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Présenté lors du dernier Festival de Cannes, dans la Quinzaine des Réalisateurs, le sixième long-métrage du cinéaste portugais João Pedro Rodrigues Feu follet (r)échauffait la Croisette en jetant un vent queer (bienvenu) dans une compétition jusque là un peu (trop) sage. Retour sur le phénomène.

Synopsis : En 2069, au Portugal, alors qu’il est mourant, le roi Alfredo se rappelle ses premières amours. 

Le Renouveau (Queer) du cinéma portugais (et cannois)

Feu follet n’est pas une œuvre cinématographique comme les autres. Comme tous les films qui peuplent l’histoire du cinéma pourrait-on dire. Oui et non. Si le septième art nous a offert son lot de comédies musicales, il a, en revanche, relativement peu versé du côté de la « fantaisie musicale ». Consacrée par Feu follet, dont elle est le sous-titre officiel, l’expression s’affirme comme un nouveau genre cinématographique faisant explorer les (rôles de) genres.

Qui a dit que le Festival de Cannes ne savait pas être novateur (et anti conservateur) ? Personne ou presque. Peu connu du grand public, voire carrément méconnu, João Pedro Rodrigues est, pourtant, un réalisateur expérimenté, comptant plusieurs dizaines films à son actif. Passé par le court-métrage et le documentaire, sa carrière, débutée il y a plus de trente ans, connaît un tournant dans les années 2010. Sorti en 2016, et présenté au Festival International du film de Locarno, où il remporte le Léopard de la meilleur réalisation, L’Ornithologue marque une étape en inscrivant le cinéaste dans la catégorie des réalisateurs à suivre (de près).

Feu Follet confirme cette tendance en faisant, cette fois, de João Pedro Rodrigues, le chef de file d’une nouvelle école. Avec lui, le cinéma (portugais) semble prendre un nouvel envol vers des terres (queer) humides et drôlement engagées. Un cinéaste à suivre (définitivement).

Le cinéma dans tous ses ébats

Comment raconter un film de moins d’une heure sans risquer la paraphrase ? Question inutile ou véritable pari ? Un peu des deux sans doute. L’essentiel de l’œuvre ne réside pas dans ce qu’elle raconte, mais bien dans ce qu’elle montre. L’expression manifeste « fantaisie musicale » ne doit pas nous tromper. Si la musique entretient une place de choix dans la narration, la fantaisie constitue également un socle capital (et nécessaire) à la réussite du film. Teintée de surnaturel, et prenant les couleurs de la science-fiction, celle-ci intervient dès le début. Nous sommes en 2069 au Portugal. Affaibli et mourant, le roi Alfredo trouve, cependant, la force de se souvenir de son premier (et unique) amour. Si le roi se mourait du temps de Ionesco, le roi 3.0 se marre aujourd’hui la larme à l’œil, devant un petit neveu dont les flatulences empuantissent un protocole royal aussi ridicule que jubilatoire.

Alfredo retourne du côté de chez Swann ou plutôt d’Afonso. Nouvelle cassure. On s’attendait à la mise en scène d’un passé romancé. On se retrouve dans une relecture de la cène. Tableau d’une famille royale où les méga incendies et le réchauffement climatique font face à une aristocratie méchamment barrée, et dont le conformisme s’affiche jusque dans l’onomastique de ses animaux domestiques. Alfredo a fait son choix. Il sera soldat du feu. Désireux de protéger son pays contre la menace climatique, le jeune prince décide d’abdiquer droits et privilèges, rêvant finalement d’être traité comme un citoyen lambda. Nouveau décor. Exit l’ambiance surannée du Palais royal, nous voilà projetés dans un tout autre univers, celui de la caserne et de ses pompiers rutilants. João Pedro Rodrigues entérine les facilités de la subversion. Mot valise qui s’enfonce bien souvent dans le classicisme « choque-bourgeois » suffisamment déjà-vu pour être scandaleusement pertinent. A la suggestion, le réalisateur préfère la monstration. Chez lui, la nudité ne constitue pas un hors-champs. Le sujet du film n’est, en ce sens, pas évincé du cadre. L’histoire d’amour homosexuelle est belle et bien représentée à l’écran. Entre Alfredo et Afonso, c’est le coup de foudre. Si la caserne apparaît comme un lieu socialement marqué, symbolisant une réalité instable ravagée par un danger écologique qui ne dit que trop bien son nom, elle est également un endroit fortement marqué sexuellement.

E(gay)er le cinéma de papa

Dès l’arrivée d’Alfredo, le ton est donné (ou presque). Les corps masculins (s’ex)posent au nez et à la barbe du jeune prince héritier. Ces derniers dégagent une sensualité dénuée de toute chosification. Les personnages échappent au traditionnel « male gaze », allant souvent de pair avec une hypersexualisation (dont on se passe très bien ici). Alfredo et Afonso s’aiment. Qu’importe que leurs amours aient lieu dans une forêt ou ailleurs. Ici rien ne sera éludé ni caché. João Pedro Rodrigues prend à contre-pied les codes de la pornographie mainstream. La mise en scène de la sexualité prend une coloration aussi bien humoristique que romantique. Dans ces conditions, les ébats entre les héros peuvent ainsi susciter un réel débat.

Feu follet pourrait, à première vue, passer pour une œuvre « phallocratique » tant le phallus y est (sur)représenté. Tour à tour objet de désir, moyen mnémotechnique ou métaphore d’un système patriarcal sur les rotules, jamais le phallus n’aura été autant sujet à discussion. Démythifié autant que démystifié, viré de son piédestal, alors qu’il est paradoxalement plus prégnant que jamais, ce dernier s’efface joyeusement pour laisser place à la fantaisie pure. S’abat alors l’art pompier et son conservatisme, écrasé par l’universalité de l’amour, (en)chanté par la magnifique voix de Paulo Bragança. Feu follet ou l’œuvre qui é(gay)e le cinéma d’auteur en s’amusant de sa frilosité (plus ou moins assumée). Il nous tardait de pouvoir dire : au feu l’art pompier. C’est maintenant chose faite.

Feu follet – Bande-annonce

Feu follet – Fiche technique

Réalisation : João Pedro Rodrigues
Scénario : Paulo Lopes Graça, João Rui Guerra da Mata et João Pedro Rodrigues
Musique : Paulo Bragança
Décors : João Rui Guerra da Mata
Son : Nuno Carvalho
Montage : Mariana Gaivão
Production : João Matos, João Pedro Rodrigues et Vincent Wang
Sociétés de production : Terratreme Filmes ; House on Fire et Filmes Fantasma
Société de distribution : n/a
Pays : Portugal, France
Genre : comédie musicale
Durée : 1h07
Sortie : 14 septembre 2022

Tout le monde aime Jeanne  est un film original, drôle et sensible où on redécouvre Blanche Gardin dans son meilleur rôle à ce jour, et où on découvre la petite musique du cinéma de Céline Devaux.

Synopsis de Tout le monde aime Jeanne :  Tout le monde a toujours aimé Jeanne. Aujourd’hui, elle se déteste. Surendettée, elle doit se rendre à Lisbonne et mettre en vente l’appartement de sa mère disparue un an auparavant. À l’aéroport elle tombe sur Jean, un ancien camarade de lycée fantasque et quelque peu envahissant.

Tout le monde aime Blanche Gardin

Tout le monde aime Blanche Gardin. Sans connaître vraiment Cécile Devaux, on a eu envie de découvrir immédiatement ce film, où l’humoriste pince-sans-rire tient le rôle principal et est de tous les plans. Et le spectateur fait bien, car Blanche Gardin nous dévoile une sorte de quintessence de son jeu, un côté burlesque qui était à son apogée dans Problemos, et le stoïcisme qu’on lui connaît alors qu’elle profère d’énormes punchlines dans ses stand-ups. Le spectateur est doublement récompensé par sa curiosité, avec la découverte d’une réalisatrice et d’un cinéma un peu atypiques, qui mélangent plutôt joliment les genres, en intégrant sous forme de voix-off des pastilles animées basées sur les dessins de la réalisatrice elle-même.

Soit une jeune femme, Jeanne, la trentaine conquérante, une ingénieure farouchement écolo. Elle investit toutes ses économies et plus encore dans un projet d’envergure de sauvegarde des océans qui fait littéralement plouf dès le jour de l’inauguration. Un plongeon dérisoire pour tenter de sauver son projet fait d’elle la risée d’internet, et au bord de la faillite personnelle, elle est obligée de procéder à la vente du seul bien qui lui reste : un appartement à Lisbonne légué par sa mère, fraîchement suicidée ; tous les ingrédients pour une dépression réussie.

Le voyage et le séjour à Lisbonne sont l’occasion pour Céline Devaux de nous présenter des personnages hauts en couleur qui gravitent autour de Jeanne :  Victor, un ancien amant  vaguement macho, du temps de son adolescence dans la ville, Jean, un homme fantasque et mythomane qu’elle rencontre à l’aéroport, interprété de manière très juste par Laurent Lafitte. Son frère venu par surprise vient compléter le tableau. Les relations entre ces personnages sont très instables, fragiles, et à l’image du film : un peu décalées.

La force et la faiblesse du film est cette dichotomie entre une partie animée un peu trop présente et le reste du métrage. En effet, l’importance de la partie animée peut faire perdre le fil de la narration; mais en même temps, ces incursions qui ne sont pas tout à fait une voix-off permettent à la cinéaste et au spectateur de rentrer dans la psyché de Jeanne, profondément abattue d’autant plus que l’appartement de sa mère recèle des souvenirs plus ou moins douloureux.

Tout le monde aime Jeanne à sa manière, sauf Jeanne à ce moment précis de sa vie. Très peu diserte, elle sera donc avantageusement et de manière drolatique remplacée par une voix-off, des voix-off en réalité, qui ne sont même pas la sienne. On a deux Jeanne pour le prix d’une, celle qui a du mal à communiquer, et l’autre, plus intime mais plus bavarde qu’à son tour. 

L’animation est centrée sur un personnage aux cheveux fournis comme ceux de Jeanne, avec un côté inquiétant d’héroïne de film d’horreur. On finit par s’habituer à ce personnage qui devient une partie intégrante toute naturelle du dispositif imaginé par Céline Devaux, après un début un peu plus chaotique.

La réappropriation des lieux par Jeanne, ses petites découvertes dans les recoins de l’appartement, ses visions, tout est très chargé d’émotion rentrée et pourtant très palpable. Les souvenirs d’enfance du personnage font partie des meilleures séquences du film.

Tout le monde aime Jeanne , présenté à la Semaine de la Critique, paie par moments les risques qui sont pris par la cinéaste avec son dispositif singulier, mais dans l’ensemble, cette proposition originale et assez drolatique fait mouche avec une délicatesse aussi bien dans la réalisation que dans l’interprétation du film notamment de la part de Blanche Gardin, mais le reste du casting est à l’avenant. À conseiller en cette rentrée pour commencer en beauté une nouvelle saison de cinéma.

Tout le monde aime Jeanne – Bande annonce

Tout le monde aime Jeanne – Fiche technique

Réalisateur : Céline Devaux
Scénario : Céline Devaux
Interprétation : Blanche Gardin (Jeanne Mayer), Laurent Lafitte (Jean), Maxence Tual (Simon Mayer), Nuno Lopes (Vitor), Marthe Keller (Claudia Mayer)
Photographie : Olivier Boonjing
Montage : Gabrielle Stemmer
Musique : Flavien Berger
Producteurs : Sylvie Pialat, Benoît Quainon, Luís Urbano
Maisons de Production : Les Films du Worso C-production : O Som e a Fúria, France 3 Cinéma, Scope Pictures
Distribution (France) : Diaphana Films
Durée : 95min.
Genre : Drame
Date de sortie :  07 Septembre 2022
France . Portugual– 2022

Douze ans que les studios Disney nous inondent de remakes live inutiles et purement mercantiles. Mais jamais, ô combien jamais, ils n’étaient parvenus à un tel niveau de médiocrité et de je-m’en-foutisme. Malgré la présence de Robert Zemeckis à la réalisation, Pinocchio version 2022 est une insulte de taille. Une sorte de téléfilm Disney + fauché qui fait preuve de mauvais goût et n’ayant aucun respect pour son modèle d’animation, qu’il reprend pourtant sans aucun scrupule.

Synopsis de Pinocchio : Dans un petit village, l’inventeur Geppetto vient de construire sa dernière marionnette qu’il baptise « Pinocchio ». Désirant plus que tout retrouver un enfant, ce vieil homme fait alors le voeu que Pinocchio se transforme en réel petit garçon. La Fée Bleue accomplit son souhait, donnant vie à la sculpture de bois. Mais la marionnette ne se transformera complètement qu’une fois qu’elle aura prouvé son mérite. Jiminy Cricket sera sa conscience, tâche qui s’avérera plus compliquée que prévu car Pinocchio s’embarque dans de périlleuses aventures…

Nous aimerions tous prier la bonne étoile et la Fée Bleue afin que les studios Disney daignent arrêter de délivrer autant de remakes live à la pelle. De nouvelles adaptations qui ne font que reprendre à la lettre les dessins animés originels tout en leur ôtant toute moelle substantielle. Toute vie, toute magie. Il est vrai que certains titres ont réussi à sortir du lot (Le Livre de la Jungle, Dumbo, Cruella). Mais la plupart du temps, ce ne sont que de purs produits mercantiles dignes d’une chaîne de fast food : grossiers et sans goût, qui peuvent se laisser consommer de manière passable (La Belle et la Bête, La Belle et le Clochard) ou bien avec réticence (Alice au Pays des Merveilles, Maléfique, Cendrillon, Aladdin, Le Roi Lion, Mulan). Et est-ce que leur dernier-né rentre dans cette catégorie ? Dans un premier temps, nous serions pressés de répondre oui, tant cette « nouvelle version » de Pinocchio correspond sans mal aux caractéristiques des mauvaises adaptations. Mais à bien y réfléchir, le film réussit l’exploit de créer une toute nouvelle catégorie. Celle de la malbouffe « à gerber », le long-métrage se présentant tout simplement comme la pire adaptation que Disney ait pu nous servir en douze ans de surexploitation.

Comme la majorité de ses congénères, Pinocchio est un remake d’une inutilité effarante. Tel un gentil petit garçon, loyal et obéissant, le titre copie scène par scène à la ligne près son aîné animé. Reprenant les chansons, les gags, les personnages, les situations… le titre reste dans les clous 90% du temps, sans jamais chercher à prendre le moindre risque. Et quand le film se le permet par moment, ce sont principalement pour les mauvaises raisons. D’une part c’est pour meubler l’ensemble par des personnages inédits (la marionnettiste Fabiana, la mouette Sofia) ou des explications (l’origine du nom de Pinocchio) qui n’apportent strictement rien ; de l’autre pour apporter des changements farfelus (Pinocchio faisant du kite surf avec Sofia plutôt que d’explorer les fonds marins) ou qui dénaturent l’œuvre originelle (Pinocchio pleurant à la fin la mort de son père et non l’inverse). Nous pouvons toutefois souligner un background bienvenu. Celui où le début du film nous fait comprendre que ce bon vieux Geppetto est un homme envahi par le chagrin, ayant perdu femme et surtout enfant. Et qui retrouve la joie d’être père par le biais de sa marionnette en bois. Un ajout non négligeable mais qui, malheureusement, se retrouve expédié en quelques secondes pour ne plus être évoqué jusqu’au générique de fin. Ajoutez à cela de nouvelles chansons dispensables et blagues bien douteuses (le pantin s’extasiant devant une bouse) et vous obtenez un scénario qui ne respecte plus du tout son modèle. Qui le reprend allègrement mais sans jamais le comprendre, tel un joyeux luron dansant sur un cadavre en putréfaction.

Là où Pinocchio aurait pu titiller notre intérêt, c’est par la présence de Robert Zemeckis à la réalisation. Même si ces dernières réalisations n’ont clairement pas marqué les esprits (Bienvenue à Marwen et surtout Sacrées Sorcières), nous parlons tout de même du bonhomme à qui nous devons la trilogie Retour vers le Futur, Forrest Gump ou encore Seul au monde. Et qui s’était déjà frotté à l’animation avec génie avec Qui veut la peau de Roger Rabbit ? et son triptyque pour mettre en avant la performance capture (Le Pôle Express, La Légende de Beowulf et Le drôle de Noël de Scrooge). Bref, un CV qu’il n’est plus besoin de présenter et qui pouvait être amplement suffisant pour apporter une lueur d’espoir quant à la tenue de ce Pinocchio. C’est pour cela que la déception n’en est que plus démesurée, tant le cinéaste semble éteint. En pilotage automatique tel un gentil petit garçon – lui aussi ! –, le cinéaste devenu yes man ne fait rien d’autre qu’enchaîner les scènes d’une fadeur indigne de son talent. Tout est filmé avec un vide et une mollesse inimaginables. Pire, Zemeckis n’arrive pas à retranscrire les émotions que nous avons pu éprouver avec les moments forts du dessin animé. Que ce soit la magie avec la Fée bleue, l’amusement avec le spectacle de marionnettes de Stromboli, la peur avec la transformation de Crapule en âne ou bien la tension/le spectaculaire avec la baleine Monstro ; tout est passé à la moulinette « édulcoration ». Comme si Zemeckis s’était retrouvé à la tête du projet malgré lui, sans aucune envie. Le réalisateur se réveille toutefois le temps d’une séquence. Celle où nos héros atteignent l’Île Enchantée, se transformant sous nos yeux en véritable parc d’attractions virevoltant et empli d’idées visuelles. Jusqu’à créer une atmosphère un chouïa angoissante via les hommes de main du Cocher, des ombres brumeuses assez terrifiantes. Mais cela ne concerne que dix minutes de film… Ce qui n’est clairement pas suffisant pour fermer les yeux sur l’inhabituelle inertie du metteur en scène. Un constat qui s’adresse également à son comparse musical Alan Silvestri (Retour vers le Futur, Predator, Forrest Gump, Avengers), qui se révèle aussi absent sur ce film que ne l’avait été Danny Elfman pour la trilogie Cinquante Nuances de Grey. Allant jusqu’à composer des chansons inédites d’une futilité désespérante, et dont le style ne s’accorde nullement avec les musiques originelles. Ce qui, pour le coup, donne un résultat sonore bancal.

Et il suffit de voir la direction artistique du long-métrage pour se rendre compte que Robert Zemeckis ne se sentait pas du tout concerné par ce projet. Car sur le plan visuel, Pinocchio est une véritable et inexplicable aberration. Certes, nous pourrions argumenter le fait que, depuis quelques temps, les sociétés d’effets spéciaux semblent débordées par les firmes hollywoodiennes – notamment Marvel/Disney –, les empêchant de finaliser comme il se doit le rendu final d’un long-métrage. Mais rien ne peut justifier le mauvais goût visuel qui nous est ici offert. Entre la Fée Bleue sortie tout droit d’un cabaret et Monstro échappée d’une production Asylum (Sharktopus) – pourquoi des tentacules et des branchies pour une baleine ?! –, Pinocchio ne parvient jamais à trouver une identité et une qualité visuelles fortes. En effet, pendant près de 1h50, vous aurez droit à des personnages ne sachant pas s’ils doivent être réalistes ou proches d’un cartoon. Que ce soit Pinocchio lui-même, mais aussi Jiminy Cricket, Grand Coquin, les chats Figaro et Gédéon ou encore le poisson Cléo. Et quand le métrage se veut gargantuesque dans son imagerie, il noie le spectateur – tout comme ce pauvre Tom Hanks lors du climax avec Monstro – dans une bouillie numérique des plus indigestes. Fonds verts qui piquent les yeux, effets très mal incrustés à l’écran, animation douteuse (Crapule en âne), des détails visuels incompréhensibles – des chopines de bière en CGI ?!–… le constat est tout simplement désastreux, voire même alarmant à ce niveau. Surtout quand un budget de 150 millions de dollars est en jeu !

Même si Pinocchio s’annonçait comme le énième produit à consommer de chez Disney, nous pouvions attendre de celui-ci un minimum de qualité, qui puisse rendre l’ensemble au mieux appréciable. Mais alors que les autres films s’effacent sans mal de nos mémoires après visionnage, impossible d’oublier cette terrible diablerie. Pinocchio est tout bonnement une honte. Pour Disney, qui transforme l’un de ses chefs-d’œuvre en simili téléfilm fauché pour sa plateforme de streaming. Pour Robert Zemeckis, qui perd toute grâce à nos yeux. Pour le jeune public, qui doit se contenter d’une telle abomination qui lui est pourtant destinée. Mais fort heureusement, deux solutions s’offrent à vous pour passer à autre chose. Soit vous vous replongez à nouveau dans le cultissime dessin animé, magique et intemporel. Ou bien vous attendez la diffusion sur Netflix du film d’animation de Guillermo del Toro (prévu pour décembre de cette année), qui s’annonce bien plus audacieux et prometteur que ce déchet hollywoodien.

Pinocchio – Bande annonce

Pinocchio – Fiche technique

Réalisation : Robert Zemeckis
Scénario : Robert Zemeckis et Chris Weitz
Interprétation : Benjamin Evan Ainsworth (voix de Pinocchio), Tom Hanks (Geppetto), Joseph Gordon-Levitt (voix de Jiminy Cricket), Luke Evans (le Cocher), Kyanne Lamaya (Fabiana), Cynthia Erivo (la Fée Bleue), Keegan-Michael Key (voix de Grand Coquin), Giuseppe Battiston (Stromboli)…
Photographie : Don Burgess
Décors : Doug Chiang et Stefan Dechant
Costumes : Joanna Johnston
Montage : Mick Audsley et Jesse Goldsmith
Musique : Alan Silvestri
Producteurs : Derek Hogue, Andrew Miano, Chris Weitz et Robert Zemeckis
Maisons de Production : Walt Disney Pictures, ImageMovers et Depth of Field
Distribution (France) : Disney +
Durée : 111 min.
Genre : Fantastique
Date de sortie :  08 septembre 2022
Etats-Unis – 2022
Budget : 150 M$