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Le jeune réalisateur singapourien Anthony Chen, Caméra d’Or à Cannes en 2013 pour un Ilo Ilo qui nous avait laissé un bon souvenir, est de retour avec son deuxième long-métrage, Wet Season, sur une professeure de chinois délaissée par son mari et se rapprochant d’un de ses étudiants. Si l’on apprécie toujours de découvrir des films venus de pays traditionnellement peu représentés au cinéma, on ne peut qu’être déçu par cette histoire somme toute banale, écrite et filmée avec beaucoup trop de précaution pour espérer toucher le spectateur.

Commençons cette critique, une fois n’est pas coutume, par un petit peu de géographie. Singapour est une cité-Etat de 720km², coincée sur quelques îles entre la pointe sud de la Malaisie continentale et l’archipel indonésien. Ancienne colonie britannique, elle fit brièvement partie de la Malaisie, avant d’en être exclue en 1965, obtenant alors son indépendance. Sa démographie contemporaine reflète son histoire compliquée : environ les trois quarts de la population sont ethniquement chinois, contre seulement 13% de Malais, tandis que le reste se partage entre Indiens et Eurasiens. Quatre langues y sont officielles : l’anglais, le mandarin, le malais et le tamil, les deux premières étant parlées chacune par un gros tiers de la population. Mais le taux d’anglophones a doublé durant les trente dernières années, en raison de l’incitation du gouvernement singapourien à utiliser ce langage plutôt que le chinois. La scolarité y est désormais entièrement en anglais, à l’exception des cours de chinois. D’où le paradoxe d’une population majoritairement chinoise de moins en moins sinophone. Conséquence surprenante : la moitié des professeurs de chinois à Singapour sont… malais.

On en arrive à Wet Season et au personnage de Ling, jeune quadragénaire, de nationalité malaisienne, enseignante de chinois dans un lycée de garçons, et mariée à un Singapourien prénommé Andrew. On le devine, Ling est ostracisée à plus d’un titre : elle est une femme dans un environnement masculin, la représentante d’une minorité ethnique dans un pays pas très tolérant, et l’enseignante d’une langue dont ce même pays ne voit plus trop l’utilité. Comme un malheur n’arrive jamais seul, sa situation familiale ne compense pas vraiment sa situation professionnelle : Ling tente vainement de tomber enceinte depuis huit ans, a affaire à un mari perpétuellement indifférent et absent, et doit de plus s’occuper d’un beau-père infirme, lequel constitue de fait sa seule source d’attachement à son foyer. C’est alors qu’elle se rapproche de Wei Lun, un de ses élèves à qui elle commence à donner des cours de rattrapage. Les parents du lycéen sont encore plus absents que le mari de l’enseignante (on ne les verra jamais), et il ne fait aucun doute que le jeune homme est plus intéressé par sa jolie professeure que par une hypothétique maîtrise de la langue chinoise.

De cette situation pas follement originale, Anthony Chen ne tire malheureusement pas grand chose. Le personnage de Wei Lun n’est pas suffisamment développé pour qu’on s’y intéresse plus que ça, seulement défini par l’absence de sa famille, sa passion pour les arts martiaux et son attirance pour Ling. Pas totalement inconsciente des regards que lui porte le jeune homme, elle semble dans un premier temps persister à le voir comme un fils de substitution (ironiquement, les deux interprètes étaient au demeurant mère et fils dans Ilo Ilo, le premier film d’Anthony Chen). Son trouble ne se communique toutefois jamais au spectateur, pas plus d’ailleurs qu’aucune autre émotion. On peut certes légitimement supposer que la société singapourienne n’encourage pas vraiment la manifestation de sentiments violents. Le réalisateur reste donc mesuré en toutes circonstances, ce qui se traduit à l’écran par une mise en scène discrète et une image grisâtre renforcée par la mousson qui s’abat sur la ville, si bien qu’on ne comprend pas plus pourquoi Ling reste avec son mari que la raison pour laquelle elle se laisse approcher par Wei Lun, ce qui constitue deux impasses. La scène de passage à l’acte, qui prend son temps pour arriver, est à ce titre d’une froideur particulièrement anti-érotique. Quant au climax, dernière étreinte passionnée sous un rideau de pluie, il apparaît comme gentiment téléphoné, représentant typiquement le genre de scène dont on a toujours l’impression qu’elle ne se voit qu’au cinéma.

Si la chair est triste dans Wet Season, on ne peut pas vraiment se consoler sur la composante sociale du film. La grande qualité d’Ilo Ilo se trouvait dans son regard critique sur l’exploitation des femmes venues des Philippines s’occuper des petits Singapouriens des classes moyennes et supérieures (profitons-en pour caser qu’un Singapourien sur sept est… millionnaire). L’action se déroulait dans les années 90, période faste pour le capitalisme. Ce dernier est toujours présent en toile de fond dans Wet Season avec le personnage d’Andrew, en apparence plus préoccupé par le cours de la livre sterling que par sa femme, même si Ling comprend rapidement que les absences de son mari s’expliquent de manière beaucoup plus terre-à-terre. Ce qui laisse peu de place pour la critique sociale.

Le rapport de Ling à la Malaisie est un autre point mort du film. Elle en reçoit des nouvelles de trois manières. Premièrement, par la radio et la télé singapouriennes, qui soulignent régulièrement les troubles agitant le pays voisin. Deuxièmement, par des coups de téléphone à sa mère, à la fois portée sur les croyances traditionnelles et consciente de la nécessité pour les Malaisiens de tenter leur chance à Singapour. Troisièmement, par son frère, qui vient régulièrement lui emprunter de l’argent. Ces trois sources, complémentaires s’il s’agit d’analyser les rapports entre les deux pays, ne laissent cependant que peu d’indices sur ce que pense Ling de la Malaisie, si bien que la fin, avec ses promesses de nouveau départ, arrive comme un cheveu sur la soupe.

En somme, si on dispose de beaucoup plus d’informations sur Ling que sur Wei Lan, elle n’en demeure pas moins une inconnue à la fin du film. On sait ce qui lui arrive, mais on ne sait pas vraiment comment elle le vit. Montrer un personnage en train de pleurer, comme Anthony Chen le fait à plusieurs reprises, est rarement un bon moyen de communiquer une émotion au spectateur. L’occasion d’éprouver de l’empathie ne nous étant pas donnée, l’intérêt qu’on accorde au film ne dépasse guère celui de la curiosité pour un objet venu d’un pays exotique, ce que Singapour, de par son histoire entre capitalisme britannique et diverses influences asiatiques, est assurément. Mais pour cela, on aurait pu se contenter du numéro de l’excellente émission d’Arte, « Le Dessous des Cartes », qui lui est consacré.

Wet Season : Bande-annonce

Fiche technique – Wet Season

Réalisation, scénario et production : Anthony Chen
Avec : Yeo Yann Yann, Koh Jia Ler, Christopher Lee, Yang Shi Bin
Photographie : Sam Care
Son : Kuo Li Chi, Zhe Wu
Montage : Hoping Chen, Joanne Cheong
Distributeur : Epicentre Films
Durée : 1h43
Genre : Drame
Sortie française : 19 février 2020
Singapour / Taïwan (2019)

Jusqu’au bout. Après nous avoir embarqué dans de flamboyants mélodrames, Todd Haynes change de registre avec son nouveau film Dark Waters, un thriller d’investigation sur l’affaire DuPont et le scandale du Téflon. Une reconversion gagnante pour une œuvre brillante en tout point.

Avocat spécialisé dans la défense des industries chimiques, Robert Bilott va être interpellé par un paysan sur la supposée pollution générée par DuPont, un puissant groupe chimique et premier employeur en Virginie. Afin de lever le voile sur les agissements du groupe, Robert Bilott ira jusqu’au bout de ses convictions, quitte à mettre en branle sa carrière, sa famille et même sa propre vie…

La quête militante de Todd Haynes

De ce postulat de départ tiré d’une histoire vraie, Todd Haynes ne va pas déroger au cahier des charges du thriller d’investigation. Il va foncer, à corps perdu, dans l’obstination de son personnage et ainsi, nous raconter sa vision du monde libéral contemporain. Et spoiler : c’est pas joli-joli.

En 2012, Gus Van Sant réalisait Promised Land, un pamphlet contre l’exploitation du gaz de schiste. Un scénario proposé par Matt Damon dans lequel le cinéaste américain mettra son style et son cinéma subtilement en retrait pour un film de dénonciation juste et incarné. Avec Dark Waters, le cas de figure est similaire. C’est Mark Ruffalo, tête d’affiche du film, qui proposa à Todd Haynes de réaliser le film. Un choix étonnant lorsque l’on regarde la filmographie d’un cinéaste avide de mélodrames (Loin du paradis, Mildred Pierce, Carol) et de projets ambitieux et décalés (Velvet Goldmine, I’m not there). Pas pour l’intéressé, qui s’avérait être « un grand fan du cinéma de dénonciation », comprenez Klute, Les Hommes du Président, Révélations…

Le genre est surtout l’opportunité pour Todd Haynes de dévoiler une critique virulente du système libéral capitaliste à travers ses plus gros représentants, qui au nom d’intérêts économiques privés, n’a de cesse d’empoisonner les populations du monde entier, avec un cynisme des plus cliniques. On ne sait pas si Haynes s’identifie à son personnage mais il est certain qu’il y projette cette part de courage insensé et cette détermination au-delà de l’entendement. Un héros de l’ombre, aujourd’hui qui retrouve de la lumière.

« Dans Dark Waters, ce qui au départ se présente comme une contamination régionale et nationale de l’air et de l’eau se transforme en une contamination mondiale du système sanguin – marquant ainsi notre interdépendance en tant qu’habitants de la planète, sinon en tant que victimes des systèmes capitalistes et idéologiques. Mais dans cette épouvantable catastrophe provoquée par l’homme, nous sommes inéluctablement liés par un sort commun et c’est notre conscience de ce qui s’est passé qui nous lie les uns aux autres, comme Rob à Wilbur […] dans ce qui est à la fois un combat sans fin pour la justice et pour notre propre survie. » Todd Haynes

L’exigence formelle

Au même rang que ses récents et illustres prédécesseurs comme Spotlight ou Pentagon Papers, Todd Haynes livre un film tenu, abouti et extrêmement bien dosé dans lequel on retrouve l’exigence esthétique et formelle d’un cinéaste passionnant. L’enjeu est toujours de taille lorsque l’on aborde un genre très codifié, qui laisse peu de marge à l’innovation. Et rendre captivant une histoire s’étalant sur plusieurs décennies constituait une autre paire de manches.

Le cinéaste semble plus en retenue dans l’investissement artistique du film. On retrouve cependant cette obsession pour le cadre, toujours d’une grande justesse, ainsi que le travail méticuleux de la reconstitution. Le style Haynesien se trouve dans la minutie des détails : des coiffures aux tapisseries. Pour Dark Waters, le cinéaste américain a poursuivi sa collaboration avec le chef-opérateur Edward Lachman, qu’il retrouve après Loin du Paradis et Carol. La lumière, autre force du cinéma de Haynes, contribue à l’atmosphère froide et âpre d’un hiver américain. Elles mettent en valeur la nuance sur les couleurs grisâtres qui donnent du relief à ce récit classique, au sens noble du terme. Le résultat est saisissant. Une nouvelle histoire de David contre Goliath mais avec les temps qui courent, l’espoir est toujours le bienvenu.

Dark Waters – Fiche technique

Réalisateur : Todd Haynes
Scénario : Matthew Carnahan, Mario Correa, Nathaniel Rich
Interprétation : Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Tim Robbins, Bill Camp
Photographie : Edward Lachman
Montage : Joe Murphy
Musique : Marcelo Zarvos
Producteurs : Christine Vachon, Pamela Koffler, Jeff Skoll, Mark Ruffalo
Distribution (France) : Le Pacte
Durée : 127 min.
Genre : Drame | Biopic
Date de sortie : 26 février 2020
Etats-Unis– 2020

Vaste pantalonnade aux images de synthèse surfabriquées, Le Voyage du Dr Dolittle mis en scène par Stephen Gaghan est engoncé dans son étui de blockbuster amorphe. La prestation décousue de Robert Downey Jr. en ermite excentrique et bougon ne sauve pas cette superproduction Universal, loin d’être à la hauteur de son prestigieux casting. Car, si elle s’amuse à pasticher le film de pirates, il manque dans ce cas au singulier personnage le panache de Jack Sparrow.

Vétérinaire fantasque au cœur brisé, John Dolittle, campé par un Robert Downey Jr. aux yeux vitreux d’ennui, vit reclus dans un manoir victorien avec pour seule compagnie sa ménagerie d’animaux exotiques. Il est rejoint par le jeune apprenti Tommy Stubbins (Harry Collett) et Lady Rose (Carmel Laniado), fille de la Reine d’Angleterre (Jessie Buckley) mourante. La maladie de la souveraine force bientôt John à sortir de son isolement pour mettre les voiles vers une île mystérieuse où se trouve un antidote capable de la guérir..

N’est pas Richard Fleischer ou Rex Harrison qui veut. Nouvelle adaptation des romans pour enfants écrits et illustrés dans les années 1920 par l’anglais Hugh Lofting, Le Voyage du Dr Dolittle produit par Universal est à ranger au rayon des remakes amorphes et insipides. Car ici hélas, la balance entre aventure et comédie ne produit jamais l’enchantement attendu.

En effet, Stephen Gaghan (Traffic, Syriana, Gold) accumule les erreurs grossières. Malgré son prestigieux casting (réunissant Antonio Banderas, Michael Sheen, Ralph Fiennes, Emma Thompson, Tom Holland, Octavia Spencer, Rami Malek, Marion Cotillard ou encore Selena Gomez), le conte initiatique patauge dans un humour éculé ; aucune réplique ne swingue, les effets spéciaux laissent froid, le montage manque d’équilibre et les innombrables péripéties aussi rocambolesques qu’invraisemblables s’effilochent les unes après les autres. Tant et si bien que le spectateur, consterné de voir des baleines remorquer les navires, des calamars étouffer les humains et des brindilles écouter aux portes, se lasse rapidement devant ce déluge d’images numériques dans la veine de La Boussole d’or (2007) de Chris Weitz.

Il manque du souffle, du style et une âme à cette odyssée faussement fantastique dans laquelle le moindre rebondissement est sans cesse désamorcé par une facilité scénaristique. Ce qui n’aide évidemment pas à l’élaboration d’une ligne directrice cohérente. Le « fabuleux » bestiaire numérique se retrouve réduit à un malheureux catalogue de stéréotypes (Chee-Chee le gorille peureux, Dab-Dab le canard têtu, Plimpton l’autruche cynique, Yoshi l’ours polaire joyeux, Polynesia le perroquet rebelle..). Au milieu de ce zoo loufoque animé par ordinateur, la performance de Robert Downey Jr., qui a définitivement abandonné l’armure blindée d’Iron Man, se résume aux mêmes épouvantables mimiques, lesquelles traduisent une agaçante maussaderie narquoise. Ironie du sort, l’acteur n’y croit pas lui-même et ne trompe donc personne. Le jeune Harry Collett vu dans Dunkerque incarne quant à lui un apprenti trop naïf et terriblement fade. 

Le réalisateur, qui prend ici un malin plaisir à pasticher le film de pirates, s’éparpille au cours de nombreuses scènes d’action bâclées. Le naufrage si prévisible est donc inévitable. La référence aux soleils couchants de Turner ornant les murs du palais de la Reine Victoria et la parodie incongrue du Parrain de Coppola se heurtent à la mise en scène pseudo-baroque, caduque, nerveuse, inconsistante et parsemée d’anachronismes du Voyage du Dr Dolittle. On a également connu Danny Elfman, compositeur fétiche de Burton et Raimi, plus inspiré.

Aventurier anticonformiste, cet excentrique John Dolittle caricature le capitaine Némo, le marin Sinbad ou encore le patriarche Noé. Mais le célèbre vétérinaire capable de communiquer avec les animaux perd ici le charme du personnage original imaginé par l’écrivain britannique Hugh Lofting et popularisé à la fin des années 1990 par Eddie Murphy. Compressé dans de trop brefs flashbacks, le background du héros brisé par la disparition en mer de sa compagne exploratrice Lily (Kasia Smutniak), peine à se relier au reste de l’intrigue. Car avant d’atteindre l’île merveilleuse et son arbre magique, l’équipée doit s’emparer d’une carte au trésor, explorer une cité dont le souverain n’est autre que le père de Lily, – le grotesque Roi Rassouli interprété par Antonio Banderas –, puis amadouer un dragon constipé qui lui barre la route. Au cours de sa quête farfelue et brouillonne, Dolittle doit également faire face à Barry, un tigre neurasthénique doublé par Ralph Fiennes.

En somme, hormis une jolie introduction animée en 2D à la mode Disney ainsi que la portée universelle de la morale finale (« c’est en aidant les autres qu’on s’aide soi-même ») revisitant celles des fables écologiques telles que L’Arche de Noé, le voyage du Docteur Maboul au pays du fond vert ne suscite que l’embarras et l’ennui.

Sévan Lesaffre

Bande-annonce

Synopsis : Après la perte de sa femme sept ans plus tôt, l’excentrique Dr. John Dolittle, célèbre docteur et vétérinaire de l’Angleterre de la Reine Victoria s’isole derrière les murs de son manoir, avec pour seule compagnie sa ménagerie d’animaux exotiques. Il évite la compagnie des humains qui le prennent pour un fou. Mais quand la jeune Reine tombe gravement malade, Dr. Dolittle, d’abord réticent, se voit forcé de lever les voiles vers une île mythique dans une épique aventure à la recherche d’un remède à la maladie. Alors qu’il rencontre d’anciens rivaux et découvre d’étranges créatures, ce périple va l’amener à retrouver son brillant esprit et son courage.

Le Voyage du Dr Dolittle – Fiche technique

Avec : Robert Downey Jr, Antonio Banderas, Michael Sheen, Jim Broadbent, Jessie Buckley, Harry Collett, Kasia Smutniak, Carmel Laniado, Emma Thompson, Marion Cotillard, Ralph Fiennes, Rami Malek, Octavia Spencer, John Cena, Tom Holland…
Réalisation : Stephen Gaghan
Scénario : Stephen Gaghan, Daniel Gregor, Doug Mand, d’après les personnages créés par Hugh Lofting
Photographie : Guillermo Navarro
Montage : Craig Alpert, Chris Lebenzon
Décors : Dominic Watkins
Costumes : Jenny Beavan
Musique : Danny Elfman
Distributeur : Universal Pictures International France
Durée : 1h42
Genre: Comédie / Aventure
Sortie : 5 février 2020

En 2017, les frangins Safdie nous avaient gratifié, avec Good Time, d’un superbe thriller urbain à forte connotation sociale. Trois ans plus tard, lâchant les bas-fonds de New-York pour le Diamond District,  ils rééditent le principe de la course poursuite appliquée cette fois-ci à un bijoutier aux abois. Uncut Gems,  avec un Adam Sandler meilleur que jamais en Juif fasciné par l’argent mais poursuivi par le mauvais oeil, est à voir sur Netflix.

Loser magnifique

Adam Sandler campe ici un de ces perdants magnifiques qu’on aime tant au cinéma comme nombre de personnages de Scorsese, Woody Allen ou encore des frères Coen (Le Dude). Avec ses dents de devant qu’on hésitera à qualifier du bonheur tant le bonhomme est malchanceux, ses lunettes qui tombent tout le temps et la mouise qui lui colle à la peau, Howard Ratner est un bijoutier juif volubile, très porté sur l’argent et accessoirement le sexe. En amour comme en affaire, le type est un joueur irréductible. Au début du film, deux types viennent lui rappeler qu’il a une  dette de  quelques dizaines de milliers de dollars auprès de son propre beau-frère. Mais à peine reçoit-il la somme qui lui permettrait de se refaire qu’il la remet aussitôt en jeu dans un pari à dix contre un. Incoercible dans ses pulsions et résolument optimiste, Howard doit faire affaire avec le basketteur Kevin Garnett, ici dans son propre rôle.  Le grand sportif, dans les deux sens du terme, est en quelque sorte l’alter ego inversé du bijoutier (Ratner/Garnett deux noms très proches). Il  incarne lui aussi la réussite à l’américaine mais sous la forme du travail, de l’honnêteté et de l’abnégation. Kevin Garnett, la légende qui réussit tout ce qu’elle entreprend, Ratner le loser qui échoue à chacune de ses entreprises.

Loi de Murphy

Les emmerdes, c’est bien connu, ça vole en escadrille. Howard, endetté jusqu’au cou,  en instance de divorce, traqué par les hommes de main de son beau-frère et à qui on suspecte un cancer du colon ne dirait pas le contraire. Et c’est un des aspects les plus drôles d’un film qui, mine de rien, interroge à la marge les clichés parmi les plus éculés sur l’identité juive. A commencer par les questions de la culpabilité et du rachat. La scène centrale de la fête familiale où sont énumérées les plaies subies par le « peuple élu » – la peste, les furoncles, les grenouilles…, répond en écho au sort qui semble s’acharner sur ce pauvre Howard. Les frères Safdie peignent ainsi,  non sans une tendre ironie, eux qui sont issus de ce milieu,  le portrait stéréotypé du Juif. Celui du type fautif, malchanceux, que l’obstination à vouloir se racheter entraîne dans de nouvelles difficultés. Illustrant par l’absurde la loi de Murphy selon laquelle les choses tourneront mal s’il est possible que ce soit le cas, Howie finira successivement à poil dans un coffre, en costume dans une fontaine du centre ville, enfermé dans son propre magasin et cocufié par sa maîtresse. Un personnage tragi-comique à l’image d’un film qui oscille en permanence entre deux tons, ceux du thriller et de la comédie.

Film multi-facettes

Les tribulations d’Howard dans la 47ème rue sont autant d’invitations à réfléchir en termes de lumière et de regard. Ainsi cette scène où Howard caché dans l’ombre, observe sa maîtresse qui le croit ailleurs, ou de ce cabinet de joaillerie très théâtral, dont les cloisons sont en verre, stoppant la mobilité des personnes mais laissant passer leurs regards. Mais c’est surtout du point de vue de la photographie que le film épate. On le doit au remarquable travail du chef op Darius Khondji sur les scènes d’intérieur d’abord, telle cette boite de nuit en lumière noire ou plus globalement sur les ambiances nocturnes si appréciées des frères Safdie.

Brillant de mille éclats comme l’opale tant convoitée, Uncut Gems s’apparente à une sorte de labyrinthe, un organisme vivant que notre œil inspecte, une œuvre non sans défauts mais complexe où la noirceur côtoie le sublime.

Bande annonce :

Fiche technique :

• Réalisation : Joshua et Ben Safdie
• Scénario : Ronald Bronstein, Joshua Safdie et Ben Safdie
• Décors : Sam Lisenco
• Direction artistique : Eric Dean
• Costumes : Miyako Bellizzi
• Musique : Oneohtrix Point Never
• Photographie: Darius Khondji
• Producteurs : Sebastian Bear-McClard, Oscar Boyson et Scott Rudin
• Sociétés de production : A24 Films, IAC et Elara Pictures
• Sociétés de distribution : Netflix, A24 5États-Unis)
• Pays d’origine : Etats-Unis
• Langue originale : anglais
• Genre : thriller
• Dates de sortie : Etats-Unis : 30 août 2019 
  • Mondial : 31 janvier 2020 sur Netflix

Que cela soit dans son montage adroit, ou par cette voix off pudique et ludique que l’on suit avec douceur, Histoire d’un regard de Mariana Otero est un grand film sur le monde et sa folie, une oeuvre dont l’étude arrive à rendre vivante la forme graphique de l’art photographique.

Mariana Otero reçoit un colis. Dans ce paquet, se trouve la biographie de Gilles Caron, grand reporter de guerre disparu au Cambodge en 1970. De là commence alors une introspection, une interrogation curieuse et passionnée à propos d’un passé et d’une carrière protéiforme. Mais c’est surtout le début d’une investigation. En rassemblant autour d’elle les milliers de clichés pris par le photographe, elle nous narre un récit émouvant sur la naissance d’un regard et la matérialisation d’une vocation. Le documentaire fabriqué par Mariana Otero n’est pas un simple roman photo ayant pour objectif de rendre hommage à Gilles Caron et son immense talent à photographier le monde.

Histoire d’un regard est plus complexe, plus vertigineux et méticuleux dans son approche, sans forcément être exhaustif. Devant nous, Mariana Otero étudie le protocole de Gilles Caron pour trouver la bonne photo, sa capacité à se mettre au bon endroit, et reconstruit peu à peu la linéarité des Polaroïds pour déceler la vie et le cheminement qui se cachent derrière l’instantané. Comme si une mosaïque de photos devenait les synapses d’une pensée et se muait en représentation mémorielle d’un homme et sa fascination exacerbée pour l’humain, loin de l’approche moderniste et cynique made in Instragram qui sévit de nos jours. Derrière chaque photo, chaque instant pris par le biais d’un objectif, de son objectif, se cachent une histoire et une interprétation. Il y a presque du Chris Marker dans Histoire d’un regard.

Dès les premières minutes du documentaire, l’une des filles de Gilles Caron nous explique que personne ne sait comment est disparu son père. C’est un mystère, un livre qui s’est achevé sans son dernier chapitre, un trou béant dans le scénario de la vie de ce photographe qui n’avait pas peur de se frotter au pire de l’humanité pour en faire parfois resurgir le peu qu’il en reste. Au fil de l’étude, qui suit les traces d’une enquête détaillée et mûrement documentée, dans laquelle on se croirait presque dans un film de David Fincher version Zodiac et Millenium, Histoire d’un regard dévoile son ampleur. Nous l’avons déjà dit : Histoire d’un regard n’est pas qu’une unique galerie de photos qu’on pourrait observer et scruter comme si nous étions dans un musée.

Mariana Otero se sert de ce focus pour nous questionner sur notre regard, notre émotion en tant que spectateur et sur notre position par rapport à l’actualité et l’état d’un monde qui ne cesse de répéter ses atrocités. De guerre en conflits, Gilles Caron a photographié les plus beaux instants de révoltes, quitte à en faire des étendards d’un mouvement, mais aussi a pris sur pellicule les pires atrocités que l’humain ait pu connaitre (la famine au Biafra). C’est alors que le documentaire met en exergue que le photographe fait malheureusement (ou heureusement) partie intégrante du décor, autant dénonciateur que « complice ».

Cependant, et c’est la grande force de Mariana Otero, au lieu de construire son documentaire comme une hagiographie péremptoire et acquise à son sujet, elle ne cesse d’étudier avec respect, d’analyser avec humilité, de recontextualiser l’importance de la photo, de comprendre la beauté de l’existence d’une telle carrière, de saisir les nuances d’une mémoire dont les seuls souvenirs se trouvent sur pellicule. C’est une sorte de biopic, sans en être un, qui retranscrit les moments d’une vie par le biais des meurtrissures ou des sourires du monde. 

Bande annonce – Histoire d’un regard

Synopsis : Gilles Caron, alors qu’il est au sommet d’une carrière de photojournaliste fulgurante, disparaît brutalement au Cambodge en 1970. Il a tout juste 30 ans. En l’espace de 6 ans, il a été l’un des témoins majeurs de son époque, couvrant pour les plus grands magazines la guerre des Six Jours, mai 68, le conflit nord-irlandais ou encore la guerre du Vietnam. Lorsque la réalisatrice Mariana Otero découvre le travail de Gilles Caron, une photographie attire son attention qui fait écho avec sa propre histoire, la disparition d’un être cher qui ne laisse derrière lui que des images à déchiffrer. Elle se plonge alors dans les 100 000 clichés du photoreporter pour lui redonner une présence et raconter l’histoire de son regard si singulier.

Fiche Technique – Histoire d’un regard

Réalisateur : Mariana Otero
Scénario : Mariana Otero
Montage : Agnès Bruckert
Sociétés de distribution : Diaphana Distribution
Durée : 1h 33 minutes
Genre: Documentaire
Date de sortie :  29 janvier 2020