LeMagduCiné

Tous liés les uns aux autres, telle est la base d’un écosystème. Francisca Alegría réunit un traumatisme familial et une fable écologique à la même table, afin d’en étudier l’équilibre. Optimiste et poétique, La vache qui chantait le futur se définit comme une ode à la vie et une invitation à la renaissance.

Synopsis : Cecilia, chirurgienne à la ville, doit revenir précipitamment avec ses deux enfants à la ferme familiale, où vivent son père et son frère dans le sud du Chili. Au même moment, des dizaines de vaches sont frappées d’un mal mortel et la mère de Cecilia, disparue depuis plusieurs années, réapparaît.

Après une succession de courts-métrages remarqués et remarquables, dont la dystopie The Humming of the Beast – qui joue la carte de la mélancolie avant qu’un événement sépare définitivement une mère et son enfant –, c’est toutefois au crochet de And the Whole Sky Fit in the Dead Cow’s Eye que Francisca Alegría trouve toute l’inspiration pour prolonger la poésie d’un futur incertain, autant pour l’humanité que pour tous les êtres vivants qui constituent un écosystème fragile. Nombre d’entreprises privées s’agglutinent autour des points d’eau, en passant outre les normes visant à préserver l’environnement. C’est le cas pour l’usine à papier qui borde une rivière chilienne, à la fois source de vie et réservoir de mort.

Terre-Mère et ses enfants

Les poissons agonisent, les abeilles se sont envolées et les vaches se lamentent en chœur au nom de tous ces êtres vivants afin qu’on les entende, qu’on les considère et qu’on se mobilise rapidement. Lorsque la vie semble abandonner toute chose, une femme émerge d’une rivière que l’on soupçonne empoisonnée. La vie serait donc possible après la mort, de même qu’un avenir serait encore envisageable malgré une cohabitation turbulente entre la nature et l’humanité. Hayao Miyazaki en sait quelque chose. Et cette aura fantastique qui traverse le récit accompagne chaque bouffée d’air que la revenante consomme dans le silence et sans modération. Dans le même mouvement, cette dernière établit diverses connexions avec les êtres vivants qui l’entourent.

Une apparition similaire venait déjà interroger l’identité culturelle d’une famille entre le Japon et l’Indonésie dans Le Soupir des Vagues de Kôji Fukada. L’eau est à la fois un élément de destruction et de renaissance dans un récit aussi lyrique que celui de la cinéaste chilienne. De la même façon, difficile de ne pas penser au mysticisme d’El Agua, premier film de l’Espagnole Elena Lopez Riera, que nous avons pu découvrir plus tôt dans l’année. Pour cette autrice et réalisatrice, il s’agit de compiler ces mystères dans d’un exercice de style qui cherche à plonger son audience dans un état méditatif. L’intuition, la création, l’émotion, chaque séquence convoque notre sensorialité, sans jugement et avec humilité.

La narration prend ainsi le temps d’installer des signaux dans le ciel, au milieu d’une virée nocturne ou directement dans les yeux d’une vache qui vit ses derniers instants. Magdalena (Mia Maestro) partage alors de nombreux points communs avec ces animaux que l’on exploite pour un meilleur rendement de lait, pratique contre-nature qui met fin à l’équilibre du partage. C’est pourquoi elle est revenue de loin pour récupérer son dû, « répartie » en plusieurs tranches de vie qu’elle n’a pas pu satisfaire de son vivant, notamment auprès de son mari Enrique (Alfredo Castro). Sa soudaine réincarnation influe sur la famille qu’elle a laissée derrière elle, tout comme sa passion pour la moto. Sa trajectoire est donc opposée à ses enfants, qui ont également leurs démons à confronter.

Cecilia (Léonor Varela) est une chirurgienne assez instable, qui crée de la distance avec ses enfants, reproduisant ainsi l’échec cuisant de la maternité de sa mère. Elle refuse par exemple d’entendre que son enfant Tomás (Enzo Ferrada Rosati) soit transgenre. Quant à Bernardo (Marcial Tagle), le frère de Cecilia, difficile pour lui de reprendre l’entreprise familiale qui s’effondre avec les valeurs de la domination paternelle. La disparition de Magdalena constitue leur traumatisme commun et son retour insuffle alors plus de vie qu’on ne peut en trouver dans une famille qui se dispute à table et dans ses retrouvailles.

« Ce film m’a fait aimer encore plus tout ce qui existe, sans aucune hiérarchie », déclara Francisca Alegría. Bien que l’on s’évertue à justifier tel ou tel axe de réflexion, la véritable nature du projet réside dans ce que le film transmet. La vache qui chantait le futur est un testament d’une génération à la suivante, qui mobilise en premier lieu un espoir, celui d’un avenir où l’on pourrait guérir métaphoriquement de la mort. L’intrigue oppose constamment deux modes de vie, une remplie de joie et l’autre de mélancolie. Mais que l’on ne s’y trompe pas, car c’est bien dans les yeux des vaches que la réalité nous apparaît, que la douleur nous dévore et que le ciel s’assombrit. Pourtant, il n’est jamais trop tard pour rebondir, et c’est dans cette logique que le film parvient à nous envouter.

Un premier film discret que le Sundance Film Festival 2022 s’est arraché et qui mérite nos plus grands écrans pour en savourer chaque mélodie.

Bande-annonce : La vache qui chantait le futur

Fiche technique : La vache qui chantait le futur

Titre original : La vaca que cantó una canción sobre el futuro
Réalisation : Francisca Alegría
Scénario : Francisca Alegría, Fernanda Urrejola, Manuela Infante
Photographie : Inti Briones
Direction artistique : Bernardita Baeza
Musique : Pierre Desprats
Ingénieur du son : Javier Neira
Montage : Andrea Chignoli, Carlos Ruiz-Tagle
Montage son : Benoît Gargonne, Thomas Robert
Mixage son : Jean-Guy Véran
Etalonnage son : Lionel Kop
Production : Cinema de Facto, Match Factory, Wood Produciones
Pays de production : Chili, France, États-Unis, Allemagne
Distribution France : Nour Films
Durée : 1 h 38
Genre : Drame
Date de sortie : 26 juillet 2023

Aussi acclamé que détesté, Christopher Nolan est de ces réalisateurs inqualifiables qui ne font jamais l’unanimité. A l’exception de The Dark Knight, très peu de ses films trouvent une grâce totale auprès du grand public. « Trop complexe, trop expérimental, trop long, je n’ai pas compris la fin » ou au contraire « incroyablement riche, prodigieux, intelligent, la fin est géniale », Nolan continue de diviser, non sans créer une certaine fascination. Fervent défenseur des salles et des effets réels, on ne peut lui nier deux choses : son refus absolu de s’enfermer dans un genre et surtout, sa passion dévorante pour le cinéma.

« Le problème n’est pas l’énergie atomique… »

Comment présenter Oppenheimer ? Plutôt que de le décrire comme ce qu’il est, autant préciser ce qu’il n’est pas. Oubliez l’idée du film dédié à la création de la bombe atomique. Bien que cela tienne une part très importante du long-métrage, l’intégralité de ce projet biographique se concentre sur l’homme, avant, pendant et après la Seconde Guerre mondiale. Etablie sur plusieurs timelines, l’histoire narrée par Nolan se veut bien plus politique et psychologique que scientifique. Robert Oppenheimer est l’un des hommes les plus importants de l’histoire du monde, le film entend bien honorer au mieux les événements qui y sont liés. Durant trois heures, Oppenheimer tente d’expliquer le plus de choses possibles. Hors de question pour son réalisateur de bâcler les coulisses derrière la bombe ou d’expédier les retombées politiques et psychologies des bombardements. Et, in fine, on regrette presque l’absence de quelques séquences supplémentaires sur la Bombe A.

Disons-le franchement, le film peut faire peur au démarrage. Alternant entre ses différentes timelines, passant du noir et blanc (point de vue de Strauss), puis à la couleur sans prévenir (point de vue d’Oppenheimer), il est difficile d’établir les bons repères. A cela, il est tout même conseillé d’avoir de bonnes notions historiques sur le contexte géopolitique des Etats-Unis dans les années 30, le long métrage ne faisant que peu d’efforts pour expliquer les différentes situations. Puis, à peine avons-nous eu le temps de nous repérer que Nolan insère ses très nombreux protagonistes, tous exceptionnels. Oui, Oppenheimer est bavard, plus que tous les autres films de son réalisateur.

«… c’est le cœur  des Hommes. (A. Einstein) »

On aurait pu craindre une présence abusive de protagonistes dont on aurait débattu de l’importance dans le récit. Il n’en est rien. Pour porter ses dialogues et l’intensité psychologique de ses personnages, Christopher Nolan s’est entouré d’un casting d’anthologie. Véritable vecteur d’émotions et prodige d’acting, Cillian Murphy livre une prestation dantesque, toute en nuances et diablement impressionnante de J.Robert Oppenheimer. Mais de tous, on retiendra Lewis Strauss, qui marque le retour absolument fabuleux de Rober Downey Jr, cloitré entre 2008 et 2018 dans le rôle d’Iron Man. Si les deux acteurs seront sans aucun doute nommés aux oscars du cinéma (sauf bombe nucléaire sur l’académie lors des sélections), impossible de ne pas citer le reste du casting, tout aussi impérial. Matt Damon, Emily Blunt, Florence Pugh, Josh Hartnett, Casey Affleck, Rami Malek, tous sont absolument brillants et de nombreux autres restent à citer. On retiendra aussi la présence marquée de Dane Dehann et Alden Ehrenreich, deux acteurs fabuleux, délaissés par Hollywood après leurs échecs commerciaux respectifs. Un bonheur !

Porté par ses acteurs, Oppenheimer n’en reste pas moins écrit avec soin. Conscient de l’importance des faits relatés, Nolan joue habilement entre les différentes timelines, instaurant un réel suspens à travers cette narration inhabituelle, où l’on pourrait presque trouver deux films bien distincts. Oui, à moins d’être terriblement mauvais en histoire, nous savons d’entrée que le projet Manhattan réussit. En revanche, plus rares sont ceux à connaitre les évènements de l’après-guerre, du moins pour les principaux protagonistes. Trahisons, espionnage, conflits moraux et explosion intérieur de Robert Oppenheimer, le biopic est loin, très loin de s’arrêter aux terribles bombardements d’Hiroshima et de Nagasaki. La dernière heure, voire même l’intégralité de la deuxième moitié du film est un véritable sans faute, autant narratif qu’artistique.

Le Cinéma avec un C.

On s’en doutait. Comment parler de la création de la bombe atomique sans démontrer ladite bombe dans toute sa splendeur (et son horreur) ? Et à cela, Nolan frappe plus fort que n’importe qui. Sans rien dévoiler, sachez que le réalisateur prend à contrepied tout ce qui se fait dans l’industrie hollywoodienne. Oui, l’explosion (réelle et sans effets numériques, un pari absolument divin) se vit aux côtés de ses créateurs et offre un grand, très moment de cinéma, qui rentrera à coup sur dans les mémoires. Magistralement filmée et montée, la séquence dans son intégralité est un exemple de scène parfaite, aussi belle qu’horrifique. On saluera l’immense travail fait autour du son, qui justifie à lui seul la présence du spectateur dans une bonne salle. Les plus habitués aux grosses explosions assourdissantes de Michael Bay seront déçus, les autres resteront sous le choc, pendant et après la séquence, en voyant les créateurs heureux de leurs succès, face à une arme qui tuera plus 200 000 personnes. Le montage image également, bénéficie d’un travail d’orfèvre. Rien n’est laissé au hasard. Certaines transitions se font doucement, via de simples mouvements à 360 degrés de la caméra ou, a contrario, via un cut très brusque.

Evidemment, la gloire derrière Oppenheimer ne se limite pas à quelques minutes parfaites. Revenu à un genre plus terre-à-terre après des films à la complexité inutilement poussée (Tenet) ou très sensoriels (Dunkerque et Interstellar), Christopher Nolan puise dans tout son savoir-faire pour proposer un savoureux mélange de ce qu’il fait de mieux, excluant d’un revers de main ses habitudes reprochées par une partie du public. Filmé avec des caméras IMAX, on pouvait imaginer un blockbuster constitué de plans larges, prêts à accueillir les fabuleux décors présentés. Non. Pour la seconde fois, le réalisateur dévie de la trajectoire voulue par le format. La caméra est souvent très proche de ses protagonistes, insistant bien sur l’essentiel : l’œuvre raconte l’histoire des hommes et des femmes, pas l’histoire de l’arme qu’ils ont créée. Rassurez-vous, la photographie reste merveilleuse, supervisée par le très talentueux Hoyte Van Hoytema. Elle sert, comme le reste, un fabuleux biopic qui ne plaira pas à tout le monde, pour peu que l’on soit insensible à l’Histoire. Mais, difficile de nier une vérité : Oppenheimer est un biopic d’une puissance rare, à l’interprétation phénoménale et à la mise en scène qui fera date dans l’industrie cinématographique.

Bande-annonce : Oppenheimer

Fiche Technique : Oppenheimer

Réalisation : Christopher Nolan
Scénario : Christopher Nolan, d’après le livre – American Prometheus : The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer
Musique : Ludwig Goransson
Casting : Cillian Murphy / Robert Downey Jr / Emily Blunt / Matt Damon / Florence Pugh / Josh Hartnett / Casey Affleck / Dane DeHaan
Genres : Drame biographique / Historique
Production : Atlas Entertainement
Distribution : Universal Pictures / Sony Pictures Releasing
Montage : Jennifer Lame
Durée : 180 minutes
Sortie : 19 Juillet 2023 en salles

L’Étrangleur de Boston est un thriller haletant sur l’histoire vraie d’un criminel ayant sévi au milieu des années 60. Keira Knightley y livre une performance brillante et fulgurante.

Synopsis : Loretta McLaughlin, reporter au sein du quotidien Record-American, cherche à établir le lien pouvant exister entre les atroces meurtres de femmes commis en leur domicile depuis près d’un an dans la région de Boston. Alors que le mystérieux tueur fait de plus en plus de victimes – au point de provoquer une véritable psychose à travers tout Boston – Loretta tente de continuer son enquête aux côtés de sa collègue et confidente Jean Cole. Dans leur quête absolue de vérité, le duo se heurte au sexisme de l’époque et à d’autres dangers infiniment plus redoutables.

Une enquête aux mille couleurs sociales 

Loretta est journaliste dans une rubrique féminine (« Arts de vivre ») visant un public féminin. Alors qu’elle veut s’en éloigner, ses supérieurs (masculins) tentent de l’en dissuader, mais elle tient bon. L’affaire de l’Étrangleur de Boston lui apporte alors une toute nouvelle légitimité. Elle n’est plus considérée au regard de son sexe, mais au regard de son travail.

Du côté de sa vie personnelle, son mari s’occupe davantage des enfants et il reste plus souvent à la maison. Il a aussi un travail, mais moins prenant que celui de Loretta. Cette situation donne un nouveau point de vue sur la condition des femmes de cette époque, sachant que Loretta a réellement existé. Malgré ses doutes et son manque d’expérience, elle n’abandonne jamais, et tente de se faire une place dans un monde très masculin.

L’Étrangleur de Boston : et après ?

L’enquête entraîne Loretta et son associée, Jean Cole, dans des chemins bien plus épars que prévu. Plus l’enquête avance, plus les pistes se multiplient. L’enquête semble impossible à résoudre et elle s’étale. En cela, il est difficile de ne pas penser à Zodiac de David Fincher, sauf que l’Étrangleur de Boston ne cherche ni à communiquer avec la police, ni avec les journalistes.

D’ailleurs, plus l’enquête avance, plus Loretta s’attire les foudres de la police. Le métier de journaliste diffère de celui des policiers et selon eux, Loretta marche dans une zone qu’elle ne devrait pas fréquenter. Pourtant, leur travail n’est plus si différent lorsqu’il s’agit de mettre la main sur un criminel…

L’obscurité de l’esprit

À l’image de Zodiac, les couleurs sont obscures, vacillant entre le gris, le noir et quelques pointes de jaune pour rappeler l’époque dans laquelle l’histoire se déroule. Elles sont aussi peu contrastées. Ces plans ombrageux accentuent davantage la tension de L’Étrangleur de Boston et entraînent la perte des repères.

D’ailleurs, les bords du cadre sont souvent plus sombres au fur et à mesure que l’histoire avance. Loretta est de plus en plus encerclée et habitée par l’anxiété que lui procure cette enquête. Les arrières-plans flous intensifient cet effet, car elle est détourée comme si elle faisait seulement face à elle-même. Au-delà de retrouver le meurtrier pour apaiser la ville et les familles des victimes, Loretta doit résoudre cette affaire pour sa propre santé mentale.

Un encerclement permanent

Les décors renforcent l’encerclement, car ils enferment Loretta dans un espace confiné, que ce soit dans son bureau, sa maison ou dans les différents lieux où elle se rend. Ces lieux sont plus ou moins liés à l’Étrangleur de Boston, et la journaliste ne peut jamais respirer.

Par ailleurs, les plans sous souvent cadrés à hauteur de poitrine des personnages, ce qui les rapprochent de la caméra. Cet effet est intéressant car les plans poitrines sont souvent utilisés lors d’interviews journalistiques. Le réel rencontre une nouvelle fois la fiction.

L’Étrangleur de Boston : Bande-annonce

L’Étrangleur de Boston : Fiche technique

Titre original : Boston Strangler
Réalisation et scénario : Matt Ruskin
Musique : Paul Leonard-Morgan
Décors : John P. Goldsmith
Costumes : Arjun Bhasin
Photographie : Ben Kutchins
Montage : Anne McCabe
Production : Tom Ackerley, Josey McNamara, Ridley Scott et Kevin Walsh
Production déléguée : Michael Fottrell
Coproductrion : Janelle Canastra
Sociétés de production : 20th Century Studios, Scott Free Productions, LuckyChap Entertainment et Langley Park Productions
Sociétés de distribution : Disney+ (France), Hulu (États-Unis)
Langue originale : anglais
Genre : drame, thriller
Dates de sortie : 17 mars 2023

On peut toujours se méfier lorsque Netflix allèche nos babines de cinéphiles avec un high concept ou un postulat intéressant, car la plupart du temps ils sont mal exploités ou complètement ratés. Ce n’est pas le cas ici. En effet, Ils ont cloné Tyrone est un excellent foutoir – dans le bon sens du terme – qui mélange les genres et les tonalités avec brio. C’est super original, à la fois drôle et captivant, et doté en plus d’une patine rétro du meilleur goût. Un film cool et pertinent lorsqu’il tente une analyse sociétale en filigrane.

Synopsis : Un trio improbable d’agents enquête sur une série d’événements étranges. À cette occasion, ils découvrent l’existence d’un complot infâme au sein de leur société…

Ahhh Netflix (ou ses concurrents Prime, Apple, etc.) avec ses pitchs qui font saliver mais qui échouent royalement à transformer l’essai, de l’ultra décevant Plateforme au très moyen Awake, on ne compte plus les œuvres prometteuses, sur le papier et en amont, que la firme au N rouge nous a pondues pour finalement aboutir à de bien piètres résultats. Ainsi ce film sorti il y a deux ans, Project Power avec déjà Jamie Foxx en tête d’affiche, qui se révélait être un beau pétard mouillé mal fignolé et ne sachant jamais comment exploiter son excellent point de départ. Foxx semble d’ailleurs se spécialiser dans les blockbusters estivaux de la plateforme puisqu’il était, l’an passé cette fois, la star du sympathique film de vampires à la cool Day Shift. On le retrouve ici avec ce Ils ont cloné Tyrone réussi avec son concept bien  exploité. Mais sans crier au chef-d’œuvre non plus.

Il faut noter que le scénario faisait partie de la fameuse liste des scripts les plus excitants qui tournait à Hollywood il y a quelques années, et que c’est le premier film de Juel Taylor. On  peut louer la maîtrise avec laquelle il a réalisé un projet pas forcément facile de prime abord, tant il mélange les genres et les tonalités. Cela aurait pu aboutir à quelque chose de bordélique, dans le mauvais sens du terme, de méchamment protéiforme voire même d’incohérent. Ou tout simplement à un énième pétard mouillé. Ce n’est pas le cas et on suit cette joyeuse dinguerie pleine d’idées avec grand plaisir.

Si le premier quart d’heure est un peu nonchalant, il permet de poser les bases d’une intrigue qui va tendre vers un mélange de suspense, de comédie et de science-fiction. Le cocktail s’agrémente en outre d’une patine rétro délicieuse, entre polar de blaxploitation et réminiscences des années 2000 rendant le cadre spatio-temporel parfois volontairement opaque. Décors, costumes, coiffures et maquillages, admirables, transpirent les époques visées, tandis que des références à X-Files ou aux téléphones à clapet font sourire. Le décorum de science-fiction, un peu désuet, est aussi bien choisi. Si la mise en scène ne brille pas forcément, la direction artistique est donc particulièrement soignée.

Le trio de personnages principaux, qui enquête dans une sorte d’intrigue à la Scooby-Doo mâtinée de complot gouvernemental, est dément : une pute, un dealer et un mac ! Et les vannes fusent, les trois acteurs principaux semblant se régaler à se renvoyer des répliques et à jouer les apprentis détectives. Ils se délectent des clichés qu’ils incarnent, justifiés par les développements de l’histoire. La progression de leur enquête captive et on va de surprise en surprise, amusé et impatient de connaître le fin mot de l’histoire. On doit cependant faire avec de multiples invraisemblances (un laboratoire secret non gardé, un quartier sous cloche où personne ne se doute de rien, etc.) qui ne perturbent pas trop notre plaisir, puisqu’elles s’inscrivent dans une sorte de fable sociale. Car oui, Ils ont cloné Tyrone, c’est aussi ça.

Inscrit dans la mouvance initiée par Get Out, flirtant un peu avec les films à la Truman Show comme le récent Don’t Worry Darling, mais sur une note bien plus fun, le film ne manque pas de nous interroger sur l’histoire de ces États désunis comme le dit Kiefer Sutherland, dans un rôle de méchant. La critique sociale est bien moins prégnante et fine que dans les œuvres sus-citées mais elle donne à ce film peu commun une vraie densité, à défaut d’y voir un pamphlet renversant sous couvert de pantalonnade. Ils ont cloné Tyrone est donc une bonne surprise sur Netflix et un film comme en voit peu. Rien que pour cela…

Bande-annonce : Ils ont cloné Tyrone

Fiche technique : Ils ont cloné Tyrone

Réalisation : Juel Taylor.
Avec : John Boyega, Jamie Foxx, Teyonah Parris, …
Production : Netflix.
Pays de production : USA.
Distribution France : Uniquement sur Netflix.
Durée : 2h04.
Genre : Comédie – Thriller – Science-fiction.
Date de sortie : 21 juillet 2023.

Avec Les Meutes, Kamal Lazraq livre une plongée haletante dans les faubourgs de Casablanca. Dans un film qui reprend les codes du film noir, le réalisateur esquisse aussi le portrait de groupes en marge de la ville et de la société. Révélé à Cannes cette année, ce premier long-métrage prometteur a remporté le prix du jury de la sélection Un certain regard.

Voyage au bout de la nuit

Dans des quartiers de Casablanca gangrénés par le petit banditisme, Hassan et son fils Issam travaillent à l’occasion pour la pègre locale. Tout bascule lorsqu’au cours d’une mission, ils se rendent accidentellement coupables d’un meurtre. Du coucher au lever du jour, père et fils réalisent une odyssée à travers la ville, avec comme objectif de faire disparaître le corps avant l’aube. Le choix d’inscrire le récit dans un temps nocturne permet une immersion totale au cœur des activités clandestines des personnages: d’une station-service désaffectée à la maison opulente d’un riche client, un monde parallèle se dessine en marge des conventions, avec ses propres codes et dangers. La splendide photographie d’Amine Berrada, qui avait notamment réalisé celle de Banel et Adama, jette un éclairage flamboyant sur les visages des protagonistes, dont la peau se pare de nuances ocre contrastant avec la noirceur du décor. Ces teintes se doublent d’une dimension symbolique, notamment lorsqu’Hassan et Issam découvrent qu’ils ont commis un crime: la lumière rouge des phares imprime sur leurs visages la marque de leur culpabilité. La lueur douce du lever du jour dessine un contrepoint à cet éclairage accusateur, lorsqu’à la fin du film, Issam et son père se rincent à grande eau, se lavant ainsi symboliquement des péchés commis la veille.

Dogville

Le titre, Les Meutes, évoque la bestialité d’une horde de loups ou de chiens. Motif récurrent dans le film, la présence de ces derniers agit comme un miroir tendu à la violence des hommes. L’ouverture du film, un combat de chiens clandestin, préfigure la brutalité des affrontements auxquels nos protagonistes seront contraints d’assister. Les « meutes » évoquent aussi l’idée de clans, de groupes luttant pour leur survie; or c’est précisément ce que sont ces hordes d’hommes qui errent en périphérie de la ville, dans l’attente d’une mission. Kamal Lazraq file la métaphore jusqu’aux dernières images du film: au petit jour, des plans successifs donnent à voir des chiens solitaires, fouillant parmi les décombres ou les déchets aux portes de la ville. Véritable fil directeur tout au long du film, cette analogie ajoute une profondeur supplémentaire aux caïds que croisent Hassan et Issan au cours de leurs pérégrinations. Les Meutes brosse avec justesse le portrait d’une réalité sociale marquée par l’exclusion et la précarité, sans tomber dans le voyeurisme. Le choix d’acteurs non-professionnels ajoute notamment au réalisme sans fard du film: dans une interview, le réalisateur explique avoir choisi des acteurs au vécu proche de leur rôle. En résulte une interprétation réussie, nourrie et enrichie de l’expérience réelle des comédiens.

Père et fils

L’idée du scénario a germé dans l’esprit du réalisateur lors du casting de son court-métrage, Drari (2010). Le lien qui s’est créé entre deux acteurs au cours d’une improvisation a constitué un prélude à celui du père et du fils dans Les Meutes. Celui-ci est complexe et connaît des variations au cours du film: l’autorité viriliste du père est mise en crise par ses échecs successifs à rétablir la situation. Les rôles s’inversent: là où Hassan incarne un fatalisme résigné, Issam prône un retour au sang-froid et à la raison. Le pouvoir passe alors du père au fils, qui tente d’assurer la survie de la morale face à l’effondrement des principes de son père. La figure de la grand-mère incarne aussi, dans une moindre mesure, le respect des valeurs humaines fondamentales, au cours d’une fugace mais belle apparition. Puisant ses inspirations dans le néo-réalisme italien, le réalisateur fait d’individus marginaux des personnages tout en contrastes, qui fascinent à la manière des anti-héros pasoliniens. Kamal Lazraq signe avec Les Meutes une œuvre criante de vérité, qui augure de futures réussites pour ce cinéaste déjà remarquable.

Bande-annonce – Les Meutes

Synopsis du film : Dans les faubourgs populaires de Casablanca, Hassan et Issam, père et fils, tentent de survivre au jour le jour, enchaînant les petits trafics pour la pègre locale. Un soir, un homme qu’ils devaient kidnapper meurt accidentellement dans leur voiture. Hassan et Issam se retrouvent avec un cadavre à faire disparaître. Commence alors une longue nuit à travers les bas-fonds de la ville. 

Fiche technique – Les Meutes 

Réalisation Kamal Lazraq
Scénario Kamal Lazraq
Interprétation Ayoub Elaid (Issam), Abdellatif Masstouri (Hassan), Mohamed Hmimsa (L’homme muet), Abdellatif Lebkiri (Dib), Lahcen Zaimouzen (Larbi), Salah Bensalah (Jalil)
Directeur de la photo Amine Berrada
Production Barney Production
Bande originale P.R2B
Distribution Ad Vitam (France)
Durée 1h34
Genre Drame
Date de sortie 19 juillet 2023

Quatorzième long-métrage d’Adilkhan Yerzhanov, L’Education d’Ademoka continue d’explorer la veine absurde chère au réalisateur kazakh, autour de la question de l’éducation d’une jeune sans-papiers très motivée.

Du prolifique réalisateur kazakh, Adilkhan Yerzhanov (7 août 1982 -), Assaut (2022) et L’Education d’Ademoka (2023) sont sortis le même jour sur les écrans français, le mercredi 12 juillet 2023. Si les deux longs-métrages sont unis par une même prédilection pour l’absurde, un même sens des paysages, dans leur beauté et leur immensité qui achève de rendre dérisoires les petits humains, et le même choix d’un nombre très resserré de protagonistes, le plus récent des deux se démarque par son ton, presque enjoué, souligné par la musique très mélodieuse et aérienne de Sandro di Stefano, qui semble s’être inspiré de certaines grandes pages classiques. En accord avec cet univers auditif et ce climat général – nous ne sommes plus au cœur de l’hiver, comme dans Assaut, mais dans une saison douce et végétale, vraisemblablement l’été -, l’univers visuel créé par Azamat Dulatov est rehaussé de couleurs pimpantes, comme dans un dessin d’enfant. Or cet art hautement interprétatif qu’est le dessin d’enfant, dans les gloses du réel qu’il propose, constituera l’un des éléments centraux et récurrents, puisque la jeune héroïne, l’Ademoka éponyme (Adema Yerzhanova, fille ou parente du réalisateur ?…), pourtant adolescente, ne sera capable de produire que des dessins de style très puéril en guise de trace écrite, même lorsque celle qui lui est demandée est supposée prendre une forme davantage rédactionnelle…

Car la jeune personne, affublée d’une chevelure rouge qui peut évoquer de loin la tignasse flamboyante de l’héroïne dans Un Ange à ma table (1990), de Jane Campion, entend passer des examens et obtenir des diplômes qui lui donneront accès à l’Université… Opération difficile, puisque son appartenance à la grande famille des gitans provoque rejet, ostracisme et privation des papiers nécessaires à toute inscription. Non soutenue par ses parents, mais persévérante, Ademoka finit par obtenir l’appui d’un enseignant original, Akhav (Daniyar Alshinov), lui-même en rupture de ban et rejeté par l’institution en raison de son goût immodéré pour l’alcool. Percevant l’intelligence et la sensibilité de la jeune fille, l’homme la prendra sous son aile, lui promettant une « éducation » qui lui permettra d’atteindre ses rêves. Là encore, l’absurde sera convoqué, l’éducation en question prenant essentiellement la forme d’une conversation enrichie de citations, parfois empruntées à de grands auteurs, tels Tchekhov, Ronsard, Cervantès, parfois loufoques et réjouissantes : « Le muscle le plus important dans le corps humain, c’est l’imagination ! ».

Un précepte que le réalisateur et scénariste semble avoir à cœur de suivre à la lettre, multipliant à l’envi les situations décalées. Exemple, nombre de scènes d’intérieur se déroulent en extérieur : cours, contrôles d’identité, conversations familiales, examens… Simple déplacement, qui a pour effet de rendre insolites des configurations originellement banales. Un intéressant travail sur le son, effectué par Ilya Gariyev, qui fait exister des petits bruits dérisoires, prosaïquement mécaniques, contribue à renforcer ce phénomène de décalage, dans lequel ancrage et, partant, hiérarchie, se trouvent bouleversés.

Effet profondément rafraîchissant, presque rénovateur, de l’absurde. Il n’en demeure pas moins que l’absurde d’Adilkhan Yerzhanov n’est pas celui de Beckett, saturé de signification. Si la dimension de plaidoyer pour un traitement humain des sans-papiers est plus que perceptible, ainsi que pour un aménagement du droit à l’éducation, que penser d’une étudiante qui ne saurait que dessiner, surtout après que l’un des protagonistes a évoqué la mort de sa femme, opérée par un chirurgien incompétent, ayant acheté son diplôme…? De ce frottement et de cette situation, le plaidoyer ressort lesté d’une singulière ambiguïté…

Synopsis du film : La jeune Ademoka souhaite aller à l’école mais son statut de Lyuli – sorte de gitan d’Asie Centrale – la destine à la mendicité. Erkin, autrefois écrivain célèbre, aujourd’hui professeur insolite, vient d’être renvoyé de son école. Il va repérer le talent d’Ademoka et décide de la prendre sous son aile, en lui transmettant une éducation..

Bande-annonce : L’Education d’Ademoka

Fiche Technique : L’Education d’Ademoka

Titre original : Ademoka’s Education
De Adilkhan Yerzhanov
Par Adilkhan Yerzhanov
Avec Adema Yerzhanova, Daniyar Alshinov, Bolat Kalymbetov…
12 juillet 2023 en salle / 1h 29min / Drame, Comédie
Distributeur : Destiny Films

Anatomie d’une chute radiographie par le prisme d’un enfant mal-voyant (excessivement clairvoyant) la chute des valeurs anciennes qui fondent un couple. Puissant film Nietzschéen, Justine Triet ausculte à coups de marteau le grand animal du couple à travers un procès dont elle renouvelle les codes par une acidité et une vitalité exceptionnelles.

Le film de Justine Triet hante tant il est haletant, rigoureux, nu. Décapant et palpitant. Il ne se réduit pas à un film de procès. Tant s’en faut. Il dissèque et analyse avec une rigueur virtuose les mécanismes de la fiction et de la vérité qui peuvent émerger d’une procédure judiciaire tout autant qu’au sein de la vie d’un couple. Il autopsie et cherche à comprendre tous les versants du doute ou du délire qui peuvent venir brouiller les perceptions que l’on peut avoir d’un même fait.

Tragédie humaine autant qu’autopsie de la désagrégation d’un couple, Justine Triet et son co-scénariste Arthur Harari instruisent un désir de justice, organisent un questionnement obsédant sur ce qu’on prend pour la vérité et offrent le portrait ambigüe d’une femme exposée, accusée et sur-influente.

S’il y a un mot qui revient sans cesse pour décrire le choc cinématographique auquel nous avons été témoins c’est : frappant. Tout à la fois, le film saisit nos perceptions, sidère nos imaginaires et s’impose telle une évidence indiscutable.

Une extase de l’exactitude

Anatomie d’une chute a cette agilité de transformer le dispositif de banals films de procès en joute dialectique d’une énergie vorace, volubile, trépidante. Le choix des acteurs coïncide avec cette excellence : tous dans les variations qui sont les leurs sont parfaitement là où ils doivent être (entre autres dans leur affrontements, Swann Arlaud l’avocat, magnifique de subtilité intériorisée et Antoine Reinartz le vindicatif avocat général physiquement métamorphosé). Ce qui caractérise le plus ce nouvel opus de la réalisatrice palmée, au festival de Cannes 2023, c’est la justesse de son écriture et du dispositif portée à son point d’extase. Chaque acteur, jusqu’aux rôles les plus ténus de Sophie Fillière ou Jehnny Beth apportent ce choc des voix, cet impératif de la rectitude. Cette droiture va de pair avec l’énergie armée des dialogues lors des scènes de procès. La tonalité coupante, tranchante, incisive couplée à la trépidation voulue dans le jeu des acteurs et les textures sonores font d’Anatomie d’une chute un film à la stylistique très incarnée. 

La parole, le langage comme endroit de la fiction et de la traque de la vérité

En effet, la position des voix, la circulation entre les langues (allemand, français, anglais), la direction d’acteurs fait montre d’un sens du génie. Il y a sans cesse un cheminement vers la verticalité, l’action se passe dans un chalet en haute montagne et physiquement le spectateur au fur et à mesure du scénario gravit et monte des paliers. Nous sommes plongés à l’intérieur de la tragédie judiciaire avec toutes les sinuosités et complexités que révèle un procès et en même temps nous remontons vers un point extatique, aveugle, le point de manquement sur lequel le film se fonde : son mystère.

C’est un film qui s’écoute autant qu’il se regarde. Dès la scène d’ouverture, où nous ne savons pas bien de quoi il s’agit – une étudiante interviewe Sandra Hüller l’héroïne -, les sons créent une amplitude cinégénique. La scène sidère par la qualité de son climat, la manière qu’ont les deux comédiennes d’être intensément présentes et toujours la texture et véracité de leur voix. Tous nos sens sont accaparés et tendus par cette dissection de la faillite d’un couple. Il est rare au cinéma qu’un film où la parole est au centre de l’enjeu soit prenant tel un thriller. Or nous avons ici des voix, des dialogues qui tentent de comprendre des récits de la vie de ce couple dans le cadre d’un procès et ce sont ces tensions de voix et paroles qui nous captivent tout autant qu‘une fermeté de trait dans la mise en scène. Anatomie d’une chute frappe par le sarcasme des répliques créant une tension narrative et une esthétique indiscutable.

L’ouverture est saisissante et nous place dans un climat Kubrickien. Daniel (Milo Machado Graner, l’enfant malvoyant du couple ressemble au Danny de Shining) l’est, la neige, l’isolement du chalet concourt à cet effet et convoque cette mythologie. On pense à Bergman un peu pour ces Scènes de la vie conjugale mais il est encore trop théâtral, à Thomas Vinterberg pour Festen mais il est trop hystérique. Justine Triet crée un film libre, affranchi, sans vis-à-vis tant il est puissant. Ascétique. Ou peut-être aller chercher des influences pour l’implacabilité chez Haneke mais Triet s’en dégage par la grande santé et l’incarnation mises dans ces scènes.

Par ailleurs et ce n’est pas le moindre, il y a ce qui est dit, la force militante impérieuse de ce qui est dit des rapports dans un couple et la subversion en présence. Nous sentons que Justine Triet aime filmer aussi une femme (Sandra Hüller démente). Son personnage a manifestement pris le pouvoir et renverse les normes de la domination des vieux schémas phallocratiques. Une femme, cette héroïne est jugée également pour ne pas être l’épouse éplorée que l’on pourrait attendre, elle est jugée aussi parce qu’elle n’est pas faible !

Un désir ou un délire de justice

La beauté décisive du film vient de sa construction par strates, son architecture analytique et ascensionnelle effroyablement précise s’ouvre néanmoins sur toute une polyphonie d’interprétations. Un couple avec chien et enfant vient s’installer dans un chalet en haute montagne. Elle est écrivain à succès. Lui y aspire et fait la classe à la maison à leur enfant. Un matin, le corps du mari (Samuel Theis, troublant de présence dans son absence) est retrouvé mort en bas du chalet. S’agit-il d’un suicide ou d’un meurtre ? Une enquête pour mort suspecte est ouverte. La femme est inculpée. Anatomie d’une chute creuse et chemine avec toutes les pistes possibles en dépeçant, psychanalysant et reconstituant tous les faits ou fictions qui ont précédé la chute du mari. Justine Triet pointe à maints endroits combien une salle d’audience peut venir délirer la vérité et perturber la vision de la justice rendant quasiment impossible l’accès à la vérité.

Anatomie d’une chute devient par là-même un grand film habité, incarné et réflexif nous faisant comprendre la nécessité du doute, la nécessité d’une analyse de l’inconscient de nos tribunaux (qu’ils soient intérieurs ou sociétaux) et la fragilité d’une vérité toujours manquante.

Bande-annonce : Anatomie d’une chute

Fiche technique : Anatomie d’une chute

De Justine Triet
Par Justine Triet, Arthur Harari
Avec Sandra Hüller, Swann Arlaud, Milo Machado Graner
23 août 2023 en salle / 2h 30min / Policier, Drame, Thriller, Judiciaire
Distributeur : Le Pacte