La Nuit de la goule se caractérise par une construction narrative à deux corps et une esthétique graphique saisissante. Cette nouvelle collaboration entre le scénariste Scott Snyder et le dessinateur Francesco Francavilla donne naissance à un récit entremêlant habilement deux histoires aux temporalités différentes, tandis que le suspense y est charpenté avec grand soin. L’œuvre, initialement publiée sous forme de série numérique sur Comixology, a finalement atterri chez Dark Horse Comics.
La Nuit de la goule (Night of the Ghoul en version originale) aurait difficilement pu passer inaperçu, puisqu’il réunit rien de moins que le scénariste renommé Scott Snyder et le talentueux dessinateur Francesco Francavilla. Tous deux maîtres de l’horreur, ils parviennent à créer une expérience visuelle et narrative aussi complexe qu’immersive. Sur le plan du récit, l’un des aspects les plus saillants réside dans une structure narrative faisant coexister, de manière alternée, deux histoires indépendantes l’une de l’autre, mais liées par la goule et les éclairages qu’elles s’apportent mutuellement. D’une part, nous suivons l’histoire contemporaine de Forest Inman, un restaurateur de films d’horreur obsédé par la découverte d’une œuvre qu’il tient en très haute estime. Pour obtenir des informations sur cette dernière, il décide de rendre visite au réalisateur T.F. Merritt, qui végète, défiguré, dans une institution de soins isolée et inquiétante. D’autre part, nous plongeons dans le film lui-même, avec des extraits présentés en monochrome gris, aux bords brûlés et effilochés, comme peuvent l’être les pellicules endommagées. Car Night of the Ghoul a été la victime d’un incendie qui l’a condamné à ne jamais voir le jour. Cette juxtaposition des deux arcs crée une tension palpable et une immersion totale dans l’horreur.
Francesco Francavilla excelle dans la réalisation graphique de La Nuit de la goule. Il tapisse le récit d’une ambiance sombre et sinistre, jonglant volontiers avec les références – celles des thrillers d’Hitchcock, des films de monstres universels ou de l’expressionnisme allemand. Aux vignettes spectaculaires rendues au dernier degré de l’horreur se mêlent des teintes rougeâtres ou jaunâtres faisant parfaitement sens. En parallèle, Scott Snyder construit méthodiquement son récit, alternant entre les moments de tension et les révélations. Le scénariste de Detective Comics exploite en clerc l’aura de mystère dont se nappent certaines vieilles bobines perdues. Il caractérise en sus des personnages abîmés, peinant à distinguer le vrai du faux. Ainsi, Forest Inman n’est pas qu’un réalisateur raté se passionnant pour les vieux films qu’il numérise. Il est aussi un père de famille maladroit, soucieux de plaire à son fils, pétri de vulnérabilités. Son escapade nocturne dans le centre de soins de T.F. Merritt en compagnie de son fils rend l’horreur encore plus tangible et perturbante.
La goule est l’élément horrifique central dans l’album de Scott Snyder et Francesco Francavilla. Présentée comme la mère de tous les autres monstres, elle incarne la terreur et la fascination, par exemple à travers sa consommation de chair morte ou sa menace diffuse, diluée à travers ses soutiens ou une présence conçue en pointillés. La mise en scène de la goule est particulièrement réussie, avec des scènes d’horreur viscérale et des moments de tension allant crescendo. Francesco Francavilla parvient très bien à façonner l’essence effrayante de ce monstre, en instillant notamment des jeux de lumière et d’ombre habilement placés. De son côté, le film agissant comme un élément déclencheur, manifestement semi-autobiographique, offre une perspective narrative vertigineuse. En révélant progressivement, par ce biais, des informations sur la goule et le cinéaste lui-même, Scott Snyder crée un enchevêtrement remarquable entre fiction et réalité. Cette approche astucieuse permet aux lecteurs de s’immerger davantage dans l’histoire et de développer une compréhension plus profonde des personnages et de leurs motivations, ajoutant ainsi une certaine densité à l’ensemble.
Enfin, il est intéressant de noter que le film Night of the Ghoul au cœur de cet album raconte l’histoire d’une unité militaire envoyée en Italie pour libérer un village pendant la Première Guerre mondiale. Cependant, une fois arrivés sur place, les soldats sont traqués et tués par une entité monstrueuse ineffable. Le film de T.F. Merritt se concentre sur les horreurs auxquelles les soldats sont confrontés et explore, en filigrane, les conséquences dévastatrices de la guerre sur leur psyché. En un certain sens, La Nuit de la goule questionne les traumatismes de la guerre et la façon dont ils peuvent engendrer des monstres, à la fois sur le champ de bataille et dans l’esprit des soldats. Les cicatrices indélébiles laissées par la violence belliqueuse trouvent un écho amplifié, déformé, porté à incandescence à travers une goule érigée en mère de toutes les peurs.
La Nuit de la goule, Scott Snyder et Francesco Francavilla Delcourt, juillet 2023, 168 pages
Dans un essai intitulé Critica de la razón precaria (Critique de la raison précaire), le philosophe espagnol Javier López Alós explore les conséquences, profondes et plurielles, de la précarité intellectuelle sur la construction de la pensée et les libertés individuelles. Il met en évidence la précarité en tant que phénomène social, qui affecte plusieurs aspects de la société contemporaine, s’inscrivant dans des logiques productivistes et financières souvent inconciliables avec la recherche académique.
Selon Javier López Alós, il tient de l’évidence que la précarité, plus qu’une simple affaire individuelle, doit s’appréhender comme un fait social qui touche tous les domaines de la vie. C’est sous la triple casquette d’intellectuel, d’insider et de chômeur qu’il a pris le parti de questionner les fondements d’une raison devenue précaire : les affects générés, les réactions individuelles et collectives face à la précarité, ses conséquences sur la vie intellectuelle et la production de pensées et les logiques productivistes en œuvre dans le monde universitaire et culturel.
Javier López Alós souligne que la précarité n’est pas seulement une question individuelle, mais une condition existentielle qui engendre des émotions tenaces telles que le ressentiment et le désir de reconnaissance. Placés dans une situation de vulnérabilité, sans perspective à long terme et dans un état de stress permanent, les travailleurs du savoir et de la raison se voient peu à peu broyés par les mêmes rouages que ceux que l’on observe dans le monde médiatique : instantanéité, soumission relative à des tiers (là les annonceurs, ici les mécènes), logique économique prenant le pas sur la construction de la pensée…
L’auteur aborde les défis auxquels sont confrontés les individus en situation de précarité intellectuelle. Il questionne l’équivalence souvent établie entre jeunesse et instabilité, soulignant les promesses non tenues de protection de la jeunesse par les générations précédentes. Il met également en lumière l’auto-exploitation des précaires intellectuels, qui acceptent des conditions insatisfaisantes au nom d’un soi-disant enthousiasme, contribuant ainsi à la reproduction des logiques qui créent la précarité. Javier López Alós va plus loin en notant l’importance de la disponibilité mentale pour la liberté intellectuelle, souvent entravée par l’instabilité. Il examine, parfois un peu rapidement, les logiques productivistes dans le monde universitaire et culturel, qui imposent des mécanismes de compétition et de survie plutôt que de collaboration et de vision à long terme.
De là découle un enseignement fondamental : les conditions précaires dans lesquelles évoluent les intellectuels limitent leur capacité à produire une pensée critique et novatrice. Pis, les menaces que cette précarisation fait peser sur le droit à l’information, les savoirs et la pensée critique paraissent bien réels, presque tangibles. Dans un contexte où la rentabilité économique est le critère dominant, il devient difficile, selon l’auteur, de dénoncer et de corriger les situations d’injustice. La pression pour attirer l’attention sur les réseaux sociaux et l’obsession de la visibilité conduisent à une superficialité de la pensée et à un renoncement à la pertinence. Les exigences de l’immédiateté et de la consommation rapide, déjà énoncées, entraînent une dégradation de la qualité de la pensée et de la culture.
En dépit de quelques généralités, Critique de la raison précaire résonne comme un appel utile à une résistance collective face aux conditions précaires dans lesquelles évoluent les intellectuels d’aujourd’hui. Javier López Alós évoque la formation des habitudes et encourage la création d’espaces propices à la coopération et au savoir. Il met en avant l’importance de repenser notre rapport à la précarité intellectuelle et de promouvoir des conditions de vie dignes pour tous. Une réflexion nécessaire pour préserver les libertés individuelles et pérenniser la construction des idées.
Critique de la raison précaire, Javier López Alós MkF éditions, mai 2023, 207 pages
Les Herbes sèches de Nuri Bilge Ceylan réunit les marqueurs de ses derniers films : une beauté spectaculaire, une durée sans concession, des dialogues très étirés, mais un propos intelligent. Un ADN assez austère qui plaît autant qu’il peut rebuter…
Synopsis de Les Herbes sèches: Samet est un jeune enseignant dans un village reculé d’Anatolie. Alors qu’il attend depuis plusieurs années sa mutation à Istanbul, une série d’événements lui fait perdre tout espoir. Jusqu’au jour où il rencontre Nuray, jeune professeure comme lui…
Jour de Colère
Le dernier film du turc Nuri Bilge Ceylan, les Herbes sèches, est revenu quasi-bredouille de Cannes, sans faire injure à l’excellente actrice Merve Dizdar, qui a remporté le prix de l’interprétation féminine. Elle était d’ailleurs réellement la vraie lumière de ce film, avec son interprétation énergique et sensible à la fois, à l’image même de Nuray, son personnage. C’est bien la première fois qu’à titre personnel, le cinéaste n’a pas été récompensé de l’un ou l’autre des prix les plus prestigieux de la compétition. Sa virtuosité n’est plus à démontrer, mais il est peut-être victime d’une certaine redondance dans ses derniers films, même si on hésite à écrire ces mots pour qualifier son œuvre.
Cette fois encore, le récit tient place dans l’immensité neigeuse de l’Anatolie, tout comme dans le primé Winter Sleep. Un homme marche seul dans la nuit, pour paraphraser Lily Ana Armpour. C’est Samet (Deniz Celiloglu) qui rentre chez lui, plus exactement à son lieu d’affectation dans l’Est de l’Anatolie, à 15h de voiture d’Istanbul, autant dire le bout du monde. Il habite une modeste maison colouée avec un collègue professeur, Kenan (Musab Ekici). C’est sa quatrième année dans ce bled paumé, lui qui ne rêve que d’une mutation à Istanbul. Mais il est passablement enjoué, car il revient de vacances, et l’isolement et l’ennui qu’il ressent régulièrement ici ne sont pas encore revenus. Samet est un professeur d’Arts Plastiques ; un peu désabusé, il est persuadé au fond que c’est une mission vaine de vouloir inculquer quelque notion d’art que ce soit à ces futurs « cultivateurs de pommes de terre ».
Comme à son habitude, Nuri Bilge Ceylan produit un film avant tout caractérisé par une beauté formelle à couper le souffle. Il sait tirer parti de son Anatolie, et ses plans en extérieurs sont toujours remarquables. Les scènes en intérieur ne sont pas en reste : le cinéaste compense le manque d’espace par une modulation intelligente de la lumière. De plus, sous les clics de son protagoniste, photographe à ses heures, il agrémente son film de magnifiques portraits des personnages et d’autres qui ne figurent pas dans le film, différents sujets photographiques qui semblent représenter différentes couches sociologiques de la Turquie. De même, un spectaculaire enfoncement du quatrième mur apporte une dimension méta au film et un axe de lecture supplémentaire qui prend le spectateur au dépourvu.
Mais cela ne suffit pas à contrebalancer le malaise que son protagoniste infuse. S’entichant ouvertement de Sevim, une (très jeune) élève plus brillante que les autres, semblant à ses yeux justifier à elle seule l’utilité de son travail dans ce milieu rural qu’il regarde sinon avec condescendance, Samet va au-devant des ennuis puisque le voilà convoqué par le recteur pour conduite inappropriée. Des élèves l’ont dénoncé lui dit-on, on devine lesquels. Son ressentiment s’en trouve décuplé, son comportement avec les élèves prend un autre tour (exclusion injustifiée, jet de projectile en pleine classe, etc.). Il n’est pas rare d’aimer un personnage un peu antipathique dans un film, mais ici, Samet cumule les mauvais points : accès de colère divers et variés, entourloupes envers son ami Kenan dont il devient jaloux lorsque leur nouvelle amie Nuray semble s’intéresser davantage à ce dernier, manipulation de la jeune Sevim, et on en passe.
Une telle vision plutôt négative véhiculée par le protagoniste, couplée au dispositif habituel d’un long film de près de 200 minutes exclusivement composé de très très longs dialogues, notamment entre Samet et Nuray, lors d’une soirée en tête-à-tête qu’il a extorquée à la barbe de Kenan, sont des ingrédients qui finissent par donner un côté aride à son métrage. Ce dialogue en particulier confronte une Nuray éprise d’une humanité sociale, empathique et responsable, et un Samet de plus en plus aigri, qui se renferme dans une posture très individualiste. La joute verbale est interminable, diluant le propos plutôt que le renforçant.
Les Herbes sèches reste malgré tout un film important d’un cinéaste majeur. Nuri Bilge Ceylan aime viscéralement son pays, et nous donne la chance de le découvrir avec ses yeux critiques et esthètes, austères aussi, il faut bien le dire.
Les Herbes sèches– Bande annonce
Les Herbes sèches – Fiche technique
Titre original : Kuru Otlar Üstüne
Réalisateur : Nuri Bilge Ceylan
Scenario : Akin Aksu, Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan
Interprétation : Deniz Celiloglu (Samet), Merve Dizdar (Nuray), Musab Ekici (Kenan), Ece Bagci (Sevim), Erdem Senocak (Tolga)
Photographie : Cevahir Sahin, Kürsat Üresin
Montage : Oguz Atabas, Nuri Bilge Ceylan
Musique : Philip Timofeyev
Producteurs : Nuri Bilge Ceylan, Coproducteurs : Maren Ade, Sébastien Beffa, Rémi Burah, Kristina Börjeson, Jonas Dornbach, Janine Jackowski, Alexandre Mallet-Guy, Anthony Muir, Olivier Père, Bettina Ricklefs, Mehmet Zahid Sobaci, Nadir Öperli
Maisons de Production : NBC Film, Memento Films Production, Komplizen Film, Coproduction : Second Land Film i Väst, Arte France Cinéma, Bayerischer Rundfunk (BR), Turkish Radio & Television (TRT), Playtime
Distribution (France) : Memento Distribution
Durée : 197 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 12 Juillet 2023 – 2023
Turquie-France-Allemagne-Suède
Parler de la mort du western est devenu un cliché, si bien que la démystification qui l’accompagne perd dès lors toute sa saveur. Mais dans l’hypothèse que l’on puisse mourir un nombre incalculable de fois, la première ne laisserait-elle pas une trace indélébile, comme une réminiscence de ce qui est justement mort ?
Synopsis : Un ancien shérif, Steve Judd, désormais convoyeur d’or pour une banque locale, retrouve son ancien adjoint devenu forain, Gil Westrum. Il lui propose de l’accompagner afin qu’il gagne sa vie honnêtement, en même temps que de renouer avec le bon vieux temps. Les deux hommes partent donc en direction des mines de la Sierra, accompagnés de Heck, le jeune associé de Westrum.
La fin d’une époque…
Avec Coups de feu dans la Sierra, nous assistons au chant du cygne d’acteurs de légende du western qui ont fait ses beaux jours mais qui, comme leurs personnages, vieillissent et ne sont plus en adéquation avec un monde nouveau : Joel McCrea et Randolph Scott, à l’image de Gary Copper dans Le train sifflera trois fois ou plus tard Clint Eastwood dans Impitoyable.
Mais le contexte de Coups de feu dans la Sierra est particulier. Tout d’abord, là où Fred Zinnemann et Eastwood ont déjà roulé leur bosse au moment de réaliser leur film, Peckinpah n’en est qu’à son second long-métrage. Ce qui est un hommage et un adieu trouve chez Peckinpah une autre résonance : celle d’un avant-goût. Peckinpah sera en effet un réalisateur à l’approche très crue et aux personnages sombres mais pourtant cruellement humains. Trop peut-être. Car que ce soit dans ses westerns ou plus largement dans son cinéma tout entier, les figures sinistres s’enchaînent et exposent la rudesse de la nature humaine.
Nous trouvons l’un des exemples les plus frappants dans Coups de feu dans la Sierra : les convoyeurs croisent sur leur chemin une grange tenue par un fermier très porté sur la religion et vivant avec sa fille Elsa. Ils finissent par repartir avec elle lorsqu’elle leur annonce projeter de se marier avec l’un des mineurs de la Sierra. Le drame ne se fait pas attendre lors du mariage, se tenant dans une maison-close et présidé par un juge ivre-mort. Une fois l’union scellée, qu’elle n’est pas la surprise d’Elsa lorsqu’elle découvre les intentions de son nouveau mari, bien décidé à la « partager » avec ses frères.
Si nos preux chevaliers interviennent pour la sauver, ils n’empêchent que Peckinpah amorce cette idée (sans pour autant être le premier) que l’Ouest n’est pas le paradis dessiné depuis les années 1910. Un préambule au constat de No Country for Old Men où la violence se voit banalisée par la nouvelle génération. Le personnage de Heck est en cela très intéressant, puisqu’il incite Westrum à trahir son ancien patron pour qu’ils puissent garder l’or pour eux. Si n’en est finalement rien, cet élément permet de présenter une nouvelle génération qui banalise la violence et privilégie l’action à la réflexion. Preuve en est une tentative de viol sur Elsa. Une nouvelle génération dont fait parallèlement partie Peckinpah, qui deviendra l’une des figures emblématiques du Nouvel Hollywood, bien décidé à lever le voile sur les horreurs du Far-West.
… et le début d’une nouvelle
Si les Italiens viendront s’en mêler par la suite, il ne s’agira que de l’affaire de quelques années avant de laisser le western mourir en paix. Peckinpah, ami de Leone, aurait d’ailleurs envisagé un projet commun après que ce dernier ne soit revenu au western presque malgré lui pour son Il était une fois dans l’Ouest. Si le western spaghetti ressemble à une renaissance temporaire, il ne faut cependant pas omettre son influence sur le plus long terme. Le genre survivra ainsi le temps de quelques fulgurances depuis, au travers du prisme héroïque des Italiens et de celui plus naturaliste des Américains.
Coups de feu dans la Sierra est aujourd’hui considéré comme un Peckinpah mineur, alors qu’il reflète pourtant déjà toutes les thématiques de son auteur (le rapport à l’âge, la gratuité de la violence, la trahison), le tout porté par une histoire simple mais pertinente et encadré par des décors sublimes. Sans prétention, l’œuvre arbore un caractère introductif très intéressant au cinéma de son auteur, voire plus largement à cette nouvelle génération américaine qui veut dire ce qui était alors tu : les tensions homosexuelles pour Hill avec Butch Cassidy et le Kid, le traitement des Indiens d’Amérique pour Penn avec Little Big Man, le refus d’iconographie pour Altman avec John McCabe…
Avec Coups de feu dans la Sierra, Peckinpah annonce la mort de l’idéalisme au profit de la dure réalité. Et cela passe toujours par la violence. Nietzsche avait raison, il faut d’abord détruire pour pouvoir ensuite créer.
Bande-annonce : Coups de feu dans la Sierra
Fiche Technique : Coups de feu dans la Sierra
Titre original : Ride the High Country
Réalisation : Sam Peckinpah
Avec Randolph Scott, Joel McCrea, Mariette Hartley …
Scénario : N.B. Stone Jr.
Production : Richard E. Lyons
Société de production : Metro-Goldwyn-Mayer
Musique : George Bassman
Photographie : Lucien Ballard
Montage : Frank Santillo
Décors : Henry Grace et Otto Siegel
Genre : Western
Durée : 94 minutes
Date de sortie : 20 juin 1962 (New York)
10 octobre 1962 en salle / 1h 34min / Western, Action, Drame
Mon nom est Personne, où quand les grandes figures du western rendent hommage au genre avec humour et sincérité.
Quand le western spaghetti veut tirer sa révérence, il le fait avec classe et nostalgie, en réunissant deux stars du genre sous l’égide de l’un de ses plus grands réalisateurs. Il en résulte un film étrange, partagé entre dérision, hommage sincère et émotion.
Le chant du signe d’un genre de cinéma ?
Il est certains films qui, s’ils se rattachent bien à un genre précis, sont plus difficiles à définir dans leur caractérisation du dit genre. Mon nom est Personne, ce western spaghetti sorti au moment où s’amorçait le déclin des productions italiennes, est bien de cela. Est-il une parodie comme l’indique les scènes comiques ? Un western sérieux comme l’illustrent les scènes d’action saisissantes ? Ou un hommage sincère comme voudraient le signifier le ton nettement nostalgique et le final ?
La genèse du film elle-même demeure passablement obscure. Il semble bien que ce soit Sergio Leone qui en ait eu l’idée originale. L’empereur du western spaghetti, qui a su par son sens caractéristique de la réalisation et son traitement des personnages révolutionner le genre, a l’essentiel de sa filmographie derrière lui lorsqu’il initie le projet (Il était une fois en Amérique se fera dix ans plus tard et le cinéaste ne pourra pas mener à bien son projet sur la bataille de Léningrad). Par ailleurs, c’est son premier film majoritairement tourné aux États-Unis, bien qu’il n’en soit pas le réalisateur officiel. La motivation essentielle du cinéaste était d’en finir avec la tendance du western comique alors très en vogue et qu’il considérait comme une grotesque pantalonnade. Le film fut tourné en neuf semaines en mai et juin 1973, au Nouveau-Mexique (Mogollon et mission de San Esteban Del Rey) et en Espagne (Alméria et Cadix).
Le réalisateur Tonino Valerii, autre habitué du genre moins renommé, assura l’essentiel du tournage sauf une journée où, victime d’une infection d’oreille, il dut être remplacé par Leone. La production fut compliquée et vit les deux cinéastes s’opposer et se brouiller durablement. La participation de Leone comme réalisateur est encore sujette à discussion. Il est certain qu’il a réalisé les scènes du saloon (notamment celle des gifles très cartoonesque) et de la pissotière (scène que Valerii détesta, la trouvant vulgaire, et attribua aux problèmes de prostate de Leone). John Landis (qui déclara avoir été figurant sur le film) lui attribue également la scène finale de la fusillade avec la « horde sauvage » (hommage évident au film homonyme de Peckinpah). L’acteur Neil Summers, interprète de Squirrel, déclara que Leone avait filmé toutes les scènes où il était. Enfin, le scénariste Ernesto Gastaldi attribue l’intégralité du film à Valerii à l’exception de deux scènes, le duel du saloon et la pissotière, tournées par Leone avec une deuxième équipe. Une genèse plutôt compliquée donc qui pourrait expliquer la nature ambivalente du film. Sorti les 13, 14 et 21 décembre 1973 en France, Allemagne de l’Ouest et Italie, le film fut un succès commercial en Europe (devenant le troisième plus gros en Italie de l’année) mais un échec relatif aux États-Unis où il sorti dans une version raccourcie de 111 minutes (au lieu de 116).
À l’époque, le genre du western semble vivre ses dernières heures. La version classique du genre, incarnée par John Ford et John Wayne, est un lointain souvenir. La version italienne, violente et cynique, agonise, dépassée par la multiplication des sous-produits de plus en plus pauvres et conformistes. De plus, cette dernière est largement ridiculisée par sa tendance comique, le plus souvent navrante, dans la veine des Trinita.
Un film tricéphale
La comparaison de Personne avec Trinita fait d’ailleurs sens. Non seulement l’un des deux héros est interprété par le même acteur, l’Italien Terence Hill (Mario Girotti), mais en plus il a le même accoutrement et une personnalité très semblable dans les deux films. La présence de l’acteur est intéressante car il représente deux versants du western spaghetti, la sérieuse à ses débuts et la comique, seul ou avec son complice Bud Spencer.
Ici, il incarne un personnage qu’il connaît, l’aventurier casse-cou et espiègle, triomphant de ses ennemis plus par sa ruse et son humour que par la violence, même s’il fait également preuve d’une grande habileté au revolver. Son surnom de « Personne » est une référence directe à l’épisode du cyclope de L’Odyssée d’Homère. De son côté, Henry Fonda, déjà un vétéran d’Hollywood, a incarné à la fois la figure du brave homme épris de justice et d’éthique dans le western classique, ainsi que la figure du salopard ultime dans le monument du western spaghetti Il était une fois dans l’Ouest, de Sergio Leone justement. Dans Mon nom est Personne, il incarne Jack Beauregard, ancienne légende du Far West désirant se retirer mais pressé par Personne d’accomplir un ultime exploit. Les deux acteurs sont donc des synthèses et leur présence conjointe est des plus logiques.
Ce ne sont pas les seules références que l’on trouve dans le film. Dans la scène du cimetière, on peut apercevoir, sur l’une des tombes, inscrit le nom de Sam Peckinpah, autre hommage à ce grand contributeur du western, en plus de celui relatif au nom de la horde de cavaliers tueurs. Le duel au chapeau dans la scène du cimetière renvoie directement à Et pour quelques dollars de plus. Au casting, on retrouve également Mario Brega, déjà interprète d’un second rôle violent dans Le Bon, la Brute et le Truand. À la musique, le monstre sacré, Ennio Morricone, s’amuse également à parodier ses précédents travaux, notamment avec une Charge des Walkyrie, de Richard Wagner, jouée au klaxon. Ironiquement, cette BO, censément parodique, deviendra vite culte et figurera au panthéon des productions du maestro. Autant de références qui parsèment le film et sèment le trouble quant à son ton. Mais elles sont loin d’être gratuites. En effet, les personnalités mentionnées (Leone, Peckinpah, Morricone) ont toutes contribué au renouvellement du genre et à son évolution. Il est donc cohérent de les voir participer ou être mentionnées dans un film qui fait la synthèse du genre.
Dés le début, le métrage montre sa complexité. Il s’ouvre avec une scène très sérieuse de règlement de comptes mettant en vedette Henry Fonda, pour être suivie juste après par une autre beaucoup plus légère avec Terence Hill. Cette ambivalence se poursuivra au long du film, alternant scènes comiques et sérieuses ainsi que quelques-unes plus émotives, empreintes de nostalgie et témoignant d’un amour sincère pour le genre, en particulier à la fin lors de l’affrontement de Beauregard avec la horde sauvage et de son duel truqué avec Personne. L’aspect profondément ambigu du film est qu’il joue sur différents registres sans se rattacher complètement à l’un ou l’autre : western sérieux, comédie parodique, hommage nostalgique. Une nature tripartite qui se retrouve dans l’ambiance du film, qui s’adapte aux différents tons employés et aussi dans les personnages. Personne n’est pas seulement un comique espiègle, il peut avoir une certaine gravité. Beauregard n’est pas seulement un as de la gâchette redoutable, mais aussi un vieil homme fatigué, un brin passéiste, désirant terminer sa vie en paix. Au passage, il s’agit d’une belle manière de faire évoluer la perception du personnage type interprété par l’acteur dans le genre, passé du statut de héro vertueux à celui de criminel sans scrupule, puis, finalement, devenu un personnage plus nuancé, entre les deux extrêmes.
Bien sûr, la relation entre Personne et Beauregard, ainsi que la retraite du second sous l’égide du premier, symbolise le passage de relais entre le vieux western classique américain et le western italien plus récent. Jeune élève doué, Personne est un admirateur de Beauregard, lui souhaitant un départ grandiose au point de lui forcer la main pour un ultime affrontement. Une belle illustration du respect à un genre ancien qui doit néanmoins tirer sa révérence et admettre la fin de son âge d’or. Sans réel regret.
Le film est ainsi un peu unique en abordant trois tons très différents et en les conjuguant dans un même univers de manière cohérente. Dernier grand succès du genre en Italie, il peut ainsi être vu comme un chant du cygne pour ce pays qui ne verra plus de vague western déferler sur ses écrans. Il est à noter qu’une pseudo suite sortira deux ans plus tard : Un génie, deux associés, une cloche. Réalisée par Damiano Damiani, toujours avec Terence Hill, Leone écrira le scénario mais voudra par la suite effacer son nom du générique. Le film connut en effet un traitement modifié en cours de tournage suite à un vol de négatif, et son histoire n’aura plus rien à voir avec le film de 1973. Mon nom est Personne est donc bien une synthèse de différentes périodes du western, en y ajoutant cet hommage sincère et parfois émouvant. Le fait qu’il ait été conçu par un maître du genre rajoute un certain poids à son propos et rend le film d’autant plus appréciable.
Bande-annonce : Mon nom est Personne
Fiche Technique : Mon nom est Personne
Titre original : Il mio nome è Nessuno
Réalisation : Tonino Valerii
Scénario : Sergio Leone, Fulvio Morsella et Ernesto Gastaldi
Avec Terence Hill (Nobody), Henry Fonda (Jack Beauregard), Jean Martin (Sullivan), Piero Lulli (Sheriff), Mario Brega (Pedro), Mark Mazza (Don John), Benito Stefanelli (Porteley), Alexander Allerson (Rex), Remus Peets (Big Gun), Antoine Saint John (Scape), Franco Angrisano (Ferroviere), Tommy Polgar (Juan), Antonio Palombi, Hubert Mittendorf (Carnival Barker), Emil Feist (Dwarf)…
Musique : Ennio Morricone (direction d’orchestre : Bruno Nicolai)
Décors : Gianni Polidori
Costumes : Vera Marzot
Photographie : Giuseppe Ruzzolini, Armando Nannuzzi
Montage : Nino Baragli
Producteurs : Sergio Leone, Claudio Mancini, Fulvio Morsella
Genre : western spaghetti, comédie
Durée : 117 minutes
Dates de sortie :
Allemagne de l’Ouest : 13 décembre 1973 (première)
France : 14 décembre 1973
Italie : 21 décembre 1973
Douzième long-métrage du réalisateur kazakh Adilkhan Yerzhanov, Assaut aborde à rebours une thématique classique du cinéma d’action…
Adilkhan Yerzhanov (7 août 1982, Kazakhstan – ) et les États-Unis se situent aux antipodes, à la fois géographiquement et artistiquement, en tout cas pour ce qui est du cinéma le plus commercial et le plus diffusé en provenance du pays de l’Oncle Sam. Le choix et le traitement du sujet proposé par Assaut est en ceci exemplaire : une prise d’otages dans un établissement scolaire.
Le cinéma américain commercial se ruerait sur le sensationnel, la testostérone exhibée par les assaillants comme par leurs opposants, l’héroïsme, le sang, la mort… Tous composants qui sont radicalement absents de ce nouveau long-métrage du prolifique réalisateur kazakh. Les « méchants » sont sans origine ni revendications, mais bien armés et avec le visage couvert par de grands masques blancs, comme taillés, et semblant tout droits venus d’une tragédie grecque antique. Les sept « gentils » qui vont se liguer pour tenter d’arracher les enfants aux griffes des prédateurs ont aussi peu le profil de combattants les uns que les autres. Parmi eux, les deux parents, séparés, de l’un des enfants retenus : Lena (Aleksandra Revenko) et Tazshi (Azamat Nigmanov), professeur de mathématiques à l’origine de l’« oubli » d’une classe dans le collège, alors que toutes les autres ont pu être évacuées…
Une fois la situation mise en place par le réalisateur et scénariste, ainsi que la tension au sein de l’ancien couple parental, l’essentiel du long-métrage se concentre sur les débats invraisemblables animant la petite troupe héroïque et les divers entraînements auxquels ils se prêtent, tous plus déroutants les uns que les autres, à l’image des différentes stratégies d’attaque qu’ils élaborent.
L’image d’Aidar Sharipov, dans des paysages d’une blancheur absolue qui semblent annoncer ceux qui serviront d’écrin au dernier Nuri Bilge Ceylan, Les Herbes sèches (2023), participe à cet effet de rupture totale avec le monde prétendument logique et rationnel – encore que de moins en moins… – dans lequel nous vivons. L’histoire semble s’inscrire dans un pays lunaire, invraisemblable, non terrien. La suite des événements, l’« assaut » lui-même, éponyme, son résultat, puis, par ricochet, ses conséquences, sont régis par ce même règne de l’inconcevable.
Adilkhan Yerzhanov propose un cinéma radicalement singulier, potentiellement déroutant, mais qui a l’immense mérite de rompre de façon absolument impériale avec le cinéma des attendus et de la prévisibilité.
Bande-annonce : Assaut
Synopsis du film : Les élèves d’un établissement scolaire sont pris en otage par des inconnus armés et masqués. Apprenant que l’armée n’arrivera que dans deux jours car une tempête de neige fait rage, Tazshi, le professeur de mathématiques, prend la décision de partir à l’assaut avec son ex-femme, un policier du village, un vétéran d’Afghanistan, un alcoolique, un professeur d’EPS et le directeur de l’école…
Fiche Technique : Assaut
De Adilkhan Yerzhanov
Par Adilkhan Yerzhanov
Avec Nurbek Mukushev, Azamat Nigmanov, Aleksandra Revenko
12 juillet 2023 en salle / 1h 30min / Drame, Thriller
Distributeur : Destiny Films
Tom Cruise et Christopher McQuarrie n’aiment pas se faciliter la vie. Quinze ans de collaboration auraient pourtant tendance à transformer les aventuriers les plus téméraires en promeneurs du dimanche. Pas eux : la pente doit être toujours plus raide que la précédente et le sommet un peu plus éloigné de la terre ferme. Or, pour la première fois, cette quête de dépassement perpétuel joue en leur défaveur avec Mission Impossible : Dead Reckoning, première partie d’un dyptique qui regarde ses ambitions en contre-plongée.
Double Impact
La chose est suffisamment rare pour être soulignée : chaque film siglé « Tom et McQ » s’est avéré plus abouti que le précédent. Jack Reacher, c’est déjà mortel, mais moins bien que Rogue Nation, lui-même dans le manche de la cuillère de Fallout. Une pyramide au sommet de laquelle on peut rajouter Top Gun : Maverick sans rien retirer à son réalisateur Joseph Kosinski, quand on connaît l’omniprésence de McQuarrie en coulisses du Tom Cruise Cinematic Universe depuis Valkyrie.
Certes, l’honnêteté commanderait de ne pas omettre les dos d’âne qui ont émaillé leur chemin de cinéma commun, quand McQ ne s’occupait pas des affaires derrière la caméra (Jack Reacher : Never go back ou La momie). Mais rétrospectivement, chaque échec constitua une étape nécessaire sur la pente ascendante d’un duo qui jouit aujourd’hui d’un statut aussi singulier que privilégié. Celui d’une principauté autonome en territoire hollywoodien, une entité juridiquement indépendante capable de faire prévaloir son droit coutumiersur les lois fédérales des majors.
Quel autre projet que Dead Reckoningaurait pu imposer lapoursuitede ses prises de vue en pleine explosion pandémique, au prix d’un protocole sanitaire qui provoqua l’envolée d’un budget déjà élevé et alors que toute l’industrie était à l’arrêt ? Quel autre acteur-producteur aurait pu mettre ses bijoux de famille sur la table et tordre le poignet de la Paramount qui voulait sortir Top Gun : Maverick directement en streaming ?
Rogue Nation
Tom Cruise et Christopher McQuarrie, ce sont des processus de création de films d’art et essais conjugués avec l’infrastructure des studios. Le commandement bicéphale d’un bateau pirate composé des meilleurs professionnelsdans leurs domaines respectifs (que seraient les cascades de Cruise sans Wade Eastwood pour en faire une réalité ?).
Exemple parfait de ce cosmos parfaitement aligné, Mission Impossible : Fallout. On pouvait craindre que McQuarrie ne brade la franchise sur l’autel de l’air du temps, en revenant derrière la caméra. Résultat ? Une mission impossible à prendre en défaut. De ses morceaux de bravoure qui s’inscrivent d’office dans la légende du cinéma d’action, à la brillance avec laquelle McQuarrie joue le jeu de l’univers étendu sans sacrifier la fluidité rectiligne d’un récit qui n’avance qu’en marche avant toute.
Sans oublier Tom Cruise, qui s’inclinait devant son public depuis le nouveau sommet qu’il venait de gravir. Le plus grand performer du monde rendait aux faiseurs de rois ce qui appartient aux spectateurs. C’est pas tous les jours qu’une montagne pose un genou à terre. On craignait l’épisode de trop, Tom Cruise réalisait son Impitoyable à lui. Rien que ça.
Et on ne reviendra pas sur Top Gun : Maverick plus que de raison. Sinon que le triomphe absolu et à tous les niveaux du film fit passer Cruise – et dans son ombre McQuarrie – à un stade supérieur de la force. La dernière star du cinéma américain devint le « sauveur » (dixit Steven Spielberg lui-même) de l’industrie sur ce côté-ci du rideau de fer, celui qui redonna sens à l’expérience en salle qui ne distinguait toujours pas la lumière du jour après la pandémie.
Même les montagnes se touchent
Bref, plus rien ne semblait ni impossible, ni infaisable pour le Messie et son prophète. « Tom et McQ » ne pouvaient que continuer à marcher sur l’eau, et Mission Impossible : Dead Reckoning part.1 ne pouvait que dépasser les précédents. On n’en attendait pas moins en tous cas. Et c’était sûrement trop.
Trop d’attentes, trop d’espoirs de lendemains encore plus merveilleux qu’hier. Trop d’ambitions aussi, peut-être, d’un point de vue tant logistique (voir la complexité affolante des scènes d’action) que narratif. Car pour le coup, les idées de Cruise et McQ s’avèrent cette fois un peu trop larges pour leurs épaules. C’est dire la taille des idées ! Enfin, surtout celles de McQuarrie, en fait. Explications.
Cette fois, la MIF (pour Mission Impossible Family) affronte une menace comme le monde et le cinéma n’en ont (presque) jamais connu : une IA, sujet d’actualité s’il en est. Ici, l’Apocalypse s’appelle l’Entité. Tentaculaire, dévorante, exponentielle. Un pouvoir surpuissant, incontrôlable, doté de sa volonté propre, qui suscite autant la peur qu’elle attise les convoitises. À charge pour Ethan Hunt et son équipe de faire une nouvelle fois cavaliers seuls contre tous pour débusquer l’anneau de pouvoir et le détruire dans les flammes de la montagne du destin.
La communauté de l’IA
La référence au Seigneur des anneaux n’est pas une coquetterie de style. L’ampleur du scope et de la quête sont ceux d’un Peter Jackson, et le concept propre à McQuarrie, fasciné depuis Usual Suspects par l’omnisciencedu mal. Celui qui se trouve partout et nulle part à la fois, dont l’absence sursignifie la présence, qui corrompt les cœurs et les esprits et s’imprime dans l’image et la rétine. Keyser Söze dans Usual Suspect, la dictature nazie dans Valkyrie, le Zek dans Jack Reacher, Solomon Lane dans Rogue Nation… Et maintenant l’Entité, donc, dans Dead Reckoning, son Sauron à lui, le Graal cauchemardesque du monde d’après. La quête d’une vie de cinéma qui prend possession du film, comme l’Entité s’empare du réseau mondial.
Or, c’est là que Mission Impossible : Dead Reckoning commence à couper les ponts avec la franchise. Il s’agit d’un film de cinéaste, moins en termes de style que de thématique. Autrement dit, Christopher McQuarrie ne réalise pas un Mission Impossible de Tom Cruise, comme c’est le cas avec tous les réalisateurs qui se sont attelés à l’exercice. C’est Tom Cruise qui joue dans un Mission Impossiblede Christopher McQuarrie. Comme si l’acteur/producteur avait refilé les clés de sa bicoque à son BF. La preuve ? La fameuse cascade en moto de Cruise, survendue comme LE climax du film, qui s’avère finalement une péripétie parmi d’autres du climax. Pas anecdotique, mais pas de quoi en faire tout un foin non plus.
Altered Carbon
Le constat est assez symptomatique de la place occupée par Ethan Hunt dans un film qui ne tourne plus nécessairement autour de lui. C’est plutôt au personnage de Haley Atwell, nouvelle venue dans la saga, qui découvre ce monde et ces codes que l’on connaît par cœur avec des yeux de néophyte, que revient l’honneur d’incarner le point de vue du spectateur. Une excellente idée de scénariste (et un superbe choix de casting) qui résume bien la situation : Tom Cruise n’est plus souverain en son royaume et cherche un peu sa place. Comme Néo finalement qui devait retrouver la sienne après avoir découvert qu’il n’était pas l’élu dans Matrix Reloaded.
Là encore, comparaison n’est pas raison, mais pas usurpée pour autant. McQuarrie casse le moule de la franchise et les acquis du spectateur à son égard, comme les Wachowski ont pu le faire sur le diptyque Reloaded/Revolutions. Falloutdevait bien marquer la fin d’un cycle, et de Mission Impossible dans les règles de l’art et du Cruise Control. « Le monde a changé » ne cessent de répéter les personnages, et dans celui-ci. Éthan Hunt ne se situe plus au centre du game. À l’instar de sa première entréedans le champ, suggérant que le personnage est désormais devenu un homme de l’ombre.
Au fond pourquoi pas, les crimes de lèse-majesté constituent un moyen de réinvention comme un autre. Mais on émettra quelques réserves sur la façon dont McQuarrie nous fait passer dans le monde d’après.
Vertical Limit
Notamment en débullant, c’est-à-dire en inclinant la moitié de ses plans pour tordre le réel à l’aune de sa nouvelle menace. Sur le fond ça se tient, sur la forme c’est moins évident. N’est pas Brian De Palma qui veut. Les dutch angles ressemblent moins à un parti-pris forgé sur la longueur qu’à une solution qui s’est imposée pour parer à l’urgence d’un tournage sous haute tension sanitaire. D’autant plus à l’aune d’une direction artistique moins élaborée que ce à quoi nous ont accoutumé les MI.
Le déficit esthétique de l’ensemble n’a rien de rédhibitoire en soit et pourrait même se mettre au crédit de la production, qui a affronté une pandémie mondiale vent debout au pire moment possible. Mais c’est aussi révélateur d’un film traversé d’idées souvent supérieures à leur exécution. Les scènes de baston s’avèrent moins bien conçues qu’elles ne sont pensées, le retour de personnages issus des épisodes précédents est un chouia déceptif et l’IA elle-même se révèle finalement à peine plus retorse que Solomon Lane dans Rogue Nationet Fallout.
Pourtant, McQuarrie réussit par à-coups à incarner son mal immanent et à métastaser l’image et l’inconscient du spectateur par son évocation. Notamment à l’aune de sa capacité à transformer un texte ardu et monstrueusement dense en plaisir de mise en scène immédiat. Mais Dead Reckoning est un film qui fonctionne par fulgurances davantage que par blocs, alterne entre les sommets de la saga et ses plats reliefs. En l’occurence, une IA qui n’existe que lorsqu’on parle d’elle. Revoir les précédents films de la saga pour comprendre que McQuarrie a déjà rencontré beaucoup plus de réussite sur ce point.
Nobody does it better
Entre deux temps morts, la franchise y trouvera néanmoins de quoi nourrir ses highlights. Notamment un guet-apens vénitien qui permet à McQuarrie de s’approcher plus près qu’il ne l’a jamais fait de l’abstraction des formes, et où le pas de course légendaire de Tom Cruise prend des accents d’un lyrisme d’autant plus déchirant qu’il est pour la première fois voué à l’échec. Tom Cruise, encore et toujours la clé de voute de la saga… Même quand elle commence à ne plus être tout à fait la sienne. Mais peut-elle vraiment se le permettre ?
Car au fond, c’est peut-être le vrai problème du film : Cruise n’est pas à la place qui devrait être la sienne, et sa persona n’est plus engagée dans l’histoire comme avant. Et de fait, Dead Reckoningn’a pas grand-chose à ajouter sur l’Odyssée de l’Atlas du cinéma américain. Oui, il semble effectivement se faire rattraper par la patrouille plus qu’auparavant. Oui le film brandit le combat de l’acteur contre la digitalisation du Blockbuster à travers celui de son personnage contre l’IA… Mais bon, rien de neuf sous le soleil. Top Gun : Maverick en parlait déjà, et en mieux car Cruise était aussi le sujet du film. En comparaison, ce Dead Reckoninga des allures d’interlude.
Au fond Tom Cruise ne peut être que roi dans son propre royaume, et tant pis pour la politique des auteurs. Le sort de la franchise est plus que jamais lié au sien, et la semi-déception de ce Dead Reckoning part.1 fournit une réponse à la question qui se pose depuis Protocole Fantôme : Mission Impossible sans Tom Cruise, c’est niet.
À voir si le deuxième volet entérinera une sortie de scène qui semble inéluctable (voire nécessaire), ou trouvera le moyen de remettre une pièce dans la machine. « Le monde a changé, M. Hunt » : après ce Reloaded, Mission Impossible : Revolutions ?
Bande-annonce : Mission impossible : Dead Reckoning, partie 1
Fiche Technique : Mission impossible : Dead Reckoning, partie 1
Titre original : Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One
Réalisation : Christopher McQuarrie
Scénario : Christopher McQuarrie, d’après l’œuvre de Bruce Geller
Casting : Tom Cruise (Ethan Hunt), Hayley Atwell (Grace), Rebecca Ferguson (Ilsa Faust), Simon Pegg (Benji Dunn), Ving Rhames (Luther Stickwell), Vanessa Kirby (Alanna Mitsopolis)…
Direction artistique : Marco Furbatto
Décors : Gary Freeman
Costumes : Jill Taylor
Photographie : Fraser Taggart
Montage : Eddie Hamilton
Musique : Lorne Balfe
Production : Tom Cruise, Christopher McQuarrie et Jake Myers
Production déléguée : David Ellison, Dana Goldberg et Don Granger
Budget : 290 millions de dollars
Genres : espionnage, action
Durée : 163 minutes
Dates de sortie :
France : 12 juillet 2023
États-Unis : 14 juillet 2023
Sociétés de production : Paramount Pictures, Skydance Prods
Distribution France : Paramount Pictures France
Pierre Jolivet réalise des films depuis 1985. Certains, comme La Très très grande entreprise (2008), étaient déjà (très) engagés. Les Algues vertes, coscénarisé avec la journaliste Inès Léraud (dont l’enquête a déjà fait l’objet d’une bande dessinée), n’échappe pas à la règle. Le film brosse le très beau et doux portrait d’une femme forte, porté par le jeu subtil de Céline Sallette, tout en rendant hommage aux protagonistes ayant « lancé l’alerte » sur un sujet qui réveille encore la censure ou le rejet politique et d’une partie du monde agricole breton (voir la projection bousculée en Bretagne ou les propos récents d’hommes politiques). En salle depuis le 12 juillet.
Lorsque ses producteurs lui proposent de faire un film à partir de la BD Algues vertes, l’histoire interdite, Pierre Jolivet peine à voir se dessiner un récit de fiction. La BD, illustrée par Pierre Van Hove, est en effet très documentée. Cependant, le réalisateur a la bonne idée de faire appel à Inès Léraud pour écrire le scénario de son film, mais aussi et surtout d’axer son propos autour de la figure de la journaliste.Les Algues vertes, en plus de raconter l’histoire d’un scandale, devient un portrait de femme. Une femme qui écoute, qui regroupe les informations et qui cherche à faire émerger la vérité. Quand Pierre Jolivet dit « l’héroïne, c’est elle », il n’a pas ! Le film n’apporte donc pas d’informations supplémentaires à la BD ou à l’enquête menée par Inès Léraud dans son Journal Breton (diffusé sur France Culture dès 2016). Cependant il offre un sursaut d’humanité à cette quête de vérité. Avec son micro et son casque, Inès fait émerger la parole, se heurte aussi au silence, à la peur et à la violence, l’intimidation. Elle sera déclarée morte sur Wikipédia. Quant à une autre journaliste, Morgane Large, ce sont ses pneus qui seront un jour déboulonnés. Autant d’ingrédients tirés de la réalité qui font des Algues vertes un film d’enquête, de témoignage, presque un reportage.
« Sur la plage empoisonnée »
On a beaucoup comparé cette héroïne de cinéma à Erin Brockovich dans Erin Brockovich, seule contre tous (Steven Soderbergh, 2000). Or, on peut aussi penser au plus récent La Fille de Brest, Inès Léraud ayant mis sa vie entre parenthèse pour s’installer en Bretagne, où elle vit toujours, et commencer à enquêter, comme une obsession. C’est un dossier remis entre ses mains, presque jeté, qui va la lancer sur la piste des algues vertes, sujet qu’elle ne lâchera pas avant de l’avoir épuisé. Très didactique, le film revient sur le fond de l’histoire d’algues vertes, à travers les différentes étapes de la mise au jour de leur dangerosité et de leur plus que probable responsabilité dans la mort d’animaux et d’hommes (c’est en tout cas le parti pris du film et ce que documente Inès Léraud depuis 2016). Car Inès n’est pas seule, mais soutenue par sa compagne Judith, à laquelle elle raconte son enquête, ses obstacles et tente de rendre limpide un sujet complexe, celui de l’agriculture et de l’agroalimentaire bretons. Ce personnage, absent de la BD tout comme la figure d’Inès Léraud qui s’efface au profit de l’émergence de la parole, vient aussi exprimer l’amour, le lien qui naît entre elle et le paysage Breton. On pense notamment au très bel arbre de leur jardin ou encore au chien que Judith adopte, comme aux mots qu’elle écrit et lit à sa compagne. Dans le film, Inès ne décroche qu’une fois son émission brutalement arrêtée. Elle sombre puis renaît auprès de chèvres dont elle s’occupe avant de se relancer dans la bataille à travers un autre combat, plus humain cette fois, concernant Rosy, l’épouse de Jean-René Auffray, décédé en 2016 lors d’un jogging le long de la rivière Le Gouessant. Les rencontres entre Inès et Rosy sont des temps forts du film, des moments où le travail d’Inès bascule dans l’obsession, la volonté d’accompagner un combat dont elle se sent désormais partie prenante et non plus simple messagère.
La jeune femme et la mer
L’humanité, c’est ce sur quoi se recentre le film de Pierre Jolivet. Si la bande dessinée débute par un cheval mort sur la plage, Les Algues vertes version cinéma démarre sur la mort d’un joggeur en 1989. Dans les interviews, ou plutôt les rencontres qui sont retranscrites dans le film, Pierre Jolivet s’intéresse aux regards, aux silences, aux sensations de chacun. Au travers des visages, de la répétition des questions, des obstacles et des constats, de la mort notamment de Thierry Morfoisse que ses proches doivent sans cesse raconter pour qu’elle soit reconnue, Pierre Jolivet reconstruit lui-même une enquête dans l’enquête avec son film. Une enquête qui peut déranger. Les obstacles ont été nombreux autant pour Inès que sur le tournage. Tournage qui n’a duré que six semaines et qui raconte aussi l’amour d’Inès pour la Bretagne, tous ceux qui refusent de la voir défigurée et que la mort puisse y survenir. Les Algues vertes est donc aussi une histoire d’amour de la terre, de l’agriculture qui respecte la terre et d’une volonté de dire stop à la surproduction. On y voit le personnage d’Inès se jeter dans la mer, y nager à corps perdu, vouloir que ce geste tout simple puisse continuer à exister, sans que la menace de la mort ne vienne tout pourrir. C’est avant tout l’histoire d’une femme qui lutte, à son corps défendant.
Une actrice combattive pour un film nécessaire
Après Rouge (Farid Bentoumi, 2020), Céline Sallette offre de nouveau son corps qui habite l’écran et sa voix parfois fluette, emplie de douceur, (pourtant souvent grave) à ce personnage de journaliste engagée (la première enquête d’Inès Léraud l’a menée sur les traces du mal qui rongeait sa propre mère). Céline Sallette, Pierre Jolivet l’a découverte dans Infiniti, il raconte : « J’adore sa présence, la façon dont elle occupe l’espace avec son corps. Cela m’a donné très envie de la filmer. Par chance, elle a tout de suite accroché au scénario, et la rencontre avec Inès s’est très bien passée. » Une actrice dont les rôles sont rarement anodins. Les Algues vertes, sans être révolutionnaire, est un film nécessaire. Il offre des plans larges, parfois resserrés sur le visage de l’actrice qui parle véritablement face caméra. Il raconte un combat, un scandale, un modèle qui s’écroule et que des politiques tentent encore de faire tenir debout quitte à nier des évidences dans une indifférence quasi générale. Combien d’Inès Léraud se lèvent aujourd’hui pour regarder le monde en face, l’écouter, en retranscrire la parole et surtout ne rien lâcher ? Les Algues vertes est de ces films qui donne envie de réagir et de combattre.
A lire : La BD : Algues vertes, l’histoire interdite.
Les Algues vertes : Bande annonce
Les Algues vertes : Fiche technique
Synopsis: À la suite de morts suspectes, Inès Léraud, jeune journaliste, décide de s’installer en Bretagne pour enquêter sur le phénomène des algues vertes. À travers ses rencontres, elle découvre la fabrique du silence qui entoure ce désastre écologique et social. Face aux pressions, parviendra-t-elle à faire triompher la vérité ? Adaptation des Algues vertes – l’histoire interdite, la bande dessinée d’Inès Léraud et Pierre Van Hove, tirée de l’enquête menée par Inès Léraud sur le scandale des algues vertes.
Réalisateur : Pierre Jolivet
Scénario : Pierre Jolivet, Inès Léraud
Interprètes : Céline Sallette, Nina Meurisse, Julie Ferrier, Pasquale d’Inqua, Clémentine Poidatz, Jonathan Lambert, Adrien Jolivet
Photographie : Olivier Boong Jing
Montage : Yves Deschamps
Production : 2.4.7 Films
Distributeur : Haut et court
Durée : 1h47
Genre : Drame
Date de sortie : 12 juillet 2023
Docteur en études cinématographiques, David Da Silva poursuit son exploration du cinéma américain à l’heure du trumpisme. Dans un ouvrage paru aux éditions LettMotif, il étudie la manière dont les thèmes de prédilection – et les obsessions – du 45e président des États-Unis ont infusé à Hollywood. Certains cinéastes s’en sont fait l’écho, d’autres ont pris le parti de s’en distancier, parfois ouvertement et radicalement.
Avant même son ascension à la Maison-Blanche en 2016, Donald Trump a transformé non seulement la politique, mais également la société américaine dans son ensemble. Le trumpisme a en effet engendré de profonds clivages, orienté la politique selon des axes particuliers et mobilisé un électorat spécifique et relativement bien identifié. Dans un pays plus que jamais polarisé, l’Américain moyen et rural, victime de la mondialisation et de ses travers, s’est vu réhabilité. Socialement, le discours divisif du milliardaire a accentué les tensions raciales et identitaires, alimentant des mouvements tels que Black Lives Matter et #MeToo.
La politique de Donald Trump s’est concentrée sur quelques enjeux mobilisateurs : le nationalisme économique, l’immigration restrictive et le désengagement de certains accords internationaux, quand la parole, libérée, s’en prenait ouvertement aux minorités – dont les femmes et les latinos – et aux Démocrates – souvent dans une veine volontiers complotiste. La base électorale de Trump est principalement composée de travailleurs de la classe ouvrière blanche, touchés par la mondialisation et désireux de changement. Un « peuple oublié » qui a permis à Donald Trump de remporter des États-clés autrefois acquis aux Démocrates, comme la Pennsylvanie, le Michigan et le Wisconsin. Et c’est cette Amérique reléguée à l’arrière-plan d’une mondialisation malheureuse qui, comme le note David Da Silva, va se voir mise à l’honneur dans le Hollywood pro-Trump concomitant à sa présidence.
Les films en résonance avec le trumpisme
Dans une sélection de films trumpiens dont la pertinence nous est patiemment démontrée, certaines figures hollywoodiennes ressortent clairement. Parmi elles, on retrouve notamment Clint Eastwood, Gerard Butler, Peter Berg ou John Lee Hancock. Le premier a ouvertement soutenu Donald Trump avant de s’en détacher au profit de l’ancien maire de New York Michael Bloomberg. Plusieurs de ses films, dont Le 15 h 17 pour Paris, La Mule ou Le Cas Richard Jewell, s’inscrivent précisément dans la ligne idéologique défendue par le 45e président des États-Unis. Et pour cause : un héros ordinaire jeté en pâture à la presse et soupçonné à tort, un vieillard blanc, héroïque à sa manière, faisant face aux trafiquants de drogue mexicains, de valeureux Américains déjouant un attentat dans un train bondé en Europe, tous semblent concourir à la mise en saillie des tropes de Donald Trump.
De leur côté, Gerard Butler affronte un État profond hostile et manipulateur dans La Chute du Président, Peter Berg multiplie les longs métrages « Trump-compatibles », John Lee Hancock prend à témoin un « déplorable » aux airs de parfait faux coupable (Une affaire de détails) et même Michael Bay y va de son petit 13 Hours, pas avare en miliciens menaçants et sanguinaires (et accessoirement arabes). De l’entrepreneur visionnaire au travailleur déclassé en passant par l’islamiste ou le caïd latino, Hollywood s’est largement penché sur les figures généralement associées au trumpisme. Même la Chine, ou plus largement l’Asie, se retrouve en bonne place dans l’essai de David Da Silva, avec des films tels que Le Mans 66 (cité à plusieurs reprises) ou 22 Miles (Peter Berg).
Les films en rupture avec le trumpisme
La vague d’indignation et de réflexion critique relative au trumpisme s’est infiltrée jusque dans les arcanes de l’industrie cinématographique hollywoodienne. Un peu à la manière d’une caméra Panavision capturant en panoramique une scène bouillonnante, Hollywood a saisi les failles de la présidence Trump. Il a offert une représentation problématisée de la dynamique du pouvoir, mais aussi du racisme et des inégalités sexuelles qui ont impacté la nation américaine.
Dans BlacKkKlansman, de Spike Lee, le KKK s’érige en miroir au trumpisme, un trait d’autant plus évident que la complicité affichée entre Trump et le leader suprémaciste David Duke demeure incontestable. Get Out, de Jordan Peele offre de son côté une allégorie glaçante de l’appropriation culturelle et raciale, une mise en abyme de l’impérialisme blanc qui se déguise en progressisme libéral. Detroit, de Kathryn Bigelow se présente quant à lui comme une fresque d’une actualité brûlante, mettant en scène les ravages du racisme institutionnel et la marginalisation des minorités, thèmes tristement échos du discours belliqueux de Trump. Vice d’Adam McKay se pourfend d’une biographie impitoyable de Dick Cheney et établit des ponts avec Steve Bannon, le conseiller spécial de Donald Trump.
La déconstruction de la masculinité toxique a également été une réaction à la rhétorique misogyne de Trump, comme dans Le Dernier Duelde Ridley Scott. Ce film s’attaque de front aux violences sexuelles, une problématique qui a ébranlé Hollywood avec le mouvement MeToo. Scandale, qui montre en sus explicitement Donald Trump à l’écran, s’inscrit évidemment dans ce même mouvement. Cependant, le cinéma hollywoodien n’a pas toujours été univoquement anti-Trump. Des films comme Nomadland, The Banker et Joker ont offert une critique nuancée et plus complexe du paysage social américain, évoquant la précarité économique, la corruption institutionnelle et l’exclusion sociale sans prononcer de condamnation définitive du 45ème président.
Hollywood et Trump, une multiplicité d’états
De tous temps, le cinéma hollywoodien a démontré la capacité du septième art à agir comme une critique, frontale ou circonstanciée, de la réalité contemporaine. Il est rappelé que le Nouvel Hollywood des années 1970 et l’action movie des années 1980 répondaient à des logiques différentes, en prise directe avec le climat politique de l’époque. Qu’il vienne en appui ou en rupture avec le trumpisme, le cinéma trumpien tel que défini par David Da Silva a su saisir l’essence des divisions politiques américaines, confrontant le spectateur aux controverses et tropes qui ont accompagné la présidence du célèbre milliardaire. Ce second tome de Trump et Hollywood dresse à cet égard un panorama bien documenté, finement analysé et très utile à la compréhension des ressorts narratifs hollywoodiens sous l’ère Trump.
Trump et Hollywood : Le Cinéma trumpien, David Da Silva LettMotif, juin 2023, 250 pages
Signé Noémie Barsolle, Belge née à Paris où elle a fait ses études, cet album en neuf épisodes – comme les neufs mois d’une grossesse – vaut pour son beau noir et blanc et pour une certaine fantaisie complètement débridée
À peine sortie de l’adolescence, Léonie vit dans une banlieue anonyme où elle s’ennuie ferme. Se savoir enceinte (suite à un « coup d’un soir » pour utiliser son vocabulaire) met de l’animation dans sa vie. Va-t-elle garder le bébé ? Et si oui, pourquoi ? La vraie raison ne sera jamais claire, à l’image de la mentalité de Léonie qui, dans bien des situations, se laisse convaincre trop facilement par celles (surtout) et ceux qu’elle croise. Or, on sait qu’une jeune femme enceinte de façon imprévue se trouve en situation de faiblesse mentale, ce qui peut l’amener à croire le ou la première venue. C’est ainsi que l’imagination de Noémie Barsolle part dans des délires successifs.
Influences
On remarque que les prénoms Léonie et Noémie sonnent de manière très similaire. On vit donc les mésaventures de Léonie comme si c’étaient celles de Noémie. La trame narrative prend sa source du côté l’angoisse très féminine de donner naissance à un monstre. D’ailleurs l’illustration de couverture confirme que tout se passe dans sa tête. On sent chez la dessinatrice l’influence de l’ambiance des films d’horreur, probablement aussi d’Halloween et également son goût pour la science-fiction et les super héros qui sauvent le monde. De plus, elle a été marquée par l’épidémie de Covid. En effet, elle imagine une série de naissances de bébés monstrueux, méchants au point de devenir des tueurs qui mangent carrément leur génitrice. Le côté amusant c’est que si cela fonctionne dans une BD qui visiblement ne se prend pas au sérieux, on se dit qu’au vu des tailles relatives, un bébé ne peut pas en arriver là. Mais, allez faire comprendre cela à une future mère qui culpabilise inconsciemment d’avoir couché avec un « mauvais garçon » et qui entend ce genre d’informations alarmistes…
Noémie Barsolle en remet une couche
La dessinatrice se lâche complètement ici, réussissant à boucler une BD qui se tient malgré tout et qui amuse par ses exagérations aux limites de la naïveté. Ainsi, elle joue avec une incroyable collection de clichés : les confidences entre copines, les angoisses prénatales allant jusqu’à la paranoïa, les comportements sociaux codifiés jusqu’à la caricature, mais aussi les extra-terrestres qui cherchent à envahir la Terre, en enchainant les péripéties et retournements de situations comme si elle prenait pour modèles les feuilletons bas de gamme dont certain.e.s se gavent pour oublier la médiocrité de leur quotidien. Cette BD se lit donc – rapidement – avec un certain amusement. Et si la dessinatrice montre sa volonté d’aller au bout de ce qu’elle entreprend, le meilleur ici est à chercher du coté des dessins (pas plus de cinq par planche, dont trois planches doubles, dans un noir et blanc de qualité), avec une fantaisie certaine pour la représentation de ses personnages, mais un scénario qui, à force d’aligner les clichés, n’agit qu’au second degré (et encore). À noter qu’à partir de l’épisode 5, quelques lignes viennent résumer la situation, ce qui laisse entendre que cette histoire de Noémie Barsolle serait parue initialement sous forme de feuilleton, probablement dans son fanzine Snack fatal où l’éditeur (très confidentiel, pour ne pas dire underground) serait aller la pêcher.
Ugly babies, Noémie Barsolle La Cinquième Couche, septembre 2022
L’Heure des femmes est le septième roman de l’autrice, blogueuse et journaliste Adèle Bréau. Après le succès de Frangines (2020), la romancière et directrice de la rédaction de Terrafemina parle de nouveau au féminin en racontant et romançant l’histoire de sa grand-mère. Menie Grégoire est recrutée par RTL pour une émission de radio qui a pour objectif de faire parler les auditrices, devenir leur confidente, c’est alors que le succès est au rendez-vous. Que reste-t-il de cet héritage cinquante ans plus tard ? La réponse avec l’enquête d’Esther, documentariste qui se replonge dans cette histoire des femmes et de leurs questionnements.
Avec son émission de radio, Menie Grégoire, bourgeoise recrutée par RTL, découvre et surtout fait découvrir la vie des femmes. À l’image du personnage d’Emmanuelle Béart dans Les Passagers de la nuit qui écoute et recueille des paroles désœuvrées, Menie est la voix des femmes. Au-delà d’une simple écoute, elle interagit clairement avec toutes les femmes, quitte à intervenir aussi dans leurs vies. L’objectif ? À la fois aborder des sujets tabous du féminin pour l’époque (les années 70) et s’entraider. Menie Grégoire et aujourd’hui Adèle Bréau avec son roman nous parlent de sororité, mieux la font vivre réellement. Tout commence dans le roman en 1932 quand la petite Marie, treize ans, se choisit un prénom plus « guerrier ». Ce sera Menie qui veut dire « Marie » en vendéen… Un hommage dit-elle à celles qui ont combattu, mais qu’on ne nomme quasiment jamais. Pourtant, sa mère insiste, et lui rappelle que c’est inconvenant pour une jeune fille de se battre, de faire des « jeux d’hommes ». « Menie regarde sa mère disparaître tel un fantôme (…) Menie ne comprend pas pourquoi elle paraît si peu épanouie dans une vie qu’elle a pourtant choisie » écrit plus loin la romancière. Et Menie de s’interroger sur son lien avec sa mère qu’elle aime mais dont elle se sent si éloignée côté préoccupations. Déjà dans l’église la voix de l’adolescente « s’impose » à côté de son père qui écoute, après avoir recueilli des vagabonds, des récits de « vie(s) cabossée(s) ». Tout est là qui s’écrit pour Menie : le choix, la voix, le désir d’écouter, de transmettre. Adèle Bréau par ce tout premier chapitre, le seul consacré à Menie avant la radio, construit une destinée romanesque pour sa grand-mère dont elle raconte une période de la vie. On passe ensuite directement aux années 6o-70. En parallèle, nous sommes en 2021 et Esther, qui se remet à peine d’une rupture, va elle aussi bientôt prendre son destin en mains. Il y aura aussi Suzanne et sa soeur Mireille, l’émission de radio changera bientôt leurs vies. Une émission commencée en 1967 et qui durera jusqu’en 1981.
Esther a droit au « je » comme si elle était le double de la romancière qui s’est plongée dans le passé de sa grand-mère pour livrer un récit exaltant sur la parole des femmes, leurs corps et leurs désirs. Esther doit se « reconstruire », elle dit qu’elle n’a « rien que le soulagement d’avoir mis un océan entre mon passé et moi ». Bientôt, elle aura Menie dans sa vie et un désir d’écrire plus grand que la simple collecte d’info pour la nouvelle collection d’un éditeur qui ne s’intéresse plus vraiment à elle. La collection, c’est dans l’air du temps, s’appelle « Femmes d’influence ». Adèle Bréau alterne entre ces deux temporalités, ces deux destins de femmes qui s’entremêlent sans jamais pour autant se rencontrer. À travers leurs deux voix, d’autres histoires se dévoilent, des femmes se détachent. L’écriture est habile, fluide, les questionnements frontaux, réalistes et ceux de 1967 résonnent encore avec notre actualité, comme si mai 1968 n’avait été qu’un lointain souvenir d’émancipation. Finalement pigée dans son histoire d’amour étouffante, destructrice, l’Esther de 2021 était-elle plus libre que la mère de Ménie en 1932 ? La question se pose et les histoires se tissent, résonnent et se répondent. Un grand récit du féminin, de l’entraide et du désir d’être pleinement soi, au moins le temps d’un roman. L’Heure des femmes se termine quasiment sur la création, en 2023, d’une association d’aide aux femmes battues, comme une nouvelle sororité qui s’écrit, une envie de sortir la tête haute et de penser, comme Esther à la fin du livre que la nouvelle journée n’est plus répétitive mais « pleine de promesses ».
L’heure des femmes
Résumé éditeur : Paris, 1967. À l’aube de la cinquantaine, Menie, mère de famille bourgeoise, est recrutée par la radio RTL qui a décidé de renouveler ses programmes. Son rôle ? Faire parler les auditrices. En quelques semaines, c’est la déferlante. Les femmes de la France entière se confient à « la dame de coeur ». Bientôt, à l’heure de la sieste, elles seront des millions à suivre l’émission avec passion. Parmi elles, Mireille et sa soeur Suzanne, qui découvrent qu’elles aussi pourraient maîtriser leur destin. Quant à la vie de Menie, partagée entre le tourbillon d’une société libérée par Mai 68 et les tourments qu’on lui livre, elle en est totalement bouleversée. Cinquante ans plus tard, Esther, une documentariste qui peine à se reconstruire, va replonger dans ces années pas si lointaines où le sort des Françaises semble d’un autre âge.
L’Heure des femmes, Adèle Bréau JC Lattès, janvier 2023, 324 pages
Thelma & Louise, un film féministe de Ridley Scott qui se dresse comme un poing et qui ne peut laisser indifférent. Un road movie en compagnie de deux femmes, deux amies qui vont transcender leurs limites.
Les premières images de Thelma & Louise nous invitent au voyage, au dépaysement avec cette longue route de terre battue traversant l’Amérique profonde et ses paysages désolés et solitaires. Puis tout à coup, on bascule dans la civilisation et on atterrit dans une cafétéria avec son bruit de fond, sa clientèle et ses employés qui s’activent. Une serveuse émerge et nous faisons connaissance avec Louise. Elle prend le téléphone et c’est Thelma qui décroche, deuxième protagoniste de cette histoire. Elle est échevelée, pas très fraîche et plutôt stressée. Finie l’impression de zen offerte par les premières minutes du film.
Thelma et Louise, deux femmes aux tempéraments totalement opposés. L’une, Louise, femme de tête, posée, réfléchie, rude, active ; l’autre Thelma, exubérante, imprévisible, une bombe d’émotivité rentrée qui ici se libère. Deux personnages et aussi deux actrices : Susan Sarandon, dans le rôle de Louise et Geena Davis dans celui de Thelma. Toutes deux solaires, c’est leur point commun. Elles irradient cette histoire de leur présence et l’alchimie entre elles fonctionne parfaitement.
Ces deux amies ont décidé de prendre un week-end de détente bien mérité : Louise, loin de son travail éreintant et Thelma loin de son mari dont on comprend très vite qu’il s’agit d’un macho de la dernière espèce. Quoi de mieux qu’une bonne partie de pêche, loin du quotidien, loin des soucis et de la presse habituelle !
Et les voici parties, musique à fond. Thelma, cheveux au vent, de femme soumise qu’elle s’est montrée quelques minutes plus tôt, nous apparaît maintenant libérée, décidée à vivre à fond cette virée. Tandis que Louise, les cheveux rassemblés dans son foulard est concentrée sur le but et pressée d’arriver. Et nous voici partis avec elles.
Un road movie a généralement une portée initiatique, on part de quelque part, on arrive ailleurs et entre les deux quoi qu’il se passe, un changement s’opère. On ne revient pas tel qu’on était partis. Pour ces deux femmes, le voyage initiatique arrivera au plus loin qu’il puisse aller, nous laissant sans voix dans son dénouement sans demi mesure. Le scénario a d’ailleurs été construit à partir de cette séquence finale coup de poing. Mais pour l’instant, Thelma et Louise, roulent gaiement, sans se poser de questions, bien décidées à profiter de leur week-end.
Bien sûr, on l’attend, c’est inévitable : l’évènement perturbateur ! Il arrive dès la 20e minute du film. A partir de ce moment tout bascule. Vous est-il déjà arrivé de faire quelque chose et de vous dire après coup : « qu’est-ce que j’ai fait ? » en voulant revenir en arrière sans le pouvoir. Vous est-il déjà arrivé de vous trouver dans une situation écrasante, que vous voudriez fuir mais que vous ne pouvez pas parce que vous l’avez provoquée ? Si oui, vous comprendrez Thelma et Louise.
A partir de ce moment là, la petite virée prend un tour bien différent, les deux femmes doivent faire face à l’évènement et vont puiser en elles-mêmes des ressources de force et d’inventivité insoupçonnées qui les mènera jusqu’au Grand Canyon et au-delà …
Jusqu’à cette destination finale, ce sont les paysages de l’Amérique profonde qui défilent sous nos yeux, sous un soleil écrasant, tandis que l’asphalte dégage sa brume et que la route s’étire paresseusement et interminablement.
Tout au long de leur périple, elles auront à faire aux hommes et le moins qu’on puisse dire, c’est que dans ce film, ils ne sont pas gâtés… Il y a très peu de personnages masculins positifs. Il y a tout de même deux exceptions et heureusement, sinon il y aurait eu quelque chose de trop manichéen dans l’histoire. Cette présentation négative des hommes a d’ailleurs suscité la critique à la sortie du film.
Thelma & Louise est clairement un film féminin et met en scène deux femmes qui s’émancipent et font front face à la violence masculine. Loin de se comporter en victimes, elles se libèrent au contraire et l’emportent à leur façon. Le scénario a été écrit par Callie Khouri, une femme fatiguée de voir à l’écran des femmes dans un rôle passif. Ici, ce sont elles qui prennent le volant et elles qui imposent le tempo. Les hommes n’ont plus qu’à s’adapter et à suivre ! Si Ridley Scott est le réalisateur du film, Callie Khouria a suivi tout le long le tournage du film et y a participé. Son implication a d’ailleurs été récompensée par l’Oscar du Meilleur scénario original
Plusieurs séquences sont emblématiques de la confrontation de ces deux femmes avec la violence masculine.
– En particulier les trois scènes où Thelma et Louise sont harcelées par un camionneur qui les domine du haut de son poids lourd. La dernière rencontre mettra un point final à la confrontation et elle sera à l’image du chemin intérieur parcouru par les deux femmes.
– Et également la fin du film où l’on voit, en plongée, les deux héroïnes traquées, minuscules et sans défense, mais déterminées que plus rien ni personne ne peut faire plier.
Thelma & Louise est un film qui divise parce qu’il est tout sauf aseptisé. On lui a reproché de faire l’apologie de la violence, mais l’attitude des deux personnages n’est pas idéologique. Ce sont deux femmes qui doivent faire face et qui se trouvent acculées face à des décisions qui ne cessent de les dépasser. Elles finissent par les assumer parce qu’elles leur sont apparues comme les seules possibles. C’est l’histoire de deux femmes désespérées, prises dans une situation désespérée, qui vont transformer leur impasse en victoire. Le propos est certainement excessif, il dérange mais il oblige à prendre position et c’est tout son intérêt.
Avant de quitter cette œuvre majeure, devenue culte, on ne peut manquer de signaler la présence de Brad Pitt. Thelma & Louise a lancé sa carrière. S’il tient un rôle secondaire, sa présence est également solaire à l’image des deux héroïnes et l’acteur ne pouvait pas passer inaperçu tant il est naturel.
Thelma & Louise, un cocktail d’émotions, une histoire riche en bonds et en rebonds, un film qui interroge et secoue, vous laissant libre au final de votre jugement sur les personnages et sur l’histoire.
Thelma & Louise – Bande annonce
Thelma & Louise – Fiche technique
Titre original : Thelma & Louise
Réalisateur : Ridley Scott
Scénario : Callie Khouri
Photographie : Adrian Biddle
Montage : Thom Noble
Producteurs : Ridley Scott, Mimi Polk Gitlin, Callie Khouri, Dean O’Brien
Maison de Production : Metro Goldwyn Mayer (MGM)
Distribution (France) : Europe Image
Durée : 129 min.
Genre : Road Movie
Date de sortie : 24 mai 1991 (États-Unis) – 29 mai 1991 (France)
