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Tous les êtres humains n’habitent pas le monde de la même façon

Chloé Margueritte
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Tous les êtres humains n’habitent pas le monde de la même façon

Des voix se lèvent, s’élèvent pour dire « stop », pour dire que nous ne voulons plus de ce monde-là. A l’image du « on se lève et on se casse » de Despentes, on veut que ces voix portent et ne soient plus isolées, meurtries, détruites. On veut du « love gaze » partout, pas d’oppositions trop faciles, de violence, de pièges à la Polanski. On ne veut pas désigner des monstres, on veut une société qui se regarde en face. On ne vous donnera pas notre haine, mais on ne va pas se taire.

« Nos larmes en pardon »

Ça fait mal, très mal, pour reprendre les mots de Virginie Despentes, s’y associer. Aux César en 2020, on a voulu séparer en deux catégories les gens du cinéma et plus largement les gens du monde, de la Terre. D’un côté, ceux qui seraient du côté des violeurs, des pédophiles, des méchants donc et de l’autre celles (car se sont souvent des femmes on ne va pas se le cacher, les hommes étaient plutôt en retrait) qui n’en peuvent plus de cette société où l’on prime toujours les mêmes condamnés et autres hommes visiblement, dont le cinéma n’est plus vraiment en phase avec la réalité (ou l’irréel car après tout, ça n’est pas ça la question du cinéma, c’est aussi l’imaginaire). Pourtant, la vie est-elle si simple que cela ? Il suffit de dire « le monde se divise en deux catégories… » et hop emballé c’est pesé ? Du coup, tout le monde y va de son petit soutien à l’un ou l’autre camp, voire de sa haine dégueulasse. On se déchire sur l’homme, l’artiste. A ce titre Polanski devient le monstre à abattre, le piège absolu dans lequel tout le monde s’engouffre, on n’est pas loin non plus dans certains articles ou « discours » de vouloir pendre Ladj Ly (parce que quitte à tout mettre dans le même panier, allons-y gaiement!). Mais attendez, on n’avait pas dit que c’était aider à les changer qu’on voulait ? Oui, car notre société est faite d’hommes, de femmes dont les agissements vont à l’encontre de l’humanité de leurs congénères. Rien de nouveau ce qu’on dit simplement aujourd’hui c’est que nous ne voulons plus qu’ils se retrouvent sur les plateaux de télévision, dans les cérémonies (mais d’ailleurs ça sert encore à quelque chose les plateaux de télévision et les cérémonies ?).

Société du spectacle

Ironie, ces cérémonies n’intéressent plus personne soi-disant, pourtant tout le monde en parle, commente. Il s’agit tout de même de la manière dont la société se regarde. La question reste de savoir ce que nous voulons comme société. Et sur cette question, la fracture est large, immense même. Donc non, il n’y a pas d’un côté les gentils et de l’autre les méchants. Même ça, ça fait longtemps que le cinéma l’a compris. Quand Swann Arlaud monte sur scène pour parler du dernier François Ozon, il ne s’adresse pas tellement au cinéma mais à des êtres humains dont le monde s’est écroulé. Pourtant, le film le montre avec brio, aucun des trois protagonistes ne réagit de la même manière, ne cherche la même chose. Il n’y a donc pas une réponse toute faite à ce problème de société. Quand Despentes écrit « on se lève et on se casse », c’est très parlant car elle dit rien moins que « ça suffit ». Elle écrit que « ça fait mal » et elle n’est pas la seule à le vivre, j’ai eu mal. Non pas que je veuille me substituer à la justice mais que je souhaite voir de mes yeux autre chose à la télé, au cinéma. J’ai eu l’impression tenace que Portrait de la jeune fille en feu ou Grâce à dieu étaient de grands films de 2019. Peut-être que J’accuse l’était, mais il y avait une telle facilité provocatrice à le récompenser au nom d’une certaine idée de l’état de droit que ça me semble vraiment tirer à boulet rouge sur certaines personnes.

Après, un prix ne réconcilie jamais personne et c’est dans les salles que tout se joue. Sachant que ces récompenses arrivent après les sorties, elles ne préjugent en rien de la durée de vie du film en salle. Portrait de la jeune fille en feu a déjà ses entrées un peu partout aux Etats-Unis et fait un très bon score là-bas. Quant à Grâce à Dieu, le film n’a pas fini de résonner avec  l’actualité. Mais si on part dans des préoccupations telles, il faudrait aussi se demander pourquoi aucun prix « majeur », ceux que tout le monde commente n’a été remis à une femme. Nous avions là l’occasion d’un film ayant marqué les esprits, d’une réalisatrice engagée non pas seulement au sens militant, mais aussi pour écrire, défendre et apprendre le cinéma et rien ne s’est passé. Nous nous sommes contentés de remettre le prix à Roman Polanski comme en 2014 où il avait volé la vedette à Kechiche sous prétexte que ce dernier était déjà dans la tourmente malgré la Palme d’or donnée quelques mois plus tôt à sa Vie d’Adèle. En fait de réussites et de moments gênants (plus ceux-là que la première catégorie), on se plait à oublier chaque année que les César ont toujours été une énorme frustration. Celine Sciamma, toujours nommée, jamais récompensée (comme réalisatrice), Gallienne qui crache sur Fatima au prétexte que son prix serait politique l’année où il triomphe avec Guillaume et les garçons à table !. Polanski qui doit présenter la cérémonie en 2017 puis renonce. En 2019, le consensus était plutôt large puisque Jusqu’à la garde avait fait l’unanimité et ne posait aucun problème : Xavier Legrand n’a pas réellement de couleur politique, il n’est pas connu du grand public. Idem pour les prix d’interprétation. Notons d’ailleurs que Les chatouilles n’avait pas remporté de prix majeur lui non plus. Comme quoi, selon les années la politique s’invite ou non dans nos récompenses.

Récompensera, récompensera pas…

Qu’importe, ces récompenses qu’on le veuille ou non ont un impact sur ce que notre cinéma nous dit de nous (et pas seulement de moi car de moi il ne dit pas grand-chose), de notre société. Adèle Haenel l’a dit et je pense le redira toujours, il ne s’agit pas d’une diabolisation mais d’un tournant à amorcer. Or, nous avons clairement plus que loupé le coche #metoo. Que ce soit en France ou ailleurs, je m’insurgeais récemment à propos de Scandale, mais je ne suis pas la seule. Despentes qui s’exprimait donc dans une tribune récemment le dit aussi : « Tout ce qui se passe autour du féminisme et de #metoo ces derniers temps, j’ai pas une pensée fixe, c’est-à-dire, ça m’évoque énormément de réflexions, mais je suis surprise de le vivre, j’ai l’impression de vivre un moment historique, je suis pas sûre des conséquences et de ce qui se passera ensuite, mais je suis sûre du moment, je sais pas si ça me réjouit, mais c’est vraiment intéressant et inattendu. En tout cas, j’ai l’impression d’être vivante dans cette histoire… » (Podcast Les couilles sur la table où j’invite vraiment tout le monde à aller écouter Virginie Despentes, elle vous heurtera sûrement mais sa réflexion est extrêmement intéressante car loin d’être binaire). Bien sûr, elle ne parle pas de Scandale mais elle reste prudente sur ce mouvement, avant de parler de révolution, il faut voir tous les freins qui demeurent. Lisez Asia Argento, c’est puissant. Il n’y a qu’à voir les réactions que se prend dans la figure Sara Forestier quand elle dit qu’elle regrette (elle le dit maladroitement certes) de ne pas s’être levée. Elle n’est pas là la soumission dont parle Despentes dans son édito ? Le corps d’Adèle Haenel qui se lève est désormais commenté, scruté. Pourtant, elle l’a mis en marche, elle a exprimé sa colère, saine. Et je crois qu’elle en avait le droit. On ne peut pas passer son temps à produire du discours. Il faut aussi agir. Et puis Polanski est un sacré piège tendu : si elle ne se lève pas, elle cautionne ce qu’elle dénonce, si elle ne vient pas, elle accepte qu’on ne récompense pas le film qu’elle défend, si elle se lève, cela pose problème à une partie de la profession. Pourtant, ce n’est pas de Polanski qu’il s’agit au départ mais des violences, des excuses, du refus d’une société qui célèbre ça.

Récits manquants 

Et j’ai bien envie de la société que me propose cette merveilleuse actrice où nous nous regardons non pas pour nous juger, mais pour nous faire face réellement et réfléchir à ce que nous voulons vraiment construire comme société ; c’est celle que je désire ardemment. Et je veux garder des César des souvenirs plus poétiques, plus constructifs : « les récits qui nous parlent et qui nous touchent, c’est aussi les récits qui nous manquent collectivement et je crois qu’on avait besoin de ce récit d’adoption, d’accueil, de refuge, on avait besoin de ce récit qui dit que la famille ça s’invente, ça se recompose, ça se choisit (…) d’un récit qui nous ressemble, du côté des fragiles, des sensibles (…) du côté des amitiés solidaires, des humiliés, les vrais » (Céline Sciamma recevant le César de la meilleure adaptation pour Ma vie de Courgette). Ne tombons pas dans le piège de nous regarder pour nous combattre. Il existe des récits capables simplement de nous enthousiasmer, de nous faire grandir, de nous appartenir et c’est ceux-là, toujours, que nous devrions célébrer. Le cinéma est un terrain d’imaginaire qui est devenu de plus en plus ces dernières années un terrain de contestations, de luttes, de visibilité et l’enjeu des récompenses est maintenant de donner une médaille à ceux qui donnent à voir ces luttes, ces contestations, cette visibilité. Même s’il n’a pas brillé dans son discours lu sur téléphone portable, Nicolas Bedos l’a pourtant dit ce soir-là « la vie a parfois du talent, il faut parfois le provoquer ». Elle a surtout des hommes et des femmes qui habitent un monde dans lequel depuis toujours des combats sont à mener, à corps et à cris. Quand Despentes parle des dominants et des dominés j’entends déjà ceux qui parleront de discours victimaires. Oui, il y a clairement des victimes dans ce monde, des voix à entendre, des récits manquants et c’est aussi à nous de les entendre, de les écouter, de les regarder et cela est possible à travers le cinéma. Ainsi, de quoi Parasite est-il le récit si ce n’est de cette domination ? Pourtant, il n’y est pas seulement question de réalité, de social mais aussi d’art, de choix, d’esthétique. De quoi Ladj Ly parle-t-il dans Les Misérables, titre qu’il emprunte à Hugo ?Quoi qu’on pense de son film et du regard qu’il y porte, quand on a deux secondes côtoyé ces cités (auprès des élèves pour ma part), on sait que quelque chose gronde. Pardon mais à quel moment récompenser Ladj Ly après Polanski, c’est lui donner réellement un prix, dans tout ce bruit, personne ne l’a entendu parler de la misère ? Et tout le monde s’est jeté sur lui et sa propre condamnation (preuve que ne condamner que Polanski est un piège, il faut voir que c’est une question de société et non de duel et c’est dans ce piège aussi qu’on a forcé Adèle Haenel à se trouver, seule à porter sa voix ce soir-là). Nous voilà contraints à nous taper dessus.

Féminin, masculin, féminisme, regards …

J’ai même découvert récemment (un peu tard je l’avoue) qu’au sein même du mouvement féministe il y avait des tensions fortes entre universalistes et intersectionnalistes. Ne me demandez pas dans quel camp je me trouve. Merde, encore une division et savez-vous sur quoi elle se cristallise ? Le voile. Et voilà que nous tournons de nouveau en rond. Doit-on gommer toutes les différences pour avancer ensemble ? Question impossible à trancher et presque dangereuse. Aucune voix aujourd’hui ne se dégage vraiment (la seule qui gueule fort c’est Despentes et son King Kong Théorie a déjà 14 ans !!). Enfin si, nous avons des voix . Face à la tourmente, aux paroles prononcées avec courage et intelligence, on ne sait pas si le cinéma de demain se fera avec ou sans Adèle Haenel et Céline Sciamma et on espère très fort qu’il se fera avec elles et avec d’autres visages, d’autres récits manquants. Sinon, notre cinéma sera un monde où l’on récompense toujours les mêmes, on regarde toujours les mêmes récits, les prix remis par les mêmes personnes qui se divisent pour les mêmes raisons. Et il  y a ceux qui se taisent, dociles.

J’ai eu la chance de croiser dans ma vie Céline Sciamma, Adèle Haenel et Virginie Despentes, j’ai parlé quelques minutes avec chacune d’elles et j’ai chaque fois vu des êtres humains pleins de convictions, d’envies, de récits dans lesquels j’ai eu un petit moment ma place. Il y avait des choses bien différentes dans leurs regards et dans leurs réponses à mes questions, mais toujours cette incertitude, ce moment où l’on se posait ensemble réellement des questions sur le corps, le cinéma, la solitude. Des questions fondamentales qui sont oubliées aujourd’hui au profit d’une société très spectaculaire où une actualité en chasse une autre. J’ai 27 ans, rien du tout à l’échelle de ce monde, mais j’ai déjà fait l’amère expérience des sujets qui se balayent entre eux, des cristallisations. Je sais que nous avons ces deniers jours manqué énormément d’occasions. Je ne sais plus qui je suis vraiment. J’ai envie que nous puissions faire des films sans avoir à être renvoyés dans les clous, les cases, les attentes du marché. Il manque énormément de choses à notre cinéma et surtout parfois tout simplement du cinéma. Et il a manqué à notre cérémonie des César une vraie célébration, tout a été entaché par le rêve du buzz, des gens qui ne s’intéressent pas au cinéma ont regardé ça comme un match de foot. Tout a surtout été entaché par une envie de ne pas faire de vagues (car le buzz cache les vraies questions et les vrais coupables), d’écouter les voix mais sans les comprendre vraiment. Alors quand certains corps se lèvent, marchent, s’expriment sans que ça soit dans un petit carré de lumière prédéfini, calibré (on s’écoute dire depuis vingt ans qu’il y a un problème de représentativité, un problème du féminin au cinéma mais c’est comme un rendez-vous attendu), tout s’emballe. On va dire tout et n’importe quoi de cela. Demain encore nous apprendrons d’autres violences et nous nous étonnerons faussement (parce que nous savons !!!).

Pourtant, il n’y a plus de surprise, c’est à la dynamite que nos systèmes devraient être revus. Rien qu’à voir nos dissensions concernant la planète et sa descente aux enfers, la preuve qu’arrêter de voir nos récits et nos vies chapeautés par certains (qu’on nommera comme on veut) est une urgence vitale désormais !

Monos d’Alejandro Landes : un volcan d’émotions

Sebastien Guilhermet
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Monos d’Alejandro Landes : un volcan d’émotions

Monos est aussi déroutant qu’il est magnétique. C’est un peu comme si la bande de jeunes de Nocturama de Bertrand Bonello s’était réfugiée dans un camp d’entrainement guerrier et fut observée de près par la mise en scène sensorielle d’Andrea Arnold dans sa période American Honey ou Les Hauts du Hurlevent. 

Le film d’Alejandro Landes brille par le magma d’images qu’il nous renvoie. Tout n’est que matière et vibration organique dans un volcan d’émotions et de pulsions juvéniles qui viennent se télescoper à une symphonie guerrière où le monde adulte semble bien éloigné de chacun. Tout est chaotique, primitif, voire désordonné. Nous ne savons pas vraiment où nous sommes, nous ne savons pas réellement ce que nous explique l’œuvre, dans des plaines sans doute colombiennes, au sommet des montagnes où seuls les nuages se fondent avec cette bande de demi-dieux qui exécutent des ordres et s’entrainent comme des forcenés à tuer et à faire osmose avec la nature. Leurs taches premières : avoir sous leur surveillance une otage américaine et garder en vie une vache comme signe de respect et vigilance. Mais tout ne se passera pas comme prévu. 

Monos ne cesse de crever l’écran, éclaboussé par le travail sonore incroyable, une nouvelle fois, de Mica Levi, puis happe par sa volonté souveraine de disséquer la dissolution du monde adolescent par l’embrigadement de la guerre, deux univers qui paraissent incompatibles mais pourtant si palpables. L’innocence se désagrège et les coups de feux deviennent alors les prémisses de la fête ou des regrets finaux. Dans sa première partie, il est difficile pour le spectateur de cohabiter sereinement avec cette bande, lobotomisée par les rites militaires, sujet aux ordres et cadenassée par le lavage de cerveau sectaire, mais qui isolée et loin du regard du « sergent chef » chérissent autant le fait de courir au coin du feu que de s’abreuver des désirs charnels : ce qui donne des séquences sensitives impressionnantes où Monos fait rentrer en symbiose l’individu et le collectif. 

Dans ces moments là, abrasifs, jouasses, innocents et lyriques, Monos tisse sa toile en aimant jouer avec la matière et les corps afin de mettre à distance son regard soit par le biais de plans larges d’une nature hallucinogène (champignons), foisonnante et élégiaque pour après coups, se rapprocher à proximité des corps et de leurs stigmates militaires. Tétanisant dans ces instants adolescents manquant de certitudes, hybride par sa douce curiosité qui mélange les flux, les fluides et les genres, puis dévastateur car chaque émotion, chaque sentiment viscéral est retranscrit avec force par le trouble de la mise en scène. Mais alors que le premier versant du récit se voulait plus introspectif et plus ambivalent dans sa démarche, la deuxième partie, plus référencée (Apocalypse Now), se déroulant dans une jungle hostile, vire au chaos.

Le film change de braquet, mais reste atemporel et n’use jamais de la caractéristique idéologique pour mieux s’interroger sur la question du dévouement et de l’indépendance d’un groupuscule qui semble de lui-même s’enfoncer dans le gouffre des ténèbres. Entre insubordination, indépendance obscurcie et hiérarchie sociale, l’effet de meute, la folie identitaire et la violence laissent de côté les joies du souffle de vie et tirent un trait sur les jouissances de l’environnement, et rien, ni même le symbole de la famille ne pourra les arrêter. Alejandro Landes nous laisse en face à face avec un regard flou, tuméfié et dévoré par les larmes où culpabilité, peur et survie se mêlent sans véritable distinction. A l’image du film, qui nous laisse dans le tumulte, le flou total mais surtout face au vertige d’une jeunesse, jetée ad vitam aeternam dans la gueule du loup d’un monde sans filet. 

Monos – Bande Annonce

Synopsis : Dans ce qui ressemble à un camp de vacances isolé au sommet des montagnes colombiennes, des adolescents, tous armés, sont en réalité chargés de veiller à ce que Doctora, une otage américaine, reste en vie. Mais quand ils tuent accidentellement la vache prêtée par les paysans du coin, et que l’armée régulière se rapproche, l’heure n’est plus au jeu mais à la fuite dans la jungle…

Monos – Fiche Technique

Réalisatrice : Alejandro Landes
Scénario : Alejandro Landes, Alexis Dos Santos
Compositrice : Mica Levi
Sociétés de distribution : Le Pacte
Durée : 1h43 minutes
Genre: Guerre
Date de sortie :  4 mars 2020

 

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4

La rose et la flèche : Robin sort du bois en Blu Ray

Guillaume Meral
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La rose et la flèche : Robin sort du bois en Blu Ray

Drôle d’objet que ce La rose et la flèche, variation de Robin des Bois réalisée en 1975 par l’anglais Richard Lester. Curieux, parce que même dans le cadre d’une décennie 70’s actant la désacralisation des grands mythes romanesques, difficile de trouver un équivalent à cette version qui enlève au personnage sa dimension héroïque pour le pousser dans les bras d’un romantisme désespéré.

Johnny revient d’en guerre

Robin est parti depuis 20 ans de Sherwood. Il est rincé par les guerres sans fin et les massacres déguisés en batailles.  En pleine cure post-James Bond, Sean Connery incarne ce personnage avec ses traits dans la force de l’âge qui véhiculent immédiatement le sentiment d’usure éprouvé par ce héros fatigué. De retour chez lui, il découvre que Sherwood est désormais sous la coupe d’un shérif cruel et inflexible, et retrouve Marianne, son amour de jeunesse, sous la soutane de bonne sœur…

Nul besoin d’être particulièrement familier du mythe pour comprendre que Richard Lester ne compte pas apporter une pierre supplémentaire à l’édifice héroïque de l’archer hors-la-loi. Et en effet, le film emprunte le chemin de la légende pour mieux lui imposer des sorties de pistes. En témoigne le traitement du personnage de Richard Cœur de Lion, qui glisse des habits du monarque bienveillant à ceux du despote dominé par ses instincts sanguinaires, et incarné par un Richard Harris habité. A la fois la projection du devenir de Robin sur le front, et la part de folie qui ne le quittera pas lorsqu’il reviendra au pays.

Sur le papier, l’approche se révèle assez contemporaine et même précurseur de notre époque qui a érigé l’arrière-cour des mythes en théâtre de leur itération. Pour autant, difficile de ne pas être désarçonné devant les moyens (ou leurs absences) employés pour incarner la proposition à l’écran. Compassé dans une direction artistique cheapos et des paysages pas vraiment raccords avec le contexte (les prises de vues se sont effectuées à Lizaso dans le Pays-Basque espagnol, pas vraiment la résidence secondaire du relief britannique), La rose et la flèche fait montre d’une désinvolture générale qui ne profite pas à son propos. La démystification voulue se traduit ainsi par un appauvrissement des moyens d’expressions du médium qui se répercutent dans à peu près tous les compartiments de la production, comme dans ces scènes de combat qui plaident en faveur d’un rapprochement peu flatteur avec Sacré Graal des Monthy Python.

L’enfer, c’est chez lui

Dénué de boussole narrative susceptible d’articuler une somme d’éléments mal agencés, le film égare le spectateur dans un flou artistique qui ne profite pas vraiment aux personnages.

Il faut attendre le dernier tiers du film pour que ceux-ci trouvent enfin leur place dans un récit qui précise ses enjeux à mesure que Robin dévoile sa nature de guerrier sans guerre à mener. L’itération olé-olé du mythe cède alors sa place à une variation autour du retour impossible qui fait naturellement écho à la situation des vétérans du Vietnam au sortir du conflit (le film sort en 1976, soit un an après le départ des troupes U.S). Comme un Rambo avant l’heure, Robin recrée un champ de bataille pour se sentir chez lui et tisse lui-même le narratif de sa légende (défenseur des pauvres vs nobles cupides) pour épancher sa soif de bataille (voir le duel final, anti-cathartique au possible). Héros, le personnage devient un psychopathe qui nourrit ses traumatismes de guerre avec son hubris démesuré. Et cristallise son déchirement intérieur dans une romance impossible avec la Marianne gracieusement (pléonasme) incarnée par Audrey Hepburn, qui se terminera sur des airs de tragédie hyperbolique auxquels il est difficile de rester insensible.

Indéniablement, La rose et la flèche est un film qui prend son temps pour se trouver, et joue volontiers avec la patience au spectateur. D’où l’intérêt d’attendre un peu avec de jeter le bébé avec l’eau du bain.

Blu Ray :

Rimini a mis les petits plats dans les grands avec pas moins de trois suppléments pour assortir une restauration impeccable (piqué généreux, superbe gestion des contrastes, fluidité cristalline de la bande-sonore…). On commence avec une interview master-class de Sir Sean en personne enregistrée en 1984, dans laquelle l’écossais évoque sa carrière avec tendresse et la lucidité à froid qui le caractérise. Le spécialiste de l’histoire médiévale Laurent Vissière prend le relais pour évoquer les origines du mythe de Robin des Bois, héros de chansons populaires reprises dans les tavernes avant de connaitre le développement que l’on connaît. Enfin, le journaliste William Couette revient sur la carrière de Richard Lester et témoigne son amour (un poil trop immodéré) dans un dernier module.  On appelle ça un travail soigné !

Fiche technique du film La rose et la flèche

Titre original : Robin and Marian
Année : 1976
Réalisation : Richard Lester
Scénario: James Goldman
Producteurs: Denis O’Dell, Richard Shepherd (exécutif), Ray Stark
Musique: John Barry
Directeur de la photographie: David Watkin
Casting : Sean Connery, Audrey Hepburn, Robert Shaw, Richard Harris, Nicol Williamson, Denholm Elliott, Ian Holm, Kenneth Haigh, Ronnie Barker, Victoria Abril
Durée : 1 h 46 mn 56
Format vidéo : 16/9
Format ciné : 1,85/1
Sous-titrage : français

 

The Climb de Michael Angelo Covino : Amis pour la vie

Jonathan Rodriguez
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The Climb de Michael Angelo Covino : Amis pour la vie

Chassé-croisé. Petite sensation à la Quinzaine des réalisateurs du Festival de Cannes puis à Deauville, où il a remporté tour à tour le prix du jury, The Climb est le premier film de Michael Angelo Covino. Une comédie culottée sur l’amitié et le temps qui passe. Une franche réussite.

À la sortie de la projection, et si on l’ignore, il est difficile de se rendre compte que ce sont les débuts en tant que réalisateur pour Michael Angelo Covino. L’ambition formelle affichée et la maîtrise de son dispositif relèvent alors d’une très belle surprise.

L’art du conteur

The Climb est le prolongement du court-métrage éponyme réalisé par Covino l’année précédente. De ces deux cyclistes grimpant le col de Vence, le cinéaste américain va tirer une histoire d’amitié aussi touchante que mouvementée. C’est d’ailleurs sur cette séquence que s’ouvre le film. La manière est brillamment rocambolesque, les deux amis s’écharpant à vélo pour une histoire d’adultère dans les contrées françaises. Le ton est donné.

De cette comédie existentielle aussi cruelle qu’hilarante, Covino en tire un film en chapitres et parsemé de multiples ellipses très bien senties. Elles viennent s’amuser avec le spectateur, le prenant à témoin de l’évolution de la relation qui unit les deux protagonistes principaux. Ce qui intéresse le réalisateur, ce sont les interactions entre ces deux personnages, pas les actes qui en découlent. Dans une moindre mesure et dans un tout autre registre, le film renvoie à ce qu’avait pu faire Katell Quillévéré avec Suzanne, dans l’utilisation de l’ellipse comme moteur narratif. Une manière à la fois de créer la surprise mais aussi utiliser notre imagination pour saisir le temps qui passe.

The-Climb-Critique-film

Une histoire d’amitié directement inspirée de celle qui lie les deux acteurs-protagonistes du film, à savoir Michael Angelo Covino et Kyle Marvin, également co-scénariste du film. Une manière de s’attacher plus intensément aux personnages et croire aux enjeux, même si les traits sont volontairement accentués ici, volonté de caricature oblige.

Nouvelle vague ?

Il y a chez Covino une vraie maîtrise du dispositif cinématographique donnant à cette bromance une originale mise en scène. Au cœur de ces chapitres et de ces ellipses, le film est parcouru par de multiples plans-séquences, tous savamment orchestrés. Une belle manière pour saisir toute la folie et le tumulte de cette histoire d’amitié. Il y a comme une sensation de virtuosité qui s’en dégage, apportant une certaine fluidité.

En alternant à la fois les registres comiques et dramatiques, The Climb donne une impression douce-amère loin d’être désagréable. Enjeu central du film, elle permet alors de ressentir les montagnes russes de cette amitié et ainsi traiter de l’amour aussi toxique que fusionnel entre les deux compères. On retrouve ici une déclaration d’amour, plus ou moins criante, à un certain cinéma français. Le film s’octroyant de sympathiques clins d’œil à notamment César et Rosalie de Claude Sautet ou encore au cinéma de Pierre Étaix.

 » Dès qu’on s’est attelés à ce film, on s’est mis à regarder tout ce qu’on pouvait. On avait déjà vu la plupart des films qu’on est censé connaître – ceux de Truffaut, Godard, Agnès Varda, Éric Rohmer… Mais dès qu’on s’est vraiment mis au travail, toutes ces références ont pris leur sens. […] Mais on tenait à transposer ces sources d’inspiration dans un contexte contemporain. Des réalisateurs comme Claude Sautet et Bertrand Tavernier ont été des révélations pour nous. Dans notre film, il y a une scène qui se déroule dans une salle de cinéma où nous rendons hommage à Pierre Étaix : c’est LE GRAND AMOUR. » Michael Angelo Covino

En effet, il est difficile de ne pas penser à un certain esprit du cinéma français, notamment du côté de la Nouvelle Vague, tant le film est pris d’une liberté formelle absolument rafraîchissante. Il y a une telle générosité de cinéma qu’on peut lui pardonner ses maladresses et ses petites longueurs. Un espoir naissant pour la comédie américaine ? Difficile à dire mais l’expérience, elle, est une bouffée d’air frais.

The Climb – Fiche Technique 

Réalisateur : Michael Angelo Covino
Scénario : Michael Angelo Covino et Kyle Marvin
Casting : Michael Angelo Covino, Kyle Marvin, Gayle Rankin, Talia Balsam, Judith Godrèche
Durée : 1h34 minutes
Genre: Comédie dramatique
Date de sortie :  29 juillet  2020

3.5

L’Aurore, de Friedrich-Wilhelm Murnau

Serge Théloma
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L’Aurore, de Friedrich-Wilhelm Murnau

A la fin des années 20, le cinéma muet entame le virage crépusculaire qui coïncidera avec l’arrivée du parlant. En 1927, Murnau est sollicité par la Fox pour réaliser l’Aurore. L’histoire d’un homme (George O’Brien) et d’une femme (Janet Gaynor) qui retrouvent l’amour perdu. Paradoxalement, ce film considéré aujourd’hui comme un monument du cinéma est éclipsé à sa sortie par Le Chanteur de Jazz, premier film parlant de l’histoire. Ce n’est que bien plus tard que l’Aurore accèdera à son statut de film culte.

Le cinéma s’invente

Avec l’Aurore, Murnau trouve un terrain d’expérimentation fantastique. Non seulement les studios mettent à sa disposition profusion de décors – en particulier ceux de la ville – mais l’assistance technique dont va bénéficier le réalisateur de Nosferatu, Faust et du Dernier des hommes va être sans commune mesure. Pour la partition musicale donc mais surtout pour la richesse des inventions visuelles. Plans séquences, travellings audacieux, effets de transparence ou de superposition, toute la palette technique de la mise en scène semble être expérimentée par Murnau. A l’image du plan séquence qui voit l’Homme rejoindre sa maîtresse ou bien des scènes qui voient les deux paysans découvrir les merveilles de la ville.

A la poursuite du cochon noir

Un des « personnages » clés du film est le cochon. Vous savez, ce drôle de cochon qui, à la fête foraine, se fait la malle au nez et à la barbe de son dresseur. Puis qui file jusqu’aux cuisines du restaurant où il étanchera sa soif avec une bouteille de vin tombée par terre. Le premier cochon soûl de l’histoire du cinéma ! Ce cochon, noir aux deux sens du terme, c’est un peu la version tirebouchonnée du lapin blanc de Lewis Carrol. Lorsqu’il se carapate, filant entre les pieds des visiteurs, il semble inviter le couple à le suivre… au pays des merveilles. Quelques minutes plus tard Le couple exécute une danse paysanne à la joie des spectateurs mais surtout de Janet Gaynor qui ne rêvait que de ça.

L’amour réinventé

L’ivresse du cochon préfigure celle des deux amoureux littéralement ébahis par les surprises que la ville leur réserve. Une sorte d’Eden comme en témoigne la scène où le couple, réconcilié, traverse une rue pleine de voitures tandis que le fond se transforme en jardin. Un paradis où les occasions de s’encanailler ne vont pas manquer. A ce titre, la visite chez le photographe est sans doute la plus intéressante. Tandis que celui-ci plonge la tête dans son daguerréotype, pour procéder à quelque réglage, les deux amoureux se bécotent comme deux gosses risquant d’être pris en faute. Et un peu plus loin, on les retrouve intenables en train de chahuter sur un canapé, brisant une statue de décoration. Bêtise qu’ils se garderont bien d’avouer.

Leçon de vie

Alors certes, L’Aurore est d’abord un mélo, à l’image de la première partie du film portant sur l’adultère ou de ce final qui rebat les cartes de façon dramatique. Mais avec ce tableau central du triptyque consacré à la ville, Murnau illustre à merveille cette idée universelle selon laquelle il n’y pas de meilleur remède à la routine dans la vie d’un couple que des moments de partage, de fantaisie et de complicité. Copains comme cochons plutôt qu’amants transis en quelque sorte.

Une vraie leçon d’amour.

Bande-annonce : L’Aurore, de Friedrich-Wilhelm Murnau

Fiche technique :

  • Titre original : Sunrise
  • Sous-titre : A Song of Two Humans
  • Réalisation : Friedrich-Wilhelm Murnau
  • Scénario et découpage : Carl Mayer d’après A Trip to Tilsitt (Histoires lituaniennes) de Hermann Suderman
  • Photographie : Charles Rosher et Karl Struss
  • Assistant metteur en scène : Herman Bing
  • Décors : Rochus Gliese
  • Musique postsynchronisée : Hugo Risenfeld
  • Procédé sonore : Movitone
  • Production : William Fox
  • Société de production et de distribution : Fox Film Corporation
  • Pays d’origine : Etats-Unis
  • Sortie : 23/12/1927
  • Format : Noir et blanc – muet (33 intertitres en anglais)
  • Durée : 95 minutes (11 bobines)

 

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5

« SuperGroom » : Spirou, les super-héros et le marché de l’immobilier

Jonathan Fanara
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« SuperGroom » : Spirou, les super-héros et le marché de l’immobilier

Spirou est de retour aux éditions Dupuis. À la croisée des chemins, aventurier en quête de normalisation, il provoque malgré lui une inflation de super-héros tout en se penchant sur les arcanes de la spéculation foncière bruxelloise.

« Je crois que j’en ai marre de toujours devoir sauver tout le monde. » Spirou est las. Non seulement ses aventures incessantes occupent tout son temps, mais en plus son public se détourne de lui au profit des super-héros Marvel ou DC. Il se questionne sur son mode de vie, regrette ses voyages riches en émission de carbone, alors qu’il prône par conviction la décroissance et le respect de l’environnement. « Vivre à une échelle humaine », « jardiner », « s’engager dans une simple assoce de quartier » : voilà ce à quoi aspire aujourd’hui le héros de Yoann et Vehlmann.

Problème : l’une des ses facéties tourne mal. Alors qu’il se déguise en SuperGroom pour attirer sur lui des projecteurs tout entiers voués aux « crétins en collant », il provoque une série d’incidents malencontreux… et une inflation de super-héros ! Tout commence par une usurpation d’identité : la jeune Lubna, récemment expulsée de chez elle sur fond de spéculation foncière, décide de prendre masque et gadgets (fabriqués artisanalement) pour se venger de promoteurs immobiliers voraces. Alors que SuperGroom a disparu des radars, elle choisit de prendre son relais en se faisant passer pour lui. Et se lance bientôt dans une campagne médiatique de recrutement de super-héros plutôt réussie… Caution Kick-Ass 2.

La lucidité du discours de Spirou sur sa situation précarisée par le succès immense des super-héros constitue la première bonne surprise de l’album. La réflexion sur les plans de modernisation des centres urbains débouchant sur des phénomènes de gentrification en est une autre. La mixité sociale devient ainsi le faux nez de la spéculation foncière. Pis, la fraude et les tentatives d’intimidation font partie du tableau d’ensemble. Nova Brussels, le centre commercial Sky Diamond et l’agence Power & Partners symbolisent dans l’album ce qui contribue aujourd’hui à nourrir la crise du logement. Une solution est toutefois avancée dans les dernières pages de SuperGroom – avant un épilogue mystérieux : une réglementation des loyers et la construction de logements sociaux.

De bout en bout, le récit apparaît rythmé et l’humour, irrésistible. Du running gag (« Ça devient gênant ») aux répliques parfaitement troussées (Spip : « Je ne sais pas qui, du bilan carbone, de la véracité historique ou du bon goût, est le plus mortellement touché par ce programme… »), en passant par un capitalisme confondu avec des tours de béton et des embouteillages interminables, SuperGroom parvient toujours à faire mouche. Les dessins et expressions sont très réussis, mais le clou du spectacle demeure peut-être le déménagement forcé de Spirou. En refusant de participer à de nouvelles aventures pour enfin vivre une vie « normale », il renonce à ses droits d’adaptation, donc par ricochet à son logement onéreux. Cela le pousse à migrer vers l’un des quartiers les moins chers de Bruxelles, où il obtient une ristourne sur le loyer d’une modeste maison, privée de charme comme de lumière, en acceptant de la retaper. Extrait choisi :

Fantasio : « C’est l’espace poubelle, là ? »
Spirou : « Non, c’est mon jardin »

Et voilà, après l’écologie, le marché de l’immobilier qui s’invite sans prévenir dans la vie de Spirou…

SuperGroom, Yoann et Fabien Vehlmann
Dupuis, février 2020, 88 pages

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3.5

« Staline » : le Petit Père dépeuple

Jonathan Fanara
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« Staline » : le Petit Père dépeuple

Chez Dupuis, dans la collection « Les Méchants de l’Histoire », Bernard Swysen et PtiLuc reviennent sur le parcours sanguinaire et la personnalité complexe de Joseph Staline, « Petit Père des peuples » connu pour ses déportations massives, la famine ukrainienne, le pacte germano-soviétique ou son rôle durant la Seconde guerre mondiale et lors de la partition de l’Europe en deux blocs idéologiques distincts.

« Journalisme, propagande, chantage, fausse monnaie, braquages, piraterie, meurtres, enlèvements, extorsion… J’avais de quoi me changer les idées. » Après la mort de Kato, sa première épouse, Joseph Staline perdit le peu qu’il lui restait d’humanité et redoubla d’efforts dans l’infamie. Celui qui est alors élu au comité central du parti bolchévique vit une jeunesse tout sauf rangée. Le scénariste Bernard Swysen en restitue les principaux éléments : un père alcoolique qui lui refuse le droit d’étudier, une mère qui l’idéalise, un éveil progressif aux théories de Darwin et aux mouvements sociaux, un passage du séminaire au POSDR, une passion pour Hugo, Shakespeare ou Dostoïevski, puis une criminalité sans scrupules telle que décrite par Simon Sebag Montefiore dans Le Jeune Staline.

Résumer la vie du Petit Père des peuples en une centaine de planches dessinées tient de la gageure. Il faut un sens aigu de la synthèse pour parvenir à rendre intelligible une trajectoire complexe trouée de paradoxes et parsemée de liens passés à la postérité – avec Lénine, Trotski, Brejnev, Khrouchtchev, Molotov, Joukov, Churchill, Roosevelt, Mao, mais aussi ses épouses et enfants, avec lesquels les rapports demeurent souvent orageux. En usant habilement de l’ellipse, en passant parfois un peu vite sur certains événements historiques – le massacre de 20 000 officiers polonais à Katyn, le culte de la personnalité, les viols perpétrés par l’Armée rouge en Allemagne, etc. –, Bernard Swysen nous conte le stalinisme dans ses phases emblématiques, de la genèse à la déchéance. Inévitablement, l’énonciation apparaît parfois trop fléchée, mais elle permet à l’auteur de faire l’économie de cases d’autant plus précieuses que les événements se succèdent à un rythme échevelé. Ainsi, Staline pourra s’exclamer presque sans prévenir : « J’adore semer le trouble un peu partout par la calomnie et le mensonge ! Diviser pour régner… c’est tellement drôle… et trop facile ! » Et le lecteur sera gratifié à d’autres moments de davantage de démonstration : la chute du Tsar Nicolas II, la révolution de 1917 sur fond de revendications de cession de terre et de meilleures conditions de travail, l’opposition Staline-Trotski ou le suicide de Nadejda après avoir asséné à son dictateur d’époux un édifiant : « Espèce de bourreau ! Tu tortures ta femme, ton fils et ton peuple tout entier ! »

Humour et pédagogie

L’adage dit que l’humour adoucit les mœurs. C’est peut-être la raison pour laquelle les running gags s’invitent dans l’album (les évasions répétées ou l’admiration envers Hitler par exemple), que Staline est fréquemment réduit à une fureur irrépressible, que Mao l’écoute religieusement en prenant des notes et que PtiLuc, dont les dessins sont au demeurant des plus réussis, animalise ironiquement ses personnages. Le Petit Père des peuples se voit ainsi confondu avec un ours à la moustache broussailleuse, tandis qu’Hitler prend la forme d’un rat repoussant.

On le sait, l’effort de pédagogie caractérise la collection « Les Méchants de l’Histoire ». Cet album ne déroge évidemment pas à la règle. La personnalité de Joseph Staline, son incapacité à faire preuve d’empathie (un comble pour un socialiste !), ses rapports erratiques avec sa famille (et spécifiquement avec sa fille Svetlana), son antisémitisme, sa volonté de réduire à néant la volonté individuelle, sa soif de propagande (le journal La Pravda en atteste à lui seul), son réflexe pavlovien consistant à tout régler grâce aux liquidations (purges ciblées ou convois entiers de cadavres) : tout est ingénieusement condensé en une centaine de pages. Cette caractérisation généreuse voisine avec « le hold-up du siècle » (1907, à Tiflis), le testament politique de Lénine, la collectivisation, les camps de travail, l’Holodomor aux millions de victimes, le mur de Berlin, le Rideau de fer, le Plan Marshall, le Kominform, les photographies soviétiques truquées, le prétendu « complot des blouses blanches » ou la relative complaisance de la presse française. Un didactisme appréciable, prolongé en appendice de cette bande dessinée avec quelques pages explicatives sur le stalinisme et le communisme.

Staline, Bernard Swysen et PtiLuc
Dupuis, février 2020, 120 pages

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3.5

Dracula de Georges Bess : l’esthétique du chaos

Sebastien Guilhermet
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Dracula de Georges Bess : l’esthétique du chaos

Le comte Dracula a marqué de son empreinte l’antre culturel et populaire d’innombrables œuvres littéraires et cinématographiques. Avec ce Dracula, Georges Bess tente de faire revivre le récit du mythique vampire. Avec brio et noirceur.

Sous cette épaisse couche de technique, où le dessin déverse à chaque page (ou double page) sa virtuosité et son sens de la théâtralité, Dracula de Georges Bess, à titre d’exemple, semble bizarrement parfois moins téméraire, moins enlevé et moins romantique que l’adaptation faite par Francis Ford Coppola. Peut-être plus scolaire et « respectueux » dans sa manière d’inscrire le mythe vampirique dans l’imagination collective mais ayant, pourtant, beaucoup de personnalité et de réels atouts dans son jeu. Car derrière cette fidèle relecture de l’oeuvre de Bram Stoker, Georges Bess nous immerge dans un cadre protéiforme, qui va d’idée en idée, qui fait interférer les genres et les tonalités, et nous sert sur un plateau des planches fantastiques où le baroque se mêle au gothique avec une puissance assez rare : il n’y a qu’à suivre les effluves de Mina ou Lucy ou les déambulations de Jonathan Harker dans le vaste château de Dracula pour se sentir happer par tant de vertige, d’excentricité et de beauté.

Georges Bess nous délivre un véritable coup d’éclats, une bande dessinée d’esthète, sanguinolente et épousant le désir primitif du vampire, qui puise autant dans la symbolique lugubre et mortifère que dans la finesse du portrait. Les cases se suivent avec violence, se superposent avec fracas, se mélangent dans le chaos et se muent en mosaïque aussi difforme que fascinante. De ce noir et blanc flamboyant qui aime faire briller la lueur des ténèbres, allant de falaises désolées à des châteaux qui suintent le vice et la mort, il est impossible pour le lecteur de ne pas être émerveillé par le dessin de Georges Bess. Il y a une telle envergure, une telle liberté dans les traits, un tel sens de la mise en scène, avec un Dracula, plus animal, bestial, dandy et corrosif que jamais, que ce Dracula devient un bijou graphique et réinvente presque à lui seul, le visuel du livre de Bram Stoker. Nous pourrions presque admettre qu’il y a deux propositions dans le geste spectral du dessinateur.

Il y a ceux qui connaissent l’œuvre de Bram Stoker et ses multiples adaptations, et qui trouveront sûrement en ce Dracula une possibilité de revivre le mythe avec fougue, où l’auteur arrive à faire ressentir ce vide, ce sentiment de mort et de dégénérescence comme peut le faire Manu Larcenet dans des œuvres comme Blast voire Le Rapport de Brodeck, ou Mike Mignola avec la saga Hellboy. De l’autre coté, il y a ceux qui ne connaissent peut-être pas le roman épistolaire de Bram Stoker et qui avec cette bande dessinée, mettront les pieds dans un récit plein de désolation, qui juxtapose la mort et le désir charnel, ténèbres amoureux et récit épique d’aventure. Dans les deux cas, George Bess réussit son pari, et fait ressortir Dracula de son cercueil pour le voir se métamorphoser et hanter les pages de cette œuvre et son ambiance victorienne et tétanisante. Une créature de la nuit qui n’a pas fini de nous faire goûter le sang de ses entrailles. 

Dracula, Georges Bess
Glénat, octobre 2019, 208 pages

Lara Jenkins de Jan-Ole Gerster : trop de froideur éteint le feu qui couve

Beatrice Delesalle
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Lara Jenkins de Jan-Ole Gerster : trop de froideur éteint le feu qui couve

Lara Jenkins avait tout d’un personnage – et d’un film – tout en intimité comme on les aime. Mais Jan-Ole Gerster nous a gardés trop à distance pour qu’on puisse entrer en empathie avec son récit.

Synopsis : Comme tous les autres matins, Lara débute sa journée par une cigarette et une tasse de thé. Aujourd’hui est un jour important : elle a 60 ans et c’est le premier concert de piano donné par son fils Viktor. Elle le soutient depuis ses débuts et se considère comme déterminante dans son succès. Mais Viktor est injoignable depuis des semaines et Lara semble ne pas être conviée à l’événement, contrairement à son ex-mari et sa nouvelle compagne. La journée va alors prendre un tour inattendu.

 Vingt-quatre heures dans la vie d’une femme

Deux films viennent en tête au regard de Lara Jenkins de Jan-Ole Gerster. Tout d’abord Oslo 31 Août du norvégien Joachim Trier, relatant 24 heures poignantes de l’errance du jeune Anders, un junkie trentenaire que plus rien ne raccroche à la vie. Puis Oh Boy du même Jan-Ole Gerster, où Niko, le personnage interprété par Tom Schilling, la trentaine également, traîne sa carcasse d’un groupe à l’autre, engoncé dans une vie trop lourde à porter pour lui pour cause d’inadaptation chronique. Ici, dans Lara Jenkins, la protagoniste éponyme (Corinna Harfouch)  est également dans cet entre-deux incertain, prête à en finir au petit matin, mais parvenant tant bien que mal à glisser sur la corde raide des vingt-quatre heures suivantes que va durer le récit de Gerster.

C’est le jour de son anniversaire ; Lara a 60 ans. Elle vit seule, n’a plus de boulot apparemment, fonctionnaire retraitée et installée dans une dépression sévère qui l’isole de tous. Quand elle se lève le matin, c’est pour se trouver face à un pan de mur soigneusement débarrassé de tout encombrement : la place d’un piano y est nettement préfigurée, mais le piano n’y est pas, n’y est plus. Elle déambule d’endroit en endroit, d’un proche à l’autre, ne sachant que faire ni comment être en ce jour où son pianiste de fils Viktor (Tom Schilling à nouveau) donne son premier concert en tant que compositeur.  Contrairement aux deux films cités ci-dessus, il est très difficile de saisir le ressort du personnage de Lara. On ne sait à quoi attribuer son désarroi : est-elle jalouse du succès annoncé de son fils, regrette-t-elle de lui avoir fait vivre par procuration sa vie de pianiste ratée ? Très grande dame du théâtre Outre-Rhin, Corinna Harfouch joue très bien, toute en intériorité et avec beaucoup de nuances. Mais le personnage s’exprime à peine, et le spectateur a beaucoup de mal à entrer en empathie avec Lara Jenkins. Ceci, d’autant plus que  son entourage renvoie une image extrêmement négative d’elle : anciennes collègues revenues de sa légendaire aigreur, ex-mari lui reprochant trop d’emprise sur leur fils, et même sa propre mère qui lui reproche d’avoir été une mère insensible, voire tortionnaire envers Viktor, un fils lui-même animé de sentiments ambigus puisque c’est l’exigence même de cette mère parfois honnie qui lui donne d’être le pianiste réputé qu’ il est devenu.

Alors certes, Lara est malheureuse. Certes, le cinéaste sait tisser par petites touches un début de rédemption pour cette femme qui a perdu le goût de sa propre vie. Une bouteille de champagne partagée avec un voisin qu’elle a pourtant éconduit quelques heures auparavant, un piano qu’on retrouve comme on retrouve un amour perdu. Une rencontre structurante avec son ancien professeur de piano, le même qui est sans doute pour beaucoup dans le sentiment d’échec et de frustration globale qui a dominé la vie de Lara. Petit à petit, on la voit renaître, reprendre espoir. Mais le chemin pour arriver à cette rédemption est tellement aride et austère, le cinéaste nous donne tellement peu de choses à nous mettre sous la dent que, globalement, on reste en dehors de son histoire. Le manque de vie de Lara Jenkins, rejaillit sur le film lui-même, très paradoxalement atone malgré le choix d’une couleur orange marquée (le manteau de Lara) pour traverser le film. La frustration du spectateur est d’autant plus grande qu’il sent par endroits ce feu qui couve, cette souffrance qui ne demande qu’à hurler.

Jan-Ole Gerster déçoit avec ce deuxième film pourtant partageant beaucoup de points communs avec le précédent, Oh Boy, autrement plus enthousiasmant. Creusant le même sillon du film psychologique et très intimiste qui n’est pas pour nous déplaire, on ne peut qu’espérer que la prochaine mouture de son cinéma sera de nouveau à la hauteur de nos attentes…

Lara Jenkins – Bande annonce

Lara Jenkins – Fiche technique

Titre original : Lara
Réalisateur : Jan-Ole Gester
Scénario : Blaz Kutin
Interprétation : Corinna Harfouch (Lara Jenkins),  Tom Schilling (Viktor Jenkins), Rainer Bock (Paul Jenkins), Maria Dragus (Claraà), Mala Emde (Johanna), Gudrun Ritter (La mère de Lara), Volkmar Kleinert (Prof. Reinhoffer), André Jung (Mr. Czerny)
Photographie : Frank Griebe
Montage : Isabel Meier
Musique : Arash Safaian
Producteurs : Marcos Kantis, Michal Pokorny, Martin Lehwald, Coproducteurs : Kalle Friz, Isabel Hund
Maisons de production : Schiwago Films, StudioCanal Deutshland
Distribution (France) : KMBO
Durée : 98 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 26 Février 2020
Allemagne – 2019

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3

Que valent les séries Locke & Key, Ragnarök et High Fidelity ?

La rédaction LeMagduCiné
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Que valent les séries Locke & Key, Ragnarök et High Fidelity ?

Au programme de cette nouvelle vague de séries, Locke & Key, un drame horrifique adapté des comics écrits par Joe Hill (fils de Stephen King) et illustré par Gabriel Rodriguez ; Ragnarök, entre teen drama et fable écolo, le show diffusé sur Netflix explore la mythologie nordique. Pour terminer ce numéro, High Fidelity, une chronique musicale, tirée du best-seller de Nick Hornby, disponible sur Hulu.

Locke & Key, une dark fantasy trop familiale.

La nouvelle série Netflix, adaptée des romans graphiques de Joe Hill (fils de Stephen King), en dix épisodes, nous introduit dans la mystérieuse demeure de la famille Locke. Après le meurtre mystérieux du père, Randall, sa femme et ses trois enfants, Tyler, Kinsey et Bode, déménagent chez leur oncle, Duncan, dans l’ancien manoir familial nommé Key House. Très vite, la petite famille découvre que la maison renferme plein de secrets et notamment des clés aux dangereux pouvoirs magiques, qu’une certaine « Dame du puit » cherche à s’accaparer.

Après le succès de The Haunting of Hill House, on aurait pu s’attendre pour cette création Netflix à une ambiance similaire, mais pas du tout. Le côté horrifique de la BD originale est édulcoré pour se rapprocher plus d’une série à la Riverdale ou Sabrina. Les adolescents et leur drame de lycéens deviennent centraux. Mettant partiellement de côté le mystère familial, qui ne viendra que plus tard dans l’histoire. Heureusement que l’on garde la vision candide du plus jeune, Bode, pour nous immerger dans un univers un peu plus effrayant.

Le premier épisode en lui-même est assez confus, distillant des indices sur la suite pour mieux pousser le spectateur à bingwatcher la série. Les personnages sont au début un peu « cliché », respectant certains codes des séries pour ados. Seul le personnage de Nina, la mère, interprété par Darby Stanchfield (Scandal), semble se révéler plus intéressant que dans la BD. Finalement, les fans du roman graphique original risquent d’être fortement déçus par cette adaptation qui tient plus de l’inspiration.

Locke & Key est une série fantastique tout public, plus destinée aux amateurs de séries comme Les désastreuses aventures des orphelins Baudelaire que de Stranger Things. Il est fort dommage que le côté sombre et horrifique de l’histoire soit passé à la trappe car c’est ce qui rendait aussi Locke & Key intéressant.

4

Céline Lacroix

Ragnarök, la nouvelle fiction climatique norvégienne de Netflix.

Ragnarök : Dans la mythologie nordique, c’est la définition de la fin du monde : il commence par des catastrophes naturelles et culmine avec la bataille opposant les dieux aux géants.

Allégorie de l’actuelle mobilisation des jeunes face au changement climatique, cette nouvelle série Netflix, qui cible principalement les ados, nous propose une lecture des problèmes écologiques via le prisme de la mythologie nordique.

Tout juste arrivés dans la petite ville d’Edda, 2 frères ados et leur mère s’intègrent dans ce nouvel environnement dominé par l’immensité des paysages norvégiens. Magne, l’un des frères, dyslexique sans histoires, se voit soudainement doté de super-pouvoirs.
La dualité entre d’un côté l’économie, et de l’autre l’écoresponsabilité, se ressent rapidement dans la psychologie des personnages. Néanmoins, ils sont présentés de façon un peu stéréotypée, et chacun des profils illustre un cliché sociétal de façon un peu grossière.

La photographie maîtrisée rend l’ensemble graphiquement assez réussi : précis, moderne et coloré. La bande-son signée M83 permet d’illustrer parfaitement la froideur et l’immensité des paysages présentés ici.

Ragnarök nous présente un combat pas seulement générationnel mais aussi idéologique, pour rétablir l’équilibre sauvage fragile, en réponse à un constat alarmant : les écosystèmes sont en train d’être progressivement détruits. C’est une fable engagée sur le climat, une réflexion sur la société actuelle sur une toile de fond mythologique et surnaturelle.
La fin de l’épisode sera marqué par un événement aussi tragique qu’inattendu, ce qui nous amènera à vouloir continuer sur les épisodes suivants. Que ne feraient pas les scénaristes de Netflix pour nous garder en haleine !

3

Fred Jadeau

High Fidelity : changement de refrain

Remake du film éponyme sorti en 2000 (et déjà une adaptation du livre de Nick Hornby), High Fidelity est la nouvelle série Hulu, portée par Zoë Kravitz. Originellement, dans le long-métrage de Stephen Frears, le personnage principal est un homme incarné par John Cusack, mais les showrunners Sarah Kucserka et Veronica West (à qui l’on doit notamment la série Ugly Betty) se sont totalement et habilement réappropriées le récit, pour nous offrir une œuvre bien plus en lien avec son temps.

Rob (Robert) devient donc Rob (Robyn), une trentenaire afro-américaine, propriétaire d’une boutique de disques vinyles, qui ressasse son passé amoureux et ses pires ruptures. Ce pitch promet de ne pas trahir l’œuvre originale, et l’on sent en même temps que la série a quelque chose de rafraîchissant à nous proposer.

Dans le premier épisode, certaines séquences sont d’ailleurs presque identiques à celles du film, notamment lorsque Rob établit son top 5 des pires ruptures. Pourtant, le charisme irrésistible de Zoë Kravitz et la mise en scène moins académique que celle de Frears rendent la série bien plus dynamique que le simple remake qui était à craindre.

La place importante de Brooklyn, des disques vinyles et l’incroyable bande-son majoritairement 70-80’s (Fleetwood Mac, Darondo…) font de High Fidelity une série hipster, sans le moindre doute. Mais on est loin des clichés à la Vernon Subutex ou autres tentatives récentes qui manquent régulièrement le coche de la subtilité.

High Fidelity est une série chaude, branchée et rapidement addictive. Que vous soyez mélomane, fan de rom-coms, du film d’origine ou simplement de Zoë Kravitz (et il y a des chances que vous apparteniez à au moins l’un de ces groupes), prenez sans hésiter cinq heures de votre temps pour déguster cette mini-série.

https://www.youtube.com/watch?v=r5bkbfdVzbI&feature=emb_title

4

Thomas Gallon

 

Le Vent se lève, de Hayao Miyazaki : les amours envolées

Jules Chambry
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Le Vent se lève, de Hayao Miyazaki : les amours envolées

Suite de notre rétrospective consacrée aux plus grands films du Studio Ghibli. Aujourd’hui, ce sont la mélancolie et les rêves de Hayao Miyazaki dans Le Vent se lève qui sont à l’honneur. Un poème cinématographique, testament d’un artiste et d’un homme passionné par l’amour, la guerre et les avions.

Le vent se lève… Les rêves du jeune Jirô l’entraînent tel un ouragan vers le ciel, dans des avions fantasmés aux deux visages : celui de la passion et celui de la guerre. Si l’ingénierie aéronautique est pour lui un art, le plus noble qui soit, comment s’épanouir quand la seule chose qui ait jamais animé sa passion est employée pour faire le mal ? Sans véritablement se questionner sur l’éthique ou les conséquences des projets sur lesquels il cravache jour et nuit, Jirô n’abandonne pas. Les Allemands ont de l’avance technologiquement ; d’accord. Les Japonais espèrent les rattraper au plus vite dans la course à l’armement ; tant mieux. Pourquoi remplacer les sièges des passagers par des bombes ? On s’en fiche, l’important est d’améliorer ses connaissances dans le domaine. Ah bon. Après tout, les années passent, et le travail doit être fait… il faut tenter de vivre.

Le vent se lève… Ce Japon des années 30 est beau, élégant. Ici, on fume beaucoup, on retient son chapeau malmené par le vent, on remonte ses épaules pour engoncer son cou dans le col haut de son manteau, on lit le journal, on arbore de belles moustaches, on boit du vin, on voit valser les manivelles des vieilles caméras d’antan, on utilise des vieux compas et des règles qui ressemblent à celles que nos grands-parents léguèrent à nos parents, et que ces derniers nous donneront aussi un jour. On croise la route d’un jeune garçon, ou d’une jeune fille, dont on ne saura le nom que des années plus tard à l’occasion de retrouvailles inattendues. Sur la fumée des cigarettes, l’amour nous reviendra peut-être… chantait Barbara*. Entre temps, on rallume une cigarette, on se remet au travail et l’on oublie quelque peu ce visage aimé… il faut tenter de vivre.

Le vent se lève… Au détour d’une promenade à travers des paysages bucoliques, il suffit d’un parasol volant pour raviver les souvenirs enfouis d’un chapeau qui connut jadis le même destin. Au tour de Jirô de lever la main en l’air et d’en arrêter la course. Maigre effort ; le plus important de tous. Le vent, c’est comme le temps qui passe ; les avions qui s’envolent, c’est comme les trains qui s’en vont : il faut savoir monter à bord et profiter du voyage. Jouer, construire, aimer, même lorsque le sablier s’écoule et que la maladie, comme la guerre, risque bientôt de tout emporter. On aimerait prendre soin de l’autre, mais le devoir appelle encore ; on traverse le pays pour un bref regard, une brève étreinte, puis on repart. Tout ça pour ça, tous ces efforts pour quelques vaines secondes… il faut tenter de vivre.

Le vent se lève… Et un jour il tourne. Aux regards levés vers le ciel, aux bras tendus en l’air pour dire au revoir ou attraper un avion de papier en plein vol, répondent les mouvements inverses, tournés vers le bas : les larmes de Jirô qui tombent sur son papier griffonné d’équations, destinées à faire voler des bombardiers ; le sang de Naoko qui s’écrase sur sa toile et annonce l’inéluctable ; les bombes qui sont lâchées, au loin, sur les victimes innocentes de l’Histoire par de majestueux oiseaux de proie métalliques. Naoko ne peut plus monter sur sa colline pour y peindre la vie, alors elle descend du bus, marche vers le sanatorium et s’en va prendre son train. Le plus dur, c’est d’être la personne qui reste sur le quai. Pendant que le sifflement des balles étouffe celui du vent, Jirô doit continuer sa route seul, avec courage, amour et dignité… il faut tenter de vivre.

Beau temps, pour un chagrin, que ce temps couleur d’ombre. Je reste sur le quai, mon amour, à bientôt.*

* Barbara, Septembre.

Retrouvez ici notre critique du film, publiée à l’époque de la sortie du film.

Le Vent se lève – Bande-annonce :

https://www.youtube.com/watch?v=LVB5RUHYkzk

Critique de The Invisible Man, un film de Leigh Whannell : La menace fantôme

Frédéric Perrinot
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Critique de The Invisible Man, un film de Leigh Whannell : La menace fantôme

Leigh Whannell signe avec The Invisible Man une revisite habile du mythe de L’Homme invisible, tout en confirmant la créativité de son cinéma et son style alerte mû par une vraie réflexion de son époque. En résulte un film intelligent, ingénieux et un audacieux mélange des genres qui impressionne par sa modernité mais aussi son plaisant renvoi aux séries B des années 90.

Synopsis : Cecilia Kass est en couple avec un brillant et riche scientifique. Ne supportant plus son comportement violent et tyrannique, elle prend la fuite une nuit et se réfugie auprès de sa sœur, leur ami d’enfance et sa fille adolescente. Mais quand l’homme se suicide en laissant à Cecilia une part importante de son immense fortune, celle-ci commence à se demander s’il est réellement mort. Tandis qu’une série de coïncidences inquiétantes menace la vie des êtres qu’elle aime, Cecilia cherche désespérément à prouver qu’elle est traquée par un homme que nul ne peut voir. Peu à peu, elle a le sentiment que sa raison vacille…

Maintes fois adaptés au fil des ans, L’Homme invisible est devenu une icône du paysage culturel. Un de ces monstres du cinéma qu’Hollywood aime exploiter même si sa figure tend à s’être légèrement démodé. Dracula, Frankenstein, La Momie, tous ces mythes qui ne vendent plus et dont Universal aurait voulu en relancer la machine par deux fois pour créer avec ses personnages un nouvel univers étendu. Et à chaque fois la formule n’a pas prise, faute à des films de qualité médiocre (le désormais oublié Dracula Untold et La Momie avec Tom Cruise) mais aussi un attrait limité pour des figures qui peinent à se renouveler à l’ère cinématographique du super-héros et de la surabondance Disney. Universal a donc changer de fusil d’épaule pour se concentrer sur des projets plus modestes et a trouvé en Leigh Whannell le champion idéal pour redonner vie à The Invisible Man. D’abord scénariste sur les 3 premiers Saw et la saga Insidious, il est rapidement passé derrière la caméra d’où il a signé un Insidious 3 plutôt efficace ainsi que la bonne surprise Upgrade, une série B de SF bien vénère et plus réfléchie qu’elle n’y paraît. En deux films aux budgets plus que modeste, il a su prouver sa capacité à contourner le manque de moyens pour offrir un cinéma créatif au style de plus en plus affirmé. Débutant en sidekick de James Wan, il a su s’extirper de son ombre et avec The Invisible Man, il tend à laisser penser que c’est bien lui le nouveau maître de l’épouvante.

Dès la scène d’ouverture, les intentions de The Invisible Man sont posées. Ici, le film fait le choix judicieux de ne pas s’intéresser à L’Homme invisible, très souvent exploité au cinéma, et de ne plus le placer en victime de son invisibilité mais d’en faire un bourreau. Ici, on suivra sa compagne, victime de son besoin abusif de contrôle et de son comportement violent. La première séquence nous montre comment la protagoniste a planifié son évasion de cette relation toxique et abusive alors qu’après avoir drogué son petit ami, elle se voit déambuler dans une grande maison isolée et très sécurisée qui s’apparente à une véritable prison. L’homme va-t-il se réveiller ? Quand va-t-il surgir ? Est-elle poursuivie ? Sans pour autant avoir déjà placé son aspect le plus fantastique, à savoir l’invisibilité du personnage, que le film touche du doigt avec brio le cœur de son sujet, qu’un homme n’a pas besoin d’être invisible pour insuffler une peur latente chez une femme et imposer une menace constante sur sa vie. Parabole brillamment pensée autour des violences conjugales, de la masculinité toxique et des séquelles qu’une relation abusive peut avoir sur une personne, The Invisible Man embrasse son propos avec une sincérité désarmante et parvient à composer un thriller horrifique habile mais aussi un drame humain souvent tétanisant. Ici la gestion de l’invisibilité va surtout servir à deux choses. D’abord Adrian Griffin n’est plus victime d’une expérience qui le rendra invisible, c’est la technologie, déjà très présente au cœur de Upgrade, qui intéresse Whannell. Génie dans le domaine de l’optique, le personnage construit son costume d’invisibilité, pensé avec une rare intelligence dans son design, qui symbolise non seulement son besoin maniaque de contrôle, son voyeurisme mais aussi l’appartenance à un pouvoir et un privilège qui le renvoie à la figure du sur-homme. Passionné par cette idée, il fait de ce personnage la métaphore d’un mâle toxique, un stalker amélioré qui se nourrit de sa supériorité pour soumettre les autres à sa volonté qui n’est pas sans rappeler l’approche de Verhoeven avec son Hollow Man.

Mais là où la réflexion devient vertigineuse, c’est lorsque que le cinéaste part de cette invisibilité comme étant l’invisibilisation des femmes victimes de violences qu’on ne croit pas et qu’on réduit souvent à des personnes prises de folies alors que la seule folie est celle des hommes qui les persécutent. La thématique avait déjà été très bien traitée par le récent Unsane de Soderbergh, mais ici Whannell utilise cette invisibilité de manière littérale, invisibilité dont les hommes se servent pour agir en toute impunité et dont les femmes sont victimes par refus des autres de voir le mal qui les tourmente et les isole encore plus dans cette invisibilité. The Invisible Man s’impose donc comme un terrible constat et ne prend surtout jamais son sujet à la légère, il est d’ailleurs sur ce point d’une précision et d’une lucidité admirable, ne cherchant jamais à remettre en cause sa protagoniste dans sa tourmente. L’exemple le plus parlant se trouve au début, le film commence directement par la fuite de l’héroïne sans au préalable instaurer la relation qu’elle entretient avec son petit ami. On en comprend tout de suite les enjeux grâce à la finesse de la mise en scène, et surtout la réalité d’une relation abusive et acquise par tous, il n’a plus besoin de justifier cela par une scène d’exposition inutile pour comprendre la terreur et ce que traverse le personnage. Malheureusement, cette précision sera un peu mise à mal lors de la seconde moitié du récit, légère, plus encline aux twists un peu faciles et à une conclusion efficace mais attendue. Assumant un peu plus son aspect de série B, Leigh Whannell cède à l’appel du suspense et de l’action brutale, et même si narrativement le film perd un peu de sa maîtrise, cela permet au réalisateur de se faire plaisir dans une mise en scène qui se dynamise avec l’apport de mouvements de caméras créatifs et audacieux dans un découpage ingénieux et diablement excitant.

Leigh Whannell continue d’ailleurs beaucoup ses explorations visuelles déjà entreprises avec son Upgrade. Il développe un style bien identifiable et montre sa fascination pour la technologie utilisée comme une arme et transforme son Homme invisible en Terminator lors d’une scène d’action dans un couloir d’hôpital particulièrement jouissive par ses audaces et fulgurances visuelles. Mais il n’y a pas que dans l’action un peu énervée que Whannell s’impose comme un habile metteur en scène, même si il se montre plus inventif quand il assume le point de vue de l’Homme invisible, il crée dans la première partie une tension palpable. Privilégiant l’attente, l’angoisse du vide avec l’interrogation de savoir si oui ou non une présence s’y cache, il élabore des plans savamment pensés et précis dans leur durée, ce qui en décuple l’efficacité. Et le tout se cristallise et explose dans une séquence de home invasion particulièrement angoissante où la confrontation prend un tournant bien plus réel et violent en se transformant en un jeu de chat et la souris particulièrement tendu. Le tout étant en plus soutenu par une Elisabeth Moss toujours aussi incroyable et qui porte le film avec une conviction et une force admirable.

The Invisible Man est un très bon film de genre, qui s’amuse d’ailleurs à les mélanger avec un brio presque insolant tant on passe du slasher, au home invasion, à la science-fiction et à la série B d’action bourrine. Leigh Whannell impose son amour de ce cinéma, très influencé par les années 90, mais parvenant à insuffler une modernité créative et audacieuse par sa mise en scène intuitive et ingénieuse qui fait de ce The Invisible Man un spectacle constant au service d’un propos mené avec sincérité et intelligence. Quand bien même la deuxième moitié se montre plus prévisible et montre les limites de ses ficelles narratives, la générosité du film et sa précision rattrapent ses quelques légères sorties de route. On est face à un travail d’équilibriste presque virtuose où Leigh Whannell signe son film de la maturité. De plus, il commence à se créer une filmographie très intéressante tant par sa vocation d’un cinéma alerte et sa réappropriation du cinéma de genre. Il rappelle ce qu’avait pu faire John Carpenter en son temps. La filiation semble plus qu’évidente et voir que Whannell sera chargé du remake de Escape from New York s’avère un choix judicieux qui éveille la curiosité. Car s’il y a bien un cinéaste qui marche dans les pas de Carpenter et pourrait éventuellement reprendre la couronne du maître de l’épouvante, ça pourrait bien être lui, et au vu de ce The Invisible Man, c’est tout ce qu’on lui souhaite.

The Invisible Man : Bande annonce

The Invisible Man : Fiche technique

Réalisation : Leigh Whannell
Scénario :  Leigh Whannell, d’après le roman L’Homme invisible d’H.G. Wells
Casting : Elisabeth Moss, Aldis Hodge, Storm Reid, Oliver Jackson-Cohen, …
Photographie : Stefan Duscio
Montage : Andy Canny
Musique :  Benjamin Wallfisch
Producteurs : Jason Blum et Kylie du Fresne
Production : Blumhouse Productions, Goalpost Pictures et Nervous Tick
Distributeur : Universal Pictures
Durée : 125 minutes
Genre : Thriller
Dates de sortie : 26 février 2020

États-Unis – 2020

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