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L’attente fut longue, salle comble (et il y avait encore du monde dehors) ce jour pour le très attendu La guerre des Lulus, en présence de l’équipe du film. L’occasion pour l’un des auteurs de la BD d’origine, natif de la Somme, de revenir « à la maison ». Autre salle, autre ambiance, avec la présentation, en compétition, du documentaire Children of the mist. Dans ces deux propositions, il s’agit de parler d’enfances sacrifiées, mais les regards divergent. Retour sur cette 2e journée du FIFAM 2022.

La guerre des Lulus ou les désastreuses aventures des orphelins picards
Synopsis : À l’aube de la Première Guerre mondiale, dans un village de Picardie, quatre amis inséparables, Lucas, Luigi, Lucien et Ludwig, forment la bande des Lulus. Ces orphelins sont toujours prêts à unir leurs forces pour affronter la bande rivale d’Octave ou pour échapper à la surveillance de l’Abbé Turpin… Lorsque l’orphelinat de l’Abbaye de Valencourt est évacué en urgence, les Lulus manquent à l’appel. Oubliés derrière la ligne de front ennemie, les voilà livrés à eux-mêmes en plein conflit. Bientôt rejoints par Luce, une jeune fille séparée de ses parents, ils décident coûte que coûte de rejoindre la Suisse, le « pays jamais en guerre »… les voilà projetés avec toute l’innocence et la naïveté de leur âge dans une aventure à laquelle rien ni personne ne les a préparés !
Date de sortie : 18 janvier 2023

« C’est l’histoire d’enfants qui se construisent dans un pays qui se déconstruit », voilà les mots d’un des auteurs de la BD La guerres des Lulus à la fin de la projection du film qui l’adapte. Le film suit en effet, en accéléré, les étapes de la construction d’enfants, presque adolescents pour certains, des premiers amours en passant par l’amitié qui les lie très fort. Projetés dans la guerre, les gamins deviennent des débrouillards malgré eux. La guerre est représentée en arrière plan, mais souvent filmée de manière brutale et violente (on pense ici à la scène dans les tranchées, ou encore à l’incendie de l’orphelinat), telle qu’elle a été vécue par des centaines de milliers d’enfants devenus orphelins.

Il faut dire que Lucien, Luigi, Luce, Lucas et Ludwig (les « Lulus ») croisent sur leur chemin des adultes bourrus parfois, mais surtout bienveillants, prêts à les aider, qui finissent par disparaître, pour relancer les aventures. Un brin trop gentillet et propret, La Guerre des Lulus se suit pourtant comme un grand film d’aventures et d’amitié, donne un point de vue un peu différent sur la guerre, nous ne sommes pas ici dans les tranchées, mais parmi ceux qui n’ont aucune arme pour se défendre. Non dénué d’humour, La Guerre des Lulus joue beaucoup sur la naïveté de ses petits protagonistes tout autant que sur la grande maturité de certains d’entre eux. Tout est alors question de communication pour ces cinq gamins seuls au monde, mais surtout de se choisir une famille.

Graphiquement très travaillé, le film doit beaucoup à la bande dessinée qu’il adapte, dialogues ciselés, rebondissements, personnages très typés et donc souvent drôles (à leur insu!), tout va vite, tout contribue à l’émotion jusque dans la petite ritournelle qui accompagne le film.

Children of the mist de Ha Le Diem
Synopsis : Di est une fille de douze ans originaire des montagnes embrumées du nord du Vietnam. Elle appartient à la minorité ethnique des Hmong dans laquelle les filles se marient à un très jeune âge, évènement souvent précédé par le controversé «kidnapping de la mariée» qui se voit enlevée par son futur époux à l’occasion des festivités du Nouvel An lunaire.

Diem regarde Di, elle n’intervient que rarement, mais on sent qu’entre ces deux filles, le courant est passé au-delà d’un simple sujet documentaire. A l’image des étudiants de We, student ! (lui aussi présenté au festival), un lien amical se noue entre les deux filles, Diem a filmé Di pendant trois années, sachant l’inéluctable et au moment où elle raconte l’ayant déjà perdue dit-elle. Dans ce village vietnamien embrumé (très belle première séquence du film), Di vit assez insouciante sa vie de jeune fille. Elle a douze ans quand le film commence et plane pourtant au-dessus d’elle la menace, qu’elle prend comme un défi, d’un mariage prochain, pour lequel elle peut être « kidnappée » par son futur mari.

Une tradition que Di ne rejette pas, mais qui lui semble bien loin quand elle en parle, tout en étant très concret puisque sa sœur a été « kidnappée » et attend, à 17 ans, son 2e enfant. Cela ne l’empêche pas de flirter avec des garçons ou encore de parler de sexe.

Ha Le Diem suit le quotidien de la famille, s’adresse parfois à Di, l’exhorte à prendre sa destinée en main, à refuser ce qui est prévu. Children of the mist est le premier film de la jeune réalisatrice (31 ans), dans le cadre des ateliers Varan, qui porte un regard sur des coutumes qu’elle ne pratique pas, mais sans les juger frontalement. Elle tente de faire réfléchir Di et de réfléchir avec elle. Pourtant, Children of the mist est filmé comme un piège qui se referme sur Di, sans qu’elle s’en rende vraiment compte. Il ne sera plus question dans la dernière partie du film que de s’en extirper. Que peut alors la caméra, parfois malmenée, dans ce qui se joue devant elle ? Sans jamais la désarmer, Diem ne lâche pas son sujet, s’y engouffre et tente d’insuffler un peu de lumière dans ce quotidien où les ados ne rêvent que de « redevenir des petites filles ».

FIFAM 2022 : Rencontre avec les auteurs de La Guerre des Lulus

Bande annonce : La guerre des Lulus

Bande annonce : Children of the mist

Porté par la beauté solaire de Cécile de France et la fougue du jeune Félix Lefebvre, La Passagère, premier long-métrage de la réalisatrice Héloïse Pelloquet, raconte avec tendresse la naissance du désir entre Chiara, une femme mariée et Maxence, son jeune apprenti, dans un paysage marin dont la délicate sensualité est propice à la romance.

Pour ce premier long-métrage à la fois romanesque et naturaliste, Héloïse Pelloquet (Comme une grande, L’Âge des sirènes, Côté Cœur) offre à Cécile de France le rôle de Chiara, héroïne moderne et libre, femme d’une quarantaine d’années et épouse d’un travailleur de la mer, qui revendique son droit au plaisir en succombant au charme d’un jeune apprenti interprété par Félix Lefebvre (remarqué dans L’Heure de la sortie de Sébastien Marnier, puis Été 85 de François Ozon).

Réflexion sensible et plurielle sur l’adultère, l’obstacle au désir, la fusion de deux corps antinomiques, le bonheur.., La Passagère prend pour décor le petit port d’une île fictive près de Noirmoutier, sensuel reflet de l’état d’esprit de ses personnages bruts et authentiques, en quête d’un équilibre dans leur existence quelque peu désorientée.

Telle une étrangère, Chiara, femme belge à la fois bourrue et chaleureuse, rude mais épanouie, à laquelle Cécile de France prête sa beauté toujours solaire, est constamment confrontée au regard des autres, en particulier celui de la communauté de marins qui l’a accueillie à son arrivée en France. Anticonformiste, elle choisit en effet de bousculer sa destinée en tombant dans les bras de Maxence, jeune garçon plutôt réservé dont l’étonnante maturité va brusquement la fasciner. Lui, talentueux flûtiste pourtant sans grand avenir professionnel, est immédiatement troublé par son sourire éclatant, séduit par son regard brûlant de désir. Très vite — et c’est là sans doute la réussite du film –, l’apprentissage de la pêche se change en un véritable coup de foudre ; la délicatesse, la pureté et la musicalité de l’idylle naissante entrent en contrepoint avec la rudesse du métier alors que chaque geste, chaque moment d’intimité, chaque vibration, résonne comme le doux clapotis d’une vague intérieure.

Citant notamment l’émouvant Marie-Jo et ses deux amours de Robert Guédiguian, la réalisatrice saisit ici toute la beauté du climat sentimental qui irrigue la trame. Elle chorégraphie avec précision les prémices de l’élan amoureux ainsi que la gracieuse animalité qui se dégage de cette union passagère, de cette machine tanguant quelque part entre douceur, maladresse et brutalité, tout en magnifiant les visages et corps des acteurs.

Avec pour seuls effets le gros plan et la radieuse lumière de la Vendée capturée par le chef-opérateur Augustin Barbaroux (L’Ordre des médecins, Teddy) La Passagère laisse également la part belle à la mise en scène intime d’une sexualité féminine intense, renforçant d’une certaine manière la qualité presque documentaire du film. Un mélo incarné avec passion et humilité par Cécile de France.

Sévan Lesaffre

Rencontre avec l’équipe du film La Passagère d’Héloïse Pelloquet

Bande-annonce

Synopsis : Chiara vit sur une île de la côte atlantique, là où son mari Antoine a grandi. Ils forment un couple heureux et amoureux. Elle a appris le métier d’Antoine, la pêche, et travaille à ses côtés depuis vingt ans. L’arrivée de Maxence, un nouvel apprenti, va bousculer leur équilibre et les certitudes de Chiara…

La Passagère – Fiche technique

Réalisation : Héloïse Pelloquet
Scénario : Rémi Brachet
Avec : Cécile de France, Grégoire Monsaingeon, Félix Lefebvre, Jean-Pierre  Couton, Imane Laurence…
Production : Mélissa Malinbaum
Photographie : Augustin Barbaroux
Montage : Clémence Diard
Décors : Anne-Sophie Delseries
Costumes : Caroline Spieth
Musique : Maxence Dussère
Distributeur : Bac Films
Durée : 1h35
Genre : Drame, Romance
Sortie : 14 décembre 2022

Présenté en compétition au Festival International du Film d’Amiens (FIFAM), A piece of sky (Drii Winter) de Michael Koch est un drame poignant au cœur d’un village de montagne, une alliance magnifique entre nature et humanité où les liens entre les Hommes sont intenses, où l’animal a une place centrale. Un récit de corps, de mort aussi, mais surtout de saisons.

Trois saisons en enfer

Présenté par la vice-présidente du FIFAM comme un film qui commence par un gros plan sur une pierre et qui déroule ensuite un drame dans un village de montagne, avec des gros plans sur les hommes et la nature, A piece of sky n’est que cela : un élan d’humanité, un tableau de maître, porté par des voix prémonitoires, par une destinée tragique et contrainte au travail du corps, sans cesse renouvelé au fil des saisons. A piece of sky est une tragédie sublime. Dans cette première scène, plan d’une pierre, immuable, posée là pour des années, on voit aussi des voitures et motos serpenter la vallée, grimper la montagne. Le regard est autant porté sur la nature que sur les hommes qui la peuplent, la travaillent. Le titre original du film Drii Winter, autrement dit trois hivers, renvoie autant à la temporalité du film qui voit défiler trois hivers (dont l’un, joyeux, ne sera pas montré, juste évoqué), qu’à la place des saisons dans une vie de montagne. Michael Koch, qui signe ici son 2e film salué à la Berlinale, raconte autant la vie, les gestes, que l’histoire tragique d’Anna et Marco.

Sublime nature

A piece of sky est d’abord le récit de l’histoire d’amour entre Anna et Marco, sur laquelle tout le village semble avoir un avis. Par quelques plans simples, le réalisateur en dresse le portrait : un amour pudique, mais fort, qui est ancré dans le quotidien de la montagne. Marco est un bloc, mais il est aussi un personnage doux, attentionné. Quant à Anna, elle est sans cesse dans l’action, en mouvement. C’est presque aussi simplement que Michael Koch introduit le drame dans une scène de mariage, lors d’une danse intime, très belle entre les deux amants devenus légitimes, Marco s’éloigne, quitte la salle et les bras d’Anna, il semble malade. Ajoutez à cela un chant (par une chorale aux allures de chœur antique) prémonitoire et vous avez les ingrédients de A piece of sky qui prend le temps de raconter, de regarder. D’ailleurs, c’est souvent celui qui regarde qui est filmé, un peu à la manière de la Jeanne de Bruno Dumont, car l’importance des corps, du paysage, de la nature est soulignée par l’intensité des regards. A la manière dont il avait filmé la pierre dans sa scène d’ouverture, Michael Koch filme les visages en gros plans, donnant soudain une intensité nouvelle à leurs sentiments. Eux qu’il montre si petits face à la montagne prennent soudain un sursaut d’humanité. Michael Koch joue donc de ces regards, de cette intensité, mais aussi du décalage. Souvent ses plans commencent par un élément particulier, une insistance sur une fenêtre, un couloir, un objet, comme pour mieux raconter par le détail, l’enjeu d’une scène. C’est ainsi une fenêtre ouverte qui annonce la mort, mais aussi l’ouverture vers un ailleurs.

Corps tragiques

Dans ce jeu d’équilibriste, la durée des plans compte beaucoup car elle offre un autre rapport au temps, aux saisons aussi. Il y a des gestes immuables, des moments qui reviennent comme en écho (notamment la scène des foins qui sont envoyés vers la montagne et réceptionnés d’abord par Marco) et il y a les réactions de Marco qui changent brutalement, qui viennent tout bouleverser. Dans ce rapport au temps, c’est aussi le lien entre les êtres qui est raconté, leur rapport aux bêtes, que ce soit dans l’affection ou dans la mort. L’animal est autant montré comme un produit pour certains, que comme un être qui compte. Corps des animaux et corps des hommes se confondent. « Les corps étaient fondamentaux pour moi, j’ai  essayé de les mettre en scène de manière à les faire parler », déclare le réalisateur dans un entretien pour Arte. Souvent, une scène avec un animal annonce comme en écho la vie des hommes, ainsi lorsqu’une vache est saillie par un taureau, il ne faut pas dix minutes à Michael Koch pour faire dire à un homme du village « alors, c’est quand qu’il te fait un enfant? », en évoquant Marco devant Anna. Le réalisateur va alors tenter de déterminer, par l’entremise de ses personnages, ce qui compte vraiment. Il va alors distinguer le matériel, à l’aide notamment des patins à glace offerts par Marco à la fille d’Anna (qui l’appelle « papa ») et que l’enfant espère amener avec elle après sa mort, aux gestes, aux sentiments. C’est eux que Marco va garder pour lui pour plus tard. C’est pourquoi ces scènes en apparence banales deviennent les rudiments de la tragédie. Quelque chose de violent se noue alors, quand Marco sombre, mais le film offre à ce couple un nouveau souffle et c’est alors que A piece of sky prend une ampleur romanesque d’une grande intensité. Sublime.

A piece of sky : Bande annonce

A piece of sky : Fiche technique

Synopsis : Anna et Marco mènent une vie tranquille jusqu’à ce que, peu après leur mariage, Marco apprenne qu’il est atteint d’une tumeur cérébrale maligne. En raison de la maladie, ce dernier perd progressivement le contrôle de ses actes. Ces changements soudains de comportement, initialement perçus par Marco comme « libérateurs », s’avèrent rapidement difficiles à gérer pour Anna…

Réalisation : Michael Koch
Scénario : Michael Koch
Interprètes : Michèle Brand, Simon Wilsler, Josef Aschwanden
Photographie : Armin Dierolf
Montage : Florian Riegel
Production : Pandora Film Produktion, Arte
Durée : 2h16
Genre : Drame
Date de sortie : prochainement
En compétition au FIFAM 2022, récompensé à la Berlinade 2022 (mention spéciale).

Allemagne – 2022

La première journée du FIFAM 2022 s’est terminée par la projection du film La Passagère d’Héloïse Pelloquet, en présence de la réalisatrice et des comédiens Cécile de France et Felix Lefebvre (découvert dans Eté 85). Le film est autant le récit d’une romance que celui d’une émancipation féminine portée par l’actrice belge. Un film de corps, de travail et surtout de désir et donc de corps à corps. Récit de la rencontre entre le public du FIFAM et l’équipe de La Passagère.

Le côté documentaire, mêlé à la fiction, était déjà très présent dès vos courts métrages. Comment travaillez-vous le lien entre documentaire et fiction ?

Héloïse Pelloquet : J’ai un goût pour les films avec des frontières poreuses. J’aime que le romanesque vienne de choses très simples, filmer des héros, en l’occurrence ici une héroïne, ordinaires. Je voulais que mon film soit une aventure ordinaire, à la portée de tous. Il y a dans La Passagère un socle naturaliste très fort, la plupart des comédiens sont des gens du coin, sans texte appris, à la différence de Cécile de France et Felix Lefebvre qui ont une partition à jouer.
Je voulais aussi filmer le travail des marins pêcheurs et cela demande une certaine précision, une concentration. Le réalisme, ça nous ressemble, ça nous parle. On y ressent des sentiments communs, forts.

Combien de temps avez-vous mis à réaliser ce film, a-t-il été ralenti par le covid ?

Héloïse Pelloquet : Non au contraire, il a pu nous aider à être plus dans l’intimité. Nous avons tourné en avril 2020, il y avait peu de touristes malgré les vacances scolaires, nous étions comme dans un cocon, c’était un tournage très intime. Pour autant, l’écriture d’un film est longue, on a commencé à l’écrire en 2018 je crois.

Comment avez-vous fait naître ce couple de cinéma, avec des gestes de travail très techniques, physiques ?

Cécile de France : Félix n’était pas obligé d’être un pro puisqu’il était en apprentissage, mais il est venu avec nous en stage pour connaître les bons gestes, ceux à ne pas faire, car ça peut être dangereux. Nous avons été une semaine sur un bateau pour apprendre les vrais gestes, c’était important pour Héloïse de filmer la précision de ces gestes, et atteindre la justesse. Cela nous a aidé à construire nos personnages, même si avec Felix, on s’est blessé, on s’est abimé le dos, les mains, et on a pu vraiment se rendre compte que c’est un métier très physique.

Le corps est très important dans ce film, que ce soit dans les scènes d’amour ou justement dans la représentation du métier. Souvent, au cinéma, le corps disparaît, mais là il est vraiment représenté, que ce soit dans des gros plans sur les émotions des personnages, mais aussi dans la représentation du corps, que j’avais perçu dès le scénario, avec un travail sur l’animalité. Héloïse s’intéresse vraiment au jeu du comédien.

Cécile, vous jouez un personnage de femme marin-pêcheur, ce qui est assez rare, comment avez-vous perçu ce personnage à la fois désiré et très masculin dans son quotidien ?

Cécile de France : C’est un personnage brut, anticonformiste, c’est une femme entière. Je trouve ça fort qu’un jeune homme puisse désirer une femme d’âge mûr qui ne soit pas dans les habits de la séduction, qui aille contre la norme, tomber amoureux alors que ça sent le poisson, clairement.

Cécile, vous apparaissez ici dans un 1er long métrage, comment faire ce parti, parlez-nous de la lettre envoyée par Héloïse Pelloquet ?

Cécile de France: Souvent, un premier film c’est très émouvant, on y met les tripes. Dans sa lettre, une des plus belles que j’ai reçue, Héloïse était allée chercher plein de mes personnages et les liait à ce qu’elle voulait faire. Je voulais aussi jouer ce personnage désobéissant. J’avais vu et adoré ses courts métrages et je voulais tourner avec Imane Laurence qui est une de mes actrices préférées au monde.

Félix, comment avez-vous rejoint l’aventure de ce film ? Et comment on aborde le fait de jouer avec Cécile de France ?

Félix Lefebvre : De manière classique, j’ai passé un casting, j’ai rencontré Héloïse et ça a tout de suite matché. Elle m’a accordé sa confiance assez facilement, rapidement et ça m’a donné confiance à moi aussi. Pour jouer avec Cécile de France, on se place devant le miroir et on répète dix fois « je peux y arriver ». Puis, on arrive sur le tournage et on se demande comment on va faire, mais en fait Cécile est très humble, elle te met tout de suite à l’aise, c’est une collègue qui te parle à sa hauteur, il n’y a pas de rapport de force.

Comment s’est passé le tournage sur l’eau, sur un bateau ?

Héloïse Pelloquet : On ne pouvait pas faire semblant de pêcher, on avait des prises de 10 minutes, soit le temps pour remonter une filière. C’était un petit bateau avec une équipe réduite et quand on ne naviguait pas, une partie de l’équipe était dans un bateau à côté. Cela m’a rappelé le travail sur pellicule, que j’avais abordé pour un petit projet, où le temps est précieux, on retrouve l’intensité du moment, on tourne peu de scènes, on est à fond tout de suite.

Vous filmez de nouveau Noirmoutier comme dans vos courts métrages, la pêche également, avez-vous besoin de familiarité pour filmer ?

Héloïse Pelloquet : J’ai effectivement grandi à Noirmoutier, je m’intéresse beaucoup à la pêche, à la mer. La mer est aussi une symbolique parfaite pour un mélo, avec les tempêtes, les houles qui traduisent les états émotionnels des personnages. Pour tourner, j’ai en effet besoin de familiarité, de concret, de mes proches, pour moi ces décors ont une âme. Tourner à domicile, c’est construire un tournage très joyeux, très participatif.

Comment se travaille l’intensité des scènes d’amour dans le film ?

Cécile de France: Avec Félix, on a tous les deux la même manière de travailler, on écoute le boss ! Et quand on est face à un réalisateur avec une vision, c’est très simple. Avec Félix, on a le même rapport à notre corps, comme un outil pour raconter une histoire. Ici, il fallait raconter des scènes d’amour qui sortent de l’ordinaire, différentes de ce qui est filmé d’habitude, des scènes qui montrent la joie, la simplicité.

Héloïse Pelloquet : Les scènes d’amour sont un dialogue de gestes, je me suis interrogée sur la manière de filmer la jouissance féminine, la sexualité féminine. Si j’imagine quel humour elle a, j’imagine aussi dans quelle position elle fait l’amour, chaque geste est écrit, ça raconte les personnages. Je raconte des gens qui s’aiment et les gens qui s’aiment font l’amour.

Lorsque Chiara dit « j’aurai voulu vous garder tous les deux », on pense à Marie-Jo et ses deux amours de Robert Guédiguian …

Héloïse Pelloquet : Oui, c’est une référence. C’est une scène dans le film de Gédiguian d’une sincérité désarmante, oui le personnage trompé souffre, est en colère, mais en même temps il a une réaction douce, j’aime les hommes doux au cinéma. Antoine, dans mon film, a une réaction douce, tolérante, je voulais une fin sans morale, sans jugement.

Qu’est-ce que le film a fait grandir en chacun d’entre vous ?

Cécile de France: Le travail avec les non acteurs. Ils ont une qualité de jeu qu’ils ne fabriquent pas, ça m’a apporté un nouveau rapport au jeu, au réalisme et à l’autre aussi.

Félix Lefebvre : Que c’est important quand on est bien entouré, qu’on sait où l’on va, qu’on se laisse porter par le réalisateur. Concernant les non acteurs, le fait d’arriver à leur endroit de vérité, c’est leur lieu, leur vie, et de ne plus jouer, mais de se laisser transporter dans leur univers.

Héloïse Pelloquet: Je ne sais pas encore ce que je pense du film, il n’est pas encore terminé pour moi, j’attends beaucoup de la réception qu’il aura. Mais j’ai trouvé la question de l’intensité du tournage, de la collectivité, j’ai su faire monter tout le monde dans l’aventure qu’est le film. C’est la manière dont j’ai envie de faire des films et je l’ai déjà trouvée, donc c’est un grand pas.