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Avec Nos Frangins, Rachid Bouchareb revient sur les événements de la nuit du 5 ou 6 décembre 1986, en choisissant de raconter l’incompréhension, l’absence, la douleur, soit les heures de silence qui ont suivi ces deux mises à mort. L’espace du film est aussi feutré qu’étouffant, percé de larmes et de questions. Seules les images d’archives se tournent vers l’ampleur de la foule, toutes les autres scènes sont intimistes, révélatrices d’une violence d’autant plus grande qu’elle éclate en marge, presque comme une erreur.

Foule et fantômes

Nos Frangins commence par une scène de liesse, une foule, des manifestations, un esprit de corps. De nombreuses scènes d’archives viendront ponctuer le montage du film comme pour mieux l’ancrer dans la sidération telle qu’elle a été vécue. Le calme sera à chercher ailleurs, vers cet employé de la morgue qui redonne aux corps anonymes un prénom, un adieu, une existence. Après cette ouverture entre foule et fantômes, c’est vers l’intime que se tourne Rachid Bouchareb, le réalisateur. On découvre Malik Oussekine par une voix sur son répondeur, son appartement, quelques objets et, surtout, à travers les voix et l’inquiétude de son frère (magistrale Reda Kateb) et de sa sœur (Lyna Khoudri). De même du côté d’ Abdel Benyahia dont on découvre le père (Samir Guesmi, impeccablement empêché), manipulé, et le frère, libéré et rabaissé (« vous devez les remettre dans le droit chemin »). Face à eux, la figure de l’autorité (Raphaël Personnaz), toute de noire vêtue, presque une silhouette dans une nuit sans lune. On pense aux figures policières telles qu’elles étaient représentés dans les caricatures de mai 68.

Violence

L’autorité en question, c’est la police donc, esquissée tout du long comme une menace. On la voit venir, de loin, elle perce le silence de la nuit et s’impose comme un groupe qui s’oppose à un autre. Les policiers de la brigade mobile sont décrits ici comme des lions en cages, ce sera les mots de l’un d’eux en audition, que l’on garde toute la journée enfermés, avant de les jeter dans les rues. Rachid Bouchareb les rend reconnaissables, dès le début, par le bruit de leurs motos qui fendent la nuit. A l’aide d’un montage ultra découpé, il reconstitue les événements de la nuit d’Abdel. La violence n’éclate pas directement, mais son résultat, un corps mort et méconnaissable, est connu dès le début. Nos Frangins compte plutôt montrer comment ces deux morts interviennent au cœur d’un évènement sans que ses protagonistes aient cherché à en faire partie. Le film raconte l’attente des familles, leurs craintes, leur combat aussi pour connaître la vérité. Il montre aussi comme, en l’absence d’éléments tangibles ou dans un pays qui ne leur donne pas la parole, ce combat est empêché, minimisé.  Cette manière de faire un pas de côté en étant non pas au cœur de l’évènement mais dans ses conséquences en chacun des proches des victimes, rend l’injustice d’autant plus flagrante.

Dépossédés

Après leurs morts, Abdel et Malik sont comme dépossédés de leurs identités. C’est pourquoi les scènes à la morgue, douces et cruelles, contrastent tant. On entend ainsi un policier dire « ce n’est pas le bon corps », confusion entre Malik et Abdel qui, morts tous les deux de violences policières, seront cachés pour éviter les débordements. Que faire alors ? Regarder les autres, leur rendre leur identité, tenter de les comprendre. Or, ils ne sont plus là pour parler d’eux, justifier leurs choix, comme cette conversion au catholicisme que Malik entreprenait et que son frère découvre, comme une deuxième mort presque. Le réalisateur filme ces deux morts tragiques et injustes avec une extrême sobriété. D’un côté les policiers et hommes politiques qui doivent prendre des décisions, de l’autre la liesse de la rue, et, entre tout ça, l’inimitié des familles. Dans cette reconstitution très attachée aux faits, il y a énormément d’images d’archives, la mise en scène est très, voire parfois trop, discrète. Elle a cependant le mérite de montrer l’impuissance, le débordement d’une violence injuste et d’une justice qui manipule. L’IGPN en la figure du policier interprété par Raphaël Personnaz est montré comme un pantin dont on tire les ficelles, et qui se trouve toujours non loin du siège éjectable. Les peines annoncées à la fin du film montrent bien le pouvoir de nuisance de cette soi-disant justice. Le rapprochement final que fait le réalisateur avec la gestion policière de la crise des Gilets Jaunes laisse entrevoir là où il voulait en venir et quelle place le souvenir de ces deux mises à mort doit prendre encore aujourd’hui dans nos mémoires collectives.

Nos Frangins : Bande annonce

Nos Frangins : Fiche technique

Synopsis : La nuit du 5 au 6 décembre 1986, Malik Oussekine est mort à la suite d’une intervention de la police, alors que Paris était secoué par des manifestations estudiantines contre une nouvelle réforme de l’éducation. Le ministère de l’intérieur est d’autant plus enclin à étouffer cette affaire, qu’un autre français d’origine algérienne a été tué la même nuit par un officier de police.

Réalisation : Rachid Bouchareb
Scénario : Rachid Bouchareb, Kaoutder Adimi
Interprètes : Reda Kateb, Lyna Khoudri, Raphaël Personnaz, Samir Guesmi, Laïs Salameh, Adam Amara, Wabinlé Nabié
Photographie : Guillaume Deffontaines
Montage : Guerric Catala
Durée : 1h32
Date de sortie : 7 décembre 2022
Genre : Drame
Distributeur : Le Pacte

Après une escale en France avec La Vérité, c’est en Corée du Sud que l’on retrouve l’immense Hirokazu Kore-eda avec Les Bonnes étoiles. Présenté à Cannes cette année, et auréolé du prix d’interprétation masculine pour le non moins immense Song Kang-Ho, le film prolonge les obsessions du cinéaste en s’appuyant sur des faits de société. En résulte une énième perle dans l’une des plus belles filmographies contemporaines.

Face à l’abandon, la fuite

Depuis plusieurs années en Corée du Sud, les nouveau-nés peuvent être déposés dans des “boîtes à bébé”. Ce dispositif a été mis en place afin de garantir la sécurité des enfants abandonnés, qui sont par la suite recueillis. Kore-eda aborde ainsi ses thématiques habituelles, mais en dépassant les frontières nippones. En installant sa caméra en Corée du Sud, il aborde frontalement une des grandes problématiques sociétales du pays, comme il l’aurait fait dans son Japon natal. On assiste donc à un prolongement de ses réflexions autour de la famille, de l’enfance et des laissés-pour-compte. Encore une preuve de l’universalité de son propos.

Le récit démarre sur le personnage de So-young, jeune mère déposant son enfant devant une boîte à bébé. Sang-hyeon  et Dong soo (Gang Dong-won), deux hommes trafiquants d’enfants, vont alors recueillir le nourrisson dans le but de le vendre à des familles. Néanmoins, c’est sans compter sur l’inspectrice Soo-jin (Bae Doona) et sa collègue, qui observent la situation afin d’arrêter les deux hommes. Mais la situation devient encore plus complexe lorsque la jeune mère revient vers son enfant. Et tous ces personnages embarquent alors dans un road trip et la quête des parents (et acheteurs) idéaux.

Malgré tout, ce voyage n’est en réalité qu’une simple façade pour tous les personnages. Ici, il est plus question d’une évasion, d’une fuite de la douloureuse réalité. Ce nouveau-né représente en quelque sorte une opportunité de renouveau pour chacun des protagonistes, aux fêlures flagrantes. A l’instar des précédents films du cinéaste, ce sont des personnages rejetés que l’on suit. Au fil du long-métrage, les personnages se dévoilent petit à petit. De ce fait, en laissant progressivement apparaître leur vulnérabilité, on apprend à les apprécier malgré leurs zones d’ombre.

Tout en se révélant progressivement au spectateur, les protagonistes s’apprivoisent entre eux à travers des scènes du quotidien, comme seul Kore-eda sait les produire. Progressivement, une vraie famille recomposée se construit. Cet élément est cher au cinéaste, qui n’a jamais cessé d’explorer la frontière étroite entre la famille de sang et celle du cœur. Dans Tel père, Tel fils, c’est par l’adoption qu’un enfant trouve sa famille. Et dans Une Affaire de Famille, c’est une famille recomposée qui va garder une enfant maltraitée. Malgré l’évidente ressemblance, le voyage du film et le dépaysement du territoire sud-coréen permettent au film de dépasser le simple résumé de la carrière du cinéaste.

Douce-amertume

Comme à chaque incursion au sein de l’univers du cinéaste, une douce mélancolie accompagne l’ensemble du récit. Chacun des personnages est écrit avec une extrême bienveillance. Leurs travers sont rapidement dévoilés, mais pourtant aucun jugement n’est porté à leur encontre et le film évite l’écueil de diaboliser ses personnages. La jeune mère abandonne son enfant, mais néanmoins la finesse d’écriture de Kore-eda la rend très touchante. L’ambiguïté de son action est contrebalancée par les révélations progressives sur son expérience de vie.  Ainsi, on compatit avec elle. Même l’inspectrice, qui représente la loi, apprend à comprendre les personnages qu’elle traque tout le long du film.

Par un subtil mélange des genres, le récit ne devient jamais trop lourd, ni ne tombe dans le pathos. Les douleurs du passé sont atténuées par des moments d’humour réjouissants. On pense notamment aux sourcils du nourrisson, source de nombreux débats. Au cours du film, un jeune orphelin en vient à se rajouter à la bande. Cette inclusion donne un souffle nouveau au film. Il se dégage de ce jeune garçon une légèreté, une innocence propre à l’enfance. Le cinéaste montre une nouvelle fois une grande maîtrise lorsqu’il s’agit de diriger les acteurs enfants.

Malgré ces touches de légèretés, les personnages restent conscients du sort qui les attend. En s’engageant dans ce long voyage, aucun retour en arrière n’est possible. Pour les trafiquants, la prison est la seule issue. Et quant à la mère, elle est prisonnière des actions qui l’ont entraînée à abandonner son enfant. Le plus cruel reste le sort du jeune garçon, qui s’est rajouté à ce voyage dans le simple but de se faire adopter. Malheureusement pour lui, on ne cesse de lui répéter qu’il est trop tard pour lui, et que son futur se dessinera sans l’amour de parents.

Les Bonnes étoiles est une belle réflexion autour de la culpabilité de l’abandon d’un enfant et la responsabilité des parents. Hirokazu Kore-eda semble avoir apprivoisé l’atmosphère sud-coréenne tant il fait une nouvelle fois preuve d’une grande maîtrise. Ainsi, il brosse le portrait de personnages fragiles mais braves. Et ce regard bienveillant culmine dans le final du film. Au fil des séquences, un torrent d’émotion se déploie. La séquence du manège est le théâtre d’un dialogue déchirant. Chaque mot, chaque petit mouvement, telle cette main couvrant le visage d’une mère rongée par la culpabilité, catalyse les émotions d’un film à la magnifique fragilité.

Les Bonnes étoiles : bande-annonce

Les Bonnes étoiles : fiche technique

Titre original : Beurokeo

Réalisation et Scénario : Hirokazu Kore-eda

Interprétation : Song Kang-ho (Sang-hyeon), Bae Doona (Soo-jin), Gang Dong-won (Dong-soo), IU (So-young)

Photographie : Hong Kyung-po

Musique : Jung Jae-il

Montage : Hirokazu Kore-eda

Genre : comédie dramatique

Société de production : Zip cinema

Société de distribution : CJ E&M

Date de sortie : 07 Décembre 2022

Pays : Corée du Sud

La vieillesse est un naufrage, De Gaulle l’a dit en connaissance de cause. A son crédit, le général a su prendre son képi et ses claques quand Mai 68 lui a indiqué la porte de sortie. Mais tout le monde n’a pas la même faculté de discernement. Il y a ceux qui coulent avec le navire, ceux qui sautent pour ne pas le couler, et ceux qui le font couler avec eux. Maestro(s) vient d’ajouter une nouvelle catégorie : ceux qui font semblant de respirer au fond de l’eau.

Et comme Yvan Attal et Pierre Arditi ne se sont pas fait greffer des branchies, on est bien obligé de se rabattre sur l’hypothèse de la thanatopraxie. Au moins à chaque fois que le premier s’acquitte de ses gros plans avec l’entrain d’un Serge Gainsbourg devant un examen de la prostate. Ce qui ne l’empêche nullement au demeurant de rendre 20 piges à son love interest de magazine, persuadé que le soleil se lève et se couche toujours dans le caleçon du old white dude sous péridurale comme à l’époque de l’ORTF. Un peu vieux jeu tout ça, mais comme le dirait Jacques Séguéla : se déconstruire à plus de 50 ans, c’est bon pour ceux qui n’ont pas de Rolex.

On ne parle même pas de respect du spectateur ici (on n’en est plus là), mais du minimum syndical de dignité personnelle. Ce à quoi l’acteur a manifestement décidé de renoncer en jouant les chefs d’orchestres en conflit avec son papa comme un Will Ferrell en burnout. On exagère ? Pauvres fous, vous n’êtes pas prêts.

Quelques minutes, c’est tout ce qu’il faut à Maestros pour faire reculer le langage cinématographique de plusieurs centaines d’années avant J.C.Prologue done, générique : plans mal/pas étalonnés et éclairés avec les rideaux ouverts,  Pierre Arditi père ingrat regarde les photos de famille encadrées sur son mur. Il fait le bilan, calmement, en se remémorant chaque instant ? NON : il regarde les photos de famille encadrées sur son mur. Au sens propre, assis sur une chaise et les yeux (mal)tournés vers des plans d’inserts.

Une régression sénile ne s’articule pas, elle se bégaye. Alors certes, le cinéma français a survécu à plus d’un coma artificiel. On en a vu d’autres et de toutes façons, on n’espérait pas de Bruno Chiche la prose des Neg’Marrons derrière la caméra. Ni la maestria d’un Robert Zemeckis, ni même le souffle rockn’roll de scénographies similaires. Mais qu’il filme une indication de script comme s’il écoutait un GPS lui donner la direction d’une route de campagne, celle-là faut la retenir pour son prochain Kamoulox.

On vous dirait bien que le pire est passé, mais le meilleur reste à venir. Scènes après scènes et une pièce à conviction après l’autre, Maestros écrit le réquisitoire pour son euthanasie en Do ultra-majeur. Pas un plan, pas un instant qui ne se gratte ouvertement les couilles sur le front de la décence cinématographique élémentaire. Bruno Chiche ose tout comme un major texan en rodéo sur une bombe nucléaire, où Yvan Attal agitant sa baguette pour choper des Pokemon Go.

C’est au moins une qualité qu’on ne pourra pas lui enlever. Le climax du film, par exemple. Un cinéaste normal en pleine possession de ses moyens y réfléchirait à deux fois avant d’y aller. Cap’ pas cap’, mais Bruno est Chiche (ouais, ÇA VA HEIN), et y met plusieurs caméras pour filmer l’atelier théâtre d’un asile de jour en train d’enfoncer une par une les portes de la génance cosmique sous les applaudissements des suiveurs de l’antimatière. Il FAUT le voir pour le croire : à 12% d’inflation et 10 dollars la place, ça fait un peu cher le freak-show en période de fêtes. Mais sur un malentendu, ça pourrait presque passer.

Bande-annonce : Maestro(s)

Fiche technique : Maestro(s)

Réalisateur : Bruno Chiche
Scénariste : Bruno Chiche, Joseph Cedar
Avec Yvan Attal, Pierre Arditi, Miou-Miou, Caroline Anglade, Pascale Arbillot, Nils Othenin-Girard, André Marcon, Caterina Murino, Benoît Moret, Valentina Vandelli…
Distribution : Apollo Films / Orange Studio
En salle le 7 décembre 2022