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Suite (pas vraiment) attendue du classique Disney de 1963, Le Retour de Mary Poppins surprend par une vraie générosité dans ses moments de magie, mais surtout dans un sous-texte qui semble avoir totalement échappé aux actionnaires de la firme aux grandes oreilles, pour notre plus grand plaisir.

Selon Karl Marx, l’histoire se répète toujours deux fois : la première comme une tragédie, la seconde comme une farce. Si bien sûr la genèse de Mary Poppins, grand succès de Walt Disney dans les années 60 et prouesse technique indéniable, n’a rien à voir avec les grandes tragédies du XXe siècle, le fond de l’affaire est tout de même assez triste. Lorsque Disney s’intéresse aux romans de Pamela L. Travers, dont ses petites filles raffolent, l’homme d’affaire est au sommet d’une carrière florissante, seulement entaché par le bide de La belle au bois dormant en 1959. Il s’éloigne un peu de l’animation traditionnelle et développe les projets fous, comme la création d’un parc d’attraction. Rien n’entache alors l’image de « l’oncle Walt », qui donne régulièrement de sa personne dans des émissions télévisées pour maintenir vivace son empire culturel.

Pourtant de son côté, P.L Travers ne goûte pas vraiment la fantaisie et la niaiserie des productions Disney. L’auteure éconduit plusieurs fois le studio, mais traversant une mauvaise passe, finit par accepter de céder ses droits à l’empire aux grandes oreilles, tout en gardant un droit de regard sur le scénario. Mais Disney reste un redoutable homme d’affaires et, tout comme il s’était réservé Peter Pan (malgré le statut juridique complexe des droits d’auteur de J.M Barrie) quelques années auparavant, le producteur modèle un contrat en béton armé en sa faveur. Travers est sceptique quant à l’utilisation de chansons, ne supporte pas les films d’animation, et ne peut pas tolérer le choix de Dick Van Dyke, qu’elle considère comme un clown plutôt qu’un acteur. Elle protestera en vain, Disney lui rétorquant à chaque fois son propre droit sur le montage final, et jurera qu’on ne l’y reprendrait plus. Tonton Walt raflera la mise, mais n’en profitera pas longtemps, mourant quatre ans plus tard d’un cancer du poumon.

Travers vivra plus longtemps, et continuera même les aventures de Mary Poppins, avant de partir en 1996, à l’age honorable de quatre-vingt-seize ans, sans oublier de préciser dans son testament de ne jamais vendre de droits aux Studio Disney. Et l’histoire aurait pu s’arrêter là, si les héritiers de Disney n’avait pas décidé soudainement de se consacrer presque exclusivement à la profanation de cadavres. Acteurs rajeunis numériquement (voire ressuscités dans le cas de Rogue One), remake de films cultes, et blockbusters produits sur la base de méta-discours cryptique réhabilitant le père fondateur (le navet A la poursuite de demain par exemple). Ils auraient pu laisser Travers tranquille, mais en 2013 sort un faux biopic produit à grands frais, dans le seul but de convaincre le public de la bonne foi de Walt Disney, face à l’aigreur de Travers, dépeinte en vielle anglaise acariâtre. Dans l’ombre de Mary sera donc un joli film bien réalisé, pas trop mal écrit, avec un casting sympathique (Emma Thompson, Tom Hanks et Jason Shwartzman formidables), mais avec un fond idéologique dégueulasse. La seule raison d’être du film étant de convaincre le public que Disney respectait la vision de Travers, et qu’un remake ou une suite seraient tout aussi respectueux. La mémoire de l’auteure est donc sacrifiée sur l’autel de l’argent, et les actionnaires de Disney confirment leur statut de plus flamboyants salopards que la terre ait portés. Tragique.

Autant dire que nous étions plutôt méfiants devant ce Retour de Mary Poppins, le projet ne semblant pas sortir des sentiers battus du remake nostalgique imposé par Disney depuis trop longtemps. Une autre fantaisie de noël oubliable, jouant sur la corde sensible le temps de quelques bandes-annonces, pour finalement nous cracher au visage ses effets numériques hideux et nous imposer ses acteurs sans charismes. Et pourtant, passé les minutes d’introduction sympathiques, on se laisse finalement embarquer avec les enfants Banks dans le délire de cette nounou hors normes et Emily Blunt fait des merveilles en prenant la suite de Julie Andrews. Ses expressions désuètes, son accent « so british » et ses moues pincées révélant à l’occasion une susceptibilité aussi charmante qu’hilarante, participent beaucoup au charme du film. La tâche n’était pas aisée, mais l’actrice met rapidement tout le monde d’accord : Emily Blunt est une merveilleuses Mary Poppins. A ses côté, Lin Manuel Miranda dégage un capital sympathie non négligeable, Colin Firth est parfait en banquier mielleux, et mêmes les enfants semblent à l’aise. Le bonheur est communicatif et l’envie de bien faire déborde de l’écran.

Impossible également de faire la fine bouche devant les deux premières séquences d’« animation » obligatoires qui, malgré une débauche d’effets spéciaux numériques, dégagent une étonnante fantaisie. On nage dans une baignoire transformée en océan sur l’air de « Can you imagine that ? », jouant avec ironie sur le discours rationnel face à l’imagination, et on s’amuse à tourner autour d’un pot jusqu’au « Royal Doulton Music Hall ». Deux moments déployant une foule d’idées visuelles souvent amusantes, parfois vertigineuses (la forme arrondie du pot intégrée à la forme du décor). Véritable plongée à corps perdu dans la magie de l’enfance, sans aucune impression que les producteurs cherchent à nous vendre de nouveaux jouets, voilà déjà une belle surprise.

Nous ne pouvons alors que regretter les séquences suivantes, plus brouillonnes, toujours sympathiques, mais parfois trop découpées et moins fantaisistes (le ballet des allumeurs de réverbères aurait pu être plus réussi). Le film frôle même la sortie de route lors d’une apparition inutile de Meryl Streep en cousine slave, peu aidée par un numéro chaotique dont on ne comprend pas exactement l’importance dans l’histoire. Même si Marc Shaiman et Scott William n’ont pas la moitié du talent des frères Sherman (qui arrivaient à glisser un peu de mélancolie dans leurs compositions enlevées), les chansons sont tout de même sympathiques, à défaut d’être véritablement marquantes.

Ce nouveau Mary Poppins n’est donc pas exempt de défauts. Mais pourtant la magie opère plutôt bien, justement parce que l’histoire a cette tendance à tomber dans la farce au moment où l’on s’y attend le moins. Le scénario de David Magee est à ce titre extrêmement malin, multipliant les écarts entre une naïveté de façade et un propos politique suffisamment dilué pour ne pas être trop voyant. Nous avons donc la classique réunion de la famille en crise, grâce aux pouvoirs du jeu et de l’imagination. Les enfants en ressortent plus adultes et les adultes retrouvent leur âme d’enfant. Mais nous avons aussi un contexte historique fort : la grande Dépression et les combats sociaux qui en découlent. Michaël, récemment veuf, ne peut que subir la saisie de sa maison par la banque où il travaille et Jane prend fait et cause pour les plus démunis (comme sa mère qui soutenait le droit de vote pour les femmes). Tourne autour d’eux le sympathique allumeur de réverbères, membre d’une communauté invisible dont le rôle est justement d’éclairer les avenues parcourues par la haute bourgeoisie. Face à eux, William Wilkins, héritier de la banque, faussement sympathique, cherche à profiter de la crise pour s’enrichir.

Ce qui rassemble les personnages, ce n’est plus un problème d’éducation ou une philosophie de vie, c’est un fait social. Même Mary Poppins est accueillie sur le postulat de Jane qu’elle doit sûrement être à la rue, puisque personne n’embauche de gouvernante ces jours-ci. « A cover is not the book » nous dit l’une des chansons, nous engageant à voir au-delà des apparences. La « valeur » d’un pot est donc plus sentimentale que pécuniaire et derrière les sourires du capitalisme triomphant se cachent un cynisme effrayant. Mais dans un geste aussi rapide que subtil, Colin Firth avale un caramel mou pour cacher son impatience, véritable artefact proustien, révélant que derrière le cynique, se cache peut être un enfant délaissé en manque d’affection. Derrière les chansons et les répliques surannées, de simples images impriment la rétine, et valent milles mots.

Donc même en admettant le discours naïf et féerique, difficile de retenir notre petit cœur révolutionnaire devant ce fantasme d’une communauté populaire unie dans l’adversité. Ce sont ces allumeurs de réverbères qui montrent le chemin dans des ruelles obscures que n’aurait pas renié Dickens. Maniant avec aisance l’argot, racontant des livres par le détour du « parlé chanté » du rap ou s’escrimant dans des figures de moto-cross avant l’heure, ils brandissent leur torche pour escorter les enfants vers la lumière. Dans un dernier sursaut délirant, cette nuée de laissés pour compte, menée par Jake au gilet rouge, gravit héroïquement Big Ben (symbole du commerce triomphant) pour dérégler la machine. Tout un programme, mais surtout tout un symbole !

On s’étonne même que Disney laisse courir l’idée, et nous sommes un peu rassuré quand Dick Van Dyke surgit soudainement, véritable momie extirpée d’un luxueux placard, pour ramener le film dans les bons rails idéologiques. Quelques pas de danse un peu gênants (l’homme à quand même 93 ans bien tapés), pour ensuite nous offrir un discours en l’honneur du capitalisme paternaliste bienveillant, faisant l’éloge du livret jeune, et fantasmant une opposition entre « bon » et « mauvais » banquiers. Pachydermique, grossier et totalement hors de propos (se permettant même de réécrire le premier épisode) la séquence fleure bon l’art bourgeois qui ne veut déranger personne. On n’en attendait pas moins de la part de financiers pour qui l’art et l’imagination ne sont que de sympathiques anomalies qu’il faudrait maîtriser et organiser.

Ce n’est donc pas tant la débauche d’effets spéciaux ou la qualité de la direction artistique qui rendent ce Retour de Mary Poppins fort sympathique, mais ce deuxième discours étonnant qui résonne avec encore plus de force dans ce climat d’incertitude sociale. Les capitalistes et néo-libéraux ont voulu répéter l’histoire (et le succès qui va avec), mais sont, malgré eux, devenus les dindons de la farce. Le retour de Mary Poppins est à ce jour le plus beau blockbuster involontairement néo-marxiste et notre gouvernante fantasque devient un modèle d’élégance punk. « Can you imagine that ? »

Bande Annonce – Le retour de Mary Poppins

Fiche technique – Le retour de Mary Poppins

Réalisateur : Rob Marshall
Scénariste : David Magee, d’après le personnage crée par P.L Travers.
Interprétation : Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Wishaw, Emily Mortimer
Image : Dion Beebe
Effets spéciaux : Matt Johnson (II)
Musique : Marc Shaiman, Scott Wittman
Montage : Wyatt Smith
Directeurs artistiques : Steve Carter, Simon Elsley, Elaine Kusmishko, Niall Moroney
Décors : John Myhre
Costumes : Sandy Powell
Producteurs : John DeLuca, Marc Platt, Rob Marshall
Sociétés de production : Walt Disney Pictures, Lucamar Productions, Marc Platt Productions
Distributeurs (France) : Walt Disney Studios Distribution
Genre : Fantaisie, Comédie Musicale, Animation.
Durée : 2h15
Date de sortie : 19 décembre 2018

États-Unis – 2018

Dans Wildlife , le tout nouveau cinéaste Paul Dano scrute à la loupe la vie de sa petite faune, sans jugement aucun, et au contraire avec une empathie mélancolique très plaisante à suivre…

Synopsis : Dans les années 60, Joe, un adolescent de 14 ans regarde, impuissant, ses parents s’éloigner l’un de l’autre. Leur séparation marquera la fin de son enfance…

Itinéraire d’un enfant (pas) trop gâté

On savait bien que Paul Dano, s’il devait passer derrière la caméra, ne pouvait que réaliser un film de la facture de Wildlife : faussement simple et totalement à fleur de peau. L’acteur de 34 ans ( Little Miss Sunshine, There will be Blood, Prisoners, Love & Mercy, Okja pour les plus remarquables) ne fait que poursuivre avec ce premier film une trajectoire cohérente, faite de tous ces rôles de (jeune) homme habité, d’apparence calme et en dehors de son temps, mais d’un bouillonnement intérieur intense.

Tel est donc Wildlife : indolent et violent à la fois. Presque entièrement filmé du point de vue de cet adolescent qui pourrait être l’alter ego du cinéaste, Joe Brinson (Ed Oxenbould), même pas la quinzaine, dans la sidération permanente face à son père Jerry (Jake Gyllenhaal), sa mère Jeannette (Carey Mulligan), et le couple de ses parents qui se désagrègent sous ses yeux. Situé dans les années Soixante, à Great Falls dans le Montana, autant dire au bout du monde, basé sur le livre du même nom de Richard Ford, le scénario de Wildlife pourrait se résumer à cela, un adolescent impuissant et malheureux face à des adultes impuissants et malheureux. Mais évidemment, il y a beaucoup plus dans le premier film de Paul Dano.

Le roman lui-même est écrit du point de vue du jeune narrateur Joe Brinson. Richard Ford, l’héritier en ligne direct de Faulkner, a une prose foisonnante, truffée de détails. Ce ne sera pas le cas du film de Paul Dano qui s’intéresse davantage aux personnages qu’aux situations et aux détails.  La famille Brinson illustre la Middle-Class américaine d’après-guerre, pas vraiment prospère, plutôt à la limite de la pauvreté. Jerry est un homme révolté, sans que Dano n’explicite vraiment tout à fait pourquoi, et quand il perd son travail de modeste moniteur de golf, Joe -et le spectateur-  le voit sombrer dans une colère et une dépression sur lesquelles personne n’a prise, liées sans doute à l’évanouissement de l’American Dream qu’il pensait réaliser ici dans le Montana. Cette prise impossible, et malgré les supplications de sa femme,  il va la combattre en partant comme pompier volontaire pour tenter de dompter les grands incendies du Montana. Le film est d’une simplicité et d’une précision implacable en terme de mise en scène, et la cinématographie (celle du mexicain Diego Garcia, le chef opérateur du très beau Cemetery of Splendour d’Apichatpong Weerasethakul) est à l’avenant, toute en lumière et couleurs naturelles, avec des cadrages au cordeau.

Quand le père se sauve littéralement, au grand désarroi de Joe, la mère entre sur le devant de la scène dans une partition d’une violence d’autant plus inouïe qu’elle est sous-jacente. La violence, c’est celle de la situation que Jeannette s’inflige et qu’elle inflige à son fils : s’amouracher, à peine son mari hors de vue, de Warren Miller (Bill Camp), un homme libidineux et détestable, et en faire profiter son fils jusqu’à l’insupportable. Ici encore, et on ne sait si c’est du fait du romancier ou de celui du cinéaste, les motivations du personnage de Carey Mulligan sont pour le moins obscures. Voilà une femme modèle, mère et épouse aimante, qui en un jour ou presque, devient cette maîtresse dévergondée, sauvage, et surtout cette mère cruelle malgré elle. Joe ne comprend rien (« I don’t know what’s in your mind » lui dira-t-il), le spectateur ne comprend rien, et Jeannette elle-même ne connaît pas les raisons de ses agissements. La libération d’une femme trop longtemps soumise, ou le cri de douleur d’une femme délaissée ? Cette absence de compréhension, portée par les yeux écarquillés d’Ed Oxenbould, fonde l’absence de jugement de la part du cinéaste, et qui fait la force du film. Toujours est-il que la caméra elle-même semble comme anéantie par ce qu’elle filme. Elle scrute longuement et lentement tout le champ, ne dédaigne pas les plans fixes, s’accommode même du hors champ et l’ensemble montre combien Paul Dano a su, dès ce premier film, maîtriser sa nouvelle casquette de réalisateur.

Carey Mulligan est l’autre révélation de Wildlife. Son habituelle discrétion est sublimée ici; le cri intérieur qu’elle lance transperce l’écran avec beaucoup d’émotion, et sans aucun pathos. On  peut ainsi enfin profiter de tout le potentiel de son jeu d’actrice et de sa fascinante beauté un peu farouche. D’un peu trop délicat par moments, trop bien rangé, Wildlife, grâce à elle, file vers des contrées bien plus sauvages et gomme l’image de trop d’académisme parfois accolée au film.

Resté son « petit secret » pendant sept ans, le projet Wildlife de Paul Dano a été nourri de tous ses frottements aux plus grands cinéastes. Paul Thomas Anderson, Bong Joon-Ho,  Denis Villeneuve, pour ne citer qu’eux, lui ont ouvert le chemin d’un cinéma exigeant et d’une approche très professionnelle et très méticuleuse de la réalisation. C’est donc en effet sans grande surprise qu’on acclame la réussite de son tout premier film, presque parfait dans ses petites imperfections.

Wildlife : une vie ardente – Bande annonce

Wildlife : une vie ardente – Fiche technique

Titre original : Wildlife
Réalisateur : Paul Dano
Scénario : Paul Dano & Zoe Kazan, sur la base du roman de Richard Ford du même nom
Interprétation : Jake Gyllenhaal (Jerry Brinson), Carey Mulligan (Jeannette Brinson), Ed Oxenbould (Joe Brinson), Bill Camp (Warren Miller), Zoe Margaret Colletti (Ruth-Ann)
Photographie : Diego Garcia
Montage : Louise Ford, Matthew Hannam
Musique : David Lang
Producteurs : Alex Saks, Jake Gyllenhaal, Riva Marker, Oren Moverman, Ann Ruark, Paul Dano
Maisons de production : June Pictures, Sight Unseen
Distribution (France) : ARP Sélection
Durée : 105 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 19 Décembre 2018
USA – 2018

Pour tenter de sauver son univers cinématographique, DC sort Aquaman du fond des océans pour le meilleur et pour le pire. D’un côté, James Wan signe une épopée de fantasy terriblement ambitieuse et impressionnante. De l’autre, Aquaman nage dans un océan de ringardise et de kitsch dont seules les abysses ont le secret. Exploration sous marine d’un long-métrage entre deux eaux.

Qui aurait cru que dans le même mois de cinéma se côtoieraient les aventures inter-dimensionnelles de Spiderman et le récit océanique d’Aquaman ? Nous sommes aujourd’hui dans l’âge d’or des films de super-héros, et c’est ce qui amène la Warner à s’attaquer au héros DC le plus moqué : Aquaman donc. Derrière l’énième aventure super-héroïque de l’année, mais l’unique de DC, les défis  sont nombreux et bien plus grands pour le studio qu’il n’y paraît. Un an auparavant sortait Justice League, frankeinstein filmique réalisé en deux temps par deux artistes complètements différents (Zack Snyder et Joss Whedon) et chapeauté par un studio qui ira massacrer jusqu’aux dernières onces d’originalité et de fulgurance. Après des premiers films audacieux et clivants (Batman V Superman, Man of Steel), un succès consensuel (Wonder Woman) et un autre bâtard cinématographique (Suicide Squad), l’univers DC n’a pas réussi à convaincre et cherche encore sa formule gagnante. Aquaman arrive et doit se poser comme un film solide, loin des anciennes productions catastrophiques. Les enjeux sont de taille : seules les aventures de Wonder Woman sont reconduites, des potentiels films Batman et Superman étaient encore incertains. Si Aquaman réussit, cela pourrait les pousser à consacrer une aventure pour ces personnages, plutôt que de partir dans une direction complètement différente et de rebooter leur univers après Wonder Woman 1984.Aujourd’hui, les films de super-héros restent relativement formatés selon les studios. A chaque studio, sa recette et son ton. Du côté de Disney, on opte pour une emballage fun et humoristique. Tandis que chez DC  on propose des divertissements plus matures et sérieux. Derrière des conduites artistiques bien huilées,le long-métrage Sony  Spider-man : New Generation est venu bousculer le tout avec une énergie dingue. A côté, Aquaman de James Wan sorti une semaine plus tard offre un résultat très mitigé. D’un côté, le film emprunte le style de Snyder qui a totalement influencé les films DC, de l’autre il emprunte le ton décomplexé et comique des films Marvel. C’est un pas de plus vers le formatage qu’impose le quasi-monopole de Marvel, qu’on peut décrier tant DC restait le seul dernier studio à offrir des œuvres sérieuses et fortes sur les super-héros. Derrière ce changement de ton, on ne peut faire qu’un constat triste : après presque 20 ans de films de super-héros, ils ne semblent toujours pas être prix au sérieux. Comme si les aventures de ces héros de la mythologie moderne ne pouvaient être traités avec maturité. En dehors de ces considérations contextuelles, un autre challenge est venu affronter le film : Aquaman a toujours été considéré comme un personnage ridicule, avec pour seul pouvoir celui de parler au poisson. Dans le film Justice League, première fois où il fait une véritable apparition, Bruce Wayne se moquait brièvement de cette faculté. Parmi les grands héros célèbres, Aquaman alias Arthur Curry n’a jamais su obtenir la popularité des ses compères masqués. Alors que vaut ce long-métrage ? Il est à l’image de son personnage, entre deux eaux. Capable d’alterner entre le spectaculaire et le ridicule, le kitsch et le moderne.

Au fin fond du ringard

Le récit se focalise sur Arthur Curry, sorte de demi-dieu né de l’union entre une atlante et un gardien de phare. Sans vraiment le vouloir, il va se retrouver propulsé dans les océans et au-delà à la recherche d’un trident pour amener la paix entre les royaumes. C’est sans compter sur son demi-frère marin Orm pour mettre le feu au poudres, lui qui veut devenir maître de l’océan à tout prix. Cela sonne comme du déjà vu ? C’est normal. C’est une ultime ré-édition du mythe shakespearien, déjà traité dans Black Panther ou encore Thor. Malheureusement pour le long-métrage, ce sont toutes les touches sérieuses qui offriront les moments les plus ridicules du film. Comme ennuyé par celles-ci, James Wan ne fait aucun effort sur les dialogues et la dimension dramatique de son récit. Les répliques d’Aquaman version Momoa ont l’air d’être sorties d’un film d’action basique des années 90 où le héros pouvait encore se permettre d’être une figure macho ringarde et intouchable. La palme étant facilement délivrée à tous les instants de romance entre Mera et Arthur qui frôlent la fan-fiction douteuse. Et que dire face à une reprise de Toto par Pitbull lorsque que les héros sortent de l’eau au ralenti ? Autour de cela, il est drôle de s’intéresser à la direction artistique totalement bipolaire. Dans une grande majorité des moments, James Wan emprunte à Lovecraft et même à Jules Verne pour créer des civilisations et des créatures époustouflantes dans un élan retro-futuriste inspiré des aventures eighties à la Flash Gordon. Dans un second temps, il est capable de produire des costumes atroces comme l’immonde tenue de cosplay de Nicole Kidman en reine atlante.

Un univers mythologique fort

Pourtant ces soucis n’empêchent pas James Wan de développer un univers mythologique de fantasy fort et prometteur. De l’exploration des sept royaumes au bestiaire impressionnant, Wan tire le meilleur des comics pour créer un monde passionnant où chaque zone et monstre mériterait d’être développé. Entre Star Wars et Avatar, James Wan dispose réellement d’un monde impressionnant et riche qui permet de souffler des paysages urbains omniprésents dans les films de super-héros. Même Thor issu de la mythologie nordique se retrouvait propulsé dans une ville de Texas, puis dans un combat final à Londres pour son deuxième opus. Un gâchis immense qui n’intéresse par le réalisateur. Car si beaucoup de productions super-héroïques restent le fruit de studios où les réalisateurs n’ont pas leur mot à dire, Aquaman est bien le film de James Wan. Il est d’abord essentiel de noter l’influence majeure de la vision artistique de Zack Snyder. C’est lui qui a façonné cette nouvelle version du personnage, s’éloignant du bel homme lisse aux cheveux courts et blonds pour une masse de muscles tatouée aux cheveux longs et noirs. C’est également Snyder qui inclut au casting de Justice League, William Dafoe dans le rôle de Vulko et Amber Heard dans celui de Mera. Malgré cela, James Wan propose bel et bien son adaptation propre et notamment sa vision des films de comics. L’ambition y est folle et la surenchère totalement assumée. Les personnages semblent tout droit sortir des pages de comics dans un festival de couleurs pouvant autant exalter que donner le tournis. Un retour aux sources excitant, tant l’inspiration du medium de comics s’est perdu dans les films de super-héros. Pour découper ses scènes d’action, James Wan pense ses plans comme des cases où la fulgurance et la virtuosité de ses personnages super-humains poussent les limites de l’adrénaline. Les séquences d’action sont véritablement spectaculaires et offrent certaines scènes mémorables et superbes, comme l’une de nuit sur un bateau où le réalisateur rappelle sa maîtrise de l’horreur. Réaliser un film presque en majorité sous l’eau relève du jamais vu et d’un défi technique incroyable : pari réussi. Le film ressemble en bien aux films de super-héros à la Sam Raimi, à une époque où on ne se perdait pas dans les références pour mieux connecter l’univers aux prochains métrages. A l’exception d’un clin d’œil à Justice League, le film se tient complètement tout seul. Avec l’habillage d’une grande épopée de fantasy, Aquaman reste bien un super-héros. Le film suit la construction classique du héros tout en soulignant à quel point les super-héros sont des protagonistes à part. D’ailleurs, lors d’une scène où Arthur va devoir accepter sa véritable nature, sa mère lui dit : tu seras plus qu’un roi..un héros. Dans la bande-annonce, la réplique est prononcée et coïncidé avec son arrivée en costume. Dans ces films, le protagoniste ne peut se contenter d’être un roi ou un dieu, il doit être un super-héros et reconnu comme tel.

Bande-annonce – Aquaman

Fiche technique – Aquaman

Réalisation : James Wan
Scénario : Will Beal, David Leslie Johnson-McGoldrick, d’après les personnages créés par Paul Norris et Mort Weisinger
Interprétation : Jason Momoa, Amber Heard, Willem Dafoe, Patrick Wilson, Nicole Kidman, Dolph Lundgren
Image: Don Burgess
Effets spéciaux : Brian Cox (IV)
Montage: Kirik M.Morri
Musique: Rupert Gregson-Williams
Décors : Bill Brzeski
Costumes  : Kym Barrett
Producteur(s): Peter Safran, Rob Cowan
Société de production: DC entertainment, Warner Bros, Panoramic Pictures, DC Comics
Distributeur: Warner Bros. France
Budget  : 160 millions $
Durée : 2h24
Genre : action, fantastique, aventure
Date de sortie : 19 décembre 2018

ETATS UNIS – 2018

Avec une Affaire de famille, Kore-Eda continue de tisser sa toile qui attrape aussi bien l’intime que la société japonaise en pleine mutation, où les hommes perdent des repères mais gardent l’essentiel : l’amour.

Synopsis : Au retour d’une nouvelle expédition de vol à l’étalage, Osamu et son fils recueillent dans la rue une petite fille qui semble livrée à elle-même. D’abord réticente à l’idée d’abriter l’enfant pour la nuit, la femme d’Osamu accepte de s’occuper d’elle lorsqu‘elle comprend que ses parents la maltraitent. En dépit de leur pauvreté, survivant de petites rapines qui complètent leurs maigres salaires, les membres de cette famille semblent vivre heureux – jusqu’à ce qu’un incident révèle brutalement leurs plus terribles secrets……

Family Life

Avec sa thématique très marquée, celle des relations familiales et filiales, disloquées le plus souvent, en reconstruction par moments, on pourrait croire que le cinéaste japonais Hirokazu Kore-Eda fait du surplace, de la redite, de la redondance. La lecture attentive de sa trajectoire montre pourtant que son œuvre s’étoffe de film en film, en développant davantage autour de son cœur de sujet des problématiques qui ont certes toujours été  mises en perspective  dans la plupart de ses films, mais qui prennent dans ses derniers métrages une place plus importante. On veut parler ici du contexte social du Japon, de la difficulté qu’éprouve une certaine frange de la population à se refaire une santé financière et sociale, après les changements intervenus dans l’économie nippone, troisième puissance mondiale, et pourtant le taux de pauvreté le plus important dans l’OCDE. La critique sociale est virulente dans une Affaire de famille. Les licenciements économiques, les contrats précaires, les problèmes de logement, et plus globalement de la pauvreté au Japon sont des thèmes que le cinéaste aborde avec la même colère que celle qui l’anime en dénonçant la peine de mort dans son précédent film, The Third Murder. Cette dimension est sans doute la plus remarquable dans son dernier film.

Osamu (Lily Franky) est le chef d’une famille atypique, vivant dans une maison traditionnelle exigüe et délabrée, coincée entre les grandes tours de béton de Tokyo. Comme de plus en plus  de travailleurs, il vit donc dans la précarité liée à des contrats CDD mal rémunérés, et arrondit ses fins de mois grâce à de multiples vols à l’étalage dans les boutiques du coin. Une activité qu’il pratique régulièrement avec son fils Shota (Kairi Jyo). Un savoir qu’il transmet à son fils, avec le même sérieux que n’importe quel père aimant qui procède à cette transmission vers un fils aimé. Un soir, en revenant de l’une de leurs virées, ils croisent le chemin de la petite Yuri (Miyu Sasaki), mutique et semblant abandonnée, et décident de la ramener chez eux.

Le propos du cinéaste est assez programmatique, et il l’illustre parfaitement, avec son recours habituel à des scènes du quotidien. La famille de Osamu est foutraque, la grand-mère (l’immense et  fidèle Kilin Kiki, récemment disparue) escroque les allocations et les assurances, la fille aînée Aki (Mayu Matsuyoka) baigne dans le soft porn sous la tacite approbation de tous, la mère de famille Nobuyo (Sakura Andô), blanchisseuse sous le coup d’un licenciement,  ainsi que les enfants, y compris la nouvelle « petite sœur » Yuri, ne sont pas en reste quand il s’agit de chaparder. Foutraque, donc, et pourtant, des liens familiaux forts les unissent, au-delà, malgré ou grâce à ces vicissitudes. Hirokazu Kore-Eda prend le temps d’installer ces relations au travers de plusieurs vignettes toujours très justes et très précises, celles entre les enfants, déscolarisés, désorientés par leur mode de vie parfois, entre les femmes de la maison, entre les générations, et bien sûr dans le couple des parents. L’idée défendue par le cinéaste est très simple : les affinités électives existent bel et bien, et il suffit de  voir dans une scène magnifiquement filmée  la tendresse infinie et réciproque qui relie Nobuyo à la petite réfugiée Yuri, pour s’en convaincre. Les liens du sang ne sont pas tout, même dans ce pays extrêmement conservateur et gardien de traditions multiséculaires. Une scène réciproque avec la mère biologique conforte les propos du réalisateur.

Par rapport à ses précédents films, Une Affaire de famille a comme un supplément de vie, comme si le cinéaste s’était libéré d’une certaine retenue qui corsetait, certes joliment, son cinéma. Les films comme Still Walking qui le rapprochent vraiment de Ozu, ou l’assez onirique The Third Murder sont des films somme toute assez minimalistes. Ici, les scènes de repas sont sonores et jouissives, les corps dénudés, les gestes explicites. Une sorte de passion fébrile habite les personnage envers lesquels le spectateur ne peut avoir que de l’empathie, malgré leur ambiguïté et leur noirceur qui deviendra de plus en plus marquante au fur et à mesure de la projection. Ce bouillonnement est une véritable nouveauté dans le travail de Kore-Eda . Mais jamais il n’en oublie ce qui fait la qualité de son travail, une direction d’acteurs -et surtout de jeunes acteurs- remarquable, un sens de l’espace qu’il exploite à son maximum dans le cadre de ce logement très exigu, source d’une promiscuité presque salutaire, et enfin une idée précise de la mise en scène la plus efficace.

Après plusieurs sélections dans différentes sections du Festival de Cannes, Hirokazu Kore-Eda décroche la Palme d’Or avec Une Affaire de famille. Le jury ne s’y est pas trompé et a décelé dans ce film ce qui est peut-être la quintessence du travail du cinéaste, un travail limpide et complexe, beau et nécessaire.

Une affaire de famille – Bande annonce  

Une affaire de famille – Fiche technique

Titre original : Manbiki kazoku
Réalisateur : Hirokazu Kore-Eda
Scénario : Hirokazu Kore-Eda
Interprétation : Lily Franky (Osamu Shibata), Sakura Andô (Nobuyo Shibata), Mayu Matsuoka (Aki Shibata), Jyo Kairi (Shota Shibata), Miyu Sasaki (Yuri), Kirin Kiki (Hatsue Shibata)
Photographie : Ryûto Kondô
Montage : Hirokazu Kore-Eda
Musique : Haruomi Hosono
Producteurs : Kaoru Matsuzaki, Yose Akihiko, Hijiri Taguchi
Maisons de production : Fuji Television Network, GAGA Communications, Aoi Pro Inc
Distribution (France) : Le Pacte
Récompenses : Palme d’Or au Festival de Cannes 2018, et de nombreuses autres récompenses
Durée : 121 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 12 Décembre 2018
Japon – 2018