstruction de la pensée de Jean-Pascal. En somme, parfois le film fait l’effet de montagnes russes.

Néanmoins, ce n’est pas un film divertissant, c’est une aventure dans des problématiques complexes très peu soulevées, et qui ouvre une réflexion longtemps mise en standby. Il a le mérite d’être honnête, sur les difficultés du combat du personnage. C’est un film drôle mais dont le propos ne se résume pas qu’à explorer en surface les divers points de vue de membres de la communauté noire. Il est honnête en montrant à quel point il est complexe de réunir sous une même bannière une communauté qui est hétérogène. Tous les noirs de France n’ont pas la même histoire.

Mais cette sortie ciné de Juillet nous fait comprendre avec justesse que c’est en agissant qu’on change les choses, et que comme dans le cas de Jean-Pascal, mieux vaut tâtonner et faire des erreurs pour ressortir grandi par l’expérience, que de ne pas participer au débat du tout. Nous pouvons résumer le but de cette œuvre cinématographique par une citation de Montaigne : « Éduquer, ce n’est pas remplir des vases, mais allumer des feux »

Tout simplement noir : Bande-annonce

Fiche technique :

Réalisateurs :  Jean-Pascal Zadi, John Wax
Scénariste :  Jean-Pascal Zadi, Kamal Guemra
Musique : Christophe Chassol
Casting :  Jean-Pascal Zadi, Caroline Anglade, Claudia Tagbo, Fary, Eric Judor, Joeystarr, Amelle Chahbi, Ramzy et Melha Bedia, Jonathan Cohen, Fadily Camara, Ahmed Sylla, Fabrice Eboué, Lucien Jean-Baptiste, Omar Sy, Rachid Djaïdani, Lilian Thuram, Soprano, Vikash Dhorasoo, Kareen Guiock, Augustin Trapenard, Stéfi Celma, Joeystarr
Société de production : Gaumont
Genre : Comédie
Durée : 90min
Sortie : 8 juillet 2020

Le jeune cinéaste israëlien, Yaron Shani captive notre attention avec ce diptyque, Chained et Beloved, qui évoque selon des points de vue différents, masculin et féminin, une relation qui est sur le point de s’éteindre. Deux films complémentaires qui forment un tout empli de sensibilité, malgré quelques longueurs.

Synopsis Chained :  Flic consciencieux et expérimenté, Rashi est en couple avec Avigail dont il attend un enfant. Le jour où, à la suite d’une enquête interne de la police de Tel-Aviv, il se trouve brutalement mis à pied, il réalise que sa femme lui échappe de plus en plus…  Saura-t-il réagir avant que son monde ne s’effondre ?

Synopsis Beloved : Infirmière dévouée dans un hôpital de Tel-Aviv, Avigail mène une existence effacée entre sa fille adolescente et son mari Rashi. Le jour où ce dernier est ébranlé dans sa vie professionnelle, la fragilité de son couple lui apparaît brutalement. Elle réalise n’être plus vraiment maitresse de ses choix de vie. Saura-t-elle se reconnecter à elle-même ?

 Pile et Face

Chained et Beloved, de l’Israëlien Yaron Shani sont deux films qui font partie d’une trilogie appelée Love Trilogy, et en sont les deux premiers. Qualifiés de films-miroirs, les deux métrages sont en réalité assez dissemblables, et c’est précisément leur différence qui fait tout l’intérêt de l’ensemble.

Dans Chained, le protagoniste est Rashi (Eram Naim, un acteur semi-professionnel, n’ayant joué que dans les films de Shani), un policier aux méthodes assez musclées, mû par la certitude d’être dans son bon droit. Sa vie est calée dans une routine immuable. On le voit dans une des scènes inaugurales, au secours de deux enfants victimes d’une maltraitance paternelle. Son partenaire est occupé à rassurer les enfants avec beaucoup de douceur, tandis que lui-même se concentre sur le père harceleur, gonflé de colère et au bord d’exploser à tout moment. Dès cette première scène, on comprend que Rashi est un personnage difficilement aimable, qui fonctionne essentiellement dans le rapport de force. Sa femme Avigail (Stav Almagor) a une fille adolescente sur laquelle il exerce une pression disproportionnée, puisque semblant dépourvue d’amour parental, mais surtout guidée par une volonté de faire régner sa propre loi.

Quand il est mis à pied après une interpellation violente de trop, son monde s’écroule. Yaron Shani s’attache à dépeindre un homme, bien qu’assez monolithique, très seul et très malheureux. Rashi considère l’amour de sa femme comme un dû, et sa femme elle-même comme sa chose. Ce qui est mis en exergue par le cinéaste, c’est le questionnement par le protagoniste de sa virilité, de sa masculinité, qui ne passe que par des éléments extérieurs à lui, et certainement guidés par des clichés et des diktats sociétaux : un travail de flic, de pouvoir et d’autorité, une femme aimante voire soumise, une fille obéissante qui ne pourra alors se construire en rien. Lorsque tous ces appuis disparaissent peu à peu, Rashi lui-même est emporté par un tourbillon néfaste. Chained est un film viril comme Rashi lui-même, ancré dans l’action, et même quand le personnage est dans ses moments de vulnérabilité, le film reste toujours très tendu.

Dans Beloved, on est dans un monde totalement différent. Le point de vue est celui d’Avigail. Mais de même que Rashi apparaît souvent seul, Avigail est entourée de ses amies. De fait, ce deuxième volet ne se concentre pas sur Avigail, mais sur plusieurs personnages féminins. Et le parti pris n’est pas anodin. On voit dans cette sororité, cette amitié, tout un tissu relationnel, qui selon le cinéaste est plus naturel chez les femmes. Une scène qu’on retrouve dans les deux films est d’ailleurs frappante à cet égard : dans Chained, Rashi a une attaque en apprenant une mauvaise nouvelle à propos de sa femme. Il était avec deux collègues en train de boire des bières. Même s’ils étaient inquiets, les deux collègues de Rashi restent assez gauches par rapport à la situation. Dans Beloved, c’est une écrivaine qui s’écroule en pleine conférence. La sollicitude de toutes les femmes autour d’elle, leur douceur, sont émouvantes. Des gestes maternants, presque ouatés en totale contradiction avec l’attitude des hommes…

Dans Beloved donc, et contrairement à ce qui se passe dans Chained, Rashi n’est pas le centre de l’univers d’Avigail, bien loin de là. On le verra d’ailleurs très peu dans ce deuxième film. Son monde, c’est sa fille, ses amies, et son travail. Un monde rempli de bienveillance, de douceur, bien que ces femmes vivent des choses dures, à des degrés divers. Avigail n’arrive pas à avoir un autre enfant, Yael (Ori Shani) souffre encore d’avoir été abandonnée petite et a beaucoup de mal avec sa vie. Sa sœur « adoptive » Na’ama (Leah Tonic, impressionnante), pour des raisons pas forcément très claires, est également dans une forte colère et se prostitue, sans doute pour trouver des réponses. Mais toutes ensemble, elles constituent une sorte de mur, de rempart à toutes ces souffrances.

L’atmosphère du film est bien entendu aux antipodes de celle de Chained. Beloved est tourné vers l’intérieur des protagonistes. Avigail y est Avigail, et non la femme de, à peine la mère de, le personnage de sa fille disparaissant assez complètement dans ce deuxième volet. Il est dommage que ce personnage soit aussi taciturne, car finalement, on ne comprend pas toujours tous les  sentiments  et les ressentiments qui la lient à son mari. Yaron Shani s’appesantit un peu trop sur cette sororité, qui n’est pas sans rappeler d’une certaine manière celle des femmes de La Source des femmes de Radu Mihaileanu. Plus précisément, il s’appesantit un peu trop sur la forme, la relation physique de contact, d’enveloppement qu’elles déploient entre elles, plutôt que sur le fond. Quand le cinéaste choisit d’allier le fond et la forme, comme dans l’incroyable scène de dispute entre Yaël et sa sœur, où les coups pleuvent autant que la parole, il réussit quelque chose de puissant. A cause de ces longues scènes d’embrassades collectives, Beloved est un film qui manque un peu de rythme, de dynamique.

Avec Chained et Beloved, Yaron Shani propose un diptyque intéressant. Un film n’est pas le contraire de l’autre film. Il en est le complément, montrant en creux les forces et faiblesses du monde qu’on est tenté de qualifier d’opposé. Il reste à attendre la sortie de la troisième partie de cette trilogie, qu’on espère être tout aussi prenante.

Chained/ Beloved – Bande annonce  

Chained / Beloved – Fiche technique

Titre original : Chained – Reborn
Réalisateur : Yaron Shani
Scénario : Yaron Shani
Interprétation :        Chained : Stav Almagor (Avigail), Eran Naim (Rashi), Stav Patay (Jasmine)
Beloved : Stav Almagor (Avigail), Ori Shani (Yael), Leah Tonic (Na’ama)
Photographie : Nizam Loten, Shai Skif
Montage : Yaron Shani
Producteurs : Saar Yogev, Naomi Levari (Chained +Beloved) , Michael Reuter (Chained)
Maisons de production : Black Sheep Film Productions Ltd. , The Post Republic
Distribution (France) : Art House
Récompenses : –
Durée : 112 min. (Chained)– 108 min. (Beloved)
Genre : Drame
Date de sortie :  08 Juillet 2020 (Chained) – 15 Juillet 2020 (Beloved)
Israël – 2019

Jonathan Glazer se planque bien depuis la sortie du génial Under The Skin, en 2013, qui a hypnotisé les spectateurs du monde entier. Au moment où une armée de cinéphiles est prête à se jeter sur son prochain film, il sort un court métrage hallucinant, The Fall. 

Monde de brut

Un inquiétant personnage masqué sort de l’ombre, traverse le plan, un arbre tremble. Comme s’il réagissait aux murmures montants d’une foule en colère, il est traversé de plusieurs secousses : tout au bout d’une magnifique contre-plongée, c’est une autre figure masquée qui s’accroche au tronc et lui donne un peu de vie. En bas, dans la forêt, d’autres masques s’agitent, ferraillent avec le tronc qui transperce un plan sur deux de cette séquence très anxiogène, avant que le fuyard tombe comme un petit chat. Il est perdu.

La chasse à l’homme prend une autre forme, et comme si elle n’échangeait plus avec la nature en la sortant de cette confrontation, prend une tournure bien humaine. Le chassé sera exécuté, d’une corde singeant les fibres que la bande son triture avec soin. D’autres cordes, une peau de tambour, des sons organiques, fuyant tout langage, donnant naissance à une atmosphère insaisissable tissée par Mica Levi.

Ascenseur pour l’échafaud

Avec The Fall, Jonathan Glazer prouve encore une fois qu’il connaît mieux que nous cette folie bien humaine de vouloir tout rendre intelligible. A grands renforts d’allégories, d’analyses et de métaphores, Under The Skin a déjà failli plus d’une fois en perdre tout son charme. La tentation est encore une fois ici très forte de voir dans ce court-métrage une belle scénette moralisante sur nos sociétés inhumaines, violentes et artificielles, ce qui y est très réussi, mais également trop plat pour un cinéma aussi vaste. On peut en effet y voir les réseaux sociaux, la politique et même un discours aussi ampoulé que celui de Mother! (Daren Aronofsky, 2017) sur l’avenir de l’humanité. Mais il y a autre chose, et peut-être plus encore, derrière cette chasse, qui nous rappelle ici qu’elle est aussi le symbole d’un public qu’un artiste prendrait plaisir à singer, protégeant ses œuvres pourchassées par une épuisante quête de sens. A l’image d’autres grands secrets comme ceux d’Under The Silver Lake (David Robert Mitchell, 2018), de GTA V ou de la terre plate, on n’oublie en effet tout ce que nous raconte le cinéaste avec ce merveilleux plan de fin : qu’il n’y a qu’un pas entre l’ascension et la chute. Parfois, il faut juste écouter le vent sans se demander pourquoi il tourne.

Synopsis : Inspiré de la gravure de Francisco Goya “Le sommeil de la raison engendre des monstres”, The Fall est un court-métrage puissant invitant le spectateur à y projeter ses préoccupations et interprétations propres.

Extrait : The Fall

Réalisation et scénario : Jonathan Glazer
Avec : James Adams, Stuart Anderson, Mckinley Bex, Susanne Brown, Lee Byford, Fionn Cox-Davies, Andrius Davidenas, Chris Jupe, Brett Logue, Raffael Maciel, Adeesha Pietersz, Constance Schertlen, Nicola Stokes, Vladislav Yeramishants
Diffusion : À partir du 15 juillet en VOD
Chaînes / Plateformes : UniversCiné, iTunes, Google, Vimeo, Filmo TV, Arte VOD, Vitis, Médiathèque Numérique, Xbox
Production : Bugs Hartley, Ash Lockmun, James Wilson
Photographie : Tom Debenham
Montage : Paul Watts
Costumes : Kate Forbes
Musique : Mica Levi
Distribution : Salaud Morisset
Durée : 7 minutes

La Nuit venue est un beau film sur un Paris périphérique, aussi noctambule que désert. Frédéric Farrucci puise dans la nuit tout un éventail de visions, allant autant vers le sensoriel que vers le social et la mue des quartiers en sourdine.

Suivant les traces d’un chauffeur de VTC, chauffeur chinois sans papier, la caméra déambule de ruelle en ruelle, de client en client, de silence en silence, délaissant le Paris carte postale pour nous engouffrer dans une ville interlope plus contrastée et où la misère humaine n’est jamais bien loin. Les tentes des immigrés sous les ponts, les vendeurs à la sauvette, les repas expéditifs entre collègues, l’uberisation des relations humaines, le périphérique sans fin et les garages clandestins ont remplacé les grands appartements, les soirées luxueuses et les néons des grands hôtels parisiens. Sans jamais trop en faire, le film arrive parfaitement à rendre cohérent, politique et homogène son melting-pot de genres. 

Se plaçant sur les rouages du polar et du film noir avec le spectre de la « femme fatale » et de la mafia qui rode, dérivant vers la romance souterraine puis glissant sur les branches de l’étude de caractère et de l’introspection sociale, La Nuit venue ne semble jamais étouffé par toutes ces velléités. Au contraire, d’une fluidité et d’une simplicité assez appréciables, l’ensemble respire grâce à ses personnages sortant des sentiers battus, une réalisation qui maîtrise ses effets de cadrage, son attrait pour l’organique (somptueuse Camelia Jordana) et grâce à de nombreux moments suspendus où l’environnement de la nuit et les personnages ne font qu’un. 

Nicolas Winding Refn, avec Drive, avait eu l’idée de filmer un homme conduisant une voiture tout en écoutant de la pop électro. De son coté, Frédéric Farrucci s’intéresse plus à l’aspect naturaliste de la chose et met en scène un chauffeur de VTC qui se rêve DJ et qui slalome sur les routes parisiennes sous le joug d’une électro minimaliste, signée Rone. Cette BO, magnifique au demeurant, a un peu le même effet que celle de Lim Giong pour Millennium Mambo de Hou Hsiao Hsien : celui de pouvoir capter des moments de solitude (dans le taxi) ou d’osmose romantique (au concert de Rone), et celui de donner une impulsion presque hypnotique aux images, leur donnant un reflet encore plus prononcé, sans leur enlever leur visage politique. 

Mais La Nuit venue n’est pas juste une balade nocturne ambiante et contemplative : le film se ressert beaucoup autour de ses deux protagonistes principaux et du lien social/amoureux qui les rapproche. Jin, chauffeur sans papier aux prises avec la mafia qui le fait payer ses dettes, et Naomie, strip-teaseuse dans des boites souterraines parisiennes : c’est alors la description d’un quotidien précaire et enseveli par les dettes, guidé par la peur de ce qui se trame au « pays » et fracturé par l’angoisse du vide, qui devient encore plus palpable et écrit avec justesse. L’envie de disparaître et de recommencer à zéro tient en vie nos personnages. Dans un climax, manquant certes un peu de tension, qui nous ramène à la dure réalité, là où les figurations de la fiction ne sont que de purs fantasmes, même si la lumière n’est pas forcément si loin. Sans révolutionner le genre, La Nuit venue convainc par son humilité, son originalité narrative, sa représentation nocturne picturale et son casting au diapason. 

La Nuit venue – Bande annonce

Synopsis : Paris 2018. Jin, jeune immigré sans papiers, est un chauffeur de VTC soumis à la mafia chinoise depuis son arrivée en France, il y a cinq ans. Cet ancien DJ, passionné d’électro, est sur le point de solder « sa dette » en multipliant les heures de conduite. Une nuit, au sortir d’une boîte, une troublante jeune femme, Naomi, monte à bord de sa berline. Intriguée par Jin et entêtée par sa musique, elle lui propose d’être son chauffeur attitré pour ses virées nocturnes. Au fil de leurs courses dans la ville interlope, une histoire naît entre ces deux noctambules solitaires et pousse Jin à enfreindre les règles du milieu.

La Nuit venue – Fiche Technique

Réalisateur: Frédéric Farrucci
Casting  : Guang Hou, Camélia Jordana, Xun Liang, Shue Tien…
Compositeur : Rone
Sociétés de distribution : Jour2fete
Durée : 1h35
Genre: Polar
Date de sortie :  15 juillet 2020

Felicita de Bruno Merle est un pari risqué au premier abord. 13 ans après Héros, souvent présenté comme un bide, le réalisateur revient sur les écrans. Il propose une comédie enlevée, souvent bancale, avec trois formidables acteurs et beaucoup de poésie.

Etre ou ne pas être comme il faut

Felicita est une chanson très connue, mais c’est aussi la musique qui colle parfaitement à la situation décrite dans le film. Pour Tim, cela est d’une importance capitale : ressentir l’ambiance et la partager avec sa famille composée de sa femme Chloé et de Tommy, leur fille. Felicita est donc un art de vivre que Tim et Chloé désirent dans la fuite permanente, en avant. Ils ne se reposent jamais vraiment, d’où leur maison-bateau posée sur l’eau, comme prête à partir. Face à eux, il y a une fillette qui ne veut surtout pas rater sa rentrée en 6e, à 8h pile le lendemain. Bruno Merle raconte une folle journée dans la vie de cette famille. Tout part d’un décalage, d’un art du mensonge bienveillant et de la fuite. En effet, les personnages ne cessent de monter des bobards auxquels ils tentent de faire adhérer l’autre. Des histoires à dormir debout qu’ils parviennent à rendre crédibles entre eux mais aussi pour le spectateur. On y retrouve donc Orelsan en papa imaginaire ou encore des vidéos postées sur Internet. L’occasion aussi de croiser des personnages aussi absurdes qu’un cosmonaute et un singe qu’on part chercher à marée basse, le tout dans un décor parfaitement réaliste. 

Savoir sortir du cadre

La force du film réside dans sa fraîcheur, sa frugalité. C’est un petit rien mais dont les personnages sont joliment écrits et si peu stables qu’on ne sait jamais ce qui va se passer l’instant d’après. C’est une ode à l’été propice aux balades improvisées, aux rencontres, à l’incongru, mais aussi à sa fin, et aux nouveaux cycles qui démarrent. Pio Marmaï y joue de nouveau une tornade dévastatrice, infatigable, et il fait cela avec un naturel épatant. Face à lui la jeune Rita Merle, fille du réalisateur, est remarquable également. Isolée dans son casque antibruit, elle coupe même le son du film, nous forçant à regarder, mais aussi à écouter, à faire attention aux détails. Une belle complicité naît dans cette effervescence permanente, une attention aux choix également, à ce que c’est que décider de prendre un chemin plutôt qu’un autre. Et surtout de choisir de ne pas être dans la norme. Pour que les personnages, notamment la jeune Tommy puisse faire sienne le mantra de Portrait de la jeune fille en feu : « Ne regrettez pas, souvenez vous ». Si le film est parfois bancal, surtout dans sa dernière partie, il a l’audace d’être toujours sur le point d’exploser, sur le qui-vive et de donner à voir des chemins qui sortent quelque peu du cadre, mais dans lesquels les personnages avancent tête haute, apprennent à relever la tête. On est dans la comédie, le road-movie, le thriller tout à la fois, une parfaite comédie d’été avec un petit truc en plus qui n’est qu’à elle. Felicita est un film au ton original qui donne envie de (re)découvrir Héros et pourquoi pas de lui redonner ses lettres de noblesse.

Le MagduCiné a posé deux questions au réalisateur Bruno Merle et à l’actrice Rita Merle :

Pouvez-vous revenir sur la symbolique du cosmonaute ? Et ce casque antibruit, comment est-ce venu ?

Je ne veux pas expliquer trop les choses. C’est l’ami d’ailleurs…

Je voulais placer le spectateur dans une sensation, il n’y a jamais de vrai silence au cinéma, là on voulait le tenter.

Comment est-ce de diriger sa propre fille. De jouer dans le film de son père  ?

Bruno Merle : La question ne se posait pas sur le tournage. Rita est une actrice impliquée, concentrée. De toute façon, sur un plateau il faut porter de l’attention à l’enfant-acteur, en tant qu’enfant en général et non pas en tant que « ma fille ». J’avais un peu tendance à oublier que c’était ma fille parfois sur le tournage. C’était très simple. Rita a dépassé la question de l’enfant-acteur, c’est au moment du montage que cela m’a sauté aux yeux, que j’avais figé ma fille dans un moment de sa vie.

Rita Merle témoigne du même ressenti « c’était assez simple pendant le tournage », confit-elle. Elle envisage de refaire du cinéma si cela se présente et nous ne pouvons que lui souhaiter de belles propositions !

Felicita : Bande annonce

https://www.youtube.com/watch?v=G8aYPumDEJc

Felicita : Fiche technique

Synopsis : Pour Tim et Chloé, le bonheur c’est au jour le jour et sans attache. Mais demain l’été s’achève. Leur fille, Tommy, rentre au collège et cette année, c’est promis, elle ne manquera pas ce grand rendez-vous. C’était avant que Chloé disparaisse, que Tim vole une voiture et qu’un cosmonaute débarque dans l’histoire.

Réalisation : Bruno Merle
Scénario : Bruno Merle
Interprètes : Pio Marmai, Camille Rutherford, Rita Merle, Adama Niane, Orelsan
Photographie : Romain Carcanade
Montage : Benjamin Favreul, Guillaume Lauras
Genre : comédie
Date de sortie : 15 juillet 2020
Durée : 82 minutes
Société de production : Unité de production
Distribution : Rezo Films

France – 2020

Été 85 a tout de la promesse trahie. Certains espéraient découvrir un Call Me By Your Name à la française, d’autres un thriller maritime aux allures de Plein Soleil. Le nouveau film de François Ozon n’a jamais prétendu être l’un ou l’autre, cherchant sa propre voie au carrefour d’une romance estivale onirique et d’un drame policier plus terre-à-terre. Le problème, c’est qu’Été 85 n’est pas très harmonieux par son mélange des genres, par son style, ses tonalités, et sonne assez faux dans sa globalité.

Si la première partie du film, de la rencontre entre David et Alexis à l’apothéose de leur relation, jusqu’à l’arrivée de l’événement fatidique (maladroitement annoncé dès la scène d’introduction), est plutôt prometteuse et parcourue de quelques jolis moments (le sauvetage en mer, les balades en moto, la soirée en boîte de nuit), le dernier tiers, consacré à l’intrigue policière, laisse un goût amer d’indifférence. Remontant son récit sous forme de flash-backs narrés par le personnage d’Alexis, Ozon prend le parti de rembobiner l’histoire des deux héros pour nous raconter comme Alexis en est arrivé là, au tribunal, avec un tragique événement sur la conscience. L’originalité d’Été 85, malgré ce procédé narratif éculé dans le cinéma policier, consiste à ne jamais vraiment nous dire si les images sous nos yeux sont les « faits réels » de l’histoire ou bien les faits remodelés par la mémoire d’Alexis, tels qu’il décide de les raconter à la justice avec plus ou moins de franchise et d’omissions.

Malheureusement, Ozon ne fera rien de cette ambivalence possible entre fiction et réalité à l’intérieur de son récit, évacuant même le problème à plusieurs reprises par quelques phrases qui ont tout de l’aveu de faiblesse déguisée en tournures accrocheuses (« Est-ce qu’on invente toujours les gens qu’on aime ? », « il faut savoir échapper à son histoire » : qu’y a-t-il derrière ? doit-on comprendre qu’Alexis romance ce qui lui est arrivé pour échapper à quelque chose ? À sa condamnation, peut-être ? « Inventer les gens qu’on aime », c’est joli, mais c’est un peu la base de la relation à autrui, avec ou sans amour, non ?). En outre, une fois que le présent du récit, c’est-à-dire le moment du tribunal qui ouvre le film, est rejoint dans le dernier tiers par les flash-backs, le rythme s’écroule totalement.

Le montage alterné, l’écriture des scènes et encore plus des personnages devient anarchique et semble ne plus savoir où aller. Le rapport à la mort, tant appuyé tout le long du récit, tant verbalisé par David, tant surligné en gras par les posters de momies qui ornent les murs de la chambre d’Alexis (à croire qu’il n’a qu’un seul centre d’intérêt, qu’un seul trait de caractère qui le définisse), ne mènent nulle part. Trente minutes sur le deuil sans que les discussions et autres éléments ayant participé à l’écriture des personnages ne servent à la moindre réflexion. D’où sortent les crises (à la morgue, au cimetière) ? Que veulent-elles dire ? En quoi le fait qu’il soit fasciné par la Mort avec un grand M apporte quoi que ce soit à sa façon de vivre la mort d’un proche ? De même, le coup du pari « j’irai danser sur ta tombe », qui est l’idée centrale du film, tombe à plat du fait qu’elle ne trouve ancrage dans aucun élément de l’histoire (ni dans le rapport de David à la mort de son propre père, ni dans les relations difficiles qu’Alexis entretient avec ses parents, ni dans leur histoire d’amour à tous les deux). C’est un pari gratuit, qui ne semble être là que pour sa dimension romanesque et vaguement poétique. Mais même la scène en question sonne faux, parce que le concept de cette scène, depuis le début, sonnait faux, n’était rattaché à aucune racine émotionnelle pour les personnages (et encore moins pour le spectateur), sinon à une promesse entre amis. Mais sans signification intrinsèque à un tel geste, la promesse-défi aurait pu être n’importe quoi d’autre que ça n’aurait rien changé, finalement.

Du côté des personnages secondaires, on souffle le chaud et le froid. Kate est franchement inutile, du début à la fin, sinon pour servir d’élément déclencheur à l’engueulade entre Alexis et David (qui constitue l’une des rares scènes très justes et captivantes du film, soulignons-le), et pour servir d’intermédiaire au réalisateur en glissant dans sa bouche quelques maximes de vie bien tournées. Le professeur de lettres incarné par Melvil Poupaud est aussi cliché et inutile que le sous-arc narratif tout entier dans lequel il intervient, concernant les doutes d’Alexis quant au futur de sa scolarité. Cela n’apporte rien, et n’épaissit qu’artificiellement un protagoniste décidément vide, lisse, insipide (bien qu’incarné avec talent et émotion par Félix Lefebvre). Les parents d’Alexis sonnent assez juste, mais là encore traversent le film tels des fantômes : Ozon multiplie les scènes où le père, la mère montrent à Alexis qu’ils sont là pour lui, sans que ce dernier ne veuille s’ouvrir à eux. Cette relation de non-communication n’évoluera jamais vraiment, et une scène au début aurait suffi pour montrer la solitude du personnage, voire sa perdition existentielle. Le film se répète énormément, pour tout, tout le temps, sans ne jamais évoluer significativement. La mère de David, enfin, est insupportable. C’est sans doute son rôle qui est écrit ainsi, sorte de veuve excentrique et lunaire, gênante et intrusive ; mais l’interprétation de Valéria Bruni-Tedeschi est si outrancière qu’on ne croit pas un seul instant à son personnage – et encore moins à ses larmes ou sa colère.

Été 85 laisse un amer goût d’inachevé, de coup manqué, alors qu’il avait pour lui une jolie photographie, une bande-son très nostalgique mais qui fonctionne à tous les coups, un duo d’acteurs talentueux (on espère revoir Benjamin Voisin le plus tôt possible) à la complicité palpable, ou encore une intrigue policière sur fond d’idylle estivale alléchante. Une promesse trahie, parce que mal écrite, ou trop peu, avec une fin bâclée presque gênante de platitude, et une construction narrative trop artificielle à l’image de ses personnages. Une promesse trahie, parce qu’on a l’impression qu’Ozon nous balance des pistes d’exploration sans aller plus loin (la transidentité, la répétition des mêmes schémas de relations toxiques, l’acceptation de l’homosexualité dans la cellule familiale, la porosité du réel et l’embellissement du passé, etc.), voulant parler de beaucoup de choses pour n’approfondir presque rien – pas même son ambiance eighties clichée et sur-stylisée qu’on ne sait plus si elle participe volontairement à l’onirisme des scènes remémorées, ou si elle relève plus simplement d’une vision nostalgique assez discutable.

À l’image de David fonçant à toute vitesse sur sa moto, cherchant à rattraper la bulle d’intemporalité qui lui donnera l’impression d’exister, Été 85 n’offre jamais l’émulsion grisante de la vitesse à laquelle peut aller un amour de vacances, l’ivresse du déséquilibre et de la chute que toute relation suppose, et semble condamné à demeurer à distance de cette bulle à cause des insuffisances d’un moteur dont le destin, malgré une mise en route réjouissante, est d’exploser à mi-parcours au détour d’un virage mal anticipé.

Été 85 : Bande-annonce

Fiche technique :

Réalisation : François Ozon
Casting : Benjamin Voisin, Félix Lefebvre, Philippine Velge
Scénario : François Ozon
Photographie : Hichame Alaouié
Musique : Jean-Benoît Dunckel
Société de production : Mandarin Production, FOZ
Durée : 100min
Genre : Drame, Romance
Date de sortie : 14 juillet 2020

France – 2020