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Avec quelques réflexions pertinentes mais jamais abouties,  et une galerie de personnages pas assez approfondis, Normandie Nue de Philippe Le Guay reste une petite comédie sympathique sur le monde paysan, sans plus.

« Magic » Normandie

Pas même une minute trente dans le journal télévisé régional sur France Télévision pour parler du blocage d’une nationale par des paysans en colère, lessivés, fatigués. Un reportage caricatural en prime où un gars de la ville parle des « mains craquelées » des paysans. Philippe Le Guay tente avec ces quelques scènes d’ouverture de nous parler de nos propres clichés, de notre regard de spectateur sur ce monde oublié, celui des « petits » paysans auxquels Hubert Charuel avait déjà consacré un très beau film (Petit Paysan) en 2017. On les retrouve donc indignés dans une salle où ils viennent de regarder le reportage, réunis par le maire de la ville (François Cluzet, très terre à terre), ensemble mais pas forcément unis. Les voix ne s’accordent pas nécessairement sur la manière de faire entendre la voix de ceux qui travaillent la terre, nourrissent (nourrissaient?) les gens et élèvent les futurs steaks ou fromages de nos assiettes. Alors le maire veut une idée forte pour fédérer. D’autres encore évoquent l’utilisation des pesticides, la volonté des paysans d’entrer dans le marché mondialisé, tout en criant à l’étouffement, l’étranglement dans ce même marché. Ceci n’est qu’esquissé avant qu’un vieil homme entonne une chanson qui loue les plaisirs de la terre que ne connaîtront peut-être plus « nos enfants ». Et voilà, emballé, c’est pesé, tout le petit monde paysan que veut décrire Le Guay est croqué en une séquence, c’est un peu rapide. Par la suite, on retrouvera quelques-uns de ces personnages dans des rôles un peu développés, mais guère plus. Car si la volonté du réalisateur est louable, elle est quelque peu bâclée derrière un scénario qui veut trop en faire, tout en ne faisant finalement pas grand chose. Tout ce petit monde va se laisser embarquer dans une idée (un peu) folle : faire une photo nue (d’où le titre) pour un Américain pédant qui déteste la nature. L’idée ? Faire le buzz et avoir une couverture médiatique large, parler d’eux en mieux. C’est alors que la métaphore est filée : puisqu’on est déjà à poil (financièrement), qu’est-ce que ça fera de plus de se déshabiller réellement dans un champ (convoité par deux types à la fois), sans pour autant baisser son froc devant l’oppresseur (les marchés internationaux) ou l’envahisseur (le méchant Américain) ?

Manque de fil conducteur

Avec ce film au scénario très « couru d’avance » (le fils d’un ancien propriétaire d’un studio de photographie revient après quelques années pour vendre sa boutique, mais l’enfant du pays restera-t-il finalement après être tombé amoureux ? Et qui prendra finalement la photo si ce n’est pas l’Américain ?), Philippe Le Guay tente de parler d’une certaine France (les acteurs ont donc mis le paquet pour faire authentique, François Cluzet en tête), laissée depuis bien trop longtemps à l’abandon, écrasée par les dettes mais qui pourtant a la tâche de nourrir (et le mieux possible) le monde. Or, la question qui fâche peut-être est de savoir d’où parle le film : plusieurs fils directeurs et regards (la voix off de la parisienne de 12 ans venue s’installer dans la région avec ses parents, le maire du village, le fils du pays revenu pour « quelques jours » seulement, les Américains) qui ne sont jamais aboutis, approfondis et qui dessinent des personnages un peu trop clichés, creux (le boucher amoureux de sa femme ancienne miss du coin qui refuse qu’elle pose nue) dont les destins se résolvent un peu trop vite à la fin. Mais surtout, à qui parle le film ?

En voulant multiplier les portraits (jusqu’au méchant catho de pharmacien qui ne changera jamais d’avis), le film veut « plaire » à tout le monde, être consensuel et le coup de gueule paysan qu’il pousse perd ainsi de sa force, de son incarnation. Le miroir se brise et c’est une mosaïque de tout petits cris qui se dessine, mais s’estompe surtout.  Cette dernière question restera hélas sans réponse tant le film multiplie les bonnes questions et réflexions importantes (sur le traitement médiatique du rapport à la viande, la condition animale, la contradiction à nourrir la terre tout en la détruisant un peu/beaucoup, les choix alimentaires de chacun, mais aussi la souffrance paysanne traitée avec un humour bienvenu mais parfois trop « survolant »… ), mais simplement pour les mettre là, sans les approfondir. Finalement, l’enjeu même du film est balayé à la fin et ne trouve pas vraiment sa résolution. A moins que le but ait été seulement de prouver qu’il était possible de mettre des Normands nus, mais c’est alors bien simpliste, voire décevant. La fin revient finalement à illustrer ce qui est dit depuis le début : ensemble on est plus forts. Oui, certes, mais quelle est finalement la voix choisie par ces gens : poursuivre leurs vies, collectionner les petits bonheurs, s’entraider, et jusqu’où cette voix portera-t-elle vraiment ? En tout cas de Petit Paysan en fin d’année dernière à Normandie Nue début 2018, l’avenir de la qualité alimentaire de notre pays (de notre monde) ne sera pas merveilleuse, le cinéma en a pris conscience et cela donne lieu à des scènes aussi hallucinantes que presque réelles, en tout cas impossibles : que ce soit une vache atteinte d’une fièvre très contagieuse dans Petit Paysan ou un cauchemar d’une Normandie désertique où les vaches se meurent, squelettiques, incapables de survivre et donc de nous aider à survivre. Le cinéma semble donc nous dire « réveillez vous », même parfois un peu maladroitement comme avec Normandie Nue.

Normandie Nue : Bande annonce

Normandie Nue : Fiche Technique

Réalisateur : Philippe Le Guay
Scénario : Philippe Le Guay, Olivier Dazat, Victoria Bedos
Interprètes : François Cluzet, Arthur Dupont, Gregory Gadebois, Toby Jones, François-Xavier Demaison, Philippe Rebbot, Patrick d’Assumçao et des actrices dont il a été quasi impossible de retrouver les noms ! (rien sur Allociné, UniFrance …)
Productrice : Anne-Dominique Toussaint
Sociétés de production : Les Films des Tournelles, SND, France 2 Cinema
Distributeur : SND
Durée : 105 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 10 janvier 2018

France – 2018

The Book of Love est une des dernières grosses déceptions disponibles sur Netflix.

Synopsis : Après avoir perdu sa femme enceinte dans un tragique accident de voiture, un architecte prénommé Henry va aider une adolescente sans-abri à construire un radeau pour traverser l’océan.

Les cinéphiles ne s’intéressant pas toujours à la presse people, il ne s’agit alors pas d’une mauvaise idée de rappeler à quel point Justin Timberlake (The Social Network) et Jessica Biel forment un couple médiatisé sympathique depuis plusieurs années. Cependant nous n’allons évidemment pas vous parler de leur vie privée mais bien du travail que ce couple a effectué ensemble. Hélas, cette récente collaboration artistique n’était pas la meilleure des idées du monde. On se demande comment Timberlake et Biel ont pu croire en un tel projet auquel on a déjà du mal à adhérer rien qu’en le découvrant sur le papier. Ainsi, le chanteur-acteur s’est en partie occupé de la bande-originale (totalement oubliable) de The Book of Love tandis que l’ex-star de la série 7 à la maison en est la co-productrice. Elle s’est également attribué un rôle. Certes, un petit rôle si l’on s’en tient à son temps de présence à l’écran mais tout de même important : Biel incarne la femme enceinte décédée du personnage principal (incarné par Jason Sudeikis).

La mièvrerie est déjà ultra présente dans le synopsis, le titre et même sur l’affiche du film. Il ne faut évidemment jamais juger un film sur des a priori. Hélas, le long-métrage de Bill Purple (inconnu au bataillon et qui ne devrait justement pas sortir de sa situation) est effectivement très mauvais. The Book of Love est d’une niaiserie absolue de A à Z, accumulant les drames pour mieux nous faire pleurer. Le film démarre sur la mort d’une épouse enceinte jusqu’au cou puis il s’intéresse au sort d’une jeune fille à la rue qui elle-même a vécu une vie familiale totalement pourrie… Ce film n’aurait pas dû se présenter comme un film, il n’aurait même pas dû être sur Netflix. Il ressemble davantage à ces abominables téléfilms diffusés sur M6 l’après-midi ! Il n’y a pas grand-chose à sauver là-dedans. La mise en scène est totalement inexistante, le scénario accumule les lourdeurs, il n’y a rien pour se rincer l’œil (même pas les décors très vilains) dans tout ça, histoire de tenir le coup.

On ne peut même pas se raccrocher aux personnages, peu intéressants. Les personnages étant ce qu’ils sont, leurs interprètes ne peuvent pas être convaincants. Jason Sudeikis (Les Miller, une famille en herbe), habitué aux rôles comiques, fait de son mieux dans son rôle de dépressif : son interprétation n’est pas catastrophique mais on a connu l’acteur plus investi. Biel tente d’illuminer ses scènes principalement par son sourire ultra Colgate (vous comprenez, elle joue une artiste libre donc il faut sourire comme une idiote et dire des banalités pseudo-philosophiques sur le sens de la vie). Pire dans tout ça : le jeu de Maisie Williams (alias la Arya Stark de la série à succès Game of Thrones), pas du tout crédible en jeune SDF. Bref, tout est à jeter dans ce film qui provoque plus de la haine à la fin du visionnage que de l’amour !

The Book of Love : bande-annonce

The Book of Love : Fiche technique

Réalisateur : Bill Purple
Scénario : Bill Purple et Robbie Pickering
Interprètes : Jason Sudeikis, Maisie Williams, Jessica Biel, Mary Steenburgen…
Musique : Justin Timberlake
Producteurs : Jessica Biel, Ross M. Dinerstein, Michelle Purple, Kevin Iwashina
Société(s) de Production : C Plus Pictures, Campfire Stories Inc., Iron Ocean Films
Distribution : Netflix France
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie (Netflix) : 20 septembre 2017

États-Unis – 2016

Malgré un scénario un peu trop scolaire, Burn Out arrive tout de même à relever la tête grâce à son réalisateur, qui démontre un talent visuel dans la réalisation de scènes de course pleines d’adrénaline et la mise en tension organique de son personnage.

Cela a été dit à de nombreuses reprises, mais le cinéma de genre est peu représenté en France. Avec l’histoire de cet homme qui doit sauver son ex-femme d’un gang de manouches en usant de ses qualités de pilote de motos, on semble malgré tout être en terrain connu. Avec ce semblant de Série B, le mutisme de certains passages, la photographie aussi colorée que nocturne, les séquelles physiques de cette tension infernale, cette violence intériorisée, on sent que Yann Gozlan a bien révisé ses gammes, notamment celles de films tels que Drive ou même The Place Beyond the Pines. Certes, le cinéaste français n’est pas Nicolas Winding Refn et François Civil n’est pas Ryan Gosling, mais Burn Out s’extirpe de ces influences et s’accommode des codes du cinéma de genre pour modeler à sa guise une œuvre qui tient largement la route.

Il est vrai qu’il est difficile de se faire surprendre par un script qu’on voit venir avant le personnage lui-même et que l’intérêt pour les protagonistes secondaires s’étiole rapidement suite à un manque complet d’écriture, mais Burn Out utilise ses atouts de l’autre côté de la barrière, avec un dispositif visuel sensitif. Que cela soit par des scènes de course de motos tendues ou celles en Go Fast sur ces autoroutes pleines de néons hallucinogènes, Yann Gozlan amène un soin particulier à vouloir construire une identité esthétique, à amener une énergie sensorielle et immersive à son intrigue dans laquelle son personnage principal, François Civil, est quasiment de tous les plans.

Alors que nous ne sommes pas habitués à le voir jouer des rôles taciturnes et volcaniques, l’acteur est l’épicentre d’un film qui deviendra de plus en plus nerveux. Mais au-delà même de ces personnages et de la finalité de la trame scénaristique, c’est l’environnement développé, l’urgence constante du film, cette sensation continuelle et oppressante de danger agencée par Yann Gozlan qui amène un pouls à Burn Out. Certes l’imagerie du cinéma de genre français ne change guère avec la banlieue, les caïds de cité, les loubards, la clope, la violence, les petits arrangements, mais tout cet encadrement urbain devient un terrain de jeu propice à la soif visuelle et technique du metteur en scène.

Yann Gozlan offre un écrin racé, aussi élégant que tendu, se rapprochant plus de l’univers d’un Michael R. Roskam ou d’un Fred Cavayé que d’un Olivier Marchal. Il y a du savoir faire chez ce réalisateur qui sait manier les styles graphiques et le découpage dans les scènes d’action sans jamais que son film n’en devienne incohérent ou même gratuit : utilisant le huis clos d’une banlieue en guérilla, la rapidité et l’espace anxiogène d’une autoroute, les courses poursuites à 250 km/h avec la police, l’engin qu’est la moto n’a jamais été aussi bien mis en lumière dans un film d’action. Loin d’être un shoot de testostérone bas de gamme à la Fast and Furious ou Le Transporteur, Burn Out se veut être un trip esthétique dynamique, avec son rythme qui ne baisse jamais en tension et son mixage sonore ébouriffant.

Synopsis: Tête brûlée, accro aux sensations fortes, Tony ne vit que pour une seule chose : devenir pilote professionnel de moto superbike. Jusqu’au jour où il découvre que la mère de son fils est liée à la pègre manouche. Seule issue pour la sortir de cet engrenage : mettre ses talents au service des truands. Pilote de circuit le jour, go-faster la nuit, Tony est plongé dans une spirale infernale qui le mène au bord de la rupture…

Bande annonce – Burn Out

Fiche Technique – Burn Out

Réalisateur : Yann Gozlan
Scénario : Yann Gozlan, Guillaume Lemans
Interprètes : François Civil, Olivier Rabourdin, Samuel Jouy, Manon Azem
Photographie : Antoine Roch
Montage : Valentin Feron
Société(s) de Production : 24 25 Films,
Distribution : Gaumont Distribution
Genre : Action Drame
Date de sortie : 3 janvier 2018

France – 2018

Homme mythique ayant fabriqué son propre mythe et sa propre histoire, sujet de plus d’une dizaine de films déjà, Winston Churchill est le protagoniste du nouveau film du britannique Joe Wright, les Heures sombres. Un film fébrile et tout en action, alors même que le verbe, celui du Vieux Lion, est au centre du dispositif.

Synopsis : Homme politique brillant et plein d’esprit, Winston Churchill est un des piliers du Parlement du Royaume-Uni, mais à 65 ans déjà, il est un candidat improbable au poste de Premier Ministre. Il y est cependant nommé d’urgence le 10 mai 1940, après la démission de Neville Chamberlain, et dans un contexte européen dramatique marqué par les défaites successives des Alliés face aux troupes nazies et par l’armée britannique dans l’incapacité d’être évacuée de Dunkerque.

Alors que plane la menace d’une invasion du Royaume-Uni par Hitler et que 200 000 soldats britanniques sont piégés à Dunkerque, Churchill découvre que son propre parti complote contre lui et que même son roi, George VI, se montre fort sceptique quant à son aptitude à assurer la lourde tâche qui lui incombe. Churchill doit prendre une décision fatidique : négocier un traité de paix avec l’Allemagne nazie et épargner à ce terrible prix le peuple britannique ou mobiliser le pays et se battre envers et contre tout.

Avec le soutien de Clémentine, celle qu’il a épousé 31 ans auparavant, il se tourne vers le peuple britannique pour trouver la force de tenir et de se battre pour défendre les idéaux de son pays, sa liberté et son indépendance. Avec le pouvoir des mots comme ultime recours, et avec l’aide de son infatigable secrétaire, Winston Churchill doit composer et prononcer les discours qui rallieront son pays. Traversant, comme l’Europe entière, ses heures les plus sombres, il est en marche pour changer à jamais le cours de l’Histoire.

La Bataille d’Angleterre

Les biopics sur les grands hommes et femmes, politiques qui plus est, peuvent être mortellement ennuyeux. Il n’y a rien qu’on ne sache déjà, rien qui n’ait déjà été écrit, pire, rien qui n’ait déjà été filmé au moins une fois.

Pourtant, les Heures sombres du britannique Joe Wright est un film passionnant sur Winston Churchill qu’on suivra à la fois dans sa dimension intime, et dans ses habits fraîchement enfilés de premier ministre, pendant un petit mois, celui de Mai 1940, à une époque où les forces alliées étaient au plus mal, d’où le titre du film du cinéaste.

Le film débute par une séquence au Parlement, filmé en plongée, dans une lumière pâle mais suffisante pour que l’on puisse voir la poussière des lieux voler. La caméra descend tel un prédateur sur ces hommes en effervescence, demandant la démission de l’un d’eux, Neville Chamberlain (Ronald Pickup), le premier ministre en place. Une très belle scène inaugurale dans laquelle Churchill est absent, mais qui ne parle que de lui en creux : on chuchote son nom comme le seul successeur qui pourrait être accepté par l’opposition, mais on le chuchote comme s’il était une malédiction, comme si l’homme lui-même était une malédiction. Beaucoup de scènes s’appuieront sur de tels mouvements de caméra, impressionnants, peut-être un peu trop répétitifs pour ne pas tomber dans le gimmick facile.

Les Heures sombres se dessine plutôt comme un haletant thriller politique qu’un film de guerre. Hitler et Mussolini sont les ennemis manifestes, mais Churchill doit combattre des ennemis intérieurs tout aussi féroces, et notamment Neville Chamberlain et le sournois Halifax (Stephen Dillane, vu notamment dans Game of Thrones). Le métrage est porté par un Gary Oldman tout simplement énorme, qui réussit à la fois à faire oublier l’acteur derrière le personnage, et la tonne de latex dont il est recouvert, en interprétant à la perfection son Churchill. Les mimiques et les tics, les moindres gestes, les regards de doute, de conquête, de méchanceté ou encore de malice, sont ceux de Gary Oldman tout autant que ceux du « Vieux Lion ». La caractérisation du grand homme est dénuée de complaisance de la part du scénariste Anthony McCarten, et de la part du metteur en scène, qui n’ont pas hésité, à plusieurs reprises, à le montrer dans ses excès. Même si leur version de Churchill est globalement hagiographique, comme par exemple dans cette scène totalement inventée de Churchill frayant avec le peuple britannique et de l’Empire dans le métro de Londres, on ne peut pas leur reprocher un manque d’objectivité à l’égard du grand homme.

La réussite du film tient notamment dans ce combo caractérisation minutieuse / casting impeccable. Le roi George VI, bégayant de tout son soûl dans Le Discours d’un Roi de Tom Hooper, est un personnage beaucoup plus en nuances tel qu’interprété ici par Ben Mendelsohn. Tantôt contre Churchill qu’il a dû nommer Premier Ministre malgré lui, tantôt son allié au plus fort de ces heures sombres, donnant même une des scènes les plus empreintes de tendresse dans un film plutôt âpre, « Bertie » a une dimension très humaine que le « bad boy » australien contribue à façonner. Kristin Scott-Thomas incarne à merveille Clementine Churchill, une femme résignée mais loyale et fidèle, fatiguée mais tentant de rester à la hauteur de son époux en matière de drôlerie et de punchlines. Lily James, enfin, apporte la fraîcheur dans ce monde de vieux intrigants. La secrétaire personnelle de Churchill est l’agnelle qui aurait pu et dû se faire bouffer toute crue, et qui, in fine, devient la femme de confiance d’un homme qui a gagné une guerre avec les mots qu’il dictait et qu’elle tapait avec frénésie et avec ferveur.

Il est étrange de constater la coïncidence entre d’une part la sortie de Dunkerque, le film minimaliste de Christopher Nolan qui détaille une des journées de ce fameux moi de Mai, précisément celle de l’Opération Dynamo proprement dite, et celle des Heures sombres de Joe Wright, qui en raconte la gestation et le difficile accouchement ; et d’autre part, l’avènement du Brexit presque concomitamment à ces sorties. Comme une mauvaise ironie du sort, la frilosité quasi-xénophobe qu’une moitié des Britanniques a montré avec ce Brexit vient en totale contradiction avec ces films, avec les Heures sombres en particulier, un film qui montre combien, en plus de défendre son île, Churchill avait à cœur de protéger sa chère France et l’Europe, et surtout de défaire celui qu’il appelait alors déjà, Le Monstre, alors même qu’il était à un cheveu de céder aux sirènes de la négociation. Des hasards de calendrier qui ne sont qu’accidentels, mais qui ajoutent assurément du piment au visionnage de ce très bon film.

Les Heures sombres – Bande-annonce

Les Heures sombres – Fiche technique

Titre original : Darkest Hour
Réalisateur : Joe Wright
Scénario : Anthony McCarten
Interprétation : Gary Oldman (Winston Churchill), Kristin Scott Thomas (Clemmie), Ben Mendelsohn (Le Roi George VI), Lily James (Elizabeth Layton), Ronald Pickup (Neville Chamberlain), Stephen Dillane (Vicomte d’Halifax)
Musique : Dario Marianelli
Photographie : Bruno Delbonnel
Montage : Valerio Bonelli
Producteurs : Anthony McCarten, Tim Bevan, Eric Fellner, Douglas Urbanski, Lisa Bruce
Maisons de production : Working Title Films
Distribution (France) : Universal Pictures International France
Récompenses : Nombreuses pour Gary Oldman (Meilleur Acteur) et Joe Wright (Meilleur Réalisateur)
Budget : USD 30 000 000
Durée : 125 min.
Genre : Biographie, Histoire
Date de sortie : 03 Janvier 2018
Royaume-Uni – 2017