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Avec son dernier thriller, Adam Robitel entend surfer sur la mode des Escape Game tout en renouvelant sur la forme le genre survival. Partie à moitié gagnée seulement.

Immersion puis déception

Pour peu que vous ayez déjà essayé un véritable Escape Game, de ceux qui ont essaimé ces dernières années, il y a forcément un point qui ne vous a pas échappé : qu’est ce que le temps passe vite ! Eh oui, les 60 minutes que durent en moyenne la partie semblent vous filer entre les doigts et vous avez beau trouver des codes sous les tapis, des clés dans des tiroirs et toutes sortes de choses cachées dans les 9 mètres carrés de votre « cellule », rien à faire, il vous faudrait bien un bon quart d’heure de plus pour sortir de là avec les honneurs dus aux champions de l’évasion. C’est donc avec une véritable admiration que j’ai constaté la rapidité avec laquelle les six héros du film enchaînaient les différentes salles auxquelles ils se retrouvent confrontés. Cinq en moins de 100 minutes, moi je dis chapeau ! A croire que gagner 10 000 dollars, la récompense promise et rester vivant par la même occasion constitue une motivation on ne peut plus efficace pour ne pas traîner en route. Dont acte.

Une déco qui a de la gueule

Il faut dire que c’est à un Escape Game XXL auquel nous convie le réalisateur.  Les différents espaces que traversent nos aspirants à l’adrénaline sont particulièrement bluffants. A l’opposé du dépouillement métallique de Cube, film alpha du genre, ou de la rusticité en trompe l’œil du malin La Cabane dans les bois, le film d’Adam Robitel met le paquet en termes d’architecture intérieure. A chaque nouvelle pièce du jeu, les aventuriers grillent quelques neurones pour sauver leur peau, mais ils doivent surtout faire preuve de sang froid face à un labyrinthe à géométrie létale qui n’entend pas les laisser souffler un seul instant. Entre un cabinet de curiosités réduit en morceaux façon compresseur à ordures (clin d’œil à Star Wars), une salle proprement renversante et une autre psychédélique à souhait, on ne peut que se réjouir de tant d’inventivité dans les décors.  Mais si ces derniers soufflent le chaud et le froid, on regrettera en revanche que le scénario soit aussi tiède.

Un scénario qui part en vrille

En effet, à quoi bon inventer des espaces aussi originaux et des règles du jeu dont les maîtres-mots sont déduction et perspicacité si c’est pour y convier des personnages aussi caricaturaux et les faire disparaître de la façon la plus triviale qui soit. D’autant qu’on ne perçoit dans le scénario ni l’humour parodique à l’œuvre dans la Cabane dans les bois, ni même un soupçon d’ironie à l’égard de ces six figures stéréotypées. Quant au déroulement des péripéties, il suit une trajectoire relativement linéaire, où la seule véritable rupture est l’occasion d’une scène de bagarre dont la résolution à l’arme à feu, attribut rédhibitoire de l’auto-justice U.S,  parait complètement incongrue. A l’image d’un final invraisemblable qui invite à une seconde manche qu’on n’a plus vraiment envie de jouer.
Donc un conseil, si vous avez quelques dizaines d’euros à dépenser entre amis, trustez l’Escape Game par procuration pour un vrai de vrai, en 60 minutes chrono. De quoi se faire un bon petit film dans sa tête.

Bande-annonce : Escape Game

Synopsis : Un groupe de six personnes est envoyé dans un jeu d’évasion grandeur nature (escape game) dont les conséquences vont être mortelles.

Fiche technique : Escape Game

Réalisateur : Adam Robitel
Acteurs : Taylor Russell, Logan Miller, Deborah Ann Woll, Tyler Labine,
Genre : Thriller psychologique
Distributeur : Colombia Pictures, Sony Pictures
Date de sortie : 4 janvier 2019
Durée : 1h39mn
Nationalité : États-Unis

Les films d’époque sont en vogue ces temps-ci. Après le remarqué et acclamé La Favorite, Marie Stuart, Reine d’Écosse débarque et propose un biopic tout aussi généreux en terme de décors et de costumes surannés. Pour un premier film, la réalisatrice Josie Rourke accouche d’une œuvre assez inoffensive mais loin d’être inintéressante dans ses thématiques mettant la femme au premier plan.

Synopsis : À seulement 18 ans, Marie Stuart est déjà veuve, après le décès de son époux le Roi de France, François II. Elle refuse de se remarier conformément à la tradition. En 1561, elle quitte donc la France pour rejoindre ses terres natales d’Écosse pour réclamer le trône qui lui revient de droit. Mais la reine d’Angleterre, Élisabeth Ière, n’est pas de cet avis. Elles vont toutes deux devenir de véritables sœurs ennemies, malgré une fascination réciproque.

Marie Stuart ne doit pas s’appréhender comme un pur morceau d’histoire, mais plutôt comme un film fondamentalement féministe qui s’appuie sur des données historiques pour parler de thèmes très actuels : de la sexualité à l’instrumentalisation du corps, en passant toujours par la place de la femme dans la société.

Le corps comme objet de pouvoir

Ce qui ressort avec le plus d’évidence est la mise en scène du corps, dans ce qu’il a de purement charnel mais aussi de symbolique, et, consécutivement, son instrumentalisation politique. Le corps féminin est objet de désir de la part des hommes, et de cette faiblesse masculine les femmes peuvent tirer une forme de supériorité. C’est le cas de Marie, qui domine, assume son corps jusqu’à sa nudité, et embrasse sa condition de femme à travers la grossesse ; ce n’est pas le cas d’Elisabeth, qui subit son propre corps, rongé par la maladie, toujours caché derrière des tenues sophistiquées, et pour qui l’échec à devenir mère empêche de se sentir femme (elle répète, plusieurs fois, être davantage « homme »). La grossesse est au cœur des préoccupations des personnages, sur deux modes bien distincts mais finalement indissociables. D’abord, d’un point de vue politique, puisqu’elle paraît réduite à une simple action politique et sociale (créer une descendance, consommer le mariage, être bien vue en endossant son « rôle » de mère) : Marie tombe enceinte et gagne immédiatement de l’importance ; Elisabeth échoue et son influence stagne. Mais avant de servir les intérêts des deux reines, la grossesse semble essentiellement signe d’accomplissement en tant que femme (du moins, pour ces deux personnages). Le fait de « se sentir femme » est l’obsession première d’Elisabeth, parce qu’elle n’y parvient jamais et refoule sa féminité derrière un maquillage aussi dénaturant que les constructions sociales dans lesquelles elle s’aliène. Au contraire, pour Marie, être femme paraît si naturel qu’elle n’en fait pas grand cas, se contentant de marteler son discours sur le fait d’assumer sa nature authentique et de ne pas chercher à être quelqu’un d’autre. Là est leur différence irréductible : l’une s’affirme en tant que femme et individu singulier, l’autre se refuse à elle-même et au genre féminin tout entier.

Ainsi remarque-t-on l’importance accordée à la « féminité », mais en tant qu’essence de la femme et non construction sociale décidée par les hommes – une construction que les deux reines combattent et renversent grâce au pouvoir qu’elles ont acquis. Au XVIe siècle, la femme est aussi indésirable que certaines écoles religieuses : au début du film, on peut entendre un protestant dire qu’il ne veut pas donner la couronne à Marie Stuart, autant parce qu’elle est catholique que parce qu’elle est femme. Mais celle-ci va procéder à un retournement progressif du rapport, jusqu’à une forme d’objectivation de l’homme et une libération des stéréotypes féminins. Les prétendants se multiplient, les membres de la cour se vautrent dans les racontars et les manières, son mari est alcoolique et impuissant, n’importe quel messager d’apparence sérieuse peut d’un seul coup céder à des pulsions sexuelles et partager ses plus lourds secrets ; bref, la masculinité en prend un coup et il n’y a pas un seul homme pour rattraper l’autre. Même le roi – ou plutôt, le mari de la reine – se fait renvoyer dans les cordes par Marie à l’instant où il réclame plus de pouvoir en justifiant sa demande par le fait de lui avoir donné un fils (après une scène d’amour calamiteuse) : « One minute makes not a man », répond-elle sèchement.

Josie Rourke réinvestit donc une figure féminine emblématique pour montrer à quel point les problématiques entre hommes et femmes n’ont guère changé après tant de siècles, et que c’est un combat qui traverse les époques. Elle fait de Marie Stuart une héroïne porte-étendard d’un féminisme non pas militant mais « naturel », presque inconscient, fondu dans des préoccupations politiques et historiques et ainsi d’autant plus efficace.

L’échiquier des couleurs

Puisque les deux reines polarisent l’attention des personnages qui gravitent autour d’elles, Josie Rourke se donne les moyens pour transposer cette attention du côté du spectateur. Ainsi les travellings arrières se multiplient lorsque l’une d’elles se déplace, comme si la caméra – et donc le spectateur – étaient forcés de reculer pour les laisser passer. Les hommes de la cour sont souvent envoyés en bordure de cadre lors de ces mouvements, soulignant l’autorité de ces femmes qui ont la mainmise sur le destin de leurs sujets. À cela s’ajoute l’utilisation constante de la contre-plongée pour filmer les visages graves d’Elisabeth ou Marie, leur donnant de la hauteur et supériorité face aux hommes constamment rabaissés par les cadrages, qui ne font qu’illustrer la bassesse de leurs agissements.

Josie Rourke travaille au maximum l’effet de rupture entre les deux personnages féminins et les hordes d’hommes, flagorneurs ou traîtres, qui s’amoncellent à leurs pieds. Les costumes sont pensés en conséquence : aux couleurs ternes et noirâtres des tenues des hommes, répond le rouge vif, le bleu lapis-lazuli ou le jaune floral des robes portées par les deux reines. Et au cinéma, les couleurs ne sont jamais choisies par hasard. Marie Stuart est vêtue de blanc lors de son arrivée en Écosse à dix-huit ans, symbolisant la pureté de son corps comme de ses convictions profondément diplomates. Puis elle s’affirme progressivement et abandonne la candeur du blanc pour la loyauté et la sincérité véhiculées par le bleu : elle tient alors des discours sur le fait d’assumer sa nature, ses orientations sexuelles, sa personnalité authentique, et renforce son amitié avec ses suivantes et le barde italien. Pendant ce temps, le jaune fait de brèves apparitions, notamment lors d’une scène de nuit de noces dont la couleur fait transparaître toute la gêne et le caractère forcé (car politique) de l’union. L’ultime robe, celle entrevue lors du prologue annonçant le destin funeste de Marie Stuart, est d’un rouge éclatant volontairement contradictoire avec la situation : Marie est sur le point d’être mise à mort, et pourtant elle arbore la couleur de la passion, du triomphe, de l’ardeur ; mais ce n’est pas si paradoxal que cela quand on comprend à la fin du film que, malgré son triste sort, elle a au fond accompli sa tâche ici-bas et laisse à son fils l’opportunité de la parachever.

Voilure et dévoilement

S’il fallait retenir une seule scène, ce serait sans doute la rencontre tant attendue entre Marie et Elisabeth, dans une bâtisse perdue au fond d’une clairière ; une séquence forte émotionnellement et symboliquement, qui par l’isolement géographique met un point d’orgue à la démonstration de leur profonde solitude au milieu de ce monde d’hommes. Après le jeu du chat et de la souris auquel les deux femmes se sont vouées, par lettres interposées, messagers ou espions, la rencontre physique se veut hautement sacrée. Pourtant, le résultat n’est autre qu’une démythification totale de chacune d’elle à travers les yeux de l’autre : Marie Stuart découvre que le reine tyrannique et autoritaire est en réalité une femme fragile psychologiquement et rongée physiquement par la variole ; Elisabeth s’effondre devant la beauté juvénile de sa cousine dont elle avait eu vent maintes fois mais qu’elle espérait encore, au fond d’elle et par jalousie, être moins rayonnante que ce qu’elle imaginait.

Au travers des draps blancs suspendus, que les deux reines écartent tels les derniers lambeaux de pureté encore présents dans ce bas-monde, l’idée de « dévoilement » ressort inévitablement : elles font tomber ces draps à mesure qu’elles se mettent à nue devant l’autre, d’abord par la parole, ensuite littéralement lorsque Elisabeth retire sa perruque. Un dévoilement à deux vitesses, puisque Marie apparaît sans atours, presque décoiffée et dans une tenue très simple, là où le corps d’Elisabeth est enfermé derrière de faux cheveux, un maquillage outrancier et une robe ostentatoire. En une scène, toute l’hypocrisie et le refoulement quasi-pathologique d’Elisabeth sont matérialisés et la reine se prend de plein fouet l’authenticité fougueuse d’une Marie fidèle à elle-même. On pourrait même interpréter l’échec de cette mise à nue d’Elisabeth comme annonciatrice de la trahison future, et du fait qu’elle n’aura jamais réussi à s’accepter en tant que femme. Quoiqu’il en soit, si cette scène de rencontre est aussi puissante, c’est aussi et surtout grâce au jeu de Saoirse Ronan et de Margot Robbie qui éclaboussent tout le film de leur talent.

Si Marie Stuart, Reine d’Écosse n’est pas exempt de tout reproche, à cause d’un rythme inégal, d’une réalisation parfois insipide et d’enjeux qui manquent d’envergure (même si cela permet, en contre-partie, de s’attarder sur les préoccupations individuelles et plus humaines des deux protagonistes), et sera peut-être un peu oublié par le public, il n’en demeure pas moins une proposition thématiquement passionnante, qui vaut davantage pour ce que sa réalisatrice a à cœur de dire de la place de la femme dans le monde que pour son historicité finalement très secondaire. Un film plus actuel que d’époque, malgré le personnage et les événements racontés qui servent un message éminemment moderne, mais dont les racines ne datent malheureusement pas d’hier.

Bande-annonce – Marie Stuart, Reine d’Écosse

Fiche technique – Marie Stuart, Reine d’Écosse

Titre original : Mary Queen of Scots
Réalisation : Josie Rourke
Distribution : Saoirse Ronan, Margot Robbie, Guy Pierce, David Tennant, Jack Lowden
Scénario : Beau Willimon, d’après Queen of Scots: The True Life of Mary Stuart de John Guy
Photographie : John Mathieson
Musique : Max Richter
Sociétés de production : Focus Features, Working Title Films, Perfect World Pictures
Pays d’origine : Royaume-Unis
Genre : Biopic, Drame
Durée : 125 minutes
Dates de sortie : 15 novembre 2018 (US), 27 février 2019 (FR)

Nous sommes en 1983 et la comédie familiale qui sort ce mercredi est si transgressive ! Pete (Mark Walhberg) et Ellie (Rose Byrne) rénovent des maisons et se voient pousser des envies de famille par la grâce d’une improbable succession de vannes lourdes : elle ne sait pas si elle veut des enfants, lui se trouve trop vieux pour en avoir. Alors, sacré blagueur, il lui propose d’en adopter un âgé déjà de cinq ans pour antidater sa déclaration de papa trentenaire. Un blanc, et hop ! Le film est lancé. Un prologue en guise de prévention très efficace : faites gaffe aux mauvais scripts sur la route, c’est hyper dangereux. Et ça dure presque deux heures. L’année ? Quoi l’année ?

On se lance, soyez vifs, la mode est aux tutos à la télé : on apprend la cuisine, le bricolage, le jardinage, Stéphane Plaza est plus connu que le ministre du logement et aux États-Unis, là où tout a commencé, c’est pareil. On a des programmes sur tout pour apprendre à tout faire pour les grands, y compris tout casser dans des vieilles baraques pour se faire des millions en les retapant. Cela doit s’appeler les Démolisseurs de l’extrême, d’ailleurs peu importe le nom, car la filiation est évidemment marquée avec l’activité de nos deux personnages principaux. Et oui, Pete et Ellie cassent des trucs, achètent des masures (sans Bruno) et se font des ronds pour notamment acheter des chemises à carreaux et des pulls moulants à Pete (pour les pulls, cf. Mark Wahlberg dans Transformers 5). Bon, à part cela, ils achètent d’autres trucs utiles : un air charmant/mélancolique à Ellie, qui marche à chaque film, un bouvier bernois, une grande maison et plein de produits finement placés qui financent le budget à eux tous seuls : brefs, ce sont des bourgeois. Ces espèces ne sont pas bien dangereuses quand on est prévenus, mais ce petit détail interpelle pour la suite du film, lorsque le spectateur comprend assez tôt qu’il ne sera pas question de parenté tardive, un sujet qui mériterait une vraie comédie à la Judd Appatow, mais bel et bien d’adoption.

C’est marqué sur la notice : Pete et Ellie veulent devenir une famille. A elle seule, cette phrase fait date. Elle sonne vaguement poétique, mais elle rappelle le questionnement premier d’un cinéaste qui s’amuse depuis le début des années 2010 à faire le con avec cette sacrée famille. Mieux que La Famille en or, Sean Anders enchaîne Les Miller, Une famille en herbe (2013), Very Bad dads 1 et 2 et le prophète Allociné mentionne même un improbable « Mean Moms » (méchantes mamans). Dans un monde parfait, on aurait un réalisateur qui se questionne sur la cellule familiale avec un esprit savant, en refondant de nouvelles bases pour la comédie et l’humour à l’américaine. Dans le pire, on a un gars avec autant de crédibilité que Rose Byrne en bricoleuse pour monter des films jetables dans ce qui ressemble à un filon. Ce questionnement peut paraître injuste, surtout de la part de quelqu’un qui n’avait pas vu un seul film de Sean Anders avant celui-ci. Alors, de l’indulgence est nécessaire. Pour deux raisons. Mark Walhberg est un des acteurs les plus cools de sa génération, pour autant que ce mot ait encore un sens. La moitié de la planète en âge de procréer est amoureuse de Rose Byrne.

Emballez, c’est pesé : nous voici à une réunion d’apprentis parents, devant deux assistantes sociales. Elles rappellent que les bonnes volontés doivent se confronter à un mur : les enfants placés ont des profils très particuliers. Leur parcours de vie, difficile, oscille entre la progéniture abandonnée par un apprenti Pablo Escobar et les trois nourrissons élevés dans une cave à Meth. De quoi rendre super Nanny super furax chez nous, avant qu’un producteur lui consacre un film.

Trêve de bonnes intentions, la comédie que nous voyons cherche à s’ancrer dans un réel qu’il est nécessaire de rappeler, par petites touches. L’Amérique se questionne sur ses racines, sa culture, son melting pot grippé, comme tout pays d’accueil. La plupart des familles d’accueil potentielles sont des blancs, de la upper class. De quoi promettre des vannes tirant vers la finesse pour mettre en perspective cette société de tonton Donald Trump. La cellule familiale est ainsi un laboratoire délicat à manier pour étudier et comprendre le Monde qui nous entoure. Cela est fait à chaque événement, chaque film et chaque période, mais ici la démarche devient le film en soi. Tout l’intérêt est donc de percevoir sous quel ton ? Ironique, conventionnel ? Assez rapidement, un indice permet de le percevoir. Dans le panel des familles d’accueil, un échantillon parfait du politiquement correct qui réussit à être encore plus artificiel que dans un quartier des Sims 4. Soit : un couple Wasp (nos deux héros), une working girl glaciale, un couple homo et un couple mixte. Tout le monde en a pour son argent ? La famille d’accueil modèle, dans cette vraie première scène, est latino. Allez, je vous l’accorde, il manque une famille asiatique. On était presque complets.

L’humour reste un domaine d’équilibriste, en particulier au cinéma. Il suffit de présenter Dumb et Dumber comme votre film préféré lors de votre première soirée dans votre belle famille pour comprendre de quoi je parle. Mais tout est possible avec du talent et de l’audace. On a réussi à rire en France avec l’antisémitisme grâce à Rabbi Jacob et beaucoup de cinéastes manient à la perfection le cynisme délirant, dont Les rois du désert (David O Russell, 1999) et plus récemment Thank You For Smoking (Jason Reitman, 2005) pourraient être de bons étalons. Le pari de réussir une comédie caustique est lancé, quand nos héros craquent sur une jeune adolescente latino de 15 ans, Lizzie, dans une sorte de marché ouvert où les adoptants chassent les candidats à l’adoption dans la seule vraie scène border line du film. Dans cet esprit, elle apparaît comme la plus désopilante. Mais comme si elle était la seule rescapée d’un script assez inégal écrit et réécrit dix ou vingt fois, elle sera la seule vraie scène questionnant le fond du pitch de départ. Pourquoi adopter ? Pourquoi le faire comme ceci ? Pourquoi montrer l’adoption d’enfants dans ce cadre, loin de celles hyper médiatisées des stars hollywoodiennes ?

Comme un placement produit raté, le souffle retombe alors, pour orienter le récit et l’esprit du film vers des coins plus lénifiants. Pourtant, de belles bonnes idées se perdent en route. Questionner les États-Unis sur leur politique d’immigration, quand les enfants sont latinos et parlent espagnol entre eux. C’est déjà fait, vu et revu, mais pourquoi pas ? Creuser ce rejet inévitable des enfants envers leur famille d’accueil et vice versa : le sujet est évoqué le temps de deux répliques et est évacué. Jouer à creuser la toile de fond maintes fois évoquée, l’enfance terrible de nos trois rejetons adoptés. Mais le script se met petit à petit au diapason des images, de cette esthétique propre et lissée des belles banlieues américaines. Un soap ressemblant visuellement trait pour trait à Desperate Housewives, la causticité en moins. Certains les aiment. Des chaînes achètent ces fictions pour combler leurs cases vides de l’après-midi. Mais leur consommation interpelle : il semble qu’on pourrait en binge-watcher dix heures sans arriver à les distinguer les unes des autres. Les interférences de blagues de mauvais esprit ne changent qu’assez peu la donne, qui est comblée par une scène de fin qui serait indigne même pour L’arme fatale 4.

La comédie familiale est revenue comme une bonne popote qu’on mange à la cantine. Sauf qu’à la cantine, pas de mauvaise surprise : personne ne vient me promettre un Burger King (admirez ce subtil placement de produit, et je ne touche même pas de sous pour ça). La bande-annonce et les dix premières minutes annonçaient un ton, le reste du film le balaie avec plus de vigueur encore qu’un Rian Johnson contre l’épisode 7. Certains trouvent ça flippant, d’autres aiment beaucoup. À vous de choisir votre famille.

Apprentis Parents : Bande-Annonce

Apprentis Parents : Fiche Technique

Titre original : Instant Family
Réalisation : Sean Anders
Scénario : Sean Anders et John Morris
Interprétation : Mark Wahlberg, Rose Byrne, Isabela Moner, Gustavo Quiroz, Julianna Gamiz, Octavia Spencer
Musique : Michael Andrews
Photographie : Brett Pawlak
Montage : Brad Willhite
Décors : Clayton Hartley
Production : Sean Anders, John Morris, Mark Wahlberg, David Womack et Stephen Levinson
Sociétés de production : Closest to the Hole Productions
Sociétés de distribution : Paramount Pictures
Budget : 48 millions $
Genre : comédie dramatique
Durée : 119 minutes
Date de sortie : 27 février 2019

La meilleure blague de Sang Froid est d’avoir appelé son héros Coxmam (traduit Darman en VF). Voilà le niveau à laquelle est contraint Hans Petter Moland, dont les réalisations norvégiennes étaient pourtant mordantes. Il a néanmoins pu filmer certaines scènes d’action de façon à faire de son premier film américain un exutoire qui réjouira les fans de Liam Neeson.

Il a promis que ce serait la dernière fois qu’il tue tout le monde. Il faut dire qu’en moins de dix ans, celui dont on aimerait retenir de la carrière foisonnante ses collaborations avec Steven Spielberg (La Liste de Schindler), Martin Scorcese (Silence), Christopher Nolan (Batman Begins) ou même Sam Raimi (Darkman), s’est imposé comme l’inévitable acteur pour ces personnages de M. Tout-le-monde apte à se transformer en machine à tuer. En lui faisant usurper à Bruce Willis et Steven Seagal la place d’héritier de Charles Bronson, le rôle que Liam Neeson de Taken a-t-il ruiné la carrière à cet ancien comédien de théâtre shakespearien ? Là n’est pas la question… ni même de savoir s’il lui a permis de vivre plus facilement sa crise de la soixantaine.

Aujourd’hui, le voir dans un tel rôle, celui d’un père qui s’apprête à déclencher une violence meurtrière après que l’on s’en est pris à son fils, n’a strictement plus rien d’engageant. Et le piètre travail d’Olivier Megaton sur Taken 3 rend même désormais cela décourageant. C’est donc davantage le nom du réalisateur qui peut susciter un tant soit peu d’attraction à la vue de ce nouveau projet. Quiconque connait le travail de Hans Petter Moland, sait qu’il est bien plus capable que la majorité des cinéastes (et en particulier de ceux de l’écurie Europacorp) de filmer la violence en y mêlant un peu de légèreté mais aussi un arrière-gout bien à lui. Cet esprit typiquement scandinave avait, en 2014,  fait de Refroidis une série B à l’univers visuel singulier, et au ton mordant loin de celui des actionners impersonnels hollywoodiens. Ainsi, le voir « auto-remaker » son film avait de quoi rendre curieux du résultat.

L’un des partis-pris qui fait de Sang Froid un film à part parmi les revenge-movie portés par Liam Neeson, c’est assurément que celui-ci n’y est pas filmé comme un surhomme – en dehors de quelques effets de ralentis lourdauds dont on soupçonne qu’ils aient été posés là par les producteurs au moment du montage. Sans jamais parvenir à réitérer l’esprit singulièrement corrosif de Refroidis, le scénario tente une approche qui rappelle davantage un humour plus convenu, en particulier celui de l’anglais Guy Ritchie qui s’est fait connaitre pour son gout des personnages secondaires hauts en couleur. Toutefois, le jeu des acteurs ne permet à aucun moment à ce que le panel de criminels en anorak, tel que Moland l’avait imaginé, accède à ce potentiel comique qui faisait de l’original un film insolite.

A défaut de cet humour décalé, noyé sous une surdose de conformisme pompeux, il faut uniquement compter sur certaines scènes d’action, filmées comme des gags, tandis que les dialogues sont davantage captés comme de purs défouloirs violents, pour rendre l’ensemble délirant, à sa façon. C’est donc finalement davantage la mise en scène que l’écriture du réalisateur qui permettra à cette énième quête de vengeance de Liam Neeson de sortir un petit peu du lot : on sait toujours à l’avance ce qui va se passer mais on se surprend parfois à s’amuser que cela apparaisse à l’écran aussi brutalement. Ceci dit, le manque d’énergie qu’y mettent les membres du casting (si vous espérez voir Laura Dern réitérer ses grandes performances d’antan, rebroussez chemin !) ne rend mémorable aucun de ces passages qui se voudraient tarantinesques. On peut donc se rassurer en se disant que ça aurait pu être pire, mais il est tout aussi vrai que ça aurait pu être bien mieux… l’éternel verre à moitié plein en somme.

Bande-annonce : Sang Froid

Fiche technique : Sang Froid

Réalisation : Hans Petter Moland
Interprétation : Liam Neeson, Tom Bateman, Tom Jackson, Emmy Rossum, Julia Jones, Laura Dern…
Image : Philip Øgaard
Montage : Nicolaj Monberg
Sociétés de distribution : StudioCanal
Genre : Action
Durée : 119 minutes
Dates de sortie : 27 février 2019

Liberté. Un mot qui perd son sens et devient un prétexte à filmer tout ce que l’on veut dans un contexte déjà chaotique. Paris est à nous, c’est ça, un film qui se veut loin de toutes contraintes pour retranscrire une réalité chamboulée dans une France qui n’avait nul besoin de cette mise en scène.

Filmer Paris est un privilège, les parisiens seront d’ailleurs ravis de voir tous ces lieux de la vie parisienne à l’écran mais malheureusement l’idée s’arrête là. De Montmartre à République, la caméra déambule aléatoirement dans les rues sans savoir filmer ses acteurs. Les images sont belles, la lumière parfaite mais hormis l’esthétisme qui retient un peu l’œil, qu’est-ce que l’on retient du film ? Son vide, son discours vain et ses fausses notes qui s’accumulent. Le film prend aux plus grands réalisateurs pour servir un ramassis de raté. Il ne sert à rien d’essayer d’imiter le génie de Terrence Malick ou de Gaspard Noé quand on ne l’est pas. Faire valser la caméra au son de dialogues pseudo philosophiques qui ne proposent rien d’autres que du vent, auxquels on ne croit pas une seconde. Faire une voix off semblable à un slam de Fauve quand on n’y sent aucune sincérité. Aimer la France de la liberté est une bonne chose, mais savoir la sublimer est une tâche bien différente et plus complexe où la démarche artistique doit être aussi bien dans le sens visuel que dans celui de l’écriture. Le scénario est ici totalement absent et les néons mêlés aux musiques réussies de Laurent Garnier et Jean Charles Bastion ne suffisent pas à faire un bon film.

User de l’Histoire française moderne pour rendre compte d’une génération nouvelle, perdue mais sans cesse en quête de liberté était une base intéressante sauf quand l’instrumentalisation d’événements tragiques est plus que bancale. Charlie Hebdo, Nuit Debout, les attentats du Bataclan, la police partout et même un hommage à Johnny sous fond de discours du Président, ah oui la France change. La société évolue et les sentiments de ses habitants aussi, le tournant dans lequel nous nous trouvons actuellement a tout le mérite d’inspirer les artistes et de créer en même temps qu’une nouvelle génération, un nouvel art dans une nouvelle ère. Mais il ne faut pas tout bousculer, pas tout changer si l’on veut rester efficace. Ce qui part d’une idée jeune, novatrice et belle s’avère être un film pénible et raté où le jeu est faux au possible. On l’aurait pardonné si ça avait été un court-métrage étudiant et non un film diffusé par Netflix. Comment peut on espérer maintenir le cinéma français en éveil avec ce genre de films ? À l’heure de la nouvelle génération de cinéastes émergeant qui prouvent que justement, il y en a encore en réserve et que la relève est présente, Netflix diffuse les caprices d’une bande de potes comme premier film français de la plateforme.

On ne peut pas se vanter de faire du cinéma avec rien et ne rien faire. Ah oui c’est sûr, il y a une proposition, artistique ça reste encore à prouver mais commerciale en tout cas. Paris est à nous, est à vous, est à tous. S’affranchir des règles de tournage en refusant d’attendre les autorisations, frein à bon nombre de réalisations, est un risque qu’il fallait prendre. En revanche, non, les visages de tous ces gens filmés sans autorisation ne vous appartiennent pas et faire un film qui parle de liberté quand on oublie les simples droits individuels, c’est un peu culotté. De la manipulation ? On ira peut-être pas jusque là mais Paris est à nous est problématique dans un grand nombre de choses. L’audace n’apporte pas toujours un résultat satisfaisant.

Paris est à nous : Bande-annonce

Paris est à nous : Fiche Technique

Réalisation : Elisabeth Vogler
Scénario : Elisabeth Vogler, Remi Bassaler, Paul Saisset, Souliman Schelfout
Interprétation : Noémie Schmidt, Grégoire Isvarine, Marie Mottet
Producteur(s): Olivier Capelli, Laurent Rochette,
Distributeur: Netflix
Budget  : 91 000 €
Durée : 1H23
Genre : drame
Date de sortie : 22 février 2019
France – 2018

Dans le monde étrange de Jessica Forever, où les figurants sont aussi introuvables que les expressions sur le visage des acteurs, il est légitime de se demander qui sont ces jeunes qui s’entrainent entre eux au maniement des armes. Pas de chance : les réalisateurs n’ont, semble-t-il, jamais eu l’idée d’apporter une réponse cohérente à cette question.

Si vous faites partie de cette génération d’adolescents à qui les armures de paintball inspirent un relent de testostérone, c’est probablement à vous qu’ont pensé Jonathan Vinel et Caroline Poggi en imaginant leur film. Ces costumes improbables et ultra-kitsch sont en effet les plus marquants parmi les rares éléments de la direction artistique qui caractérisent cet univers post-apocalyptique superficiel qui ressemble davantage aux décors d’un épisode de Plus Belle la Vie qu’à ceux d’un Mad Max. L’unique argument qui vient, soi-disant, alimenter le genre science-fictionnel est en fait les nuées de drones mitrailleurs contre lesquels s’entraine le groupe de héros. Ces antagonistes, qui apparaissent via des incrustations numériques exécrables, manquent à ce point de caractérisation (qui sont-ils ? pourquoi sont-ils si méchants ? on n’en saura jamais rien) qu’ils ne font que renforcer la puérilité du récit. Et ce n’est certainement pas en se concentrant sur les gentils orphelins survivalistes que l’on pourra espérer trouver une once de maturité dans ce scénario futile.

La caractérisation des jeunes héros se limite en effet à deux traits, eux-mêmes très légers : leur esprit d’équipe et leur fascination pour Jessica, leur leader. On n’en saura, là encore, jamais davantage, sur ces personnages, pas même sur le passé de Jessica. Le long-métrage se contente de nous les faire observer dans leur quotidien, mais sans jamais se donner la peine de développer une intrigue qui sache les rendre un tant soit peu attachants. La plupart des scènes ne sont d’ailleurs que l’occasion de les voir dans des situations improbables, bien souvent illustrées par des effets spéciaux d’une si piètre qualité que l’amateurisme de la réalisation n’en est que plus criante. Pire encore, la direction d’acteurs, qui limite leur jeu à une parfaite inexpressivité, rend chacun des personnages terriblement insupportable. Certains des acteurs – dont Aomi Muyock, dans le rôle-titre, découverte dans le Love de Gaspar Noé, ou Paul Hamy, que l’on a notamment vu dans Mon Roi ou Un Français – ont pourtant déjà prouvé qu’ils pouvaient donner corps à leurs personnages, ce qui rend ici leur contre-performance encore plus frustrante.

Comme souvent face à une telle fable fantastique, on aurait aimé y trouver une quelconque métaphore sociétale. Tout ce que peut en tirer, c’est l’ostracisation que prônent les membres de ce groupe de guerriers et le culte de la personnalité qu’ils vouent à leur commandante, qui tous deux relèvent d’un mode de vie sectaire et violent qu’il ne vaut mieux pas prendre pour modèle. Si encore Jessica Forever avait su mieux exploiter la dimension spirituelle qui unit ses personnages, ces quelques scènes de rituels auraient semblé moins superficielles. Mais, plutôt que chercher à approfondir leurs quelques lignes de scénario, les jeunes réalisateurs ont préféré multiplier les effets tape-à-l’œil les plus lourdauds, ce qui limite le résultat final à un long-métrage parfaitement similaire à un banal exercice de fin d’études. 

Synopsis : Jessica est une reine mais elle pourrait aussi bien être un chevalier, une mère, une magicienne, une déesse ou une star.
Jessica, c’est surtout celle qui a sauvé tous ces enfants perdus, ces garçons solitaires, orphelins et persécutés qui n’ont jamais connu l’amour et qui sont devenus des monstres.
Ensemble, ils forment une famille et cherchent à créer un monde dans lequel ils auront le droit de rester vivants.

Jessica Forever : Extrait

https://youtu.be/1CRixFHXLPc

Jessica Forever : Fiche technique

Réalisation : Jonathan Vinel et Caroline Poggi
Interprétation : Aomi Muyock, Sebastian Urzendowsky, Augustin Raguenet, Eddy Suiveng, Lukas Ionesco, Maya Coline Paul Hamy, Angelina Woreth, Theo Costa Marini, Florian Kiniffo, Ymanol Perset, Jordan Klioua, Franck Falise, Jean-Marie Pittilloni
Image : Marine Atlan
Montage : Vincent Tricon
Sociétés de distribution : Le Pacte
Genre : Science-fiction
Durée : 97 minutes
Dates de sortie : 1er mai 2019