LeMagduCiné

20 années de préparation, des milliers de croquis préparatoires, un scénario copieux maintes fois remanié, une production constamment repoussée aux calendes grecques… Le moins que l’on puisse dire, c’est que le développement de Battle Angel Alita a des allures de grossesse compliquée abandonnée avant son terme. En effet, probablement occupé sur les suites d’Avatar jusqu’à la fonte totale de la banquise, James Cameron s’est résolu à laisser un autre élever l’enfant qu’il a porté pendant deux décennies. Sur le principe, pourquoi pas. Mais que son choix se soit porté sur Robert Rodriguez laisse perplexe sur les critères de sélection retenus.

Les torchons et les serviettes

Soyons clair : James Cameron n’est ni le premier, ni le dernier réalisateur éminent à faire preuve d’un discernement discutable dans ses activités de producteur. Mais léguer un projet de si longue date à Robert Rodriguez, on rentre dans le cadre de la saillie contre-nature. Un peu comme si Léonard de Vinci avait engagé Jeff Tuche pour faire l’éducation de sa progéniture. Certes, on imagine sans peine que l’esprit d’indépendance revendiqué par Rodriguez et sa mentalité de « Do it yourself » a pu résonner chez Cameron, qui a lui-même mis plus d’une fois son autonomie à l’épreuve durant sa carrière. Mais difficile d’accorder le perfectionnisme maladif de l’auteur d’Abyss avec la nonchalance olé-olé associée au réalisateur de Desperado. Le gigantisme de Cameron ne souffre pas d’approximations, quand l’approximation constitue trop souvent le trait d’union de la dimension artisanale des films de Rodriguez.

On le voit, il manque très clairement un génie dans la combinaison pour accoucher d’un nouveau A.I (projet développé par Stanley Kubrick avant d’être transmis à Steven Spielberg par le cinéaste de Spartacus lui-même). Mais pas seulement. Rodriguez lui-même s’est employé à éteindre en amont tout espoir de le voir se transcender au contact de Cameron. Le réalisateur de Spy Kids le répète à qui veut l’entendre : il est là pour porter la vision d’un autre à l’écran. Et de fait, tout est fait pour que Battle Angel : Alita soit attendu comme le nouveau Cameron. L’intéressé n’est pas en reste, puisqu’il a manifestement aménagé son emploi du temps de ministre pour effacer le Roro du service après-vente. Comme s’il revendiquait la paternité du score après avoir laissé quelqu’un d’autre tirer le pénalty. Sans s’assurer que le ballon soit effectivement rentré dans la cage.

De fait, on ne s’étonnera pas que le premier (et principal) problème de Battle Angel : Alita réside dans la neutralité de ses parti-pris. Or, la nature même du film réclamait à cors et à cri une conscience visuelle aiguë des problématiques inhérentes au dispositif narratif adopté. Celui qui fait d’Alita, humanoïde adolescente, amnésique, et machine de guerre en sommeil le point d’entrée du spectateur dans un univers aussi dense que complexe. Pour sur, le procédé est de Cameron. Mais l’exécution n’est définitivement pas la sienne.

Les yeux sans visage

Certes, le cameronphile aura de quoi manger tant les motifs du maître parsèment l’écran. Mais la position d’apôtre de sa sainteté défendue par Rodriguez, la même au fond que celle adoptée vis-à-vis de Franck Miller à l’époque de Sin City, semble ignorer sciemment la nature médiumnique du cinéma, et les règles qui en découlent. A savoir que tout message est forcément altéré par les moyens d’expression du support déployé pour le transmettre. Autrement dit, ce n’est pas parce que ça ressemble à du Cameron que ça a le goût du Cameron. Pour Rodriguez, retranscrire le point de vue de quelqu’un signifie manifestement effacer le sien. C’est le messager qui oublie de lire le message qu’il doit livrer.

Ainsi, dès les premières images il est évident que nous serons condamnés à rester sur le pas de la porte du personnage. Rodriguez s’enferme dans une logique d’illustration qui casse les ailes de ses analogies les plus évidentes (son réveil dans une chambre d’adolescente, information à peine intégrée à l’écran) et nous place en permanence devant le fait accompli (voir la découverte de ses « pouvoirs », véritable touffe de poils dans la soupe). Il faut toute la force de conviction déployée par l’excellente Rosa Salazar dans le rôle-titre, seule rescapée (avec Mahershala Ali) d’une direction d’acteurs calamiteuse, pour faire vivre les émois du personnage.

Plus que sa direction artistique ou ses thématiques parfois oralisées (et, à l’occasion, un peu lourdement), l’essence du cinéma de Cameron a toujours résidé dans sa formidable compréhension du mécanisme d’empathie et d’identification propre au cinéma. Qualité qui lui a toujours permis de surpasser non seulement les barrières du représentable, mais surtout d’identifier ledit représenté à l’aune des affects qu’il parvenait à nous faire projeter vers lui. Chez Cameron, l’humanité commence là où démarre l’empathie du spectateur, et l’émotion constitue le portail vers le questionnement métaphysique. Or, en dissociant comme à son habitude le « cool » (la chick cyborg qui donne des coups de latte) avec ce qui rend le cool possible, Rodriguez transforme ses éléments de récit en gimmicks désincarnés. Ce n’est pas du James Cameron, mais du Jim Cameroon.

Panzer Kunst Musical

Privées de leur point d’acheminement, les formidables thématiques d’Alita ne peuvent fatalement que rester à quai, rabotant l’ensemble au niveau d’un young-adult fondamentalement pas déplaisant, mais inoffensif. Argument accentué par une direction artistique bien trop proprette (on peine franchement à comprendre en quoi Iron City est un purgatoire dont il faut impérativement s’échapper) et du choix « suspect » de certains interprètes : voir le bellâtre Ed Skrein dans le rôle d’un chasseur de primes humanoïde ou le love interest d’Alita, tout droit sorti d’une pochette de boys band des années 90 (décennie de naissance du projet : full circle).

C’est là que l’on ne peut s’empêcher de s’interroger sur l’implication de James Cameron dans la conception du film et sa responsabilité dans le résultat. Que l’impact de Battle Angel Alita soit amputé par la présence de Robert Rodriguez derrière la caméra, en soit personne ne s’en étonnera. Que les cinémas de Cameron et Rodriguez ne « matchent » véritablement que dans les instants les plus triviaux du long-métrage (voir cette bagarre de bistrot aussi vaine que franchement ludique) ne surprendra que ceux qui prêtaient encore au réalisateur des Machete des velléités autres que le délire purement potache.

En revanche, on tiquera davantage sur certains aspects plus bancals du projet, d’autant plus difficiles à expliquer à l’aune de l’implication tant soulignée d’Iron Jim. Et notamment un scénario retouché par Rodriguez et approuvé par son éminence qui, entre ellipses mal placées et caractérisations approximatives, ne transpire pas la rigueur associée habituellement à Cameron. Un point parmi d’autre qui contribue à raboter le récit vers le petit dénominateur commun de la grosse production calibrée pour survivre à ses ambitions initiales.

Body Snatchers

Qu’on ne s’y trompe pas : en l’état, Battle Angel Alita reste un film mieux fagoté que la plupart des blockbusters à 200 millions. Du strict point de vue de la tenue technique, le cinéma de Rodriguez ressort indéniablement grandit de cette collaboration. En témoigne le soin apporté aux scènes d’actions, qui suffit à lui-seul à rendre palpable le souci du spectateur que l’on est en droit d’attendre de l’engagement (lointain ou non) de James Cameron.

Reste qu’on restera sur sa faim en voyant Robert Rodriguez réaliser son young-adult sur le dos de l’arlésienne de JC. Battle Angel : Alita renvoie parfois à Mortal Engines de Christian Rivers (en moins abouti) , en ce qu’il fait parfois penser à un cinéaste déléguant son imaginaire à un exécutant dévoué. A la différence qu’à force de vouloir s’indexer sur les traces de Big Jim, Rodriguez neutralise lui-même sa propre signature. Ce qui n’est pas forcément un mal au vu de la filmographie du monsieur, mais énonce bien tout le problème de Battle Angel : Alita. A savoir que ce n’est pas un mauvais film. Juste un film que n’importe qui aurait pu réaliser.

Bande-annonce Alita: Battle Angel

Synopsis : Lorsqu’Alita se réveille sans aucun souvenir de qui elle est, dans un futur qu’elle ne reconnaît pas, elle est accueillie par Ido, un médecin qui comprend que derrière ce corps de cyborg abandonné, se cache une jeune femme au passé extraordinaire. Ce n’est que lorsque les forces dangereuses et corrompues qui gèrent la ville d’Iron City se lancent à sa poursuite qu’Alita découvre la clé de son passé – elle a des capacités de combat uniques, que ceux qui détiennent le pouvoir veulent absolument maîtriser. Si elle réussit à leur échapper, elle pourrait sauver ses amis, sa famille, et le monde qu’elle a appris à aimer.

Fiche technique : Alita: Battle Angel

Réalisateur : Robert Rodriguez
Scénario : James Cameron et Laeta Kalogridis, d’après le manga Gunnm de Yukito Kishiro
Acteurs principaux : Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Mahershala Ali…
Direction artistique : A. Todd Holland
Décors : Caylah Eddleblute et Steve Joyner
Costumes : Nina Proctor
Montage : Stephen E. Rivkin
Musique : Junkie XL
Sociétés de production : 20th Century Fox, Lightstorm Entertainment, Troublemaker Studios
Genres : Science fiction, Action
Date de sortie : 13 février 2019 (2h 02min)
Nationalités américain, argentin, canadien

Ce n’est un secret pour personne:  Qu’est-ce qu’on a encore fait au bon Dieu est une suite qui poursuit la logique humoristique et faussement populaire du premier volet. Mais cette fois-ci, en allant encore plus loin dans sa démarche d’écriture, et dans la grossièreté de ses vannes qui fusent comme le brouhaha d’un marteau piqueur dans nos oreilles, le film de Philippe de Chauveron atteint le paroxysme d’une fainéantise mais aussi, et surtout, la limite d’un système fermé sur lui-même.

Jamais un film, aura été autant synonyme de fermeture d’esprit et de marivaudage, de confusion identitaire. Qu’est-ce qu’on a encore fait au bon dieu détient tous les ingrédients de la comédie populaire comme on en voit beaucoup sur les écrans des salles de cinéma françaises: des grandes figures du cinéma ou de l’humour français qui ressemblent à des dinosaures en voie d’extinction, des jeunes humoristes avec le label Jamel Comedy Club ou TPMP inscrit en gros sur leur front, une écriture qui s’inspire du Stand Up et non du cinéma, une mise en scène qui se noie dans les produits made in TF1, des personnages servant de bouclier communautaire et un happy end faussement fédérateur et bienfaiteur.

Mais ça, vous me direz, on le sait déjà depuis longtemps, vous comme moi. Mais le problème ne situe pas dans ce versant-là de la pauvreté cinématographique du film ; car des comédies qui s’attellent plus à être des publicités télévisuelles et non de réelles démarches cinématographiques, il en existe et existera de tout temps. De ce fait, il est presque tout aussi hypocrite voire cynique de dénoncer un système connu d’avance et établi sur des bases qui auront du mal à changer. Pourtant populaire ne signifie pas forcément grotesque ou forcé dans ses intentions : il n’y a qu’à voir les comédies d’Éric Toledano et Olivier Nakache pour s’apercevoir que large public et comédie à grosse audience peuvent faire aussi bon ménage.

Non, qu’on se le dise bien, le gros soucis de Qu’est-ce qu’on a encore fait au bon dieu provient du fond et non spécifiquement de la forme. Le fond, qui se veut moderne, en disséquant les habitudes de notre société, qui voudrait étayer les stigmates de notre environnement français, qui se veut l’étendard d’une forme de comédie qui parle de tous les sujets sans tabou avec comme slogan:  « on a le droit de rire de tous, et surtout, contre tous ». Le genre d’œuvre qui te martèle qu’en France, on ne peut plus rien dire et que ça fait aussi bien du balancer quelques clichés sur chacun, histoire que chacun reste à sa place et que l’intégration sociale de nos minorités passe aussi par le biais de quelques écarts de conduite de nos chers français, comme si cela faisait partie du jeu de l’acceptation. Ça c’était le revers de la médaille du premier.

La suite, celle qui nous intéresse dans cet article, décline son étude de cas, en une version encore plus grinçante avec cette idée que les 4 filles Verneuil et leur époux veulent quitter la belle France pour des contrées étrangères. A partir de cette « traîtrise » , le film va lâcher les chevaux et le couple Verneuil va utiliser tous les stratagèmes pour montrer à ses gendres et nous spectateurs, que la France est un magnifique pays. Dans l’intention, la volonté est louable, ce n’est pas un problème que de présenter les avantages d’un pays, même si l’argumentaire avancé est quelque peu fallacieux et paraît déjà poussiéreux et loin du contexte actuel du mouvement des gilets jaunes face à la France de Macron. Le problème provient de la méthode,  celle qui consiste à écraser l’autre, à se moquer d’autrui, à propager des âneries, et à fonder sa pensée en nous faisant comprendre que les pays qui nous entourent n’ont aucune beauté et sont loin d’être des havres de paix.

Les voyages des Verneuil dans les familles de leurs gendres se finissent obligatoirement par des problèmes de gastros ou de chiasses carabinées, des crachats sur les chaussures ou le manque d’hospitalité de quelques « barbus ». C’est autant paradoxal de voir un film qui base son écriture et sa « mythologie » sur le bon vivre-ensemble malgré les différences et qui se donne tous les moyens pour défourailler tout ce qui bouge, de mettre sous le tapis tous les problèmes liés au racisme et tout ce qui est hors de nos frontières, comme si le français n’avait aucune possibilité de s’épanouir ailleurs, comme si l’ouverture vers l’autre, n’était pas une main tendue mais plus une gifle dans la tronche. Qu’est-ce qu’on a encore fait au bon dieu tente de parler avec drôlerie de notre peur de l’autre avec l’épouvantail du réfugié, qu’on avait déjà remarqué dans A bras ouverts, mais se vautre dans toutes les largeurs, tout comme son imagerie de l’homosexualité, qui n’est autre qu’un simple gimmick malgré l’hommage assez comique à Taubira, un arc narratif servant de clivage entre une fille et son père, et de malaise dans une famille.

Mais tout se finit pour le mieux selon Philippe de Chauveron:  le père ira au mariage de sa famille lesbienne, non pas parce qu’il est fier d’elle et de ce qu’elle représente, mais parce qu’il y a de la tarte tatin au buffet (sic). Et c’est là, qu’on se rend compte que le film n’utilise que le clivage et la bataille de préjugés entre les uns et les autres pour exister et continuer sa route ; se sert d’une certaine forme de la libéralisation de la parole clivante pour s’affranchir de sujets qu’il ne maîtrise pas, voire qu’il méprise. Des comédies qui ne rigolent pas avec l’autre mais contre l’autre, qui dans un sens veulent bien faire, en rassemblant derrière une France multicolore, mais qui en oublient les fondamentaux de la tolérance. Cependant, le film pose un autre cas de conscience.

On le répète, des films de cet acabit-là, idiots et médiocres, il en existera toujours et ce serait trop simple de tirer bassement sur l’ambulance. Mais il ne faut surtout pas associer cinéma français à ce genre de films. Comment se fait-il que dans une époque comme la nôtre, celle des réseaux sociaux, où tout se sait en l’espace de quelques minutes, que certaines personnes pensent encore que le cinéma ne contient aucune richesse. Comment se fait-il que des personnes utilisent ce genre de comédie pour ne pas voir qu’il existe des Bertrand Bonello, Bertrand Mandico, des Gaspar Noé, Claire Denis, Leos Carax, Jacques Audiard, Romain Gravas, ou autres  Xavier Legrand et bien d’autres dans la sphère cinématographique française.

Car le cinéma français a de nombreuses ressources comiques comme l’a prouvé l’année 2018 : Le Grand Bain de Gilles Lelouche avec son autodérision des corps et ses chutes humoristiques bienveillantes, avec En Liberté qui fait autant rire que pleurer avec son ambition de parler des gens aux destins brisés, ou Le Monde est toi de Romain Gavras qui s’amuse des codes visuels de la banlieue pour les démystifier et les sacraliser de manière outrancière. Oui le cinéma français n’est pas dans le coma artificiel et déploie de manière plus récurrente toutes ses qualités grâce à des films cités ci-dessus. Ce qui n’est pas le cas de Qu’est-ce qu’on a encore fait au bon dieu. 

Bande annonce – Qu’est-ce qu’on a encore fait au bon Dieu

Synopsis : Le retour des familles Verneuil et Koffi au grand complet !
Claude et Marie Verneuil font face à une nouvelle crise.
Leurs quatre gendres, Rachid, David, Chao et Charles sont décidés à quitter la France avec femmes et enfants pour tenter leur chance à l’étranger.
Incapables d’imaginer leur famille loin d’eux, Claude et Marie sont prêts à tout pour les retenir.
De leur côté, les Koffi débarquent en France pour le mariage de leur fille. Eux non plus ne sont pas au bout de leurs surprises…

Fiche technique – Qu’est ce qu’on a encore fait au bon Dieu

Réalisation : Philippe de Chauveron
Scénario : Philippe de Chauveron
Musique : Marc Chouarain
Photographie : Stéphane Le Parc
Décors : Olivier Seiler
Montage : Alice Plantin
Sociétés de distribution : UGC distribution
Durée : 1h39 minutes
Genre : Comédie
Dates de sortie : 30 janvier 2019 (FR)

Presque dix années après avoir été amorcée, une trilogie parmi les plus marquantes du 21ème siècle se clôture enfin. Dragons marquait le passage à l’âge adulte d’Harold et narrait son amitié naissante avec un dragon mythique redouté de tous. Sa suite introduisait une figure maternelle complexe et questionnait une fois de plus les rapports entre l’homme et la nature. Ce dernier épisode, d’une beauté formelle étourdissante, réitère certains enjeux, mais enclenche surtout un processus d’émancipation conçu en miroir, impliquant tant le jeune leader des vikings que sa désormais célèbre Furie nocturne.

Au début de Dragons 3 : Le Monde caché, la communauté de Beurk vit une existence bien ordonnée : Harold est un jeune leader respecté, mais doutant de lui-même ; il file le parfait amour avec la ravissante Astrid et passe ses journées en compagnie de l’indéfectible Krokmou, une furie nocturne qu’il a depuis longtemps apprivoisée ; lui et ses compagnons se lancent occasionnellement dans des opérations périlleuses visant à libérer des dragons retenus en captivité par des chasseurs. La séquence d’ouverture du film nous montre ainsi, notamment à l’aide d’un plan-séquence spectaculaire, ces vaillants vikings intervenir sur un bateau de trappeurs. Mais bientôt, c’est à Grimmel le Grave, tueur de furies, que les héros de Dean DeBlois vont devoir se frotter. Celui-ci cherche à capturer Krokmou en l’appâtant à l’aide d’une femelle blanche baptisée Furie Éclair. Il peut compter à cette fin sur d’effrayants dragons cracheurs d’acide, pour lesquels il constitue un alpha autoritaire et irrévocable.

Ce qui frappe en premier lieu dans le dernier acte de cette trilogie de qualité – et très lucrative –, c’est la splendeur graphique déployée et le soin accordé aux détails. En usant d’un outil révolutionnaire appelé MoonRay, l’équipe technique du film parvient à multiplier les éléments et accessoires dans le cadre, à animer le feu comme jamais auparavant, à fondre des dizaines de milliers d’images numériques dans un seul plan, à faire cohabiter plus de 65 000 dragons autonomes, d’une pluralité déconcertante, au cours d’une seule séquence, dans le Monde caché de Caldera… La débauche de formes, de couleurs et de mouvements s’avère souvent confondante de beauté, voire de poésie. C’est une mécanique d’emprise qui s’exerce alors sur nos sens, non seulement lors de la découverte du Monde caché, mais aussi lorsque les deux furies s’éveillent l’une à l’autre, ou lorsque l’on explore, en préambule, Beurk et ses environs.

Toujours inspiré des livres de Cressida Cowell, Dragons 3 embrasse des thèmes bien plus profonds qu’il n’y paraît. Le déracinement, la quête d’un nouveau monde protecteur, le substrat culturel des civilisations, la construction d’une cohésion autour de valeurs communes – l’harmonie avec les dragons, par exemple – plus que par un habitat bien défini – le village ancestral des vikings –, la perte d’un être cher volant enfin de ses propres ailes – au sens propre comme au sens figuré –, le besoin d’émancipation, l’amour et l’épanouissement qu’il porte en son sein, la place de l’homme au sein de la nature et celle du mythe dans l’humanité, tout cela conduit le film, sans embûche, vers un dénouement à la symétrie parfaite, où Harold et sa Furie parviennent enfin à s’accomplir, personnellement et familialement. Le tout se fait partiellement sous l’égide de personnages féminins forts. Astrid permet par exemple à Harold de s’affirmer en tant qu’homme et chef, tandis que sa mère, héroïne du deuxième film, lui rappelle que l’espèce humaine restera à jamais une menace pour les dragons.

C’est une histoire amorcée il y a presque dix ans, et occupant une même équipe depuis tout ce temps, qui s’achève sous nos yeux révérencieux. Malgré un décalage de trois années dû au rachat des studios DreamWorks par le groupe de télécommunication Comcast et une refonte des grandes lignes du scénario – initialement, le méchant devait être une nouvelle fois Drago –, Dean DeBlois façonne une œuvre touchante, visuellement splendide et loin d’être dénuée d’épaisseur. Nous en retiendrons néanmoins un léger bémol : si les enjeux se révèlent passionnants, les éléments qui y président n’ont en revanche rien de surprenant, comme en attestent certains mimétismes avec le second épisode. Un grain de sable qui ne suffit heureusement pas à gripper la machine.

Bande-annonce : Dragons 3, Le Monde caché

Synopsis : Harold vit tranquillement parmi la communauté de Beurk, dont il est le leader. Il affronte occasionnellement les trappeurs et porte secours aux dragons en captivité. Parallèlement, il continue à vivre aux côtés d’Astrid, sa compagne, et de Furie nocturne, son indéfectible compagnon. Jusqu’au jour où Grimmel le Grave croise sa route et cherche à appâter son dragon à l’aide d’une femelle blanche…

Fiche technique : Dragons 3, Le Monde caché

Titre original : How To Train Your Dragon: The Hidden World
Réalisation : Dean DeBlois
Scénario : Dean DeBlois et Cressida Cowell
Musique : John Powell
Montage : Jabari Phillips
Société de production : DreamWorks Animation
Société de distribution : Universal Pictures
Durée : 1h34
Genre : Drame
Date de sortie : 6 février 2019

Felix Van Groeningen réunit Timothée Chalamet et Steve Carell dans un duo père/fils des plus touchants dans My Beautiful Boy. Complémentaires et bourrés de talent, les deux acteurs offrent une nouvelle histoire sur la toxicomanie, fléau qui touche de plus en plus les américains, mais surtout sur la vie des proches durant cette descente aux enfers.

L’un a l’expérience de la caméra, l’autre a la fougue de la jeunesse et tous deux apportent leurs regards différents mais bienveillants sur la vie d’une famille dont le fils devient addict à la drogue. Steve Carell a rarement été aussi bon et bouleversant que lorsqu’il saisit son rôle à pleine main pour s’imprégner de l’amour paternel d’un père qui ne sait plus comment aider son fils. Cet amour d’un père totalement dévoué à la guérison de son fils a bien du briser plusieurs cœurs dans les salles de cinéma. L’acteur offre une telle émotion au spectateur que c’est littéralement lui qui porte le film sur ses épaules et qui réussit à maintenir en vie l’intrigue même lorsque le film se repose un peu. Timothée Chalamet le seconde avec un talent toujours aussi prometteur que celui qu’on avait déjà bien vu dans Call Me By Your Name, et se révèle aussi attachant que dans ce dernier d’ailleurs. Il joue le toxicomane avec une grande élégance, assez étonnante, qui lui colle toujours à la peau. Chalamet vole de plans en plans au fil de la défonce et de la musique qui résonne autant en lui qu’en nous.

Il faut attendre la fin pour que la musique prenne véritablement la place qu’elle mérite lors de ce que l’on pourrait croire un final majestueux. Parce que les images sont belles déjà, comme tout au long du film où l’esthétique est réellement travaillée dans chacun de ses détails et couleurs. Mais aussi parce que l’opéra fait ressortir et ressentir des choses folles au cinéma. Tout au long de l’oeuvre, le réalisateur cultive un certain classicisme dans sa manière de traiter le thème de la drogue, chose faite et refaite dans le septième art. De Requiem for a dream à Climax dernièrement, la musique psychédélique, les couleurs flashs et les néons à l’écran sont des choses bien déjà vues qui ne fonctionnent plus toujours malgré pourtant ces belles réussites. Felix Van Groeningen tombe dans le piège en reproduisant cette forme classique mais propose finalement de changer de cap en livrant des scènes qui proposent autre chose, et permettent enfin au spectateur de voir autrement. Bien sûr, l’évolution du personnage et de son parcours rentrent en compte tout comme l’intention du cinéaste dans ce qu’il veut montrer de l’état de Nic, mais les notes de piano et le style classique mêlé au ton plus urbain produisent un mélange parfois plus intéressant que ce que l’on a déjà vu des dizaines de fois.

My Beautiful Boy a peu de dialogues, ce qui les rend d’autant plus importants, surtout quand un père dit à son fils à quel point il l’aime. Mais ces absences de texte laissent des fois planer une ambiance en perte d’intensité. Pourtant, le montage est brillant et permet à chaque fois au film de retrouver son rythme qui semblait s’écrouler durant quelques scènes. Felix Van Groeningen est un artiste à part entière qui ne néglige aucun aspect de ses œuvres. De l’image au son en passant par une réécriture sobre, tout est appliqué. Inspiré par une histoire vraie et même deux livres, le réalisateur a eu de quoi documenter et préparer son film qui s’avère donc être une belle réussite malgré quelques défauts. My Beautiful Boy aura fait naître l’un des plus beaux duos du cinéma américain moderne. Alors que tout le monde prédisait déjà des nominations aux Oscars pour ce film, l’Académie semble avoir en tout cas bien oublié la belle prestation de Steve Carell.

My Beautiful Boy : Bande-Annonce

My Beautiful Boy : Fiche Technique

Réalisation : Felix Van Groeningen
Scénario : Luke Davies et Felix Van Groeningen, d’après les mémoires Beautiful Boy: A Father’s Journey Through His Son’s Addiction de David Sheff et Tweak: Growing Up on Methamphetamines de Nic Sheff
Interprétation : Steve Carell, Timothée Chalamet, Maura Tierney, Amy Ryan
Photographie : Ruben Impens
Montage : Nico Leunen
Producteurs : Dede Gardner, Jeremy Kleiner et Brad Pitt
Sociétés de production : Plan B Entertainment, New Regency Pictures
Sociétés de distribution : Metropolitan Filmexport (France)
Genre : drame biographique
Durée : 112 minutes
Dates de sortie : 6 février 2019
ETATS UNIS – 2018

Si les œuvres politiquement engagées ne manquent pas dans le paysage cinématographique, peu peuvent se targuer d’avoir l’originalité de Sorry to Bother You. Pour son premier film, le rappeur Boots Riley délivre une critique tout aussi acide que délirante du système capitaliste américain dans un univers regorgeant d’idées quitte à se télescoper.

Frontman du groupe de hip-hop The Coup, Boots Riley a, depuis ses débuts dans l’industrie musicale, fait preuve d’un attrait conséquent pour la politique. Riley ayant même au cours de sa vie côtoyé des groupes plutôt radicaux, dont certains affiliés aux Black Panther. Au travers des paroles de ses morceaux, le rappeur n’hésite pas à taper sur le capitalisme, le système politique américain ou encore les violences policières. Toutes ces prises politiques ont permis, ainsi que la personnalité de Riley, de faire de The Coup un groupe majeur au cours des années 90/2000. Depuis toujours attiré par le cinéma, le musicien y voit alors un nouveau moyen d’exprimer ses idées, et c’est ainsi que naît, en 2018, Sorry to Bother You, dont le titre renvoie au dernier album en date de The Coup. Le film est alors présenté au festival de Sundance, où il fait son petit effet, et reçoit un accueil plus que positif. Il débarque donc près d’un an plus tard sur les écrans français, après avoir fait sa première en clôture du PIFFF.

Difficile à résumer sans en dévoiler les innombrables surprises, Sorry to Bother You offre à Lakeith Stanfield, son premier grand rôle au cinéma. Le film met en scène, Cassius Brown, un télémarketeur qui grâce à une technique secrète, va très vite monter dans la hiérarchie. Ce qui fonctionne de manière immédiate, c’est évidemment la présence que dégage Lakeith Stanfield. À la manière d’un Andrew Garfield dans Under the silver lake, le personnage de Cassius Brown trimbale sa tronche hallucinée dans cet univers aux allures dystopiques. Un aspect science-fictionnel qui ne semble au final pas si éloigné de la réalité car il dépeint des États-Unis ultra-capitalistes. En témoigne, la société fictive WorryFree permettant aux populations de précaires d’obtenir non pas uniquement un travail, mais également un toit aux aspects de dortoirs. Une façon de se procurer une main d’œuvre peu chère en leur fournissant un hébergement pour toute la famille.

En passant au médium cinématographique, Boots Riley ne semble donc pas avoir perdu sa verve politique. Avec Sorry to Bother You, il délivre une critique acide et complètement loufoque du système politique de son pays. Cela se manifeste évidemment au travers de cette exagération du capitalisme et des méthodes crapuleuses et horrifiques mises en places par la société WorryFree, mais également dans sa représentation du racisme ordinaire qui inonde le pays. Dans cette mesure, Boots Riley fait preuve d’une véritable originalité, jouant de manière très intelligente avec l’absurde. L’exemple le plus frappant est bien entendu cette « voix de blanc » qui permet à Cassius de gravir les échelons. Un aspect sociétal tourné en ridicule grâce à la voix si particulière de David Cross aux allures cartoonesques. Dans une certaine perspective, Sorry to Bother You fait parfois penser à Idiocracy. Boots Riley prenant soin de donner une substance à son monde dystopique, même dans les plus petits détails comme les émissions de télé. Bien que le film soit à peine plus subtil, Boots Riley s’amuse comme un petit fou de cette image de la société américaine.

Faisant feu de tous les côtés, Boots Riley mise alors sur une réalisation, elle aussi fourmillant d’idées. À ce niveau, le rappeur américain semble puiser dans de nombreuses influences, Spike Jonze et Michel Gondry en tête auxquels il emprunte les délires créatifs faits à base de trois bouts de cartons. Ces tics de mise en scène peuplent les moindres recoins du long-métrage que cela soit dans les ingénieuses séquences de télémarketing ou dans la transformation du mobilier de l’appartement de Cassius. Boots Riley poussera l’hommage à son paroxysme grâce à un petit court-métrage promotionnel montré par le PDG de WorryFree fait à base de personnages en pâte à modeler réalisé par un certain Michel Dongry. Les idées fusent, quitte à parfois entraîner un trop plein à la limite de l’indigeste. C’est à ce moment qu’on peut soulever le gros point noir de Sorry to Bother You. Derrière l’excitation de ce premier long-métrage, Boots Riley peine à donner une véritable ligne directrice à son film. Enseveli sous cet amas de concepts, l’humour se télescope à plusieurs reprises, perdant de son impact et rendant le tout un poil longuet. On ne pourra cependant pas reprocher Riley d’aller jusqu’au bout de son délire.

Reste que Sorry to Bother You est un véritable OVNI dans le circuit indé américain. Une œuvre combinant avec malice satire sociale et délire absurde à la bande-son groovy dans lequel Boots Riley se lâche complètement. Suivant les pas de leur metteur en scène, le casting semble partager la même euphorie. Si Lakeith Stanfield nous conforte dans tout le bien qu’on peut penser de lui depuis sa première apparition dans Atlanta (série dont le ton et le message politique se rapprochent de Sorry to Bother You), Armie Hammer est tout aussi exquis en PDG démoniaque, tandis que Tessa Thompson irradie de son charme exubérant. Marchant dans les pas de Donald Glover et de sa série citée précédemment, Boots Riley semble bien parti pour faire trembler le monde du 7ème art à grand coup de brûlot politique.

Sorry to Bother You – Bande Annonce

Sorry to Bother You – Fiche Technique

Réalisation : Boots Riley
Scénario : Boots Riley
Interprétation : Lakeith Stanfield, Tessa Thompson, Armie Hammer, Steven Yeun, Jermaine Fowler
Musique : The Coup, Merrill Garbus, Nate Brenner
Montage : Terel Gibson
Producteurs : Jonathan Duffy, Nina Yang Bongiovi, Forest Whitaker, Kelly Williams, Charles D. King, George Rush
Sociétés de production : Significant Production, Cinereach, MACRO,MNM Creative, The Space Program
Sociétés de distribution : Universal Pictures International France
Genre : Comédie, Fantastique, Science-Fiction
Durée : 111 minutes
Dates de sortie : 30 janvier 2019