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Avec Les 2 Alfred, le duo Podalydès nous livre une nouvelle fantaisie cruelle qui sait saisir les travers d’une époque, tout en luttant contre. Une sorte de conte portée par des duos qu’ils soient fraternels, amicaux, amoureux ou filiaux.

Reprendre le contrôle

Pouvoir rater, se tromper, recommencer . C’est comme cela que se présente Les 2 Alfred à ses débuts. L’alternative pour se relancer ? L’enfer du nouveau pouvoir : la start-up, les sigles à gogos et ce «no child » tendance qui aliène deux fois plus, même à l’heure des réunions en visio. C’est de ce constat, forcément encore plus fort aujourd’hui, que part Bruno Podalydès pour lancer son film. Son héros est complètement déphasé alors qu’autour de lui tout s’emballe, tout s’ubérise (sic !). Alors dans cette fable à la loufoquerie assumée (moins barrée peut-être qu’Effacer l’historique), les drones se posent un peu partout, les emplois s’enchaînent comme autant de services rendus où la concurrence est rude. Et trouver un emploi stable justifie de perdre une part de soi.

« Entrepreneur de lui-même »

Après ce constat, Bruno Podalydès se permet toutes les fantaisies, les cruautés mais surtout une grande tendresse qui fait du bien ! Tout fonctionne en duos, le père/la mère et son enfant, les deux doudous (les fameux 2 Alfred), les deux amis (qui sont aussi deux frères dans la vraie vie !), etc… C’est en créant ces duos indétrônables que Bruno Podalydès vient faire un pied de nez à cette start-up nation où le règne de l’individu s’écrit haut et fort ! Où, sous prétexte d’être un groupe, on est surtout soi face à ses chiffres, sa rentabilité. Dans l’univers aseptisé où l’on enjoint tout le monde à être soi-même, à être détendu, joyeux, en somme parfaitement calibré, l’individu s’efface tout en étant ultra autocentré. C’est un monde qui marche sur la tête alors Les 2 Alfred marche joliment et gentiment sur ce monde. Le film piétine tout cela pour revenir à ce qui fait le charme de chacun, comment il s’exprime justement dans la relation à l’autre.

Duos

Au-delà de ces moments tendres, l’entreprise en prend surtout pour son grade. Tout y est absurde, poussé à l’extrême, et pourtant tout paraît refléter la réalité. De la configuration des lieux aux réunions interminables en passant par les objectifs inatteignables. Mais aussi cette impression d’espionnage permanent où la vie privée n’a plus court, puisque la famille, c’est censé être l’entreprise. Alors on fouine, on se tire dans les pattes, pour finalement se rendre compte qu’on a plus besoin des autres qu’on ne le croit. Mention spéciale au duo Alexandre/Arcimboldo, mais surtout à celui, plus secret au départ, Séverine/Suzie. Les quatre acteurs : Denis Podalydès (toujours aussi attendrissant), Bruno Podalydès, Sandrine Kiberlain et Luàna Bajrami (qu’on a plaisir à retrouver après son rôle dans Portrait de la jeune fille en feu), s’amusent beaucoup, jouent ensemble telle une troupe qui, soir après soir, refait le monde à coup de slogans et de grande tendresse. Un tee-shirt en sera le symbole : « on ne sent pas ses chaînes, tant qu’on ne bouge pas ». Une petite pépite drôle et cruelle, à ne pas manquer à coup sûr !

Les 2 Alfred : Bande annonce

Les 2 Alfred : Fiche technique

Synopsis : Alexandre, chômeur déclassé, a deux mois pour prouver à sa femme qu’il peut s’occuper de ses deux jeunes enfants et être autonome financièrement. Problème: The Box, la start-up très friendly qui veut l’embaucher à l’essai a pour dogme : « Pas d’enfant ! », et Séverine, sa future supérieure, est une « tueuse » au caractère éruptif. Pour obtenir ce poste, Alexandre doit donc mentir… La rencontre avec Arcimboldo, « entrepreneur de lui-même » et roi des petits boulots sur applis, aidera-t-elle cet homme vaillant et déboussolé à surmonter tous ces défis ?

Réalisateur : Bruno Podalydès
Scénario : Bruno Podalydès, Denis Podalydès
Interprètes : Bruno Podalydès, Denis Podalydès, Sandrine Kiberlain, Luàna Bajrami, Yann Frisch, Leslie Menu, Michel Vuillermoz
Producteurs : Olivier Père, Pascal Caucheteux, Martine Cassinelli
Photographie : Patrick Blossier
Montage : Christel Dewynter
Sociétés de production : Why Not Productions, Arte France Cinema
Distributeur : UGC Distribution
Durée:92 minutes
Date de sortie : 16 juin 2021
Genre : Comédie

France – 2020

Porté par un grand casting peu inspiré et une voix off éreintante, Des Hommes peine à émouvoir et faire ressurgir cette flamme de culpabilité qui suinte de son récit. 

Des Hommes ne permet malencontreusement jamais à son récit de respirer ou de faire vivre ses images. Jouant la carte d’une voix off omniprésente qui explicite ce que l’on semble deviner à l’écran, le film se perd en verbiage, en formules maladroites et perd toute saveur viscérale. Adaptant l’œuvre de Laurent Mauvignier, Lucas Belvaux dévoile de belles intentions : parler d’un mal être qui dépasse le temps, de la culpabilité qui ne s’éteint jamais, des effrois de la guerre et de parler d’une France qui se déchire. C’est d’autant plus dommageable que Des Hommes s’avère assez bien découpé, d’un point de vue narratif, entre les heurts d’un village qui voit des fractures communautaires et des violences racistes se dessiner, combinés avec des flashbacks alimentant les souvenirs d’une guerre d’Algérie dont la violence n’aura fait aucun vainqueur mais que des perdants.

Voulant faire souffler un cinéma social, traçant les traits d’une société provinciale en proie en doute, Lucas Belvaux semble malheureusement particulièrement distant par rapport à son sujet, dénonciateur sans jamais vraiment l’être, comme s’il n’y avait aucun pilote à bord de l’avion : rien n’y fait, le film semble porter à chaque scène ou chaque dialogue sur ses épaules un poids bien trop lourd. Ce film choral, qui voit se combiner les voix off, les errances et les différences de point de vue, surligne son cahier des charges rempli de passages obligés. Que cela soit par le biais d’un jeu d’acteur forcé et ankylosé malgré son casting 3 étoiles, une mise en scène usant parfois de ralentis pas toujours bienvenus, un récit en bout de course qui préfère se gargariser de ses mots plutôt que de réellement faire ressentir les émois de ses protagonistes, Des Hommes reste à quai.

L’utilisation d’une voix off ou l’inspiration de la récitation épistolaire ne sont pas des problèmes en soi, et nous avons pu le remarquer dans l’immense Trois souvenirs de ma jeunesse d’Arnaud Desplechin, sauf qu’ici, les mots n’accompagnent pas le cadre mais s’y substituent, effaçant toute présence de chaque individu, délimitant toute incarnation quand celle-ci n’est pas outrancière (vociférant Gérard Depardieu). Les séquences se déroulant en Algérie, qui sont sans doute les meilleures du film, à la fois par le biais de son espace, de sa lumière ou de par son convaincant jeune acteur Yoann Zimmer, font parfois penser à l’extatique et mutique Les Confins du Monde de Guillaume Nicloux.

Mais là où ce dernier affichait une aridité vorace, quitte à ce qu’elle soit incommodante, Lucas Belvaux ne fait jamais parler les cœurs ni le silence. Toute trace de sentiments, toute once d’intimité ou de culpabilité se noient dans des discours intempestifs qui nuisent à la fluidité du récit. Le film est un peu à l’image de son acteur phare Gérard Depardieu : imposant, habité et débordant souvent du cadre, mais paraissant dépasser par ses premières intentions, celles de montrer par le prisme du cinéma, le poids des regrets. Un cinéma qui n’existe pas ou trop peu dans Des Hommes. 

Des Hommes – Bande annonce

Synopsis : Ils ont été appelés en Algérie au moment des « événements » en 1960. Deux ans plus tard, Bernard, Rabut, Février et d’autres sont rentrés en France. Ils se sont tus, ils ont vécu leurs vies. Mais parfois il suffit de presque rien, d’une journée d’anniversaire, d’un cadeau qui tient dans la poche, pour que quarante ans après, le passé fasse irruption dans la vie de ceux qui ont cru pouvoir le nier.

Après avoir raconté la genèse de Maléfique, le studio Disney s’attaque à une autre icône issue du grand classique d’animation Les 101 Dalmatiens sorti en 1961, dans une origin story bancale consacrée à Cruella d’Enfer. Le réalisateur australien Craig Gillespie (Moi, Tonya) livre ici sa version féminine et aseptisée du Joker, en troquant l’antipathique Cruella croquée par Marc Davis contre une fashionista vengeresse aux allures de Barbie punk-rock, mollement interprétée par Emma Stone. 

Après Maléfique, Cendrillon, Dumbo, Aladdin, Le Roi Lion, Le Retour de Mary Poppins, La Belle et le Clochard ou encore Mulan, le studio Disney prouve une fois de plus qu’il n’a qu’un seul intérêt : refaire ce qui a été fait, remettre en boucle le même disque, sans jamais parvenir à reproduire ce qui a plu, ému, et émerveillé par le passé. cruella

Good girl gone bad

Ici, au lieu d’entrer dans la psyché de l’iconique Cruella d’Enfer, personnage torturé, obsédé par les chiots tachetés et les manteaux de fourrure, imaginé par la romancière britannique Dodie Smith, on suit sans grand intérêt le parcours chaotique d’Estella Miller, pauvre orpheline brimée par le système scolaire et le conformisme social, mais bien déterminée à se faire un nom dans le milieu de la mode londonienne.

Intrigante sur le papier, sa rencontre fortuite avec les deux malfrats Jasper (Joel Fry) et Horace (Paul Walter Hauser), qui deviendront plus tard ses complices, ne provoque pas les rebondissements attendus. Colonne vertébrale de l’intrigue, l’interminable duel vestimentaire que se livrent Cruella et l’exécrable Baronne von Hellman (Emma Thompson, déjà vue chez Disney dans Saving Mr. Banks) sur fond de vol de médaillon, finit également par lasser. Clou du spectacle : les féroces dalmatiens veulent la peau de l’innocente Cruella..

Outre le patchwork de références stylistiques ou le soin accordé aux décors et costumes — Jenny Beavan rend d’ailleurs hommage aux exubérantes créations de Vivienne Westwood, reine de la haute couture anglaise des années 1970 –, Cruella ne tient pas la route.

Engourdi par des problèmes de rythme et une playlist pop-rock sixties envahissante qui étouffe l’effervescence du récit — le choix de la chanson « Smile » interprétée par Judy Garland fait notamment écho au Joker de Todd Phillips –, le film tombe dans le travers de la « victimisation » systématique de l’antagoniste disneyen.

En effet, s’efforçant une fois encore de vulgariser une de ses principales icônes pour plaire à la nouvelle génération, Disney suit sa recette à la lettre. Il s’agit de remplacer le méchant trop « caricatural » par un être décidément sensible, nuancé, un outsider contemporain faussement révolté et transgressif, afin d’éviter tout dangereux manichéisme ; puis de recycler le matériel narratif préexistant dans le but de flatter l’intellect des connaisseurs. Ainsi, lorsqu’il a dépassé sa condition d’infâme bourreau, l’antihéros humanisé, pétri de remords et de bonnes intentions, prend impérativement les traits d’un génie incompris, traumatisé, maltraité, qui doit susciter l’empathie du spectateur. Esclaves de cette infaillible mécanique du préquel aseptisé et raconté à la première personne, les scénaristes saccagent la mythologie originale, en disséminant tout de même quelques clins d’œil aux 101 Dalmatiens de Wolfgang Reitherman, Hamilton Luske et Clyde Geronimi.

Hélas, l’excentricité baroque du personnage de Cruella de Vil se heurte à la mise en scène laconique de Craig Gillespie. Dans une longue première partie, l’auteur de Moi, Tonya s’évertue à museler le monstre qui sommeille en Estella, et peine ensuite à réveiller l’alter ego diabolique et rebelle qui aurait dû être le sujet du film. Exit donc la chauffarde au rire bruyant et guttural, le fameux porte-cigarette lâchant derrière elle une épaisse traînée de fumée verte et nauséabonde, les plafonds décrépis du manoir croulant de Castel d’Enfer ou encore la course-poursuite finale avec Jasper et Horace dans la campagne enneigée de Dinsford…

Alors qu’elle mène une double vie pour berner sa concurrente (qui est en réalité sa mère biologique), l’ex-arnaqueuse devenue apprentie styliste, décide de se racheter en vengeant la mort de sa mère adoptive. Quant à l’égocentrique et impitoyable patronne, elle abuse de la créativité débordante de sa jeune recrue, mais aussi de son besoin d’héroïsme, de dévouement. Le luxe ostentatoire des défilés illustre à la fois le talent précoce d’Estella et la haine jalouse de la Baronne ; là se déclare également la rivalité des deux femmes.

Tout comme Cendrillon ou Blanche-Neige, autres héroïnes Disney orphelines, Estella se rend régulièrement à la fontaine de Regent’s Park — lieu de recueillement, de rupture, qui dénote parmi les ruelles d’une capitale anglaise sombre et hostile –, pour laisser libre cours à ses sentiments. Celle que l’on croyait naturellement hystérique, impulsive et fondamentalement détestable, n’est donc pas une authentique vilaine mais plutôt le reflet d’une intériorité trouble, obscure, une autoconstruction virtuelle. La cause principale de ses brutales sautes d’humeur et de sa prétendue perversité réside dans ce jeu de masques identitaire, qui est un exutoire pour Estella, prisonnière d’un carcan social trop guindé pour elle. Passé tragique et exclusion excusent la cruauté ; dès lors, l’aura et le mystère de Cruella d’Enfer s’évanouissent. C’est là tout le point faible du film.

La fadeur d’Emma Stone n’arrange rien. Loin du visage cadavérique, de la silhouette menue et des « postures narratives » créées par Bill Peet et Marc Davis, la star de La La Land ne dépasse pas le stade de la caricature. Affublée de perruques toutes plus extravagantes les unes que les autres, elle n’incarne jamais cette diablesse vulgaire à la chevelure noire et blanche en pétard qui a durablement marqué nos esprits. Rarement aussi peu investie dans un tel double rôle, Stone ne peut rivaliser avec le raffinement de Betty Lou Gerson qui prêta sa voix au personnage dans Les 101 Dalmatiens, ni avec le grain de folie de Glenn Close, excellente dans la première adaptation live réalisée par Stephen Herek en 1996.

À l’instar de Robert Stromberg avec Maléfique, Craig Gillespie se complaît dans le récit éternel de la différence, de l’enfance traumatisée et de la repentance en trahissant de bout en bout l’esthétique minimaliste du chef-d’œuvre d’animation dont il s’inspire. Conjugués ensemble, féminisme cosmétique et noirceur factice font de Cruella un conte moderne raté cruellement malhonnête.

Sévan Lesaffre

Cruella – Bande-annonce

Synopsis : Londres, années 70, en plein mouvement punk rock. Escroc pleine de talent, Estella est résolue à se faire un nom dans le milieu de la mode. Elle se lie d’amitié avec deux jeunes vauriens qui apprécient ses compétences d’arnaqueuse et mène avec eux une existence criminelle dans les rues de Londres. Un jour, ses créations se font remarquer par la baronne von Hellman, une grande figure de la mode, terriblement chic et horriblement snob. Mais leur relation va déclencher une série de révélations qui amèneront Estella à se laisser envahir par sa part sombre, au point de donner naissance à l’impitoyable Cruella, une brillante jeune femme assoiffée de mode et de vengeance…

Cruella – Fiche technique

Avec : Emma Stone, Emma Thompson, Joel Fry, Paul Walter Hauser, Emily Beecham, Kirby Howell-Baptiste, Mark Strong, Tipper Seifert Cleveland, Kayvan Novak, John McCrea, Jamie Demetriou, Niamh Lynch, Andrew Leung, Ed Birch, Dylan Lowe, Paul Bazely, Abraham Popoola, Leo Bill, Ninette Finch, Sarah Crowden
Réalisation : Craig Gillespie
Scénario : Tony McNamara, Dana Fox d’après l’œuvre de Dodie Smith
Production : Kristin Burr, Andrew Gunn, Marc Platt
Photographie : Nicolas Karakatsanis
Montage : Tatiana S. Riegel
Décors : Fiona Crombie
Costumes : Jenny Beavan
Musique : Nicholas Britell
Distributeur : The Walt Disney Company France
Durée : 2h14
Genre: Comédie / Drame / Famille
Sortie : 23 juin 2021

Avec un Vincent Macaigne habité et doté d’une fiévreuse atmosphère de film noir aux confins d’un Paris périphérique, Médecin de nuit d’Elie Wajeman frappe fort. Un immanquable. 

Un peu comme le dernier film de Frédéric Farrucci, La Nuit Venue, Médecin de nuit est un polar urbain et nocturne qui se déroule dans le Paris interlope des désœuvrés ou des âmes en peine, qui cherchent le réconfort là où il est difficilement trouvable. Mikael, médecin de nuit donc, faisant souvent des consultations dans sa voiture, s’occupe des patients « indésirables » et dans le même temps, organise avec son cousin, pharmacien, une fraude aux ordonnances de subutex. On ne sait pas vraiment si c’est pour aider son cousin afin qu’il règle ses multiples dettes ou/et si c’est pour venir en aide aux déshérités de la vie que personne ne souhaite aider, comme il l’explique à l’inspection du travail en début de film. 

Mais, sans faire de hiérarchie narrative, en épousant avec passion les pistes qui composent le récit, l’un dans l’autre, les genres se mélangent et s’agrippent pour ne plus se relâcher : film douloureux qui se veut être une introspection quasi documentariste dans le quotidien aux multiples zones d’ombre de médecins, sous staffés, précarisés, vidés et étranglés par la charge de travail, qui font face aux désarrois d’une bonne partie de la société, tout en étant également un tenace film de genre qui s’approprie les codes du film noir avec une femme fatale, figure du fantasme d’un avenir sans soucis (sublime et énigmatique Sara Giraudeau), et règlement de compte sanguinolents avec des dealers toujours plus demandeurs. 

Aride et souvent tumultueuse, l’œuvre se déroule lors d’une unique soirée aux teintes bleutées presque « Manienne » où tout va être chamboulé et où Mikael va devoir prendre les rênes de sa vie. Avec cette urgence constante, cette sensation de chute qui ne s’arrête jamais, ces choix qui s’avèrent foireux les uns après les autres, cette tragédie familiale, ces nuits entrecoupées de fêtes et de cavalcades face à la mort, avec ces hommes et femmes au bord de la rupture, où même cette violence va devoir inévitablement s’échapper, on pense irrémédiablement au cinéma tentaculaire et claustrophobe des frères Safdie, que cela soit Good Time ou même Uncut Gems. 

Elie Wajeman n’a peut être pas la science formelle des deux frères, mais s’illustre tout de même par la mise en place d’une ambiance qui ne cesse de monter en tension et dont la portée dramatique s’intensifie de minute en minute : le film nous passionne par ses vagabondages et cette virée dans un Paris qui ne reste jamais immobile, terrassant de tristesse et qui voit s’effondrer ses certitudes. Ce mélange des genres, comme indiqué, pourrait nuire au film et desservir le regard social ou sociétal porté par la caméra. Pourtant, tout s’emboite à merveille, à la fois grâce à un scénario qui cumule parfaitement ses moments de respirations (que cela soit chez des patients ou les spectateurs) avec ses instants plus viscéraux où Vincent Macaigne s’avère d’une violence insoupçonnée. 

Ce dernier, étant la véritable force centrifuge du film, impressionnant d’émotion, dans un rôle qui dénote avec ce qu’il a l’habitude d’incarner : tout tourne autour de lui, sa fragilité émotionnelle, son regard fatigué,  son envie de sortir la tête de l’eau, sa violence épidermique et son physique aussi doux qu’imposant qui rappelle Joaquin Phoenix dans A Beautiful Day de Lynne Ramsay. Avec son format court, qui lui permet de resserrer chaque enjeu, et de se débarrasser de tout forme de « gras », cette course poursuite face à l’inévitable est sèche comme un coup de trique et nous happe jusqu’à ces derniers instants. Un brillant exercice de style. 

Médecin de nuit – Bande Annonce

Synopsis : Mikaël est médecin de nuit.
Il soigne des patients de quartiers difficiles, mais aussi ceux que personne ne veut voir : les toxicomanes.
Tiraillé entre sa femme et sa maîtresse, entraîné par son cousin pharmacien dans un dangereux trafic de fausses ordonnances de Subutex, sa vie est un chaos.
Mikaël n’a plus le choix : cette nuit, il doit reprendre son destin en main.

Médecin de nuit – Fiche technique

Réalisation : Elie Wajeman
Scénario : Agnès Feuvre, Elie Wajeman
Casting : Vincent Macaigne, Sara Giraudeau, Pio Marmai, Sarah Le Picard
Durée : 1h22 minutes
Genre: Polar, Drame
Date de sortie : 16 juin 2021 (Diaphana Distribution)

En réalisant Un Homme en colère, Guy Ritchie retrouve Jason Statham, 21 ans après Snatch, et signe une adaptation noire et réussie du Convoyeur de Nicolas Boukhrief.

Le nouveau film de Guy Ritchie, Un Homme en colère, se présente comme un remake du Convoyeur, de Nicolas Boukhrief, avec Albert Dupontel et Jean Dujardin. De fait, il est possible d’affirmer que nous avons là un remake fidèle à l’oeuvre originale, même si certains ajustements ont été accomplis.

Un personnage ambigu
La première différence notable est le personnage principal. Dans le film de Guy Ritchie, il est surnommé H. Lorsqu’il se présente au recrutement de l’entreprise de convois de fonds, il dit être un Britannique. Très vite, le doute va s’immiscer chez le spectateurs au sujet de ce protagoniste : regards trop insistants, répliques sarcastiques murmurées à l’insu de leur destinataire, et une attitude générale qui ne colle pas avec le boulot de convoyeur de fonds.
Tout cela est encore accentué par la réalisation. Décors sombres, musique anxiogène… Guy Ritchie parvient à faire transparaître à l’écran le caractère angoissant d’un métier où on peut se faire attaquer à chaque tournant de rue. Les assaillants peuvent se cacher derrière n’importe quelle identité, ils peuvent surgir derrière n’importe quelle personne croisée dans la rue. Bien entendu, l’angoisse provient de ces situations bien rendues, mais on sent aussi qu’il y a quelque chose qui cloche chez H.
Ce sera confirmé lors d’une scène d’attaque de fourgon. H, la personne qui n’a réussi ses tests d’aptitude que de justesse, se révèle être un tireur hors pair, un flingueur froid, méticuleux. Quelque chose qui ne correspond en rien à l’image qu’il veut se donner, et qui, en l’occurrence, constitue une différence de taille avec le personnage interprété par Dupontel dans le film original : H ressemble à un exécuteur professionnel.
C’est là que l’on peut affirmer que le choix de Jason Statham se révèle très judicieux. Il incarne très bien ce tireur froid et méthodique. On peut même penser que Guy Ritchie joue sur l’image de son acteur principal : on pense inévitablement au Transporteur ou à d’autres films d’action du même acabit dans lesquels Statham s’est fait une réputation ces dernières décennies. Mais si Ritchie renvoie Statham à son statut de héros de films d’actions écervelés, ce n’est que pour mieux en marquer la différence.
Pour mieux le comprendre, il faut parler de l’organisation du film.

Une construction réfléchie

Convoyeur avait un récit linéaire dans lequel surgissaient deux ou trois flashbacks.
Un Homme en colère possède une construction plus complexe.
Le film est divisé en quatre chapitres.
Laissons de côté le dernier chapitre, celui de l’action à proprement parler.
Les trois premiers chapitres sont là pour présenter les différents personnages, les “forces en présence”, pourrait-on dire. Cela permet à Guy Ritchie de densifier son film et d’étoffer son protagoniste. En effet, le deuxième chapitre nous montre un personnage qui est loin d’être le héros vertueux et irréprochable que l’on pourrait attendre. Si H paraît être un tueur froid, c’est qu’en effet, il a la mauvaise habitude de flinguer à tout-va. Et Guy Ritchie va instaurer une terrible ambiguïté sur son protagoniste, faisant de lui un personnage avec lequel on voudrait sympathiser (comme il se doit avec le personnage principal d’un film d’action), mais on ne le peut pas à cause de ses méthodes de boucher pour le moins violentes et expéditives.
Ainsi, on se rend compte que le premier chapitre, avec un Jason Statham en héros invincible, était un trompe-l’œil dissimulant un personnage ambigu et brutal (il faut noter que cette ambiguïté s’étend également aux “forces de l’ordre” du FBI…).
Le troisième chapitre, quant à lui, va combler un vide qui était au cœur du film original de Boukhrief : il présente les braqueurs (parmi lesquels nous retrouvons avec plaisir Jeffrey Donovan, que les fans de la série Le Caméléon pourront reconnaître). Et eux aussi sont des personnages violents, brutaux. “Animals, bad animals” nous dit le titre du chapitre. Des animaux sans morale et sanguinaires. En bref, l’affrontement se fera non pas entre un bon et des méchants, mais sous la forme d’un combat de prédateurs.
Tout est alors prêt pour laisser libre cours à cet affrontement dans le dernier chapitre…

Film noir

Toujours sur le plan de l’organisation, Un Homme en colère est construit autour d’une scène originale qui est le centre autour duquel tourne toute l’action. Cette scène, présentée d’abord en pré-générique, sera revécue plusieurs fois au fil du film, sous plusieurs angles.
Là où Ritchie s’avère malin, c’est que, dans son pré-générique, cette scène ne nous montre quasiment rien. Tournée en un unique plan-séquence depuis l’intérieur du fourgon, le réalisateur laisse l’essentiel de l’action de dérouler hors du cadre.
Tout cela tourne Un Homme en colère vers le néo-noir, et non vers le film d’action basique. Une fois de plus, répétons-le : ceux qui croiraient voir ici un Jason Statham façon Fast and Furious en seront pour leurs frais. Un Homme en colère mise plus sur l’ambiance, l’atmosphère noire et brutale.
Pour ce faire, Guy Ritchie adopte une réalisation inhabituellement sobre (selon ses critères). Loin de ses extravagances habituelles, il fait un film posé et sombre. Une jolie réussite dans son domaine.

Un Homme en colère : bande annonce

Un Homme en colère : fiche technique

Titre original : Wrath of man
Réalisation : Guy Ritchie
Scénario : Guy Ritchie, Marn Davies, Ivan Atkinson, d’après le film Convoyeur, de Nicolas Boukhrief
INnerprètes : Jason Statham (H), Holt McCallany (Bullet), Rocci Williams (Hollow Bob), Josh Hartnett (Boy Sweat Dave), Jeffrey Donovan (Jackson).
Photographie : Alan Stewart
Montage : James Herbert
Musique : Christopher Benstead
Production : Ivan Atkinson, Bill Block, Guy Ritchie
Société de production : MGM, Miramax, CAA Media Finance, Flic Films UK, Toff Guy Films
Société de distribution : Metropolitan Filmexport
Date de sortie en France : 16 juin 2021
Durée : 119 minutes
Genre : film noir
Etats-Unis – 2021

Le Discours, que Fabcaro jugeait lui-même inadaptable (c’est bien de son roman que le film est tiré) est finalement devenu un film, réalisé par Laurent Tirard. L’écueil que l’auteur envisageait est bien là, le dispositif est séduisant mais tourne parfois un peu en rond. Car en laissant sortir ce flot de paroles, de pensées, Le Discours s’appauvrit un peu en cinéma, en images et en émotion. Cela reste tout de même au-dessus de la mêlée des comédies françaises actuelles, mais un peu loin du potentiel comique du travail de Fabcaro.

Dans la tête d’Adrien

Adrien est non seulement coincé par la demande de discours de son beau-frère, mais il l’est aussi dans sa vie. Si sa pensée va à toute vitesse, il ne dit rien de ce qu’il pense. Pire, il est presque transparent. Si peu propice à dire ce qu’il aime, qu’on lui offre chaque année une encyclopédie différente, sur des sujets aussi variés que ses goûts pourraient l’être. En somme, s’il nous dit tout à nous, spectateurs, et qu’il est maître de la mise en scène, en vérité, il est effacé. Sa nervosité est le moteur du film et Benjamin Lavernhe s’en amuse avec délectation. Il est la grande réussite de ce film souvent inventif. Son défaut cependant réside dans la manière dont il fige les personnages comme sur une scène de théâtre. L’enjeu n’est pas tant physique que discursif, ce qui peine parfois à relancer la machine, malgré le côté cartoonesque du rendu. La force du film est son côté narratif éclaté, jamais linéaire, qui joue justement avec l’effet de la pensée et part dans tous les sens. On revient en arrière, on s’immobilise sur un détail. C’est un dîner de famille comme le cinéma en produit beaucoup mais celui-ci est transformé en un défi, il dure, il reprend là où on l’avait laissé. Et surtout, il permet à Adrien de se laisser surprendre.

De soi à soi

En effet, dans la mécanique bien huilée de sa pensée, Adrien doit laisser la place à l’inattendu et remettre ainsi plusieurs fois ses plans en cause. Tout l’enjeu est de savoir si le discours que prononcera ce personnage introverti saura le sortir de ses petites fiches préparées et de ses habitudes. Le film justement tente en permanence de sortir du cadre, d’aller un peu à droite, un peu à gauche, dans une impression de fouillis maîtrisé. L’impression surtout que ce repas ne va jamais finir, que personne n’a rien à se dire, mais que pourtant chacun se doit d’avoir un rôle à jouer. Cette comédie humaine suffit à créer une tension toute relative. L’enjeu est ailleurs : se targuer d’être dans la tête d’un personnage pour tirer vers l’absurde, l’obsessionnel. C’est comme anticiper ce qui va être dit et que cela devienne drôle parce que c’était prévu, attendu. L’absence de surprise devient le moteur du comique dans l’esprit d’Adrien. Il s’y réfugie pour n’avoir pas à penser à ces quelques mots qu’il devra prononcer et à travers lesquels il se voudrait héroïque. Cette demande le renvoie à sa propre banalité, sa méconnaissance de sa sœur, de sa famille qu’il croit pourtant connaître au millimètre près. Et puis, on s’aperçoit très vite que que l’on tourne de plus en plus en rond dans une réflexion qui , quoi qu’il arrive , n’aura pas d’issue . Enfin si, le fameux discours, dont on n’attend plus grand chose. Adrien est tellement persuadé que rien ne peut changer, que finalement le film fait du sur-place avec lui. Alors oui, c’est un joli moment entrainant et parfois inventif, mais qui au final raconte quelque chose de vague, comme une ritournelle qui passe et qui s’en va…

Laurent Tirard a voulu un film un peu novateur, avec dit-il un budget plus raisonnable (que ses précédentes réalisations comme Astérix et Obélix : au service de sa majesté ou encore Le retour du héros). Ce dispositif resserré, convainc au début, un peu à la manière de The Father, mais faute d’un renouvellement d’enjeu, le soufflet s’estompe rapidement. Le Discours est dans le travail de Fabcaro bien en dessous d’un Zai Zai Zai dont l’adaptation ciné est attendue elle aussi et sera, espérons-le, un peu plus intéressante.

Le Discours : Bande annonce

Le Discours : Fiche technique

Synopsis : Adrien est coincé. Coincé à un dîner de famille où papa ressort la même anecdote que d’habitude, maman ressert le sempiternel gigot et Sophie, sa soeur, écoute son futur mari comme s’il était Einstein. Alors il attend. Il attend que Sonia réponde à son sms, et mette fin à la « pause » qu’elle lui fait subir depuis un mois. Mais elle ne répond pas. Et pour couronner le tout, voilà que Ludo, son futur beau-frère, lui demande de faire un discours au mariage… Oh putain, il ne l’avait pas vu venir, celle-là ! L’angoisse d’Adrien vire à la panique. Mais si ce discours était finalement la meilleure chose qui puisse lui arriver ?

Réalisateur : Laurent Tirard
Scénario : Laurent Tirard d’après l’œuvre de Fabcaroµ
Interprètes: Benjamin Lavernhe, Sara Giraudeau, Kyan Khojandi, Julia Piaton, François Morel, Guilaine Londez, Sebastien Chassagne
Photographie: Emmanuel Soyer
Montage : Valérie Deseine
Sociétés de production : Les Films sur mesure, Scope Pictures, Le Pacte,  France 2 Cinema
Distributeur : Le Pacte
Genre : comédie
Durée : 88 minutes
Date de sortie : 9 juin 2021