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La Belle époque prouve une seconde fois que l’amour chez Nicolas Bedos est tantôt puissant, tantôt sarcastique. C’est surtout un long chemin semé de moments inoubliables, d’autres plus complexes à traverser. Pour le réalisateur, le cinéma comme usine à rêves est un vecteur parfait pour raconter l’union ou la désunion de deux êtres. Il le fait avec humour, mais aussi une petite dose d’émotion toujours désamorcée par le piquant de ses personnages.

Amoureux de ma femme

Le temps qui passe est une question âpre, douloureuse parfois. Elle est le thème de nombreuses œuvres de réflexion. Ce temps qui file et qui change les êtres est un leitmotiv de l’œuvre de Nicolas Bedos, en tout cas de ses deux premiers films. Après M et Mme Adelman, Bedos s’intéresse à la naissance d’un amour, qu’il met en parallèle avec son échec 40 ans plus tard. Ce parallèle ne se fait pas autour d’un grand flash back, car ce n’est pas avec son véritable amour jeune que Victor (le très en forme Daniel Auteuil) renoue, mais avec l’actrice qui rejoue avec lui leur rencontre. C’est l’idée complètement démente d’un entrepreneur sur les nerfs (Guillaume Canet vissé à son oreillette et qui bourrine à fond, très bien dirigé). Il met en scène pour des clients fortunés des époques qu’ils souhaitent vivre ou revivre. La plupart choisissent en réalité des moments historiques qu’ils n’ont pas vécus et se prennent tour à tour pour Hitler ou Marie Antoinette, mais Victor choisit lui de revivre une semaine très marquante de sa vie : celle où il le dit lui même, il a rencontré le grand amour.

Ce grand amour, ce grand moment est tour à tour dessiné ou revécu avec forcément des variations dans le scénario très cher et bien huilé d’Antoine. C’est que Margot ne l’entend pas de cette oreille et compte bien se rebiffer contre le metteur en scène qui n’est autre que son ex-compagnon un poil colérique. En se rebiffant, elle devient l’image idéale, hédonique pour un homme qui ne rêve que de revenir à un passé béni, nostalgique. Pour autant qu’il le recrée fidèlement, faisant du plateau de ces moments historiques en taille réelle de véritables coulisses de cinéma, Nicolas Bedos n’oublie pas aussi de moquer cette nostalgie, de prendre du recul par rapport au fameux « c’était mieux avant ». Pour Victor finalement il s’agit aussi de se reconnecter à sa vie présente. Cela paraît tout bête, tout fabriqué, mais même cela avec un habile mélange d’ironie et de grande honnêteté, le réalisateur parvient à le détourner. Quant à Nicolas Bedos, il se demande : comment raconter l’amour au cinéma ?

Retour vers le présent

En jouant habilement entre présent et passé, vrai et faux, fabriqué et réel, La Belle époque entraîne ses personnages dans un véritable tourbillon, presque un précipice. Pourtant, si le film à la tête dans les étoiles, utilise la machine cinéma comme une véritable construction d’univers, il garde aussi les pieds sur terre et ne part ni dans le pathos ni dans l’hystérie. Les personnages sont des petites fantaisies écrites pour leurs acteurs qui pétillent et s’amusent comme des enfants. Fanny Ardant joue à la femme connectée, qui s’efface derrière la technologie, quant à Doria Tillier en actrice fantasque, forte et débonnaire qui se cherche une grande histoire avec un homme effrayant, elle brille, comme souvent devant la caméra de Nicolas Bedos. Elle occupe l’espace, on ne voit qu’elle et Victor ne s’y trompe pas. Quand il l’observe, la dessine, la construit à son image et la laisse lui échapper, prendre le contrôle, il se laisse aller à l’adoration. Car La Belle époque est un film sur les toutes petites choses, les détails, les instants, qui nous font aimer les personnes. Ces mêmes détails dira Marianne elle-même qui peuvent devenir les fléaux qui font ensuite flancher ce même amour. Les personnes changent-elles vraiment ou finissent-elles simplement par perdre le goût d’être ensemble ? C’est l’habile question que pose Nicolas Bedos, tout en refusant à son film de se reposer. Il court, vole, déstructure, déconstruit, mais surtout en met plein les yeux. Il fait cinéma avec ce que cette fabrique à rêves a de plus beau, de plus carton-pâte aussi. En reconstruisant le passé, il dit la force des besoins d’échapper, de vivre en regardant, en observant, en vibrant, en ayant peur du vide tout simplement. Victor est au début du film comme un chat qui s’étire, qui ne veut pas qu’on le dérange alors que Marianne est une tempête qui veut tout vivre, tout de suite, tout tester, tout goûter, tout créer, quitte à s’effondrer.

« Je peux vivre sans toi oui, mais, le seul problème mon amour, c’est que je ne peux vivre sans t’aimer »

Finalement, La Belle époque est une comédie romantique facétieuse, souvent surprenante, parce que jouant habilement sur le thème de la projection que les amoureux se font l’un de l’autre. Mais le film est aussi et surtout un moment suspendu, habile, agréable qui assume ses excès, ses efforts pour en mettre plein la vue et refuser de se reposer. Le temps a une emprise certaine sur l’œuvre de Nicolas Bedos, il l’obsède et obsède finalement chacun de ses personnages. A l’image des deux amoureux de Mon inconnue, Marianne et Victor semblent eux aussi vivre dans un monde parallèle où ils ne s’aiment plus, mais où l’autre leur manque pourtant bien trop. Nicolas Bedos prouve avec La Belle époque que c’est en changeant de regard sur l’autre que l’on apprend réellement à vivre avec lui, quitte à accepter de faire sa propre introspection. La Belle époque se regarde comme on ouvre un calendrier de l’avent, avec envie et gourmandise et une grande part de magie, celle de l’imagination.

La Belle époque : Bande annonce

La Belle époque : Fiche technique

Synopsis : Victor, un sexagénaire désabusé, voit sa vie bouleversée le jour où Antoine, un brillant entrepreneur, lui propose une attraction d’un genre nouveau : mélangeant artifices théâtraux et reconstitution historique, cette entreprise propose à ses clients de replonger dans l’époque de leur choix. Victor choisit alors de revivre la semaine la plus marquante de sa vie : celle où, 40 ans plus tôt, il rencontra le grand amour…

Réalisateur : Nicolas Bedos
Scénario: Nicolas Bedos
Interprète : Daniel Auteuil, Fanny Ardant, Doria Tillier, Guillaume Canet, Pierre Arditi, Denis Podalydès, Michaël Cohen, Jeanne Arènes
Photographie : Nicolas Bolduc
Montage : Anny Danché
Production : Les films du Kiosque
Distribution: Pathé/ Organge Studio
Durée : 115 minutes
Genre : comédie dramatique
Date de sortie : 6 novembre 2019

France – 2019

Présenté à la Mostra de Venise et adapté de deux pièces de Shakespeare, The King prend un titre minimaliste pour reprendre à son compte un des épisodes marquants de la Guerre de Cent Ans. Stylisé, magnifié et codifié à l’extrême, ce roi survivra t-il à l’un des exercices les plus redondants de la culture anglo-saxonne ?

Synopsis : Le futur roi Henri V d’Angleterre vit de débauches, en retrait du règne de son père Henri IV, marqué par la guerre et le retour des querelles intestines. Couronné presque malgré lui à la mort de ce rustre, il lui succède en entrant dans la grande Histoire, au prix d’une terrible confrontation dans une des plus grandes batailles de la Guerre de Cent Ans.

Morne plaine

On entre dans ce film par un champ de bataille langoureux, où les morts rampent parfois vers le mauvais côté. Entre Anglais et Ecossais, l’amour a souvent été vache et est aussi passé par quelques batailles rangées pleines de gros balourds un poil soupes au lait. Pourtant, c’est avec une forme de tenue toute britannique qu’on exécute les mourants perdus dans la boue, goûtant au dernier souffle de vent venu des terres ennemies. Bienvenue chez Shakespeare. On pourrait en faire un panneau, le poser dans un coin de ce premier plan majestueux, accompagné d’une délicatesse menue par deux mouvements de caméra très coulés. Fascinant comme un bateau fantôme, il pose et impose une esthétique qui ne bougera plus d’un cil, même le plus menu. Une superbe photo d’Adam Arkapaw, qui nous a déjà fait goûter en 2015 à la lumière de Macbeth avant de dessiner celle, parmi d’autres projets marquants, de Top of the lake, la série de Jane Campion. David Michôd, lui, qui n’a peut-être jamais eu autant de budget, jubile et cherche à partager ce sentiment très visible avec des figurants nombreux, des décors et des costumes gavant ces premières minutes comme un bonbon trop sucré.

Ghost in the shell

Sur un scénario librement adapté du grand S, par David Michôd et Joel Edgerton, qui joue également dans le film, The King commence très rapidement à affronter des fantômes. Ceux-là mêmes qui ont forgé des générations d’acteurs anglo-saxons, ceux qui avaient échappé à l’Actors Studio, qui ont pris à la gorge nombre de récits historiques et consacré des géants comme Laurence Olivier. Ces légions sont envoyées par un beau jeune homme à moustache, le crâne légèrement dégarni, et ce sont sous ses Fourches Caudines qu’il faudra passer. Shakespeare est tellement plus qu’un auteur, presque un prophète, que toucher à ses textes apporte autant de bénédictions que de malédictions. On peut tenter de s’en échapper, tourner autour, en jouer et en rire, à l’image de Shakespeare in love, vraie surprise, mais aussi film pop et périssable, cependant les auteurs reviendront toujours à l’essence même du patrimoine culturel incommensurable qu’une telle œuvre à laissé.

En route pour l’aventure. Enfin, doucement quand même…

Le film de David Michôd attaque donc la bête par la face nord, en plein hiver et sans bonnet. Les plans iconiques se succèdent dans un découpage aux petits oignons, devant lesquels on a l’honneur impérieux de s’ennuyer en bonne compagnie. Mettre en valeur un texte de théâtre par la grammaire cinématographique, même la plus léchée, est une vraie quadrature du cercle pour les cinéastes, et si l’écrin est splendide, l’exercice est si familier qu’il en devient rapidement un beau bijou triste. On le regarde sans trop vouloir le quitter, un peu penaud, car ces magnifiques scènes de batailles, ces belles armures et ces très bons acteurs rendent un travail en tout point admirable. Alors pourquoi l’ennui est-il devenu un ennemi ? Pourquoi reviendra t-on toujours aux racines shakespeariennes ? Comment concilier les deux ? Le cinéma patrimonial est devenu progressivement une plaie pour tous, devant et derrière l’écran. Mettre en scène des auteurs, des textes et des figures iconiques d’une culture commune n’a pas souvent donné de grands films, ni nombre de films populaires, au bon sens du terme. Entre l’élitisme désuet de certains de ses textes, l’impériosité nécessaire dans le jeu des interprètes, tous les regards ne se posent et ne se poseront plus de la même façon sur ces plans, perdus parfois comme un enfant de 5 ans dans le musée du Louvre. Sans guide.

Shake your spirit

C’est beau, et alors ? L’essence du récit shakespearien a inspiré nombre d’œuvres qui ont pu s’en détacher avec réussite, et pour lesquelles on peut citer un pan très large de la culture populaire. Falstaff, incarné par Joel Edgerton, une des créations comiques les plus connues de Shakespeare était un moyen de réussir ce pari. Bouffon orgiaque des années de débauche d’un futur grand roi, l’ancien chevalier redevenu grand sage, une fois rappelé à la cour par son ancien disciple le roi, paraît ici clairement sous-exploité. Enveloppé lui aussi par la patine, comme le score de Nicolas Britell tout en solennité, par de longues nappes tirant le récit vers le sombre, l’élégant, le sobre. Le bel ennui. C’est par la surprise, l’interprétation loufoque et jubilatoire de Robert Pattinson que le film démontre un réel intérêt, malgré même les railleries dont son accent français déclamant « victory » « victry » fâchera les plus anglophiles d’entre nous (et nous sommes peu). Ce jeu, cette provocation, outil essentiel pour percevoir le drame par le rire, devant rappeler à Falstaff qu’il est Falstaff, touche du doigt dans la dernière partie du film ce qu’il met le mieux en valeur. L’absurde illusion d’échapper à la guerre, pour le personnage d’Henri V, magnifiquement nuancé pendant 2h20 par Timothée Chalamet, prend tout son sens dans les chorégraphies fascinantes de la bataille d’Azincourt, qui précipita en 1415 la chute du royaume de France au fond du gouffre de la Guerre de Cent Ans.

Requiem pour des fous

Robert Pattinson en Louis de Guyenne, défiant en armure le Roi d’Angleterre, en glissant dans une boue qui a vu les ¾ de la chevalerie française être décapitée par les archers britanniques, est une scène absolument formidable. Elle a demandé à son interprète une vraie prise de risques pour jouer un personnage aussi ridicule, par qui la violence du conflit passe pourtant le mieux. On pourra déclamer sur la véracité historique, les libertés prises avec la grande Histoire, les mouvements d’escrime, les étendards et la couleur des plumeaux : il y a dans cette volonté seulement présente ici, à l’extrême conclusion d’une grande scène de bataille, le souffle shakespearien qui porte les grandes désillusions. Tant de personnages torturés n’ont pas eu la chance de croiser ainsi des antagonistes aussi dingues au bon sens du terme, ce qui me permet de saluer le petit rôle de Thibault de Montalembert, qui, en un seul long monologue pendant lequel il prend l’enveloppe du roi fou Charles VI déshéritant son fils, rappelle au récit comme au casting quels sont les grands personnages devant être mieux servis.

Être ou ne pas être…

Le Roi est un plaisir de cinéma, très connu et très joli, et on pourrait vouloir qu’il en soit beaucoup plus. Certains aimeront ces mornes plaines, ces dialogues, cette mélancolie gazouillant joliment sur l’actualité en montrant un grand Roi qui ne voulait pas diriger, comme une métaphore du pouvoir corrompant tous les esprits. C’est beau, c’est fort, parfois puissant mais ce n’est plus assez.

Le Roi (The King) bande-annonce

Fiche technique : The King

Titre français : Le Roi
Réalisation : David Michôd
Scénario : Joel Edgerton et David Michôd, d’après les œuvres de William Shakespeare
Direction artistique : Fiona Crombie
Décors : Matthew Hywel-Davies, Megan Jones, Géza Kerti et Kiera Tudway
Costumes : Jane Petrie
Montage : Peter Sciberras
Musique : Nicholas Britell
Photographie : Adam Arkapaw
Production : Joel Edgerton, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, David Michôd, Brad Pitt et Liz Watts
Coproduction : Ildiko Kemeny, David Minkowski et Anita Overland
Société de production : Plan B Entertainment ; Blue-Tongue Films, Netflix et Porchlight Films
Société de distribution : Netflix
Pays d’origine : Drapeau des États-Unis États-Unis, Drapeau de l’Australie Australie
Langues originales : anglais, français
Format : couleur
Genre : drame historique
Durée : 140 minutes
Dates de sortie :
Italie : 2 septembre 2019 (Mostra de Venise)
États-Unis : 11 octobre 2019 (sortie limitée)
Monde : 1er novembre 2019 (Netflix)

Distribution
Timothée Chalamet (VF : lui-même) : Henri V
Joel Edgerton (VF : Jérémie Covillault) : Sir John Falstaff
Robert Pattinson (VF : Thomas Roditi) : Louis de Guyenne

Adulé par une irréductible frange de fans depuis sa sortie en 2009, Bienvenue à Zombieland a vite fait de devenir pour certain(e)s un véritable totem générationnel. C’est dire alors l’inquiétude qui fut la nôtre à l’annonce d’une suite, qui plus est une décennie après. Mais c’était sans compter sur la clique de Ruben Fleischer, qui non contente de revenir aux affaires, a mis le paquet pour offrir Retour à Zombieland ; une suite dans la droite lignée de son ainée & bardée de fun jusqu’à la gueule ! 

S’il y a bien un film sur lequel on n’aurait pas misé un kopeck à l’époque, tant pour son contenu que pour son potentiel de franchise, c’est bien Zombieland, tant outre s’installer dans un genre ultra-codifié et façonné par des grands (George Romero, Edgar Wright, Zack Snyder), le film de Ruben Fleischer osait miser sur ses interprètes à défaut de son univers. Résultat, au milieu des débris de cette Amérique pourrissante, on en retenait davantage les frasques de notre quatuor de dingos que les conséquences que la zombification avait occasionné sur le pays de l’Oncle Sam. En soi, rien de honteux là-dedans, surtout quand le vétéran Woody Harrelson, truculent en diable, s’entourait dès lors des ultra recommandables Emma Stone, Jessie Eisenberg et Abigail Breslin. Mais ça avait eu le chic de surprendre, tant pour sa verve très référentielle et qu’on se le dise barrée que pour son coté vachard et métatextuel. Depuis, 10 ans ont passé, le genre zombie n’est devenue qu’une pale copie de lui-même (coucou The Walking Dead) et on se demandait où ce film pourrait se nicher : en une suite qui veut désespérément capitaliser sur le succès de son aînée ou en un film qui n’a aucune autre velléité qu’offrir du fun à son casting et à son public ?

Une suite furibarde 

Force est d’admettre que ce hiatus décennal aura permis d’affiner quelque peu la réponse puisque ni tout à fait une suite opportuniste, ni tout à fait un plaisir régressif en diable, le film assume carrément d’être à cheval entre ces deux mécaniques, qu’on se le dise, irréconciliables. De facto, nous voilà repartis dans le monde barré de Zombieland et si vous le permettez, on versera dans la référence pour dire qu’à l’Ouest, rien de nouveau. Le monde est toujours peuplé de saloperies avides de sang, Woody Harrelson claironne toujours qu’il est le plus gros zigouilleur de zombie du monde et la paire Emma Stone/Jesse Eisenberg roucoule des jours heureux. C’est sur cette base que le film va se reposer en y injectant davantage de fun, d’inconséquence et de bordel, pour notre plus grand plaisir. Puisque soyons honnêtes, à la vue d’un tel film, on ne s’attend pas à disserter sur les émois de survivants d’un monde post-apocalyptique ou sur les éventuels enjeux géopolitiques qui y sont liés. On veut de la crasse, de l’humour borderline, du fun, du non-sens, quelques pincées de WTF, et un ton référentiel suffisamment vachard pour nous faire accepter la montagne de clichés déployés et en rire goulûment. En ça, cette suite arrive à se maintenir dans le sillon de son aînée, puisque là ou le premier misait surtout sur l’alchimie naissante de son quatuor, ici ce n’est plus la même rengaine : les amitiés et inimitiés sont faites et l’on ne peut que se reposer sur les obstacles déposés sur le chemin de notre dream-team dégénérée. In fine, ça veut dire se coltiner une communauté hippie clichée à l’extrême, un festival de beaufitude largement assumé avec son lot de sosie d’Elvis, de ballet de monster-truck et de blondes écervelées, et aussi une glorification constante de ce qui fait le sel de cet univers : une violence décomplexée. Car au milieu de ce tempo comique savamment orchestré dans lequel brille sans surprise la paire Harrelson/Eisenberg, on n’est pas en reste côté jambes qui volent, têtes coupées et effusions d’hémoglobines. Le pire étant qu’on en redemande, tant Fleischer non content de sortir du calvaire Venom, met les bouchées doubles pour séduire. A l’arrivée, on en retient un ride décomplexé, jouissif et qui, chose étonnante dans le grand marasme des suites hollywoodiennes, en a suffisamment dans le pantalon pour justifier de son existence. Car là où aucun n’aurait espéré un prolongement de l’histoire, chose hautement improbable en l’état, le film préfère une fois encore miser sur ses personnages et leur alchimie. Et inutile de dire que ça serait criminel de ne pas donner de l’espace et du jeu à ces stars. Surtout quand on sent le plaisir qu’elles ont à jouer ces mabouls. Ça ne va malheureusement pas sans faiblesse ; en atteste le retrait surprenant d’Emma Stone qui traverse le film sans réellement avoir de moments pour briller ou les quelques longueurs qui émaillent le récit, mais dans l’esprit du film, ça n’est tout au plus que des fioritures tant le plaisir reste intact et la jouissance ô combien palpable. Si bien qu’on se demande à la fin de ce ride débridé, si une suite elle aussi prévue dans 10 ans ne serait pas souhaitable. Après tout, le film a beau ne pas raconter grand chose in fine, il déploie pourtant quantité de pistes sur cet American Way of Life dégénéré, sur certains thèmes de sociétés et autres courants politiques. Cela rend le film éminemment actuel dans son traitement, et nul doute que vu l’évolution que prend le pays de l’Oncle Sam à l’ère Trump, une suite prévue dans 10 ans pourrait agir en tant que commentaire politique de son époque. La preuve s’il en est que quand Romero usait de la figure du mort-vivant pour critiquer le consumérisme, il était dans le vrai en affirmant que ces bébêtes buveuses de sang pouvaient être des outils pour critiquer le monde environnant. A ceci près qu’on n’aurait là encore jamais misé un kopeck sur le potentiel des bêtes de Zombieland pour asseoir quelconque velléité de discours politique. Mais une fois encore, il ne faut jamais se fier aux apparences. Ce qui, il y a 10 ans, était une comédie vacharde est devenu un film culte pour toute une génération, c’est donc le juste retour des choses, non ? 

A défaut de réinventer le genre ou même de proposer une suite inventive à son imposant grand frère, Retour à Zombieland préfère prendre la tangente par rapport à tout ça et offrir une suite ni meilleure, ni pire, mais au moins équivalente et remplie jusqu’à la gueule de fun et d’irrévérence. Il n’en fallait pas moins pour qu’on apprécie ce plaisir hautement régressif et somme toute barré. 

Bande-annonce : Retour à Zombieland 

Synopsis : Dix ans après, Tallahassee, Columbus, Wichita et Little Rock font toujours équipe et luttent ensemble pour survivre face aux zombies. Ils trouvent un temps refuge dans la Maison-Blanche. Columbus et Wichita vivent leur petite vie de couple, alors que Tallahassee « couve » Little Rock. Mais cette dernière a des envies d’ailleurs et d’être avec des gens de son âge. Elle décide de partir. Wichita et Little Rock reprennent donc seules la route, au grand désespoir des deux hommes. Mais Little Rock va disparaître avec un dénommé Berkeley. Wichita revient alors à la Maison-Blanche pour s’armer avant d’aller chercher sa petite sœur. Entre temps, Columbus a rencontré une certaine Madison…

Fiche technique : Retour à Zombieland

Réalisation : Ruben Fleischer
Casting : Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin, Rosario Dawson, Zoey Deutch, Avan Jogia, Thomas Middleditch, Luke Wilson, Bill Murray, Ray Park
Scénario : Dave Callaham, Rhett Reese et Paul Wernick
Décors : Martin Whist
Photographie : Chung-hoon Chung
Production : Gavin Polone

Etats-Unis – 2019

Après Ulysse et Mona, Sebastien Betbeder s’aventure dans les Alpes avec un jeune casting prometteur pour son sixième long métrage. Debout sur la montagne s’inscrit dans la parfaite lignée de l’oeuvre de son auteur, qui illustre cette jolie et douce vague d’absurde à la française comme l’avait fait Perdrix dernièrement.

Les couleurs de l’automne vont bien au teint de ce trio infernal, un peu perdu et très désorienté ayant comme seul repère le passé, les souvenirs et les liens qui les unissent. William Lebghil, Izïa Higelin et Bastien Bouillon forment un groupe d’amis et d’anti-héros aux failles aussi évidentes que la tendresse qui les réunit. C’est d’ailleurs grâce à ces jolis sentiments qui les maintiennent les uns avec les autres que l’on s’attache très rapidement à leurs personnages, pour chacun blessé ou abîmé par la vie, par ce qu’elle leur a offert ou par ce qu’ils en ont fait. Izïa Higelin, soleil de ce trio perdu, se place très vite en leader charismatique de cette bande de potes, et va permettre à chacun de se révéler un peu et de se rendre encore plus spécial qu’ils ne le sont déjà. Mais William Lebghil surprend aussi dans un registre plus dramatique qu’à son habitude où tout semble plus maîtrisé, mesuré et lui va divinement bien.

C’est cette singularité qui peut être passionnante dans le film, ce ton particulier, cette ambiance planante, cet ensemble d’éléments attachants, sensibles qui rend les personnages d’une humanité prenante et permet au spectateur de ressentir énormément d’empathie et presque l’envie de rejoindre ce groupe et d’en faire partie. Comme les précédents films du réalisateur, ou les œuvres qui s’en rapprochent, le temps peut sembler long lorsque l’on n’adhère pas complètement au format mais la manière avec laquelle le cinéaste capte les solitudes de notre époque et les âmes en peine demeure d’une émotion terrible jusqu’au final encore plus accrochant. Comment survivre dans ce chaos ? Debout sur la montagne déborde de pureté dans son intention.

Betbeder a également la capacité de faire quelque chose avec rien. Des silences, des non dits, des regards fuyants et souvent un calme plat un peu angoissant, il en fait une oeuvre assez intime et intelligente qui parle justement de tout cela, de l’incommunicabilité, des amitiés retrouvées qui peuvent nous bouleverser et marquer nos vies à jamais, de l’imaginaire qui déborde et ne trouve pas toujours répondant. C’est sans doute ce que le cinéaste expérimente à chacun de ses films pourtant intéressants surtout dans les portes qu’il ouvre, les questions qu’il provoque à chaque silence lorsque l’on se demande pourquoi il ne se passe rien, pourquoi le film ne dit rien. La force du film est dans ce qu’il ne dit pas mais qu’il offre à travers le visage de ces trois acteurs, sur qui la caméra s’arrête à tour de rôle. Debout sur la montagne a la force de la mélancolie qui fait varier les émotions et mêle les sentiments comme le film détourne les siens, et s’amuse des genres. De l’étrange au fantastique, le film se transforme tantôt en comédie et parfois en tragédie, les comédiens errent au milieu de ces tumultes déstabilisants et font de ce long métrage un bon et riche moment de cinéma.

Bande-Annonce : Debout sur la montagne

Fiche Technique : Debout sur la montagne

Réalisation : Sébastien Betbeder
Scénario : Sébastien Betbeder
Casting : William Lebghil, Izïa Higelin, Bastien Bouillon, Jérémie Elkaïm, Estéban
Décors : Aurore Casalis
Photographie : Sylvain Verdet
Montage : Céline Canard
Musique : Sourdure
Sociétés de production : Gloria Films, Les Films du Printemps et Auvergne-Rhône-Alpes Cinéma
Société de distribution : Sophie Dulac Distribution
Genre : Comédie dramatique
Durée : 95 minutes
Dates de sortie : 23 octobre 2019