La créatrice de Connasse, Eloïse Lang, réunit son héroïne préférée, Camille Cottin avec une autre humoriste, Camille Chamoux et l’indétrônable Miou-Miou dans Larguées, une comédie féminine et familiale grotesque et brouillonne.
Après une version danoise en 2014, All Inclusive de Hella Joof, puis suédoise en 2017 de Karin Fahlen, Larguées reprend donc quasi traits pour traits (ça évite de trop réfléchir par soi-même) les situations absurdes de la même comédie. Malgré des intentions louables de vouloir « sauver » une mère dépressive lors d’un séjour en famille sur l’île de la Réunion, la comédie « portée » par un trio féminin se voulant détonant enchaîne drôleries et vulgarité pour terminer sa course hors du circuit. L’accident était loin d’être prévisible. Des réparties cocasses et bien ponctuées, un terrain certes plus cliché tu meurs, mais le gage de réussite était pourtant annoncé avec trois bonnes actrices, un décor somptueux et la tendresse des meilleurs feel good movies.
Entre Les Bronzés et Little Miss Sunshine sur le papier, Larguées s’avère être, comme son nom l’indique, un naufrage par ses mauvais choix de réalisation et surtout scénaristiques. Le premier mauvais choix fut d’enfermer Miou-Miou, la mère soixantenaire dans un mutisme grossier et incompréhensible. La relayant lors de la première moitié du film vers les bancs des seconds rôles, aux côtés de son nouvel « amour » au charisme d’un téléfilm made in TF1, l’accent en moins, la réalisatrice/scénariste fait l’erreur d’enfermer ses personnages principaux dans des bulles stéréotypées à des fins comiques. On frôlait déjà un certain ridicule dans le film de Noémie Saglio, Telle Mère, telle fille, avec Cottin, pondérée, et Binoche, post-adolescente. Ici, les écueils sont répétés jusqu’au soulignement. Chamoux joue le versant sage et rangé, mère de famille ordonnée. Cottin, irresponsable, aux allures rockeuses de lendemain de soirée. On le montre dès les premières minutes comme par facilité, quand la minette libérée et décomplexée sort de boîte à midi pour retrouver sa soeur et sa mère à l’aéroport. Tandis que de l’autre, par antinomie et manichéisme vain, est une mère qui étiquette tous les plats du frigo en minaudant comme la parfaite mère poule face à un mari lourdé en slip au petit déjeuner. Entre les deux, Miou-Miou assise avec sa valise. On apprend très vite que le père garde contact avec la plus « dévergondée », peu étonnant puisqu’ils se ressemblent, et lui annonce dans l’avion (à quelques jours de l’anniversaire de leur mère) qu’il attend un enfant. L’approche quasi-bouffonne s’apparente à une mauvaise parodie de Molière. Faire rire par excès semble donc être le leitmotiv qui va suivre. Le personnel du camping tout droit sorti d’un spin off des Bronzés toujours composé du coatch sportif aux allures de Michel Blanc moustachu, du barman, entre le charme (somme toute plat) d’un Thierry Lhermite (il porte le même prénom cependant !), la coupe de Clavier, l’accent flamand en plus, de l’hôtesse qui n’a que la couleur de cheveux de Marie Anne Chazel tandis que le danseur arabo-africain veut faire du Murphy, mais est moins empoté que Jack Black. Il ne manque plus que Josiane Balasko et, heureusement, car déjà qu’on s’y perd dans le club Camping Paradis où les seuls autres touristes sont joués par un garçon ouvert d’esprit et plus mature que son âge et son père dépressif en professeur de philo. Les personnages semblent donc se soutenir comme des cartes ou des quilles, les unes autres, à des fins narratifs et comiques, comme pour rebondir face à un reproche ou une insulte, plus qu’ils ne dialogues réellement entre eux. Le passage en ellipses sur la plage durant lequel Camille cherche le parfait homme à présenter à sa mère frôle le ridicule toujours par excès : le tatoué, le couple homosexuel, efféminé et misogyne…
Elle ne trouve même pas d’autres clichés. Mais la sauce prend par moment, lorsque les deux sœurs s’unissent pour courir sauver leur mère. Cela ne rime un peu à rien et l’errance en pleine mer, après avoir débattu de la mort face à un petit garçon qui à perdu sa mère (de très mauvais goût), a le même effet qu’un coup d’épée dans l’eau. Pourquoi les personnages braillent-ils autant ? Eloise Lang les transforment de ce fait en pantins d’un vaudeville ensoleillé. Lorsque la mère refuse de sortir et que les deux sont obligées de trépigner comme des enfants de 4 ans pour la faire changer d’avis… Il y avait d’autres moyens de parvenir à ses fins, non ?
Les mauvais choix foisonnent et s’enchaînent dans des bulles sensibles qui ne trouvent aucun écho et finissent par retomber comme des blancs en neige. Le concept du deuil, la confrontation à la perte de l’être cher au sein du duo père/fils est joliment bien trouvé, mais ne dessert ni les motivations de Cottin, ni ceux de la mère pourtant esseulée (elle ne parlera à aucun des deux). Et allons savoir pourquoi : Chamoux reste fixée sur la fin de vie du nouvel Apollon de sa mère ! La balance est en constante oscillation, comme frénétiquement, entre nécessité de parler de la mort et même besoin pressant de s’en relever. Le concept du couple n’est malheureusement jamais creusé, tout juste suggéré à trois différentes reprises. Le flamant et la mère dans leur coin, papillonnant. Chamoux et son mariage heureux, en apparence… Car sans crier gare, elle s’essaie à draguer pour se décoincer, mais mettre le pied à l’entrejambe d’un parfait inconnu (en deuil qui plus est) ou s’essuyer la langue sur les lèvres de manière vulgaire et surtout maladroite est une fois de plus une b(m)ondieuserie bannissable. Puis Cottin et ce père en deuil qui ne se courtisent jamais, mais dont le rapprochement est étrangement attendu sans jamais arriver… D’autres moments de vide viennent ponctuer cette impression de non sens. L’épisode « Pretty Woman » où les filles tentent de trouver une robe à leur mère. Les spectacles de danse du personnel. Le pique-nique lors d’une excursion où l’on apprend que l’hôtesse Lily et Thierry sont frère et soeur.
Mais le film n’est pas sans intérêt pour autant, ce qui en est extrêmement étonnant. L’écart et les conflits en exercice nous sont familiers. Camille Cottin qui tire son épingle du jeu est pétillante. Elle mérite son prix d’interprétation féminine au dernier festival d’Alpe d’Huez. Tout ne retombe pas à plat et les paysages cartes postales ainsi que certains dialogues relativement piquants nous font tenir sur la courte durée.
Avec Larguées, on ne perd que très peu de son temps, finalement. Si le rire est parfois poussif par certains spectateurs badauds en mal de comédie, le soupir est souvent de mise. Miou Miou est relayée au second plan alors qu’elle incarne pourtant l’enjeu principal : la « déridation » d’une femme elle aussi endeuillée. Comment trouver une seconde jeunesse ? Profiter de la vie ? Délester certains poids du passé ? Le film n’apporte pas vraiment de réponses. Il n’en a pas la prétention. Il est une tentative, grossièrement maladroite de ce que le bonheur pourrait être : des vacances en famille dignement vécues comme un road trip sous ecsta. That’s not life !
Larguées : Bande-annonce
Larguées : Fiche Technique
Scénario et réalisation : Éloïse Lang
D’après le film All Inclusive d’ Hella Joof
Musique : Fred Avril
Producteurs : Stéphanie Carreras et Philippe Pujo
Directeur de la photographie : Antoine Monod
1er assistant réalisateur : Bastien Blum
Scripte : Bérangère Saint-Bezar
Montage : Valérie Deseine
Son : Stéphane Bucher, Serge Rouquairol, Marc Doisne
Décors : Philippe Chiffre
Sociétés de production : Pathé, Estrella Productions, France 3 cinéma, Les Films Chaocorp, CN7 Productions
Société de distribution : Pathé
Durée : 92 min.
Genre : comédie
Dates de sortie : 20 janvier 2018 (Festival international du film de comédie de l’Alpe d’Huez) ; 18 avril 2018 (sortie nationale)
Ici le scénario ne sera pas le maître mot du film. Devant à la fois présenter le principal antagoniste tout en amenant les enjeux et offrant une action soutenue, Infinity War va faire le choix de mettre de côté beaucoup de ses héros. Même si beaucoup sont bien présents à l’écran, ils ne sont là que pour servir de chair à canon et ne connaissent aucune évolution en dehors de l’action. Ce qui donne l’étrange sensation d’avoir un film désincarné de ses héros et qui, malgré quelques passages d’iconisations bien sentis, peine à les mettre en valeur. Seul Gamora, Thor et dans une moindre mesure 
Si il y a une chose que Avengers: Infinity War ne pouvait pas rater, c’est bien son méchant. Après nous l’avoir teasé de façon plus ou moins réussie pendant près de 10 ans, il se devait d’être à la hauteur de nos attentes. Il les dépasse allègrement. Bien plus nuancé et imposant qu’on pouvait l’espérer, il offre ses lettres de noblesses au film en lui apportant de vraies fulgurances. Ses motivations ne sont pas dénuées de fondements, il s’avère mue par un nihilisme complexe et se montre plus humain que prévu. C’est à travers lui qu’Infinity War brille le plus, même si la radicalité de ses actions est probablement davantage de la poudre aux yeux qu’autre chose, car oui il y a des morts mais peu apparaissent vraiment comme définitives. Il faudra donc voir le quatrième Avengers pour juger de l’impact du personnage. Néanmoins il nous conduit ici à une conclusion audacieuse, qui booste l’impatience de voir la suite, et montre une vraie maîtrise du style d’écriture des comics de la part des scénaristes. Un style qui risque de perturber un peu les non-initiés, cet Avengers étant probablement le plus « comics » de tous les films du MCU, et la transposition de ces codes sur grand écran se trouve être plus réussie qu’on aurait pu se l’imaginer.
Mais cette transposition a pour contrecoup de faire perdre toute indépendance cinématographique à Infinity War. Ce dernier apparaît plus dense et ambitieux que jamais sauf qu’il a pour défaut de ne pas pouvoir tenir debout sans ce qui l’a précédé et ce qui viendra après. Par cela, Infinity War répondra à des questions que le spectateur ne se posait sans doute même plus et fait mine d’une cohérence impressionnante. Dommage que cela desserve les personnages plus effacés que jamais, quand certains ne passent tout simplement pas pour des bouffons comme ce pauvre Hulk dont on ne sait plus quoi faire. D’autant que le casting s’avère en demi-teinte, entre les anciens clairement fatigués avec en tête un Robert Downey Jr. qui est en pilotage automatique, et les nouveaux plus inspirés qui assurent le spectacle comme Benedict Cumberbatch clairement à l’aise avec son personnage. Mais celui qui vole la vedette ici, c’est Josh Brolin qui donne une intensité et une profondeur insoupçonnée à Thanos dans une très belle performance. Surtout que les frères Russo semblent vraiment inspirés quand il s’agit de mettre le personnage en action et dévoilent une connaissance maîtrisée des comics. Dans l’action, il use toujours au mieux des personnages et de leurs capacités dans des séquences au déroulé souvent inventif. Toutefois, cela est un peu retenu par une réalisation à la photographie terne et des effets spéciaux qui connaissent des ratés et surtout un sens de la mise en scène quasiment absent. Beaucoup de choses se passent à l’écran mais les frères Russo peinent à accompagner cette frénésie par le mouvement de la mise en scène, restent donc des séquences spectaculaires mais vite statiques, répétitives et juste fonctionnelles.
Kevin Williamson a, par ailleurs, eu le génie d’écrire avec toute l’autodérision nécessaire les opus d’épouvante avant de glisser dans sa série des clins d’oeil cinématographiques nombreux ainsi que des sous-textes et commentaires dits par le personnage principal sur l’écriture ou la réalisation, qui sont en fait des commentaires sur la série elle-même. L’idée originale est basée sur sa propre enfance, ce qui en fait une œuvre d’autant plus sincère et vraie, malgré le caractère éloigné de la réalité. En effet, les ajustements (hétérosexualiser le personnage principal par exemple, ou l’invention de la ville Capeside – le tournage ayant lieu à Wilmington en Caroline du Nord pour sa verdure foisonnante et Cape Cod dans le Massachusetts pour l’aspect portuaire) sont devenus des superficialités regrettables et pourtant nécessaires d’un point de vue de la production (toucher le plus grand nombre, parler du sexe, de la mort, de sujets potentiellement polémiques ou choquants). La série Dawson’s creek finit donc par être en constante oscillation entre excès mélodramatique ou idéal vain et profonde réflexion. Ne faut-il pas éteindre son cerveau cartésien, arrêter de tout rationaliser pour apprécier une oeuvre qui sort un tant soit peu de l’ordinaire ? Charmed par exemple qui avec le temps a fini par devenir totalement kitsch et pourtant sera dépoussiérée avec un prequel, ou bien n’importe quel film d’horreur dont on a tous fini par se moquer ? La saison 4 est transitoire, elle permet à Dawson d’entrer dans la vie de jeune adulte – il sort avec la plus grande soeur de Pacey – et d’introduire une autre transmission de génération avec le vieux voisin aigri et malade Arthur Brooks. C’est au terme de cette saison que le personnage d’Andie disparaîtra en désintox pour revenir en guest à la dernière saison, 2 années suivantes. Jen et Jack se rapprochent jusqu’à aider Dawson et Joey à revenir dans les bras l’un de l’autre et ce pour la dernière fois (attention spoiler !) Bon, sur le moment, on y croit c’est magique, mais avec du recul, est-ce bien crédible qu’un triangle amoureux tourne autant ? Oui, non, oui, non, oui, non ? Laissons le débat qui n’a absolument plus aucune actualité là où il est (des années en arrière) malgré le caractère éternel de cette série qui a bercé plusieurs adolescences. Et pour répondre à la question par expérience : oui, ce va-et-vient incessant et malsain est possible, mais peut-être pas avec autant d’histoires amoureuses en jeu.
Si les paysages naturels sont magnifiés, les scènes d’animation sont en revanche rarement convaincantes. Les animateurs ont beau avoir tout fait pour humaniser les animaux en leur attribuant des mouvements expressifs, le rendu reste assez laid, ne se fondant pas toujours bien avec l’arrière-fond réel. Cela est particulièrement dommage pour le travail de doublage, le casting vocal original (James Corden, Daisy Ridley…) correspondant plutôt bien aux expressions des animaux. Pour ne rien arranger, les acteurs (et en particulier leurs regards) ne sont pas toujours en cohésion avec ces animations de synthèse. De plus, les chansons sont tout simplement insupportables. Entre le délire de fan de pop et le panneau publicitaire, on a l’impression qu’elles déboulent dans nos oreilles au moindre prétexte, en ayant aucun rapport direct avec les scènes.
