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Avant le palmarès et la clôture de l’Étrange Festival 2019, on s’intéresse au déroutant Swallow, le poisseux The Lighthouse, le soporifique Little Joe et le plaisant Come to Daddy.

– Swallow, Carlo Mirabella-Davis, 2019 : Histoire d’une desperate housewive, Carlo Mirabella-Davis signe un déroutant thriller avec Swallow qui brille autant par son succulent humour noir que son étude minutieuse d’une misogynie institutionnalisée qui sévit dans la prison dorée qu’est le cercle marital.

Ici l’imagerie est directement issue des pubs des années 50 qui vendaient diverses choses utiles à l’entretien d’un foyer tout en représentant une vision très étriquée de la femme. Un foyer érigé en prison dont le mari est le gardien. La femme n’étant perçue que comme objet mondain que l’homme présente en société ou qu’un moyen de procréer. La protagoniste est en plus issue d’un milieu modeste, là où son mari est le fils prodigue d’une riche famille. Tout concorde pour asseoir la domination sur une femme qui n’osera pas dire non et finira par se faire violence pour revendiquer ses choix même les plus incompréhensibles et les plus néfastes. Une émancipation cathartique qui ne cherche pas la subtilité, montrant avec intelligence les atours d’une réalité effrayante en virant volontairement du côté de la farce. Il cultive minutieusement son étrangeté et garde une aura troublante par sa démarche osée même s’il cède à une fin moins convaincante car vite expédiée. Mais Swallow reste parfaitement encadré par une réalisation minutieuse et froide qui accompagne à merveille son propos tandis que l’ensemble repose sur la performance formidable de Haley Bennett. L’actrice livre une prestation forte et habitée, probablement son meilleur rôle, qui fait tout le sel de ce très beau tour de force.

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– The Lighthouse, Robert Eggers, 2019 : Sans se laisser noyer dans ses influences, Robert Eggers frappe très fort avec son deuxième film, encore plus qu’avec son déjà audacieux The Witch.

The Lighthouse est un cauchemar fiévreux qui conjugue le mythe de Prométhée, la folie crasseuse de Lovecraft et le mysticisme du cinéma de Murnau pour nous embarquer dans une œuvre plastiquement grandiose au travail sonore remarquable. Crade, dérangeant mais aussi par moments irrésistiblement drôle. Le film de Eggers retourne et accouche d’images sublimes et tétanisantes qui vont longtemps hanter son spectateur. Par la précision de son montage ou dans sa façon de brouiller les espaces temporels et physiques, la folie s’immisce de plus en plus jusqu’à un dernier acte terrifiant et prodigieux. C’est une expérience de cinéma passionnante et riche qui offre plus que sa belle prouesse technique en s’imposant avant tout comme une œuvre complexe et impénétrable qui nous pousse à nous abandonner à sa folie. The Lighthouse est un ravissement visuel et sonore en plus d’être une œuvre passionnante à analyser tant elle se montre intrigante et fascinante par son hermétisme. Porté par Robert Pattinson et Willem Dafoe qui livrent tous deux des performances titanesques, The Lighthouse nous hante et nous colle à la peau tel un cauchemar humide et sale dont on ne se remet pas de la virulence de son iconographie. Puissant.

– Little Joe, Jessica Hausner, 2019 : Présenté en compétition officielle au dernier Festival de Cannes, où l’actrice principale Emily Beecham fut même auréolée du prix d’interprétation féminine, Little Joe est un mystère incompréhensible. Pas parce que son histoire est particulièrement complexe, mais parce qu’il est difficile de comprendre l’engouement autour d’une œuvre aussi pauvre.

Évoquant directement L’Invasion des profanateurs de sépultures dans une version plus écolo, Little Joe est un film inoffensif qui derrière son récit attendu cachera vaguement un propos autour d’une maternité émancipatrice en suivant une femme qui n’assume pas préférer son travail à son rôle de mère. Réflexion qui sera quasi-invalidée par la dernière phrase du film qui aurait pu s’avérer intéressante si elle avait vraiment pu être creusée par le scénario. Quelques idées s’avéreront particulièrement intéressantes, mais traitées de manière trop scolaire pour vraiment être stimulantes. Dans son fatalisme maquillé ou sa satire, Little Joe reste trop sage pour vraiment sortir de ses balises et finit par être d’une triste banalité. Le pire étant qu’il plonge dans une torpeur redondante où la lenteur du rythme vient avoir raison de son spectateur. Il est difficile de s’emballer pour un film dont on sait déjà ce qu’il va nous raconter et qui le fait de manière soporifique, quand bien même il dispose d’un esthétisme parfois assez léché. Mais même là, Little Joe déçoit lorsqu’il délaisse son onirisme hypnotique et tombe dans des passages plus génériques et calibrés. Le casting est d’ailleurs aussi une déception tant le jeu d’Emily Beecham, sans être mauvais, reste assez quelconque et ne vaut clairement pas un prix d’interprétation surtout qu’elle est souvent éclipsée par la présence plus décomplexée et grinçante d’un succulent Ben Whishaw.

– Come to Daddy, Ant Timpson, 2019 : Dans la sélection de cet Étrange Festival, rares sont les films à avoir cherché à n’être que le pur fruit du divertissement. Laissé tomber le message et le propos fort au profit d’une efficacité décomplexée dans tout ce qui est l’essence même du cinéma de genre. Et en ça, Come to Daddy s’impose comme un formidable vent de fraîcheur sur la compétition.

Le film ne volera en cela jamais très haut, mais n’aura jamais la prétention d’être plus qu’une joyeuse histoire de quiproquo et éventuellement un jubilatoire jeu de massacre. Et étrangement, c’est en ça qu’il sera une jolie réussite arrivant là où beaucoup ont échoué, se perdant dans de vaines divagations. Ici Come to Daddy mutera souvent sous nos yeux, allant du thriller inquiétant à la franche comédie en passant même par quelques élans horrifiques. Le tout viendra finalement d’un scénario simple mais assez malin qui cultive son imprévisibilité. Car quand on pense le saisir, il arrive toujours à nous surprendre en allant toujours plus loin qu’on aurait pu l’anticiper. La narration s’avère incroyablement stimulante et bénéficie d’un sens du dialogue et de la situation proprement hilarant. La mise en scène d’Ant Timpson est efficace et maîtrisée sans en faire trop, elle dispose même d’une photographie inspirée mais on regrettera peut-être que dans cette volonté de toujours muter et aller de l’avant, Come to Daddy ne fait que survoler la plupart de ses situations. On aurait presque aimé que la situation initiale dure plus longtemps tant les scènes entre Elijah Wood et Stephen McHattie sont excellentes. D’ailleurs Elijah Wood s’avère en grande forme et brosse un personnage très attachant qui arrive à donner au film une émotivité bienvenue. En ça, la conclusion s’avère bien plus touchante qu’on aurait pu l’espérer. En tout point, ce Come to Daddy est une réussite et un solide divertissement.

Alors qu’on approche de la fin, l’Étrange Festival montre son visage en affirmant ses thématiques autour de la masculinité toxique et de l’émancipation féminine. Knives and Skin, Koko-di Koko-da, Lillian et Gwen, développent des portraits de personnages qui s’enferment dans l’aliénation où hommes et femmes se blessent sans savoir communiquer.

– Knives and Skin, Jennifer Reeder, 2019 : L’histoire n’est pas nouvelle, et à notre époque elle en est presque tristement banale. Celle d’une jeune femme qui paie les frais d’une attente masculine insistante et intransigeante qui ne comprend pas le non, ou le rejette avec violence. Elle ne veut pas aller jusqu’au bout avec ce garçon, il l’abandonne donc en plein milieu de la nuit et Carolyn disparaîtra.

Sorte de Laura Palmer moderne, victime d’une Amérique hypocrite et faussement puritaine, l’histoire de Knives and Skin est déjà vue. On pense d’ailleurs fortement à Twin Peaks tant son ombre plane sur le film de Jennifer Reeder jusque dans son ambiance qui vire vers le songe onirique. Malheureusement, la comparaison s’arrête là car jamais le récit n’arrivera à trouver la finesse dans cette chronique adolescente poussive où tous les malheurs du monde et les situations les plus malaisantes arrivent aux mêmes groupes de personnes. A trop forcer le trait, Reeder tombe dans un misérabilisme antipathique qui certes cherche la nuance, mais ne trouve jamais la subtilité. Le film ne juge pas, et c’est sa vraie force, mais son pathos plombant tend à virer au ridicule à force d’aller toujours plus loin. Alors certains personnages arriveront à sortir du lot et se montrer vaguement attachants, mais à trop vouloir en dire et trop chercher à dénoncer Knives and Skin survole beaucoup de ses sujets. Le casting surnage comme il peut au milieu de tout ça, mais les acteurs sont parfois handicapés par l’écriture qui ne semble jamais vraiment savoir quel ton aborder. Reste une réalisation léchée, notamment la sublime photographie, mais là encore ampoulée par une mise en scène poseuse et excessive qui accentue le caractère irréel et factice d’une histoire qui tend pourtant à vouloir dénoncer des vérités. Knives and Skin se perd dans sa propre démarche et loupe sa cible, se transformant en raté assez gênant.

– Koko-di Koko-da, Johannes Nyholm, 2019 : Réalisateur suédois qui est particulièrement friand du mélange entre l’animation et les prises de vues réelles dans ses projets, et de son folklore natal, Johannes Nyholm s’est composé une filmographie en forme de recueil de contes, où une certaine naïveté enfantine se confronte à la cruauté du monde adulte. Prenant les airs d’une comptine entêtante, son Koko-di Koko-da s’impose comme son idée très spécifique d’un jour sans fin.

Comme le réalisateur l’a expliqué lui-même lors de sa présentation du film, la violence et la noirceur qui émanent de son Koko-di Koko-da a un but qui se veut cathartique. Une sorte de thérapie par le mal qui ne cache pas totalement ses cartes dans un film concept pas aussi cryptique qu’il le voudrait ou qu’il le devrait. On voit vite où le film veut en venir et il base son concept sur des fondations fragiles, surtout qu’il a trop tendance à venir enfoncer des portes ouvertes avec ses interludes animés qui viennent expliquer quelque chose déjà pourtant compris par le spectateur. A l’image de son auteur qui nous donne les clés de compréhension avant même le lancement de son film, on sent constamment la volonté de nous prendre par la main dans une démarche paradoxale. Une démarche qui va essayer de mêler la radicalité de l’approche tout en restant parfaitement accessible sur le fond. La sauce ne prend pas, surtout que même sur sa violence Koko-di Koko-da n’ose jamais franchir la limite bien sage qu’il s’est posée. Même si son folklore a un aspect fascinant et que la mise en scène possède quelques jolies trouvailles quand il s’agit de faire grimper la tension, il reste relativement inconséquent dans son message et sa façon de le transmettre. On reste devant une histoire déjà vue de deuil familial, où un couple doit se retrouver en affrontant la douleur et l’horreur de la perte. Un conte trop simpliste pour correspondre à un public adulte mais trop macabre pour être abordé par un plus jeune, et comme il ne trouve jamais sa voie il risque aussi de ne pas trouver son public.

– Lillian, Andreas Horvath, 2019 : Présenté cette année au Festival de Cannes à la Quinzaine des réalisateurs, Lillian avait fait une certaine sensation. Premier long métrage de fiction pour Andreas Horvath qui s’est jusqu’ici fait connaître pour ses documentaires, il a voulu pour ce premier film s’intéresser à une histoire vraie. Celle d’une émigrante Russe dans les années 20 qui a voulu retourner dans son pays à pieds, partant de New York pour rejoindre l’Alaska et traverser le Détroit de Béring. Un périple incroyable dont la jeune femme ne revint jamais car elle disparut sans laisser de trace.

Déjà passionnant par son histoire, Andreas Horvath aurait très bien pu se contenter de cela pour en faire son film, mais il est clair qu’en voyant Lillian, on n’est pas en face d’une œuvre qui cherche la facilité. Actualisant le récit qui se passe désormais de nos jours, Horvath va signer une chronique à la radicalité étonnante tant Lillian cherche à créer l’inconfort. De la composition particulière de ses plans à son mutisme quasi-constant en passant par sa bande son presque surannée, le film de Horvath navigue plus dans les eaux du docu-fiction pour signer un regard pénétrant sur l’Amérique profonde post-Trump. Le parcours du personnage, même si central, deviendra presque la toile de fond de ses rencontres menaçantes dans un pays aliénant qui s’érige sur ses mises en garde et s’impose en vaste territoire hostile où l’humanité se fera rare. Lillian est un personnage presque extraterrestre, le film nous renvoie d’ailleurs souvent au Under the Skin de Jonathan Glazer dans l’âpreté de sa forme et la particularité de son regard, où l’on suit dans les deux cas une femme perdue dans une terre qui la rejette et les persécute. On se retrouve face à une œuvre extrêmement politique, où l’Amérique n’est plus la terre d’opportunités à laquelle on cherche à accéder mais un pays dangereux que l’on tente de fuir. Pertinent et actuel, Lillian en devient une œuvre thématique passionnante mais aussi un voyage sensoriel assez saisissant dont il est juste dommage que la froideur du regard documentaire étouffe les émotions. Horvath en oublie parfois son récit au profit de son propos, ce qui privilégie l’aspect universel de son œuvre mais en occulte parfois le côté humain, ce qui s’avère dommage pour une film qui passe autant de temps à les observer. Mais on reste quand même face à une intrigante et belle proposition de cinéma.

– Gwen, William McGregor, 2018 : Ridiculement baptisé La terre des oubliés en français, Gwen se veut être un film dans la mouvance du récent The Witch de Robert Eggers. Malheureusement il n’en aura jamais la force ni la radicalité, car même s’il parvient à raconter une histoire loin d’être inintéressante, il rate nombre de ses effets.

Se focalisant intégralement sur le point de vue de son personnage principal, qui prête son nom au titre, Gwen est un film qui se veut volontairement cryptique et trompeur dans son approche et sa forme. Dans une société et une époque où les femmes étaient mise de côté, et où les enfants n’avaient pas leur mot à dire quant à leur destin, on se retrouve à parcourir le film à côté d’une adolescente qui se retrouve prise entre les secrets de sa mère et l’hostilité des villageois qu’elle ne comprend pas. Pendant la majeure partie de son récit, Gwen va jouer de cette ignorance pour nous perdre entre des interrogations aux accents fantastiques et une approche plus terre-à-terre sur une famille persécutée pour qu’une compagnie minière puisse racheter ses terres. Où, encore une fois, la cruauté masculine érige un besoin de domination dont les femmes paient souvent le prix. Le problème est qu’on évente assez tôt le vrai du faux et on se retrouve à comprendre plus rapidement les enjeux du récit que sa protagoniste, ce qui fait que le film perd très vite de sa substance. De plus, ses tentatives horrifiques n’en deviennent que plus grossières et s’apparentent juste à des passages inertes juste là pour voguer sur le sensationnalisme. C’est d’autant plus dommage car cela compose le plus gros du film et ne sert que de cache-misère pour voiler la maigreur de son fil narratif. Que ce soit l’histoire d’un père absent, les prémisses d’une romance non développée, etc, Gwen lance beaucoup de pistes qui n’iront nulle part et se composent de personnages relativement vides. Seule la mère sera vraiment développée car même Gwen reste une spectatrice passive et souvent dépassée. Ce qui souligne bien la dureté du contexte et de la conclusion du film, mais qui reste un argument narratif assez pauvre car Gwen est incapable d’apporter autre chose que ce regard. On le devance souvent et il n’a pas suffisant de matière pour vraiment nous retourner.