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Forts de l’accueil critique de Teddy, les frères Boukherma poursuivent leur parcours dans le cinéma de genre en s’attaquant cette fois-ci au film de requins. Et si la formule reste la même que pour leur précédente réalisation, la sauce ne prend plus aussi bien. Car L’Année du Requin, s’il se révèle audacieux pour le cinéma français et montre des qualités indéniables, a clairement de quoi diviser le public. Notamment à cause de ses ambitions, qui ont bien du mal à s’accorder. Retour donc sur ce titre de l’été 2022. Ce rendez-vous manqué qui, pourtant, avait de quoi se faire une petite notoriété dans les salles de cinéma.

Synopsis de L’Année du Requin : Maja, gendarme maritime dans les Landes, voit se réaliser son pire cauchemar : prendre sa retraite anticipée ! Thierry, son mari, a déjà prévu la place de camping et le mobil home. Mais la disparition d’un vacancier met toute la côte en alerte : un requin rôde dans la baie ! Aidée de ses jeunes collègues Eugénie et Blaise, elle saute sur l’occasion pour s’offrir une dernière mission…

Si Beast s’était présenté comme le film de monstres – « d’animaux dangereux », plus précisément – de l’été 2022, il n’était pourtant pas le seul à vouloir profiter de la période estivale. Car avant ce produit hollywoodien, le cinéma français s’essayait au genre en délivrant avec L’Année du Requin notre tout premier film de squales national et qui, en plus de cela, était dirigé par les frères Boukherma. Ces deux réalisateurs mêmes qui ont réussi le pari avec Teddy de traiter le mythe du loup-garou avec efficacité et intelligence, le tout sentant bon la francophonie. Entre leurs mains, L’Année du Requin ne pouvait que marquer un tournant pour le cinéma de genre français. Et pourtant, malgré une promotion assez poussée, le succès n’a pas du tout été au rendez-vous. Le public a boudé le long-métrage (à peine 121 000 entrées), et les critiques se sont montrées plutôt mitigées sur le résultat. Étonnant, d’autant plus qu’en termes de structure narrative, le titre suit celle de Teddy à la lettre.

En effet, L’Année du Requin, c’est littéralement un hommage à l’œuvre maitresse du genre – ici en l’occurrence, Les Dents de la Mer – qui parvient à switcher avec aisance entre humour et horreur pure. D’un côté nous avons des personnages pour le moins farfelus, des situations moqueuses et un ton plutôt léger. De l’autre, des séquences d’attaques qui ne lésinent pas sur la tension et le gore – comme peut en témoigner la séquence d’introduction. Et comme Teddy donc, le tout démarre telle une comédie à la limite de la parodie, qui dérive petit-à-petit vers un divertissement beaucoup plus sérieux et pesant. Donnant l’occasion aux frères Boukherma de placer quelques petites critiques bien placées – notamment sur l’écologie et le jugement néfaste des médias et autres réseaux sociaux. De mettre à l’honneur la Province française – ici la côte Atlantique – à la fois pour renforcer l’humour mais également donner une véritable personnalité au titre. Et enfin de crier leur amour pour le genre du film de requins. Un genre dont ils parviennent à réutiliser les codes avec aisance, et ce sans moyens hollywoodiens. Tout en offrant aux spectateurs une multitude de références aux Dents de la Mer : quelques séquences reprises du film de Steven Spielberg (les attaques, la cage…), la réplique culte « Il nous faudrait un plus gros bateau », une navette de la police appelée M. Vineyard – en l’honneur de l’île Martha’s Vineyard, où fut tourné Les Dents de la Mer…

Vous l’aurez compris, L’Année du Requin fonctionne dans un premier temps. Car nous nous laissons emmener sans mal par son héroïne, interprétée par Marina Foïs, dans sa quête obsessive. Nous nous laissons séduire par cet humour qui ne laisse pas indifférent. Et enfin, nous nous laissons prendre au jeu par le côté horrifique, qui joue à fond la carte du hors-champs et de la suggestion pour créer une véritable tension. Et puis, arrivé à mi-parcours, tout bascule… Comme si le film se retrouvait d’un seul coup en pilotage automatique, devant arriver à une conclusion sans réellement savoir comment y parvenir. Bien entendu, le dénouement passe par un affrontement final avec le squale. Mais pour en arriver là, L’Année du Requin peine sérieusement à capter aussi bien l’attention qu’à ses premières minutes.

La faute revenant principalement au fait que, pour plaire au public, les frères Boukherma ont dû maladroitement jongler entre deux partis pris. Celui, comme Teddy, de faire un film indépendant qui puisse faire honneur au genre. Et l’autre, de livrer quelque chose de plus mainstream, de plus grand public pour pouvoir satisfaire l’assistance. Ainsi, sans vraiment d’explication, L’Année du Requin abandonne sa personnalité propre pour devenir un produit bien trop conventionnel et longuet pour convaincre pleinement. Le sérieux prenant le pas sur la légèreté mais sans captiver comme le faisait Teddy. L’intrigue semble au point mort, n’arrivant plus à faire avancer ses personnages et thématiques pour au final clôturer tout cela d’un claquement de doigt. Sans la moindre once d’émotion et d’empathie. Et pour enfoncer le clou, même la mise en scène se révèle impactée par ce changement de ton. Cette dernière délaissant le pouvoir de la suggestion pour un résultat bien plus frontal et grossier. Au détriment du manque de moyens, les réalisateurs décident donc de montrer de plus en plus leur pauvre requin en caoutchouc. Ce qui rend le climax un chouïa ridicule, donnant à l’ensemble des airs de mauvais films amateurs.

Pour le coup, il n’est pas difficile de comprendre pourquoi L’Année du Requin n’a pas marqué les esprits. Qu’il ait autant de défenseurs comme de réfractaires. Et c’est franchement dommage car, mine de rien, les frères Boukherma peuvent se vanter d’avoir du mérite. Pour avoir osé réaliser une telle œuvre alors que le cinéma de genre français, bien que plus ouvert qu’auparavant, peine encore à se faire une place dans nos salles. Et pour exprimer leur passion envers le cinéma avec autant de savoir-faire. Ils se sont juste montrés beaucoup trop gourmands avec ce film. Ce qui en fait une petite erreur de parcours que la suite de leur carrière pourra, sans l’ombre d’un doute, corriger sans difficulté.

L’Année du Requin – Bande annonce

L’Année du Requin – Fiche technique

Réalisation : Zoran et Ludovic Boukherma
Scénario : Zoran et Ludovic Boukherma
Interprétation : Marina Foïs (Maja Bordenave), Kad Merad (Thierry Bordenava), Jean-Pascal Zidi (Blaise), Christine Gautier (Eugénie), Ludovic Torrent (Sébastien/le narrateur), Philippe ‘Le Boc’ Prévost (le gérant de l’Aquapark), Jean Boronat (Ruben), Jean-Jacques Bernède (Dominique)…
Photographie : David Cailley
Costumes : Clara René
Montage : Béatrice Herminie et Geraldine Mangenot
Musique : Amaury Chabauty
Producteurs : Pierre-Louis Garnon et Frédéric Jouve
Maisons de production : Les Films Velvet et Baxter Films
Distribution (France) : The Jokers
Durée : 87 min.
Genres : Horreur, comédie
Date de sortie :  03 Août 2022
France – 2022

Nous pouvons désormais comparer Dan Trachtenberg à un nouveau Matt Reeves (les deux derniers opus de La Planète des Singes, The Batman). Soit un réalisateur baignant dans la pop culture qui sait éperdument ce qu’il a entre les mains. Un artisan sachant apporter sa pierre à l’édifice et ce sans jamais lui faire défaut. Sans avoir à copier à l’excès et balancer du fan service à tout-va pour exister. Et cela, il le prouve avec Prey, le nouveau volet de la saga Predator qui se montre digne de son aîné : un survival humble, efficace et réalisé avec un amour indéniable pour le célèbre chasseur extra-terrestre.

Predators précédents
sur AmazonSynopsis de Prey : Il y a trois siècles sur le territoire des Comanches, Naru, une farouche et brillante guerrière, se fait désormais un devoir de protéger sa tribu dès qu’un danger la menace. Elle découvre que la proie qu’elle traque en ce moment n’est autre qu’un prédateur extraterrestre particulièrement évolué doté d’un arsenal de pointe des plus sophistiqués. Une confrontation aussi perverse que terrifiante s’engage bientôt entre les deux adversaires…

Predator 2 ? Une suite certes sympathique mais quelque peu oubliable. Predators ? Une sorte d’hommage au film originel mais qui ne le singeait plus qu’autre chose. The Predator ? Un énième film hollywoodien malade, parasité par des problèmes de production non négligeables. Vous l’aurez compris avec cette énumération, la saga Predator n’est jamais parvenue à retrouver l’aura de ses débuts. Car il faut bien le dire, personne n’a su marcher avec fracas dans les pas de John McTiernan. Futur réalisateur du brillant Piège de Cristal, le bonhomme avait su livrer en 1987 une série B tendue et immersive, faisant preuve d’une maîtrise absolue de la mise en scène et des codes du genre. Mais comme la majorité des licences du moment, celle de Predator n’a fait qu’enchaîner les suites et les produits dérivés – n’oublions pas les crossovers Alien vs. Predator et sa suite Aliens vs. Predator : Requiem – pour se retrouver peu à peu dans les abysses de la pop culture. Ne subsistant dans l’esprit des gens que grâce à la qualité et la nostalgie générées par le titre de McTiernan. Ajoutez à cela l’échec cuisant de The Predator et le rachat de la Fox par Disney, et tout portait à croire que la franchise était définitivement mise de côté, au profit de titres beaucoup plus « rassurants » d’un point de vue commercial. Autant vous dire que Prey était littéralement le film que plus personne n’attendait !

Et rien ne laissait présager que ce projet sur le papier bâtard allait réussir un quelconque exploit, provoquant bien plus de peur que d’espoir. « Bâtard » dans le sens où il est sorti un peu de nulle part. Initié par le producteur John Davis en 2016, qui espérait rebondir sur la mésaventure de The Predator, ce prequel (initialement appelé Skulls) s’est fait dans le plus grand secret jusqu’à son officialisation non désirée en 2020. Soit en pleine période où le studio devait faire suite au rachat par la firme aux grandes oreilles, cette dernière balançant sur sa plate-forme comme s’il s’agissait d’un déchet dont il fallait se débarrasser. Ce qui, il faut bien avouer, n’avait pas grande chose de rassurant ! Même d’avoir Dan Trachtenberg à la réalisation n’avait rien de prometteur. Car si le bonhomme avait su faire ses armes avec 10 Cloverfield Lane et un court-métrage adapté du jeu Portal (intitulé No Escape), nous ne connaissions pas ses capacités à devoir « survivre » auprès d’un rouage hollywoodien plus que bancal. Une peur grandissante qui s’est ressentie jusqu’aux toutes premières minutes du film, ce dernier affichant des effets numériques baveux et des plans qui piquent les yeux – l’apparition du titre fait vraiment peine à voir. Mais qui – Hallelujah ! – s’est très vite amoindrie par la suite. Mieux, elle a laissé la place à une jouissance que nous ne pensions plus ressentir un jour avec un film Predator !

Car avant d’être un volet estampillé de la franchise, Prey est avant toute chose un survival fait dans les règles de l’art. Une série B qui prend le temps de poser ses bases, de présenter son héroïne, pour ensuite enchaîner sur une chasse à l’homme des plus intenses. Simple et efficace ! Certes, le tout n’est clairement pas sans défaut : des facilités d’écriture (personnages secondaires survolés, final vite expédié…), un casting mitigé (si Amber Midthunder semble impliquée, le reste parait plutôt endormi), des effets numériques grossiers et une mise en scène impersonnelle. Mais Dan Trachtenberg parvient à nous faire fermer les yeux sur ces tares grâce à l’intérêt qu’il porte pour son personnage principal – permettant au public de s’attacher à elle et de vivre ainsi son face-à-face avec immersion. Et aussi grâce à la générosité dont il fait preuve pour filmer chaque séquence d’action. Surtout que le réalisateur s’exécute avec une intelligence et un amour pour la franchise Predator qui forcent le respect.

Une intelligence qui montre à quel point le cinéaste s’est montré humble et respectueux envers son aîné mais aussi les attentes du public. Rien que le fait d’avoir pris comme personnages des chasseurs commanches du XVIIIe siècle, cela induit beaucoup de choses scénaristiquement parlant. Cela permet de présenter un nouveau cadre avec thématique sociétale à la clé – une chasseresse devant se faire une place dans un milieu patriarcal – ; mais surtout de s’y attarder plutôt que de jouer la carte du suspense quant à la présence du Predator, montrée très rapidement dans le film. Car à quoi bon créer une tension sur une créature dont le public connait déjà le modus operandi ? De justifier que les personnages puissent deviner de manière naturelle (pour le rythme du film) les agissements de leur ennemi. De retrouver l’aspect primal, bestial, de l’opus originel – des chasseurs aux armes rudimentaires devant faire preuve de ruse pour réussir dans une nature hostile. Et de jouer avec des faits historiques, comme ces bisons dépecés par les colons – pour affamer les tribus amérindiennes – faisant écho aux victimes écorchées du Predator. Le tout sans jamais se perdre dans du fan service à outrance – juste une référence bien placée à Predator 2, et c’est tout ! Et du côté de la mise en scène, c’est également la même chose ! Car plutôt que de reproduire la mise en scène immersive de McTiernan à cause du cadre – la jungle troquée par les forêts et grandes plaines américaines – Trachtenberg use de son décor d’une toute autre manière pour créer une tension certaine. Comme en témoigne la séquence où l’héroïne se planque dans des hautes herbes, ayant vue sur tout mais devant guetter un adversaire invisible.

Et par amour pour la franchise, il faut entendre par là que le réalisateur a permis à la créature de retrouver toute sa majesté, évaporée au fil des films. Pour dire, Prey propose le Predator le plus badass que nous ayons vu depuis le premier volet ! À chacune de ses apparitions, le cinéaste s’emploie à l’iconiser comme aucune autre suite n’avait fait jusque-là. Que ce soit son entrée en scène progressive – une série de chasses où le Predator monte en gamme question gibiers : serpent, loup puis ours – ou alors ses attaques filmées avec malice et brutalité, le réalisateur nous livre un chasseur en très, très grande forme. Qui plus est servi par un arsenal toujours aussi captivant et un excellent retour aux effets pratiques – le costume fait oublier l’aberration numérique de The Predator.

Rien que pour cela, nous ne pouvons que remercier Dan Trachtenberg. Pour avoir livré une série B tenant agréablement la route, bien qu’imparfaite. Mais surtout pour avoir redonné ses lettres de noblesse à un monstre emblématique du cinéma. Lui offrant une nouvelle jeunesse et l’occasion de perdurer encore longtemps sur nos écrans. Succès oblige, Disney n’hésitera pas à exploiter le filon ! D’autant plus que le cinéaste s’est déjà exprimé sur le sujet, ayant déjà quelques idées à mettre en place pour d’éventuelles suites. Il ne reste plus qu’à espérer que ces dernières ne viennent pas ternir la bonne impression laissée par Prey. Et qu’elles sortiront, elles, sur grand écran. Car le seul grand regret de ce prequel, c’est de devoir le découvrir sur une plate-forme de streaming et non au cinéma.

Prey – Bande annonce

Prey – Fiche technique

Réalisation : Dan Trachtenberg
Scénario : Patrick Aison et Dan Trachtenberg, d’après les personnages créés par Jim et John Thomas
Interprétation : Amber Midthunder (Naru), Dakota Beavers (Taabe), Dane DiLiegro (le Predator), Stormee Kipp (Wasape), Michelle Thrush (Aruka), Julian Black Antelope (chef Kehetu), Stefany Mathias (Sumu), Bennett Taylor (Raphael)…
Photographie : Jeff Cutter
Décors : Amelia Brooke et Kara Lindstrom
Costumes : Stephanie Porter
Montage : Claudia Castello et Angela M. Catanzaro
Musique : Sarah Schachner
Producteurs : John Davis, Marty Ewing et Jhane Myers
Maisons de production : 20th Century Studios, Davis Entertainment et Lawrence Gordon Productions
Distribution (France) : Disney +
Durée : 99 min.
Genres : Horreur, science-fiction
Date de sortie :  05 Août 2022
États-Unis – 2022

Après avoir fêté ses 25 ans, One Piece, le manga au succès planétaire sur la piraterie est de retour sur le grand écran. Un nouvel opus haut en couleur adapté de l’œuvre d’Eiichirō Oda, attendu par des millions de fans. Si One Piece Film : Red réalise le meilleur démarrage pour un film d’animation japonais, en France, avec plus de 267 000 entrées, le film, quant à lui, nous fait nager en eaux troubles.

Synopsis : Luffy et son équipage s’apprêtent à assister à un festival de musique attendu avec impatience. La chanteuse la plus populaire du monde, Uta, va monter sur scène pour la première fois. Celle qui n’est autre que la fille du légendaire pirate Shanks Le Roux va révéler la puissance exceptionnelle de sa voix qui pourrait bien changer le monde…

Les célèbres aventures de Luffy et ses Nakamas font rêver le public, ne cessant de séduire de nouveaux adeptes à travers le monde, et tout particulièrement la France, deuxième plus grand consommateur de manga derrière le Japon, avec plus de 28 millions d’exemplaires vendus. One Piece Film: Red, réalisé par Gorō Taniguchi est le quinzième long-métrage de la saga et compte bien en mettre plein les yeux aux spectateurs pour leur plus grand plaisir… ou pas.

Une histoire Utapique

Dans ce film, nous retrouvons les Mugiwaras sur Elegia, l’île de la musique. Toujours à la recherche du mystérieux trésor (aka le One Piece) de Gol D. Roger, feu roi des pirates, Luffy et son équipage s’accordent une pause dans leur quête pour assister au premier concert live d’Uta, icône pop à la voix d’or. Mais Uta n’est pas simplement une diva qui déchaîne les foules, elle est également la fille du légendaire pirate Shanks le Roux, mentor de Luffy, et amie d’enfance de ce dernier. Des retrouvailles qui auraient pu être festives, si celles-ci n’avaient pas rapidement tourné au cauchemar… Uta veut mettre fin à l’ère de la piraterie et créer un monde nouveau, au risque de se perdre. Son arme ? Son fruit du chant, sorte de Genjutsu qui plonge ceux qui l’écoutent dans le pays des songes. Une menace n’arrivant jamais seule, son chant se trouve également être la clé pour invoquer le démoniaque Tot Musica. Ennemis comme alliés décident alors d’unir leurs forces pour vaincre le démon, et tenter de sauver le monde. Uta, réussira-t-elle à retrouver sa voie ?

Ce personnage principal, créé spécialement par le créateur Oda donne le rythme et nous offre de belles séquences musicales sur fond de chansons entraînantes qui s’invitent aussi dans les scènes de combat, le tout interprété avec brio par la chanteuse japonaise Ado. La version française, quant à elle, nous donne à écouter la voix plus rauque d’Hoshi.

Faille spatio-temporelle

Cette adaptation de Gorō Taniguchi nous embarque dans un nouvel univers dont l’histoire n’est pas canon à l’odyssée d’Eiichirō Oda, rompant complètement avec le ton auquel les aficionados de l’anime sont habitués. D’un point de vue de l’animation, le mélange des styles à la fois rétro et futuriste est de belle facture offrant un univers riche en couleurs, des tenues inédites mettant en perspective les protagonistes sous un angle plus festif.

Concernant la réalisation, c’est là que le bât blesse. L’enchaînement des actions est si rapide, qu’on peine à apprécier pleinement certaines scènes épiques. La rapidité des plans couplée au florilège de couleurs et à la musique endiablée, nous font parfois basculer dans un festival de Tomorrowland, sous champignons, à deux doigts de la crise épileptique. Brutal.

À cela s’ajoute quelques failles temporelles. On pense notamment à certains power up dévoilés à la fin de la bataille d’Onigashima – comme l’éveil du fruit du héros Luffy, incohérent avec son titre de cinquième Empereur mentionné dans le film.

Restent les clins d’œil à certains passages épiques de la saga, telle que la séparation des chapeaux de paille et de la princesse d’Alabasta pour n’en citer qu’un, et la réunion – même éclair – d’une dizaine de personnages emblématiques du manga. La présence du tueur de Haki, Shanks, bien que secondaire, aura tout de même ravi la fanbase qui redoutait une apparition aussi furtive que dans l’oeuvre d’Oda.

One Piece Film: Red est un film musical agréable mais non sans quelques fausses notes. Si l’histoire est évidemment indépendante de l’anime, certains choix scénaristiques sont contestables de par leurs incohérences. L’enchaînement des actions et le personnage principal survolé, laissent une sensation d’inachevé. Par ailleurs, l’adaptation de Gorō Taniguchi ne s’adresse malheureusement qu’à un public d’aficionados. Il convient d’être à jour dans les aventures de l’équipage du Chapeau de paille, sous peine de ne pas saisir les références clés ou de se voir spoiler.

One Piece Film: Red – Bande-annonce

One Piece Film: Red – Fiche technique :

Réalisation : Gorō Taniguchi
Scénario : Kuroiwa Tsutomu
Musique: Yasutaka Nakata
Producteurs : Eiichirō Oda
Distribution (voix originales): Mayumi Tanaka, Kazuya Nakai, Akemi Okamura, Kappei Yamaguchi, Hiroaki Hirata, Ikue Otani…
Pays d’origine : Japon
Genres : animation, aventure, comédie
Durée : 115min
Date de sortie : 10 août 2022

As Bestas de Rodrigo Sorogoyen raconte la confrontation d’un couple de Français avec les habitants d’un hameau en Galicie. Le réalisateur de Que Dios nos perdone et El Reino, aussi à l’aise en pleine nature qu’il l’était dans la ville, propose une fable, filmée à la façon d’un western, où la vérité des personnages sera sans cesse battue en brèche. Un film, tout en tension, qui confirme l’immense talent du réalisateur espagnol.

Chevaux sauvages et taureau impulsif

As Bestas s’ouvre sur une séquence magnifique : deux hommes entravent à mains nues un cheval sauvage. Une tradition, le Rapas das bestas, qui consiste à soumettre l’animal pour le marquer. On comprendra plus tard le sens de cette scène. En attendant, on fait la connaissance de Xan et Lorenzo, deux quinquas qui vivent avec leur mère dans la ferme familiale. Les deux frangins, qui font la pluie et le beau temps sur le village ont pris en grippe Antoine, le « Français », un colosse au regard inquiet venu retaper des maisons et cultiver un potager avec sa femme. Car l’ex-professeur a eu la mauvaise idée de voter contre l’implantation d’éoliennes, faisant ainsi capoter le projet et la manne financière qui l’accompagnait. Devenu le mouton noir du hameau, Antoine supporte mal le harcèlement dont il est bientôt la cible. Et lorsque l’adversité se durcit, il fonce tête baissée comme un taureau sur un chiffon rouge. Ainsi, le scénario emprunte-t-il à la dramaturgie ibérique, celle de la corrida et de la mise à mort.

Le poids des mots, le sens des paroles

Antoine à l’inverse de sa compagne ne maitrise pas le patois local. Un handicap pour trouver sa place dans la communauté très masculine du village. Dans le bar – on pourrait même dire le saloon – Xan, l’ainé, fait la loi et inspire la crainte.  Mieux vaut ne pas être dans son collimateur, ni le contredire ! Car, même si les deux frères font figure de ploucs, avec leurs gueules de péquenots et la bouteille jamais loin, le fait est qu’avec eux, un mot est un mot. L’insulte – « culs-terreux » – lancée par Antoine pèse plus lourdement qu’il ne pensait. Ainsi, les paroles pour les uns ou pour les autres ne semblent pas avoir le même sens. Le titre du film, As Bestas semble jouer de  cette même ambiguïté. Est-ce une référence à la bestialité apparente des deux frères ? Ou bien faut-il y entendre l’acception au sens d’imbéciles ou d’abrutis ? Autrement dit, ces deux paysans sont-ils si bêtes qu’ils semblent ? Et Antoine lui-même n’est-il pas aussi stupide que ses voisins ?

Les désaxés

Plus qu’un film sur la xénophobie, As Bestas raconte une confrontation sociale. L’opposition d’individus certes culturellement différents, mais surtout opposés dans leurs aspirations et leurs idéaux. En termes de mise en scène, Antoine est souvent filmé au plus près de ses tomates, ce qui traduit son rêve terrien. A l’inverse, les deux frères, qui habitent la maison en contre-bas, subissent une forme de complexe vis-à-vis de ces envahisseurs riches et instruits. Xan, l’ainé, nourrit une obsession pour ces éoliennes, promesses d’une richesse inespérée. Quant à Lorenzo, le cadet, il est mentalement limité depuis un accident de cheval. Contrairement à Antoine et sa femme, la terre symbolise pour eux l’asservissement. Xan et Loren sont en quelque sorte des misfits, les inadaptés d’une Europe qui les a oubliés. Une problématique qui jaillit dans une superbe joute langagière, filmée en plan séquence, opposant Antoine et son voisin. Un véritable duel façon western où les mots fusent comme des balles. Une scène qui aura aussi son équivalent, en miroir, dans une deuxième partie, plus féminine et toute aussi intéressante.

Un film parfaitement maitrisé.

Bande annonce : As Bestas

Fiche technique :

• Titre original : As bestas
• Réalisateur : Rodrigo Sorogoyen
• Scénario : Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña (es)
• Musique : Olivier Arson
• Décors : José Tirado
• Costumes : Paola Torres
• Photographie : Alejandro de Pablo (es)
• Son :: Altor Berenguer (Dolby 5.1)
• Montage : Alberto del Campo
• Production : Ibon Cormenzana, Ignasi Estapé, Jean Labadie
• Sociétés de production : Arcadia Motion Pictures, Caballo Films, Cronos Entertainment, Le Pacte
• Sociétés de distribution :
  • Espagne : A Contra Corriente Films
  • France : Le Pacte
• Pays de production : Espagne – France
• Langue originale : espagnol, français, galicien
• Format : Couleur – 2,35:1
• Durée : 137 minutes
• Genre : thriller
• Dates de sortie :
  • France : 26 mai 2022 (Festival de Cannes 2022) ; 20 juillet 2022 (sortie nationale)
  • Espagne : 11 novembre 2022