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A mon seul désir est le 3e film réalisé par Lucie Borleteau. Après Fidelio, l’odyssée d’Alice en 2014, la réalisatrice parle de nouveau du corps des femmes, de leur désir, de liberté aussi, dans un conte aux accents érotiques qu’elle a voulu léger et joyeux (et un peu romantique!). Une utopie de puissance féminine qui se regarde comme une nouvelle odyssée du féminin, un regard qui ose. Au cinéma le 5 avril 2023.

Conte 

En débutant son film par une adresse au spectateur qui en fait un conte, une fantasmagorie aussi baroque que burlesque, Lucie Borleteau appelle de ses vœux, la possibilité de « tout oser. » A mon seul désir est un questionnement, sans jugement ni morale, sur les femmes qui choisissent de mettre leurs corps en représentation pour « s’interroger sur notre rapport au désir, que l’on cherche à le susciter ou qu’il nous submerge » *. L’immersion dans leurs spectacles de strip-tease (ou théâtre érotique) est totale. Des scènes comme figées dans le temps, tant ce petit théâtre est « à l’ancienne », sans alcools et autres musiques fortes, juste des spectateurs qui regardent et que l’on regarde. Deux points de vue qui s’entremêlent mais que la réalisatrice raconte depuis la scène, rendant les femmes qui performent puissantes, avec une ascendance claire sur ceux qui sont statiques et qui attendent la naissance du désir, voire du plaisir (pas de contact physique avec les clients cependant). Cette représentation s’apparente à des formats qui pensent le corps des femmes dénudés autrement que comme des objets. ,

A mon seul désir n’est pas un film à thèse, c’est un film qui observe, qui interroge, qui rêve aussi, qui assume ses fantasmes. On pense notamment à Tournée de Mathieu Amalric, ou au plus récent Trois nuits par semaine dont Lucie Borleteau n’a pas eu connaissance de l’écriture au tournage, mais qu’elle relie facilement à son travail depuis qu’elle l’a vu. Pour autant, la proposition de la réalisatrice est plus radicale. En effet, le personnage de novice, ici interprété par Louise Chevillotte, n’est pas extérieur à la mise en scène du corps (là où dans Trois nuits par semaine, Baptiste était photographe donc à distance de son sujet), elle fait partie du spectacle dès les premières minutes, elle se lance. Il n’y a pas de réelle hésitation pour elle et une aisance quasi immédiate à entrer dans ce monde dans lequel, comme le rappelle le synopsis, elle ose entrer.

Corps

Lucie Borleteau filme ce microcosme joyeux et bordélique sans en faire un sujet, juste une réalité qu’elle veut légère et utopique, non pas pour minimiser les agressions ou autres risques, mais pour offrir aux femmes un récit où l’on ose, où la peur n’a pas sa place. Pour autant, le récit d’A mon seul désir n’est pas naïf, il ancré dans une sororité réelle, une solidarité aussi qui pousse les filles à s’entraider, se protéger. Le film de Lucie Borleteau est, comme le dit Céline Sciamma à propos de son propre travail de cinéaste, créateur d’images manquantes. Si mise en danger il y a, elle est toujours un supplément de vie. Si Mia se confie sur son viol, qui encore une fois est rapporté comme une réalité et non comme un sujet, à aucun moment quand elle ne danse ni ne marche dans la rue, on ne sent pas de peur dans son regard, son attitude. On sent à certains moments que la situation pourrait basculer, mais elle parvient toujours, avec l’aide d’Aurore/Manon, à la retourner à son avantage. Il en va de même pour la représentation de la prostitution que la réalisatrice propose, rien de glauque encore une fois, ce qui lui a valu des difficultés à faire financer son film car comme elle le confiait lors d’une avant-première « le personnage n’était pas puni de se prostituer, ce qui m’a valu des remarques outrées dans les commissions de financement ». On est dans la filiation avec Seule la joie dont la réalisatrice déclarait dans l’interview donné au Mag : « les femmes dont je fais le portrait font ce métier non pas parce qu’elles aiment ça, mais parce que c’est le choix qu’elles ont fait. Ce n’est pas une situation que je cautionne mais, dans nos sociétés patriarcales, c’est une réalité ». Pas de portrait dégradant ou volontairement misérable du choix fait par Aurore de vendre son corps, même si la situation a des conséquences sur sa vie et ses relations.

Mise en scène et puissance

La force d’A mon seul désir est cette liberté de ton, l’humour insufflé dans le film et l’absence de violence ou de hiérarchie dans les relations entre les personnages. Ni les hommes, ni les femmes ne cherchent ici à s’écraser, se piétiner. Dans la relation amoureuse, qui est le fil conducteur du film, cette égalité de puissance, de caractère et d’âge (malgré des personnages très différents) est aussi bienvenue. Nous ne sommes pas dans un récit de domination, mais dans un fantasme d’unité, de corps à corps qui fait de l’égalité un sentiment « doux à vivre ». Dans la représentation des corps aussi, le grain des peaux; le regard est fier et non stigmatisant. Bien que la nudité soit présente, elle n’est jamais négative ou simplement voyeuriste, elle fait partie du spectacle. On pense notamment à Aurore qui, à l’intérieur du conte dont elle est le personnage, voit tous ceux qu’elle croisent nus (elle les déshabille du regard littéralement sans pour autant avoir un regard dérangeant sur eux). Peu à peu, elle fait tomber les barrières et s’émancipe de son propre corps. A ce titre, A mon seul désir est plein d’inventivité, de clins d’oeil, on pense notamment au collage de rue « on te croit » aperçu dans deux plans du films (au début et à la fin). Ce récit radical mais doux est porté par de nombreuses formidables comédiennes, mélangées à des performeuses, il est surtout traversé par deux étoiles filantes : Zita Hanrot et Louise Chevillotte qui tout en se livrant comme rarement, ne versent jamais dans la vulgarité. Elles offrent des corps, des voix à ces deux femmes qui certes mettent en scène leur nudité avec pour objectif de susciter du désir, mais qui ont la main sur leurs destinées respectives. Ainsi, ce sont des personnages qui font de véritables choix, dont les vies se croisent, qui s’élèvent à deux, dont les chemins peut-être ne seront pas toujours communs. A mon seul désir parle aussi de transport amoureux, sa forme est une mosaïque de corps, d’humanités.

Ces représentations tiennent par la joie (du moins la légèreté de la romance, des saynètes) sans cesse insufflée par le scénario et cette croyance en la puissance des corps et en des utopies qui réconcilient féminin et masculin, sans occulter la question du désir. Les grands films vous laissent avec des questions, des doutes, des envies aussi de sortir, de courir, de se libérer, surtout d’oser et A mon seul désir n’est que cela, sans proposer une morale, et surtout sans aucune culpabilité ni dans les choix esthétiques, ni dans les actions des personnages … Un film de sensations, plus que de réponses toutes prêtes, ce qui est rare et précieux : » je cherchais à restituer la puissance du corps des femmes, la puissance de la sensation, de l’intime. Le film est rythmé, et je voulais qu’il recèle des surprises […] J’attends d’un film, y compris des miens, qu’il soit complexe, inattendu et bouleversant… » *, contrat rempli pour A mon seul désir.

*les propos de Lucie Borleteau sont tous issus du dossier de presse du film.

A mon seul désir : Fiche technique

Synopsis : Vous n’avez jamais été dans un club de strip-tease ? Mais vous en avez déjà eu envie … au moins une fois… vous n’avez pas osé, c’est tout. Ce film raconte l’histoire de quelqu’un qui a osé.

Réalisation – Lucie Borleteau
Scénario – Lucie Borleteau et Clara Bourreau
Interprètes – Zita Hanrot,  Louise Chevillotte, Laure Giappiconi, Pedro Casablanc , Sieme Miladi, Yuliya Abiss, Tokou Bogui, Céline Fuhrer, Sipan Mouradian, Thimotée Robart. Avec la participation de Melvil Poupaud
Montage – Clémence Diard
Photographie – Alexis Kavyrchine
Production – Marine Arrighi de Casanova, Apsara Films
Durée : 1h57
Date de sortie : 5 avril 2023

Après Le diable s’habille en Prada ou encore Crazy Ex-Girlfriend, la réalisatrice Alice Brosh McKenna revient sur Netflix avec une comédie romantique – qui a pointé le bout de son nez pile-poil quelques jours avant la Saint-Valentin – mettant en scène un couple habitué des histoires d’amour sur grand écran : Reese Witherspoon (Debbie) et Ashton Kutcher (Peter). Tous les ingrédients sont réunis pour un téléfilm d’amour réconfortant réussi, mais qu’en est-il dans les faits ?

Synopsis : Debbie et Peter, deux meilleurs amis que tout oppose, échangent leurs maisons pour une semaine et découvrent ainsi la vie de l’autre sous un angle qui pourrait vite les attendrir.

Une romcom aux airs de déjà-vu

Alice Brosh McKenna semble tout miser sur la nostalgie en réunissant des acteurs bien connus des comédies romantiques des années 2000, Reese Witherspoon et Ashton Kutcher, mais aussi en ayant comme scène d’ouverture la musique The Sweet Escape de Gwen Stefani. D’ailleurs, toute la bande-son originale du téléfilm est comme un blind test de l’enfance des millenials, à tel point que chaque scène clé du film est ponctuée d’une musique feel good ou en contexte avec la scène en question. Ainsi, dès les premières minutes du film, nous sommes plongés dans une capsule temporelle où chaque comédie romantique était empreinte de clichés et de musique kitsch.

L’histoire est plutôt simple : le quotidien de deux meilleurs amis, qui se connaissent depuis vingt ans, va radicalement changer en une semaine. Ayant eu une histoire d’un soir ensemble il y a vingt ans – la scène d’ouverture du film -, les deux amis ne s’en sont pas arrêtés là en continuant, vingt ans après, à garder cette complicité malgré le temps passé et la distance. Ils ont maintenant des vies totalement différentes. Debbie vit à Los Angeles où elle élève seule son ado, alors que Peter vit pleinement sa vie de célibataire riche à New York dans un loft en plein centre-ville avec vue sur le pont de Brooklyn. Leur seul moyen de communication reste donc principalement le téléphone, symbolisé par l’écran qui se divise en deux pour le spectateur, ce qui accentue leur deux vies complètement opposées.

Une histoire d’amour difficile à croire

Le quotidien établi des deux protagonistes va être complètement chamboulé lorsque Debbie doit se rendre à New York pendant une semaine pour suivre une formation importante pour ce métier. Tout est prévu pour que les deux amis se retrouvent, mais ce n’est pas sans compter sur le fait que la personne qui devait garder l’enfant de Debbie ne pouvait pas se rendre disponible à ce moment-là.

Ayant passé une journée catastrophique (rupture et démission de son travail le jour de son anniversaire), c’est tout naturellement que Peter se propose de venir à Los Angeles garder son fils et de proposer à Debbie de loger dans son loft le temps de sa formation. Les deux amis vont donc échanger leur vie le temps d’une semaine, et c’est sur cette dualité que le film trouve son rythme. Cette démarche est intéressante, mais à pour contrepartie de ne jamais voir les deux acteurs au même endroit une seule fois dans le film à part à la toute fin, ce qui crée un manque dans l’histoire et on a du mal à voir une quelconque alchimie entre les deux meilleurs amis/amants secrets.

Car oui, il s’avère que depuis toutes ces années Debbie et Peter, du moment où ils se sont embrassés pour la première fois à aujourd’hui, se sont toujours aimés – une histoire d’amour plutôt prévisible pour ce genre de film – mais qui aurait pu être plus touchante si les deux acteurs avaient été davantage mis en avant dans les mêmes endroits pour que nous puissions ressentir une réelle complicité ou une alchimie. En fait, le film se précipite vers la réalisation de leur amour secret, sans tact. Ainsi, on tombe assez rapidement dans le pathos et dans le cliché.

Ce peu de complicité entre Debbie et Peter et le fait de ne pas creuser leur histoire fait que les autres éléments du film paraissent futiles et sans importance. Cela reste en tout cas une comédie romantique légère, un petit plaisir coupable à regarder sous la couette, mais on reste quand même sur notre faim.

Bande annonce – Toi chez moi et vice versa

Fiche technique – Toi chez moi et vice versa

Titre original : Your Place or Mine
Réalisation : Aline Brosh McKenna
Scénario : Aline Brosh McKenna
Interprètes : Reese Witherspoon, Ashton Kutcher, Wesley Kimmel,…
Plateforme : Netflix
Date de sortie : 10 février 2023
Format : long métrage
Durée : 1h49
Genre : comédie, romance

Voulant à la fois brasser une époque qui lui est personnelle et faire une véritable lettre d’amour à l’expérience de la salle de cinéma, Sam Mendes se montre ici un chouïa boulimique. Malgré les intentions, le visuel et l’interprétation de son actrice principale, Empire of Light semble vouloir traiter tous les sujets qui puissent lui tomber sous la main. Au point d’en oublier la magie et l’émotion, pourtant tant attendues de la part d’un tel projet.

Synopsis de Empire of Light : Hilary est responsable d’un cinéma dans une ville balnéaire anglaise et tente de préserver sa santé mentale fragile. Stephen est un nouvel employé qui n’aspire qu’à quitter cette petite ville de province où chaque jour peut vite se transformer en épreuve. En se rapprochant l’un de l’autre, ils vont apprendre à soigner leurs blessures grâce à la musique, au cinéma et au sentiment d’appartenance à un groupe…

Après avoir fait un petit tour du côté de la machinerie hollywoodienne (Skyfall, 007 Spectre et 1917), voici que le cinéaste Sam Mendes revient avec Empire of Light à un cinéma beaucoup plus personnel. Beaucoup plus intimiste. Et encore moins détonnant, comme peuvent l’être les blockbusters. Ici, il est plutôt question pour le réalisateur de suivre les pas de ses prédécesseurs quant à parler de cinéma avec un grand C, à l’instar de Damien Chazelle (Babylon) ou de Steven Spielberg (The Fabelmans). Mais aussi d’évoquer une époque avec nostalgie, au point de vouloir se dévoiler auprès de son public en racontant du vécu – comme Paul Thomas Anderson (Licorice Pizza), James Gray (Armageddon Time) et… Steven Spielberg encore une fois ! Et si ces sujets semblent aujourd’hui « à la mode » auprès de tels metteurs en scène, tous ont réussi à nous livrer des œuvres a minima touchantes. Voire magiques et bouleversantes pour certaines d’entre elles. Ce qui n’est malheureusement pas le cas avec Empire of Light. Mais pourquoi donc ?

Surtout que de parler cinéma en ces temps qui courent, de lui rendre hommage, c’est quasiment du pain béni pour un réalisateur aussi chevronné que Sam Mendes. D’autant plus qu’avec Empire of Light, il n’est même plus question de rendre hommage à un art, mais bien de s’intéresser à d’autres personnes du milieu qui n’ont pas encore été mis sous le feu des projecteurs, à savoir les exploitants de salles. En plaçant son récit au sein d’un cinéma même, Mendes nous dépeint les portraits de diverses personnes. De ce projectionniste discret et rêveur qui arrive à transmettre toute sa passion pour ce qu’il fait au quotidien. De ces caissiers qui animent à leur manière et prennent soin des lieux dont ils ont la garde. De ce directeur qui, malgré le fait qu’il soit antipathique au possible, a permis la réunion de cette équipe et que certains grands événements se fassent – comme une avant-première – afin d’offrir aux spectateurs cet instant unique et magique que doit procurer le visionnage d’un grand film. En nous livrant Empire of Light, Sam Mendes veut à tout prix pointer du doigt les plateformes de streaming qui ont profité de la récente crise sanitaire pour asseoir leur suprématie. Mettre en avant l’expérience même de la salle de cinéma, et crier haut et fort qu’il n’y a clairement rien de mieux que de s’installer face à un grand écran, parmi d’autres personnes, pour se laisser porter et vivre quelque chose d’exaltant. Ce que ne peut procurer une banale séance dans son salon, et ce même si les conditions techniques (qualité du son, de l’image…) vous semblent optimales.

Mais Empire of Light, c’est également un drame romantique qui anime ce cinéma. Un récit dans lequel une femme mal dans sa peau – car ayant une santé mentale fragile due à son passé, sa relation toxique avec son patron et sa vision des choses – va tomber amoureuse de la nouvelle recrue de l’équipe. Un jeune Noir qui dégage une sympathie et joie de vivre communicatives, et ce malgré le fait qu’il soit persécuté au quotidien (le mot est faible…) pour sa couleur de peau. En voulant raconter cette idylle qui risque à tout moment de s’écrouler, Sam Mendes veut brasser bon nombre de thématiques. Comme parler de cette Angleterre des années 80 qui connut bon nombre de mouvements sociaux et ethniques sous le règne de Margaret Thatcher (montée en puissance du racisme et des skinheads). Mais aussi de l’amour, cette émotion qui permet de réunir deux être et ce sans soucier une seule seconde de leurs différences culturelles, de leur différence d’âge. Tout en passant également du côté du harcèlement sexuel, notamment via ce patron marié qui abuse de son statut pour profiter de son employée et qui n’hésite pas à ouvertement l’humilier si elle ne va pas dans son sens. Et enfin, Empire of Light, c’est également l’occasion pour Sam Mendes de rendre hommage à un membre de sa famille, lui-même confronté à une maladie mentale.

Vous l’aurez compris, le long-métrage se montre plutôt ambitieux en voulant traiter bon nombre de sujets ô combien intéressants. Mais au lieu de dire « ambitieux », le mot « gourmand » serait plus approprié tant Empire of Light veut en faire trop. Car à trop vouloir traiter de thématique, le film n’arrive jamais à trouver le juste équilibre pour toucher le spectateur en plein coeur. Pendant près de deux heures, l’ensemble donne l’impression de n’être qu’une succession de thématiques qui ne font que cohabiter. Qui attendent le bon moment pour se faire entendre et s’exécutent sous nos yeux de manière assez artificielle. Que ce soit ces dernières ou bien le récit en lui-même, tout semble très premier degré dans l’écriture – Sam Mendes livre ici son tout premier scénario en solo – et mécanique dans le déroulement. À tel point que le sujet du cinéma, cité plus haut et pourtant primordial sur le papier, se retrouve relégué au second plan par cette romance qui ne sait pas trop quel chemin emprunter. Un constat qui ne peut que renforcer la déception face à Empire of Light, le film devenant pour le coup longuet et ennuyeux. Ne parvenant jamais à procurer ce soupçon d’émotion et de magie pourtant promis par le projet. Et ce malgré l’indiscutable talent des diverses personnes qui entourent ici Sam Mendes. L’immense Roger Deakins, qui fait (comme à son habitude) d’Empire of Light une œuvre à la photographie sublime. Le duo de compositeurs Trent Reznor et Atticus Ross, qui offrent au film une ambiance forte, poétique et sincère. Ou encore l’incroyable Olivia Colman, qui illumine l’écran à chacune de ses apparitions, dans un rôle qui plus est assez complexe. Mais même avec tous ces grands noms et leur travail respectif, Empire of Light n’arrive nullement à décoller et nous laisse finalement de marbre.

De tous les films cités en préambule de cette critique, le nouveau long-métrage de Sam Mendes n’est clairement pas celui qui retiendra le plus notre attention. Et encore moins le plus abouti de la filmographie du cinéma, ce dernier ayant à son actif des titres beaucoup plus maîtrisés et en tout point mémorable. Est-ce aussi parce qu’avec tous ces metteurs en scènes nostalgiques et défenseurs du cinéma, nous sommes arrivés en tant que spectateurs à un point de saturation non négligeable ? Ou bien que sortir après un film tel que The Fabelmans s’avère pour le moins handicapant ? Il n’empêche qu’Empire of Light reste une œuvre maladroite dans son écriture, malgré la sincérité de ses propos. Nous ne nous faisons pas de soucis quant au fait que Sam Mendes saura nous revenir en meilleure forme. Mais à l’heure actuelle, c’est avec déception que nous accueillons sa dernière création.

Empire of Light – Bande annonce

Empire of Light – Fiche technique

Réalisation : Sam Mendes
Scénario : Sam Mendes
Interprétation : Olivia Colman (Hilary Small), Michael Ward (Stephen), Colin Firth (Donald Ellis), Toby Jones (Norman), Tom Brooke (Neil), Tanya Moodie (Delia), Hannah Onslow (Janine), Crystal Clarke (Ruby)…
Photographie : Roger Deakins
Décors : Mark Tildesley
Costumes : Alexandra Byrne
Montage : Lee Smith
Musique : Trent Reznor et Atticus Ross
Producteurs : Pippa Harris et Sam Mendes
Maisons de Production : Searchlight Pictures et Neal Street Productions
Distribution (France) : Walt Disney Company France
Durée : 113 min.
Genre : Drame
Date de sortie :  01 mars 2023
Royaume-Uni, Etats-Unis – 2022

Adonis Creed est de retour, et cette fois, Rocky n’est pas là. Signe de cette prise d’indépendance de cette franchise spin-off, c’est Michael B. Jordan lui-même qui se charge de la réalisation. Et pour un premier film, l’acteur s’en sort avec les honneurs. Creed III, quand bien même jamais surprenant dans son déroulé, demeure un très bon divertissement notamment grâce à ses bonnes idées de mise en scène et un antagoniste charismatique.

Prise d’indépendance totale ?

Lorsque l’on retrouve Adonis Creed, tout va pour le mieux pour lui. Jeune retraité, il n’a plus rien à prouver, ayant déjà tout raflé sur les rings. Il consacre désormais son temps libre à s’occuper de son académie et de sa famille. Mais cette vie de rêve va être perturbée par Damian ( Jonathan Majors ), un ami d’enfance du boxeur. Celui-ci refait surface dans sa vie, après des années d’absence. Rapidement, on comprend qu’un lourd passé lie les deux hommes, et que Damian semble être revenu avec un objectif clair à l’esprit : se venger et reprendre ses droits.

Lorsque l’on a appris que Sylvester Stallone, figure majeure de cette franchise dérivée, ne serait pas de la partie, on pouvait redouter le nouvel opus. Car si le premier Creed était une si belle réussite, c’est en grande partie dû au tandem Stallone-Jordan. Ryan Coogler a parfaitement su allier le passé et le futur d’une même franchise. Pourtant, Creed II, bien que convenable, ne retrouvait pas l’équilibre du premier film. Le retour de la famille Drago montrait que la franchise n’arrivait pas à se séparer de son glorieux passé. Une belle dose de nostalgie pour la franchise, mais une stagnation pour son nouveau héros.

Heureusement, malgré l’absence inexpliquée de Rocky, Adonis Creed est un personnage suffisamment incarné pour porter ce troisième opus sur ses seules épaules. Michael B. Jordan semble vraiment avoir la mainmise sur son personnage, et l’apport de sa famille aide grandement à ressentir cette sympathie pour le boxeur. Malheureusement, le personnage de Tessa Thompson est bien trop passif dans le film. Son faible temps d’écran est dommageable, d’autant plus que l’ébauche de son arc scénaristique autour de son handicap avait du potentiel.

Paradoxalement, malgré cette volonté d’indépendance, des échos à Rocky sont toujours là. D’un point de vue scénaristique, le film ressemble beaucoup à Rocky 3. Dans les deux films, les héros n’ont plus rien à prouver. En quelque sorte, ils se sont embourgeoisés, vivant dans une grande maison avec leur famille. Et c’est l’apparition soudaine d’un personnage qui vient faire dérailler la douce vie menée par le héros. Autre paradoxe, en voulant aller de l’avant sans Rocky, le film essaie de se séparer de ses origines. Pourtant, il fait appel au passé de Creed à travers le personnage de Damian.

Divertissant mais sans surprise

L’une des grandes qualités de Creed III est assurément son antagoniste. Jonathan Majors est impressionnant dans le rôle de Damian. Il arrive à imposer son incroyable physique à l’écran, à travers sa démarche et son visage, signe de ses blessures de vie. Le lourd passé le liant à Adonis rend la tension plus que palpable. La confrontation paraît inévitable et la construction scénaristique arrive convenablement à faire ressentir cette tension graduelle. Mais sans s’en rendre compte, le film n’arrive jamais à créer un protagoniste contre lequel le spectateur prend véritablement partie. Malgré certaines actions litigieuses sur le ring, le parcours semé d’embûches du personnage ne fait que renforcer notre empathie pour lui.

Ainsi lorsque les deux anciens amis se retrouvent sur le même ring, on ne sait qui supporter. Justement, d’un point de vue sportif, les scènes de boxe sont elles aussi très réussies. Michael B. Jordan a déclaré lors de la promotion du film s’être inspiré des mangas. Une très bonne idée, qui insuffle une fraîcheur bienvenue dans les scènes de combat de la franchise. Ainsi, des gros plans en ralenti ou certains choix de découpage mettent l’emphase sur l’intensité des combats et des coups portés. La mise en scène du match final, audacieuse, nous immisce aussi dans l’intériorité des personnages.

Malheureusement, ces bonnes idées s’inscrivent dans un film bien trop prévisible. Au-delà des éléments le liant à Rocky 3, le film est sans surprise. Tous les grands éléments dramaturgiques s’enchaînent de manière attendue. Heureusement pour le film qu’il repose sur des combats de boxe, car l’imprévisibilité dramaturgique propre à chaque combat permet de pallier le manque de saveur du scénario. Le long-métrage se déroule très ( trop ? ) rapidement, chacune des sous-intrigues paraissent seulement esquissées. Sur ce point, le montage quelque peu elliptique de Creed III n’aide pas.

Finalement, Michael B. Jordan a réussi à nous faire oublier Rocky. Malgré la banalité de son scénario on ne peut plus classique, Creed III est un solide divertissement. Grâce à des scènes de boxe intenses et un Jonathan Majors charismatique, l’acteur a réussi à soigner sa première réalisation. Cependant, si l’on doit revoir Adonis Creed dans le futur, il faudra très certainement trouver un second souffle. Car ce qui nous liait à Rocky tenait de son appartenance sociale. Véritable représentant du prolétariat philadelphien, chacun avait une part de Rocky en lui. Ce questionnement social désormais absent de la franchise, reste à Jordan d’inscrire son personnage au sein de quelque chose de plus grand que lui.

Creed III : bande annonce

Creed III : fiche technique

Réalisation : Michael B. Jordan

Scénario : Keenan Coogler, Zach Baylin

Interprétation : Michael B. Jordan ( Adonis Creed ), Jonathan Majors ( Damian Anderson ), Tessa Thompson ( Bianca Creed )

Photographie : Kramer Morgenthau

Musique : Joseph Shirley

Montage : Tyler Nelson

Genre : Drame, sport

Société de distribution : Warner Bros ( international )

Date de sortie : 01 Mars 2023

Durée : 1h56

Pays : États-Unis

Genki Kawamura adapte son propre roman pour N’oublie pas les fleurs, ce film tout en délicatesse, qui traite de la mémoire et de l’oubli, ainsi que des souvenirs sur lesquels notre cerveau règne en maître, au détriment de nos sentiments…

Synopsis de N’oublie pas les fleurs :  Lors du réveillon du Nouvel An, Izumi retrouve sa mère Yuriko errant dans un parc par un froid glacial. Quelques mois plus tard, elle est diagnostiquée comme souffrant d’Alzeihmer et sa mémoire décline rapidement. Pour son fils, les souvenirs de la mère qui l’a élevé seule sont toujours aussi vivaces. L’un d’eux en particulier, lorsqu’il croyait qu’elle avait disparu, le hante terriblement. Alors que Yuriko sombre lentement dans l’oubli, Izumi doit accepter de perdre à nouveau sa mère, cette fois pour toujours. En prenant soin de sa mère – au moment où lui-même s’apprête à devenir père – Izumi tente de comprendre ce qui l’a éloigné d’elle et s’interroge sur le sens de leur relation, pour retrouver l’essentiel de ce qui leur reste.

 The Son

Le cinéma japonais est cette source inépuisable de films qui sont en apparence calqués les uns sur les autres, et qui, au visionnage, finissent toujours par apporter ce petit supplément qui va le rendre unique et intéressant. Ainsi en est-il pour N’oublie pas les fleurs, le film  de Genki Kawamura, adapté de son propre roman. La douceur du Tokyo Sonata de Kyoshi Kurosawa, le drame familial qui ramène à Kore Eda, l’efficacité d’un minimalisme que ne renierait pas le maître Yasujiro Ozu. Tout cela , et tout à fait autre chose en même temps. Car ici , on touche à une question sensible du Japon d’aujourd’hui, de maintenant : celle du vieillissement de la population, et son corollaire sanitaire qu’est la démence sénile et l’Alzheimer.

Certes, le sujet n’est pas neuf, et rien que ces dernières années, nous avions eu Still Alice de Richard Glatzer & Wash Westmoreland qui a valu à Julianne Moore son oscar ; nous avions eu le poignant Poetry de Chand Dong Lee ; le remuant Falling de Viggo Mortensen, et bien sûr le très médiatique The Father de Florian Zeller. Mais ce qui est différent, c’est la nostalgie qui enrobe le film, et l’approche du cinéaste qui consiste à adopter les points de vue de deux personnages, ce en quoi il se rapproche peut être le plus du film de Zeller.

Yuriko est une professeure de piano, encore passablement jeune mais déjà au soir de sa vie : les notes lui font un peu défaut, les fleurs s’étiolent dans les soliflores. Elle oublie de faire ses courses et se retrouve au contraire sur une balançoire à ressasser des souvenirs anciens. Son parapluie reste irrémédiablement fermé contre son corps sous une pluie torrentielle. Le verdict tombe : C’est l’Alzheimer qui frappe Yuriko.  Izumi , son fils, semble excédé plutôt que compatissant face au comportement de sa mère. On comprend qu’un passif existe entre mère et fils, que le film s’emploiera de dévoiler par petites touches.

Sur fond de ce sujet anti-spectaculaire, et de ce qui semble être un traumatisme se dessinant en filigrane, le film repose sur une esthétique à l’avenant, avec des plans lents, voire quasi-fixes par endroits, des profondeurs de champ vaporeuses, des silences prolongés, et une musique plus ou moins lancinante. Ce rythme  ralenti est tout à fait adéquat pour montrer le temps qui passe ou ne passe pas, la maladie qui aspire l’énergie ambiante et bloque la protagoniste dans une diégèse parallèle. Notre émotion résulte du côté inexorable de la détérioration  et des questions qui restent sans réponse, puisque la mémoire s’efface.

N’oublie pas les fleurs est en réalité une réflexion plus globale sur la mémoire : celle qui s’en va, celle qui ne veut pas revenir, celle qu’on invente de toutes pièces au travers de l’intelligence artificielle. Ainsi, les flash blacks sont nombreux, ceux du fils qui tente une course désespérée contre la montre en essayant de coller les bribes de souvenirs, et ce d’autant qu’il va lui-même devenir père pour la première fois ; ceux de la mère, ou plus exactement ceux qui montrent la mère dans le passé, et qui ont une vocation explicative. S’il y a d’ailleurs un reproche qu’on peut faire au film, ce sont ces digressions dans le passé de Yuriko, qui entraînent des ruptures de rythme. Mais l’Alzheimer étant l’Alzheimer, on imagine que ces souvenirs anciens sont en réalité tout ce qui reste et peuple la mémoire de Yuriko…

Bien que N’oublie pas les fleurs soit un film plutôt atone, on se laisse emporter par ces relations humaines complexes et fragiles : la mémoire et l’oubli, le ressentiment et le pardon. Une fois de plus, le cinéma japonais nous submerge par sa délicatesse et ses non-dits qui nous engagent plus que n’importe quel film bien plus démonstratif.

N’oublie pas les fleurs – Bande annonce 

N’oublie pas les fleurs – Fiche technique

Titre original : Hyakka
Réalisateur : Genki Kawamura
Scénario : Genki Kawamura, Hirase Kentaro
Interprétation : Mieko Harada (Yuriko Kasai), Masaki Suda (Izumi Kasai),  Masami Nagasawa (Kaori), Masatoshi Nagase (Yohei Asaba)
Photographie : Keisuke Imamura
Montage : Sakura Seya
Musique : Shouhei Amimori
Producteurs : Taichi Itô, Kenji Yamada
Maisons de Production : AOI Pro.
Distribution (France) : Eurozoom FranceSan Sebastian 2022
Durée : 104 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 01 Mars 2023
Japon– 2022

Si vous avez raté la sortie de Pulse – dans les salles depuis le 22 février – pas de panique, il est encore temps de voir le film d’Aino Suni. Voici trois raisons de (re)voir Pulse au cinéma.

De la couleur avant toute chose

Verlaine définissait la poésie comme « de la musique avant toute chose ». La réalisatrice finlandaise Aino Suni réinvente le geste du poète. Son premier long-métrage Pulse est une petite bombe rythmée par des couleurs pop et acidulées. De quoi séduire la nouvelle génération. L’esthétique du film emprunte beaucoup à celle des clips US. Chaque scène du film est construite à la manière d’un tableau où dominent le rouge et vert. L’éclairage flashy accentue la présence des couleurs primaires à l’écran. L’univers dépeint par Pulse apparaît volontiers irréel. On passe ainsi du faste d’une villa de la Côté d’Azur, décorée à la manière de Gatsby le Magnifique, à une ambiance crépusculaire à la Blade Runner.

Elina est une jeune rappeuse qui vit en Finlande avec sa mère. Elle est contrainte de quitter son pays natal lorsque sa mère décide d’emménager chez son compagnon qui habite dans le sud de la France. Elina atterrit dans un monde fait de villas luxueuses et de piscines à débordement. Elle doit très vite composer avec Sophia (Carmen Kassovitz), la fille de son beau-père. L’héroïne tombe sous le charme de la jeune fille. La relation entre les deux adolescentes oscille très vite entre fascination et rapport de pouvoir. Cette ambiguïté se traduit dans les décors. Ces derniers évoluent en même temps que les sentiments de l’héroïne à l’instar de la musique.

Et le rap (finlandais) réinventa le cinéma

Pulse prend à contre-pied la tendance stylistique du cinéma contemporain. Celle-ci veut que les films soient de plus en plus sombres et crépusculaires. Les couleurs n’ont plus bonne presse. La musique, quant à elle, doit jouer le jeu de la discrétion. Aino Suni choisit volontairement d’introduire une bande-son explosive. Celle-ci, constituée de morceaux de rap finlandais et de house, vient rythmer les images filmées. Pour interpréter la jeune Elina, Elsi Sloan a du apprendre à rapper en finlandais et en français. L’actrice se glisse avec une facilité déconcertante dans la peau de cette jeune rappeuse prête à tout pour attirer l’attention de celle qu’elle aime. Comme dans nombre de films, la musique tient une place primordiale dans l’histoire. Ici, elle rythme les désillusions d’Elina. Là, elle souligne l’acmé narratif. Elle est aussi un élément qui alimente l’ambiguïté entre les deux adolescentes.

Le travail de la mise en scène fait oublier la faiblesse relative du scénario. L’histoire d’une relation amicale qui vire à l’ambiguïté toxique, sur fond de sentiments amoureux non réciproques, a déjà été traitée par le cinéma. On pense notamment à Naissance des pieuvres (2008) de Céline Sciamma ou encore Respire (2014) de Mélanie Laurent. De même, on pourrait reprocher au film sa dimension « cage dorée ». Il décrit un monde d’ultras privilégiés où Elina et Sophia déambulent dans des villas gigantesques. Leurs quotidiens semblent se résumer à aller à des soirées sélects, en cachette de leurs parents, en papotant avec « des fils et filles de ». Dans ce monde dégoulinant de luxe, on peine à s’y retrouver, voire à s’identifier avec les personnages. Si la cinéaste a sans doute consciente de jouer avec des clichés éculés, elle innove en choisissant de mettre en scène une héroïne non binaire.

La non binarité (enfin) abordée sur grand écran

Elina est une jeune fille qui se moque des stéréotypes de genres. Son apparence joue avec les normes de genre. Ses cheveux verts et son crâne rasé lui confèrent une allure androgyne. Pulse n’aborde jamais de front la non binarité. D’abord parce que Elina n’en parle pas. Il n’est pas question de parler pour elle.

Pour le film comme pour sa réalisatrice, la non binarité ne constitue pas une « question » ou une « thématique » du film. La cinéaste impose Elina comme un personnage lambda. Ni son identité de genre ni son orientation ne font l’objet de discussion. Celles-ci vont de soi. Ce qui intéresse la cinéaste est l’ambiguïté qui unit Sophia et Elina.

Celle-ci est d’ailleurs poussée au paroxysme. D’ange protecteur, Elina s’improvise volontiers démon tentateur, poussant sa bien-aimée sur les cimes de la mort. En dépit de ses faiblesses, Pulse a le mérite de réinventer le topo de l’amitié-amoureuse toxique, en impulsant à la musique et à la couleur un pouvoir de signification inédit.

Pulse – Bande-annonce

Pulse – Fiche technique

Réalisation : Aino Suni
Interprétation : Elsi Sloan (Elina), Carmen Kassovitz (Sophia)
Production déléguée : Adastra Films
Exportation / Vente internationale :
Kinology
Productions :Made, Oma Inge Film
Distribution : Wayna Pitch

Synopsis : Manuel, 16 ans, est un adolescent comme les autres. Dans sa petite ville côtière d’Argentine, il traîne avec ses amis et sa petite-amie, va à la plage, et joue de la basse dans un groupe de rock. Une routine parfaite pour un garçon de son âge. Mais sa vie se complique lorsqu’il commence à ressentir quelque chose de spécial pour son meilleur ami Felipe.