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Le retour inespéré de James Gunn aère enfin une saga qui n’offrait plus rien de super-héroïque depuis la séparation des Avengers. Les Gardiens de la galaxie Vol. 3 sonne ainsi comme un chant du cygne pour le cinéaste et pour toute une bande déjantée qui a rarement connu le couperet exigeant de son audience. Comme quoi, il est toujours possible de s’éclater tout en se taquinant.

Une phase 4 catastrophique et un début de phase 5 soporifique avec Ant-Man et la Guêpe : Quantumania, le Marvel Cinematic Universe est sur les rotules depuis Avengers : Endgame. Faute de savoir quelle direction prendre ou de savoir comment les pièces vont s’imbriquer dans le peu de matière que le multivers marvelien a à nous offrir, il est toujours réconfortant de saluer une œuvre qui peut encore être identifiée par son auteur, James Gunn. Adulé de tous les fans, jusque dans l’écurie DC Comics, le geek du Missouri trouve encore la force gonfler les rangs des Gardiens, tout en maniant le burlesque afin que les figures secondaires ne disparaissent pas entièrement dans le décor. Si cette observation est plus que valable dans le volet précédent, on se montrera un peu plus hésitant par ici, mais cela est suffisant pour justifier le départ de Star-Lord et sa génération de bras cassés, soit vers d’autres horizons, soit pour qu’ils se reposent enfin de leur folle aventure l’espace.

Chaos Space

On prend les mêmes et on recommence ? La formulation nous pend à la langue lorsqu’une suite est annoncée. Pourtant, le Vol. 2 des Gardiens nous a fait passer par tout un tas d’émotions, quitte à ce que son feu d’artifice final soit le plus tragique possible. Du moment que ça fonctionne, on ne demande rien de plus à ce genre de blockbusters qui doit avant tout nous en mettre plein la vue. Et on en a vu plein des choses du côté de Black Panther : Wakanda Forever, Thor : Love and Thunder ou encore Doctor Strange : The Multivers of Madness. Mais tous ceux-là ont échoué là où James Gunn parvient encore à rester cohérent avec la stylisation de son univers et le ton des films familiaux.

Mention honorable à cette lutte solidaire dans un petit couloir, où la chair de vilaines créatures rebondit sur les parois avant de les peindre de leur sang. Tout l’art du spectacle de Gunn est là, sans complexe et qu’il n’hésite pas à jumeler avec le burlesque de ses premières réalisations horrifiques. C’est fun et ludique, des qualités rares de paysages hollywoodien pour qu’on le salue à la première occasion.

Ce qui peut toutefois dérober à cette analyse, c’est dans le traitement expéditif d’une icône des comics books, Adam Warlock (Will Poulter), sorti trop tôt de son cocon pour qu’on s’y intéresse vraiment. Le plan de renouvellement des Gardiens est en marche et il n’est pas surprenant de voir que son arrivée est incompatible avec la conclusion de deux arcs très attendus du côté des deux « cerveaux » de l’équipe.

Là où on se sent bien également, c’est dans l’équilibre entre l’humour et d’intenses séquences dramatiques, déjà dans l’ADN du groupe. Gunn gère son tempo comme nul autre dans le MCU, avec des gags toujours aussi immatures, mais qui ne sont pas seulement là pour remplir des transitions douteuses ou pour recapter l’attention du spectateur, déjà perdu à des années-lumière de ce qui se passe à l’écran. Pas de piège, nous avons bien affaire à un face-à-face direct entre les personnages et un public qui a tout à découvrir sur le raton laveur qui cache bien ses cicatrices.

Secouer la cage

C’est à se demander si James Gunn n’attendait pas que ça, de nous faire découvrir les origines de Rocket Raccoon, chantonnant Creep avec beaucoup de retenue. Ce dernier n’a plus rien d’une mascotte dans cet épisode que l’on vivra à sa hauteur. En effet, Peter Quill en a quasiment fini avec son passé, du moins, le plus gros morceau reste pour ce petit rongeur de l’espace et le Maître de l’Évolution (Chukwudi Iwuji), nouvel antagoniste mégalomane, tel le docteur Frankenstein. Celui-ci cherche à dompter la perfection à travers la science et un repeuplement pacifique d’êtres, dont on a forcé l’évolution. Certains ne seront pas du même avis, mais sa présence rafraîchit dans le paysage du MCU, qui n’a de cesse de limiter la cruauté de ses vilains, soit en leur donnant une bonne raison d’en vouloir au monde ou en nuançant leur conquête du monde. Ce scientifique-là, on le hait de toutes nos forces et c’est aussi ça un bon traitement du manichéisme, qui n’a au fond rien de méprisant.

Le véritable braquage du film se joue dans les petits détails que l’on accepte volontiers et c’est pourquoi la narration en flashback nous émeut plus que tout. Gunn aborde ses marginaux de l’espace avec un profond respect qui les rend plus humains que n’importe quel super-héros générique en costume moulant en lycra.

Si le retour de Gamora aurait également pu servir de noyau à ce voyage, on préfère jouer la carte de la seconde avec humilité. Ce qui permet de bouleverser la hiérarchie des personnages que l’on sent épuiser. Un ultime retour aux sources les émancipera forcément de leur passé, offrant ainsi une conclusion précipitée qui jure un peu avec le reste de l’univers du MCU, mais comment en vouloir à James Gunn de s’être attaché aux Gardiens et à leur charme incomparable.

Cette dernière aventure déconnectée des Avengers donne donc un certain cachet aux Gardiens de la Galaxie Vol.3, qui déborde de tendresse là où on ne l’attend pas toujours. La séparation aura toutefois un goût amer quant aux succès de cette dynamique de groupe, qui semble quitter une bonne fois pour toute la régularité du MCU. Nous espérons cependant nous tromper à ce sujet, et ce, pour le bien d’une franchise qui doit retrouver ses couleurs d’antan. Ce film est ici pour nous rappeler qu’il existe une sensibilité au-delà du cerveau, qu’on ne peut dupliquer d’un claquement de doigt.

Bande-annonce : Les Gardiens de la galaxie Vol. 3

Fiche technique : Les Gardiens de la galaxie Vol. 3

Titre original : Guardians of the Galaxy Vol. 3
Réalisation & Scénario : James Gunn
Photographie : Henry Braham
Musique : John Murphy
Montage : Greg D’Auria, Fred Raskin
Décors : Beth Mickle
Costumes : Judianna Makovsky
Production : Marvel Studios
Pays de production : États-Unis
Distribution France : The Walt Disney Company France
Durée : 2h30
Genre : Action, Aventure, Fantastique, Science-Fiction
Date de sortie : 3 mai 2023

Synopsis : Notre bande de marginaux favorite a quelque peu changé. Peter Quill, qui pleure toujours la perte de Gamora, doit rassembler son équipe pour défendre l’univers et protéger l’un des siens. En cas d’échec, cette mission pourrait bien marquer la fin des Gardiens tels que nous les connaissons.

Dans son nouveau long-métrage, Camila sortira ce soir, la réalisatrice argentine Inés María Barrionuevo capte une adolescente à l’âge de tous les possibles, à la fois grisant et douloureux, entre certitudes et doutes.

Quatrième long-métrage d’Inés María Barrionuevo, née en 1980, en Argentine, Camila sortira ce soir accompagne les émois de son héroïne éponyme, déplacée de La Plata à Buenos Aires par l’hospitalisation, ultime, de sa grand-mère. Sa propre mère (Adriana Ferrer), sa sœur et elle-même emménagent dans le grand appartement citadin et bourgeois, à présent déserté, mais comme plongé dans le formol par la menace qui pèse sur l’aïeule. Durant cette hospitalisation d’une figure familiale que Camila (Nina Dziembrowski) n’aimait pas, l’adolescente affronte son insertion dans un nouveau lycée, privé cette fois-ci, et les liens complexes qu’elle y noue, avec un, puis une camarade de classe (Maïte Valero).

Sur un scénario d’Andrés Aloi, la réalisatrice argentine tisse habilement des thèmes aussi différents que les rapports entre élèves au sein d’un établissement et les risques de harcèlement auxquels ils peuvent aboutir, la vengeance amoureuse, l’ouverture à la sexualité, voire aux sexualités, les grossesses non désirées, les premières prises de conscience sociétales, la découverte de la politique, les premières manifestations, l’engagement, le regard porté sur les actions des adultes…

Hormis durant les nuits évoquées par le titre, où les teintes se font plus chatoyantes, le chromatisme principal se déploie dans des tons froids, comme éteints, allant du bleu au vert, en passant par le gris. Les contours et les reliefs apparaissent souvent comme très légèrement floutés, légèrement brumeux. Monde des limbes parfaitement saisi par la directrice de la photographie, Constanza Sandoval, et qui rend bien compte d’un âge véritablement suspendu entre enfance et maturité, où ce qui fut doit s’éteindre mais où ce qui sera n’est pas encore advenu. Avec beaucoup de sensibilité, la progression du film renforce cette zone d’inquiétudes en rendant de plus en plus présente la question des générations. Si bien que, en un jeu de basculement assez subtil, c’est finalement sur la mère de Camila que se déplace l’attention dans les scènes finales. Figure initialement de l’ombre, occupant une position également instable et fragilisée, entre une génération qui s’éteint et une autre qui accède à sa féminité et à sa vie d’adulte. Mais figure qui a permis celles qui découlent d’elle, même si elle atteint les heures où elle doit affronter la mort de l’un des deux êtres qui lui ont donné la vie. Un décentrage-recentrage qui dramatise aussi de façon enrichissante l’accession à la vie de la jeune Camila, ses excès, ses transgressions, ses audaces…

Bande-annonce : Camila sortira ce soir

Fiche technique : Camila sortira ce soir

Titre original Camila saldrá esta noche
Réalisateur : Inés María Barrionuevo
Par Inés María Barrionuevo, Andrés Aloi
Avec Nina Dziembrowski, Adriana Ferrer, Carolina Rojas…
En salle le 7 juin 2023 / 1h 43min / Drame, Romance

Synopsis du film Camila sortira ce soir : Lorsque sa grand-mère tombe gravement malade, Camila doit déménager à Buenos Aires avec sa mère et sa soeur. Elle quitte alors son lycée public pour une institution privée très traditionaliste. Dans ce milieu hostile, elle fait la rencontre de Clara, une camarade de classe qui cache un secret. Une révolution féministe est sur le point de commencer.

Rescapé de l’Holocauste, Jack Garfein est The Wild One qui a rapidement apprivoisé les subtilités de la performance d’acteur, avant de révéler d’autres talents qui partagent avec lui ce croisement entre les expériences intimes et ce nouveau refuge qu’est le cinéma.

Si le nom de Jack Garfein ne vous titille pas plus que ça, le documentaire de Tessa Louise-Salomé s’en chargera. En effet, le modeste cinéaste qu’il est revendique avant toute chose la performance de son jeu. Ce n’est que lorsqu’il se voit rapidement projeté sur la scène de la réalité que jouer la comédie est devenu vital. C’est pourquoi on retiendra volontiers les détails d’un parcours atypique, de sa brève mais intense enfance en Europe avant de se trouver un siège à Hollywood.

Tessa Louise-Salomé n’est pas à son premier coup d’essai quand il s’agit d’ausculter la genèse d’un artiste. Fascinée par le cinéma de Leos Carax, elle en a déjà fait l’éloge à deux reprises, une fois dans Drive in Holy Motors, puis une autre en ouvrant la psyché de cet auteur avec Mr. X. De la même manière, c’est un sentiment de proximité qui la confronte à ses sujets filmés et il ne serait pas étonnant qu’un portrait sur Yórgos Lánthimos voie le jour sous sa narration.

Si la cinéaste œuvre dans le sens patrimonial de ses pairs, c’est bien évidemment pour nous offrir cette seconde lecture que l’on se refuse inconsciemment ou par manque de temps. Cette impulsion, elle la transmet dans ses coproductions, donnant un second souffle aux compositions de Sébastien Tellier ou en frottant le vernis des sculptures d’Anish Kapoor. Pour Garfein, tout l’enjeu est de commémorer son héritage. Mais avant d’en arriver là, il est nécessaire de faire un grand détour sur le premier chapitre de sa vie.

The Strange One

Une forêt ténébreuse et des rails bien usés qui filent vers une destination emblématique, le jeune garçon a bien connu le camp de concentration d’Auschwitz. La vie qu’il y décrit sillonne suffisamment de livres d’histoire pour qu’il soit difficile de passer à côté de la souffrance qu’il a endurée. Tout ce témoignage aurait autant de valeur qu’une autre, mais c’est dans une approche tragique que Garfein décrit sa première performance. Simuler une maladie a préservé sa dignité et justifie ainsi toute la rigueur qu’il empoigne à chaque réplique qu’il donne, quelle que soit la scène sur laquelle il doit jouer.

La structure du documentaire joue ainsi sur des allers-retours permanents entre cette sombre époque et son ascension à Hollywood. L’enfant d’après-guerre a trouvé sa place à Los Angeles et ne manque pas l’occasion de nous offrir un fragment de sa jeunesse à chaque occasion. En réalisant The Strange One, sorti au printemps 1957, il dépeint un milieu carcéral au sein d’une académie militaire. On cherche à y former des hommes, mais la démarche inquiète plus que tout. Les motifs d’humiliation et les diverses menaces du sergent Jocko De Paris (premier rôle au cinéma de Ben Gazzara) envers ses cadets, relatent aussi bien son expérience des camps qu’une réelle envie de rendre hommage aux victimes de ce genre d’agression. Jack Garfein défend les valeurs humaines jusqu’à y greffer la ségrégation et l’homosexualité, des tabous qui l’ont rapidement propulsé en haut de la blacklist des producteurs. Il était alors tenu en joue par la « dictature » hollywoodienne, où il était toutefois armé des meilleures intentions pour faire-valoir ses origines et son courage à travers ses personnages.

Something Wild

Ce n’est que quatre ans plus tard avec son second et ultime long-métrage, Something Wild, que Garfein atteint le bout de la nuit. Il y brosse le portrait d’une femme violée et qui cherche à surmonter ce traumatisme. C’est ce qu’elle fera et surprenamment aux côtés d’un homme qui a également ses démons à combattre. Le cinéaste met de nouveau l’accent sur la solidarité, à la fois comme l’outil le plus efficace pour prolonger son espérance de vie et comme un argument en faveur d’une humanité bienveillante. Cette proposition n’a pas manqué de secouer les colonnes de la presse à scandale, qui n’y voyait que de la malhonnêteté quant au drame filmé et à sa morale finale (effectivement assez embarrassante).

Au-delà du récit, c’est avant tout cette cohérence et cette souffrance que capte Garfein. Corroll Baker s’acquitte parfaitement de son rôle, pourtant éprouvant mais qui souligne ainsi la nécessité d’avoir étendu l’association d’Actors Studio jusqu’aux pieds d’Hollywood, une terre de rêve qui puise dans la réalité, aussi crue soit-elle. Appréhender un rôle est devenu une science qui gravite autour des émotions et du fait de les recréer, de la manière la plus organique possible. Le théâtre et le cinéma ont rapidement salué cette audace, et ce documentaire en fait son argument principal, plaçant ainsi le metteur en scène, chargé en histoire, au centre de l’écran.

La voix de Willem Dafoe diffuse également les bonnes paroles, mais quelque chose peut sonner creux dans ce processus débridé. Si l’on a parfois du mal à raccrocher tous les wagons dans le bon ordre, The Wild One tente d’invoquer le fantôme d’un homme qui a longtemps cherché à guérir de cette maladie qui l’a accompagné. Peut-être que la vision de Tessa Louise-Salomé correspond tout simplement au même jeune garçon de la Seconde Guerre mondiale, celui qui a mis du temps à comprendre en quoi les derniers mots de sa mère, aussi cruels soient-ils, sont porteurs d’amour et lui ont sauvé la vie. Jack Garfein rejoue sa vie comme si c’était le dernier acte, à la fois pour ne pas oublier d’où il vient et pour ne pas perdre ce qui lui reste à partager. Le spectateur n’a plus qu’à honorer sa mémoire en émiettant le flegme d’un homme qui n’a jamais quitté son personnage.

Bande-annonce : The Wild One

Fiche technique : The Wild One

Réalisation : Tessa Louise-Salomé
Photographie : Boris Lévy
Musique : Gael Rakotondrabe
Montage : Simon Le Berre
Production : Petite Maison Production
Pays de production : France
Distribution France : New Story
Durée : 1h34
Genre : Documentaire
Date de sortie : 10 mai 2023

Synopsis : Petit garçon des Carpates rescapé de la Shoah, metteur en scène à succès, poumon de l’Actors Studio, protégé d’Hollywood mais aussi exilé, conspué, oublié, Jack Garfein a vécu plusieurs vies. « The Wild One » nous fait découvrir la vision d’un homme dont la vie entière fut tournée vers l’idée que la création artistique est un acte de survie.

Le nouveau Kelly Reichardt, Showing up, est clairement une œuvre mineure de sa filmographie. Inconsciemment, elle y cristallise tous les clichés minimalistes du cinéma indépendant américain entre monotonie et minimalisme poseur. Il n’empêche, son film développe un petit charme indéniable et quelques moments savoureux qui ne compensent pas son côté quelque peu insignifiant qui nous fera vite l’oublier.

Le cinéma dit indépendant américain peut parfois devenir une caricature de lui-même. Quand, par exemple, bon nombre de ses codes se retrouvent regroupés dans une œuvre. Le nouveau film de Kelly Reichardt, papesse de ce type de cinéma, en comprend beaucoup. Beaucoup trop. Si certains de ses films ont marqué cette frange du cinéma d’auteur outre-Atlantique par leur qualité indéniable – on pense par exemple à des long-métrages comme Wendy et Lucy et surtout son avant-dernier opus en date, le magistral First Cow – toute sa filmographie n’est pas de cet acabit. En plus d’être un opus mineur, mais pas son pire (Certain Women était d’un ennui abyssal), Showing Up demeure bien trop ancré dans les sentiers balisés de ce cinéma certes exigeant mais souvent rébarbatif.

La réalisatrice retrouve sa muse, Michelle Williams, après son immense rôle dans le dernier Spielberg, pour la quatrième fois. L’actrice fait confiance à la réalisatrice et réciproquement. Cela se ressent à chaque scène. Le rôle de cette artiste timide que tous les petits malheurs du monde vont éprouver, lors d’une semaine critique précédant son exposition, n’est pas à proprement parler un rôle fort mais l’actrice s’y glisse avec la grâce qu’on lui connait. Elle est juste, comme souvent, et fait partie des aspects positifs, car il y en a, de ce petit film qui frôle l’insignifiance et qu’il est permis d’oublier aussi vite sorti de la salle.

On y parle d’art et, d’ailleurs, Reichardt a écrit le scénario avec un véritable artiste, Jonathan Raymond, dont on voit les œuvres à l’écran. Le microcosme artistique est ici montré dans ce qu’il a de plus attirant et déplaisant à la fois. Des bobos ou des baba-cool au sein d’un institut d’art presque coupé du monde. Le regard que porte la cinéaste sur ces gens est plutôt affectueux même si certaines séquences un peu amusantes croquent parfois le côté inaccessible et hermétique du milieu de l’art. Mais on est loin d’une critique acerbe comme l’épuisant et prétentieux (en plus d’être récipiendaire d’une Palme d’Or) The Square du suédois Ruben Ostlund, qui s’est heureusement rattrapé avec la suivante, ou du raté Velvet Buzzsaw sorti sur Netflix. Non, la cinéaste les aime, cela se sent, et leur dédie presque son film, même si elle ne le dit pas.

Le problème principal de ce film minimaliste au possible mais qui évite tout de même le contemplatif ennuyant est qu’il ne raconte pas grand-chose. Showing up est la somme de micro péripéties qui peuvent parsemer nos vies ; la plupart sont malheureusement peu palpitantes ici et encore moins mémorables. Des seconds rôles pas toujours bien creusés ni écrits vont croiser le chemin du personnage principal pour le pire et le meilleur. De Hong Chau en propriétaire et amie, à la relation biaisée, qu’on a largement préférée dans The Whale, à Maryann Plunkett et Judd Hirsch en parents divorcés plutôt drôles. Mais que dire des personnages de Andre Benjamin ou Amanda Plummer, à peine dessinés. Inutiles et vains ou alors coupés au montage.

Reichardt tombe dans de nombreux travers (volontairement?) qui ont fait que ce type de cinéma a connu un creux à la fin des années 2000 et est tombé presque dans l’abandon. De ce type de productions issues d’un festival comme Sundance qui n’a plus le prestige d’antan. Showing up a pourtant été sélectionné en compétition au dernier Festival de Cannes. Lorsqu’on voit les perles de la section parallèle Un Certain Regard, c’est à n’y rien comprendre. C’est monotone, ça s’étire plus que de raison et surtout c’est le genre de film qui ne raconte pas grand-chose.

Malgré tout, Showing Up n’est pas totalement déplaisant. Il développe même un certain charme si on veut bien se couler dans son rythme nonchalant et son absence de réelle ligne narrative. Les images sont douces et quelques séquences s’avèrent plutôt réussies. La ville de Portland est filmée de manière envoûtante. Il faut aussi noter que les silences ont leur importance mais que Reichardt en abuse. En somme, si l’ennui n’est jamais très loin et que ce long-métrage ne devrait pas marquer grand monde, il n’est pas mauvais. Comme le vestige d’un certain cinéma sous perfusion que seuls quelques artistes continuent d’exercer. Dispensable à défaut d’être raté, on se demande si un tel script méritait bien un film ? Poser la question c’est y répondre.

Bande-annonce : Showing up

Synopsis : Avant le vernissage de son exposition, le quotidien d’une artiste et son rapport aux autres où le chaos de sa vie va devenir sa source d’inspiration…

Fiche technique : Showing up

Réalisation : Kelly Reichardt
Avec Michelle Williams, Hong Chau, Maryann Plunkett, …
Photographie : Christopher Blauvelt
Montage : Lucian Johnston
Scénario : Kelly Reichardt & Jonathan Raymond.
Production : A24.
Pays de production : Etats-Unis.
Distribution France : Diaphana
Durée : 2h59
Genre : Comédie – Drame.
Date de sortie : 3 mai 2023

Après trois adaptations douteuses dans les années 2000, le jeu de rôle Donjons et Dragons bénéficie enfin d’une adaptation à la hauteur de son statut culturel. Retour sur une excellente sortie fantasy, drôle et palpitante.

« Donjons et Dragons » est un jeu de rôle sur table qui s’est popularisé dans les années 80. Il a connu plusieurs éditions et a vu une adaptation animée et même en jeu vidéo. Même si ce genre de jeu existait déjà, il est le 1er qui acquiert ce genre de notoriété. Il se caractérise par un univers riche et contient un lore composite fait de magie, de divinités et de créatures fabuleuses comme les nains, les dragons, les trolls ou les elfes.

Synopsis : Edgin et Holga sont deux prisonniers qui s’évadent afin de rentrer chez eux retrouver la fille d’Edgin, Kira. Ils se sont retrouvés piégés durant une quête où la sorcière qui était leur alliée, Sofina, les ont trahis. Dans un dernier effort avant d’être arrêté, Edgin demande à Forge son dernier allié, de s’occuper de Kira jusqu’à son retour. Lorsqu’ils le retrouvent, Edgin et Holga constatent que Forge les a trahis et qu’il s’est allié à Sofina. Ils vont devoir alors partir dans une nouvelle quête afin de récupérer Kira, qui n’a  plus confiance en son père. C’est une quête afin de restaurer leur honneur auprès de ceux qui les ont connus…

Genèse du projet

Il aura fallu près de 10 ans pour que le projet voit le jour. Elle commence déjà par le litige rapidement réglé entre Warner Bros et Hasbro, qui s’associent afin de produire l’adaptation. Plusieurs scénaristes sont annoncés dont David Leslie Johnson-McGoldrick, qui a travaillé sur les films d’épouvante et d’horreur Esther, Le Chaperon rouge et deux derniers films Conjuring : Le cas Enfield et Sous l’emprise du diable.

Mais le projet tombe à l’eau et c’est la Paramount qui reprend le projet en 2017. Le scénario d’origine de Johnson-McGoldrick est retouché par les réalisateurs et scénaristes Chris McKay (Batman Lego) et Michael Grillio. Nous sommes en juillet 2019 quand les réalisateurs John Francis Daley et Jonathan Goldstein sont recrutés. Ils ont travaillé sur plusieurs projets communs comme les comédies Comment tuer son boss 1 et 2.

Ils retravaillent le scénario de Michael Grillio et l’annoncent en janvier 2020. À partir de là, le projet se met réellement en route avec le choix de Chris Pine pour un des rôles majeurs. Michelle Rodriguez (Lost), Regé-Jean Page (Les chroniques de Bridgerton) et Justice Smith (Jurassic World) sont annoncés en février 2021. Hugh Grant qu’on ne présente plus et Sophia Lillis (Beverly dans ça ) sont annoncés le mois suivant.

La Quête : la valeur des liens et celle des objets

L’intérêt de cette adaptation réside essentiellement dans la quête de nos héros. En effet, Edgin (Chris Pine) et Holga (Michelle Rodriguez) partent vers une quête afin de restaurer leur dignité et leur honneur auprès des leurs, et non pour de la richesse. Plus que les biens matériels, les liens familiaux et filiaux sont mis en avant. À travers les différentes backstories des personnages, nous voyons sous leurs dehors des personnes au final bien plus vulnérables qu’elles le laissent paraître. La quête n’est pas l’objet mais le voyage et ce qu’ils apprennent de leur aventure.

Un jeu de rôle réussi

Le charme de ce film réside dans la finesse du scénario. Nos héros sont des caricatures aussi réussies que les personnages du Donjon de Naheulbeuk, série audio encore très populaire où un groupe se met en route dans un donjon afin d’y retrouver un trésor. Au final comme dans les jeux de rôle, nos héros ont des « rôles »: Edgin est le barde, un personnage qui est moqué de manière récurrente considérant son « inutilité ».  Holga est une barbare, autre personnage qui suscite généralement le rire pour son manque d’intelligence et son esprit bourrin malgré son apport de puissance dans une équipe.

Comme dans ce genre de jeu aussi, ils se retrouvent à recruter d’autres membres afin de constituer leur équipe. Entre en scène Simon Aumar, un piètre sorcier dans ce qu’il fait et Doric, une druidesse qui cherche à protéger les siens des destructions que Forge a opéré sur leur territoire. Elle n’est d’ailleurs pas sans rappeler la caricature des elfes dans ce genre d’univers.

L’équipe constituée, il est temps pour eux de partir à la quête d’un heaume qui permet de désactiver tous les sorts afin de contrer les plans de Sofina et de Forge. Et c’est durant leur périple qu’ils rencontrent un paladin, en la personne de Xenk. C’est un membre temporaire de l’équipe, il ne reste qu’afin de leur montrer où il a caché le fameux heaume, avant de repartir sur les routes en solitaire.

En cela, la quête de nos héros est similaire au jeu, sans les jeux de dés, ni les cartes qui annoncent les actions qu’ils ont à faire. De ce fait, la réussite est d’avoir directement immergé le spectateur dans l’aventure et de ne pas avoir collé trait pour trait à l’univers ou à la façon dont il se joue.

Un film hi-la-rant

L’humour constitue véritablement un atout dans ce long-métrage. Tous les personnages sont véritablement attachants et hilarants. Edgin est un peu bête, malgré son statut de « celui qui fait les plans », Holga est obsédée par les patates, au point qu’elles deviennent son arme,  Simon est un sorcier raté très drôle et même Xenk qui a ce charisme impossible à craqueler se révèle un peu bébête avec les mots quand ils ne sont pas explicites. Il ne comprend pas les métaphores et va toujours en ligne droite quel que soit l’obstacle.

C’est une bonne idée de rire de ces personnages mais aussi que les acteurs rient d’eux-mêmes. Regé-Jean Page casse son rôle de ténébreux Duc Basset avec ce petit rôle dans D&D.

Mais il n’y a pas que cette autodérision. Le dragon qui garde le heaume est une grosse bestiole bien dodue digne des chats d’internet. Il poursuit nos héros jusqu’au dernier souffle pour essayer de s’en repaitre comme un chat qui accourrait vers une gamelle de croquettes en mouvement. Mais une des scènes les plus drôles est bien entendue celle qui se trouve dans la bande-annonce, où ils doivent questionner des morts. Nous vous invitons à y jeter un œil afin d’avoir une idée du contenu humoristique du film.

Somme toute, nous dirions que c’était un excellent moment de visionnage. La salle était comble et hilare face à ce groupe de héros en herbe. Nous avons passé un excellent moment, néophyte comme spécialiste du jeu de rôle sur table. Il va sans dire que si le film bénéficie d’une suite (ce qui pourrait bien être le cas), nous aurions hâte de la découvrir. Nous vous invitons ainsi, si cet article vous a plu à courir vers la salle de cinéma afin de passer un bon moment en compagnie de cette bande de héros.

Bande-annonce – Donjons & Dragons : L’Honneur des voleurs

Fiche technique – Donjons et Dragons : L’honneur des voleurs

Titre original Dungeons & Dragons : Honor Among Thieves
Réalisation et Scénario : Jonathan Goldstein et John Francis Daley
Scénario : Michael Gilio, Chris McKay
Avec Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page…
Musique : Lorne Balfe
Costumes : Amanda Monk
En salle 12 avril 2023 / 2h 14min / Fantastique, Aventure
Distributeur : Paramount Pictures France

Sources de cet article :

donjons et dragons: l’honneur des voleurs -wikipédia-

donjons et dragons -wikipédia-

Pour aller plus loin :

Joueur du Grenier – HORS SERIE Donjons et Dragons – youtube

Des informations bonus assez enrichissantes voire surprenantes sur l’adaptation -IMDB –

La vie et la mort sont intimement liées à l’adolescence, une mue caractérisée par la découverte de soi. On s’égare et on se retrouve, tout ça dans le même mouvement que Nos Cérémonies entretient avec une grande sensibilité. Il s’agit autant d’arguments établissant le portrait d’une jeunesse traumatisée que d’une véritable ode à la fraternité et dans toutes ses nuances.

Son passage à la Semaine de la Critique 2022 n’a pas fait que des étincelles dans les yeux, car il reste toujours cette once de cynisme et d’espoir qui ronge encore le spectateur au bout du visionnage intense. Simon Rieth, qui a grandi avec une caméra à la main, sait comment appréhender ce premier long-métrage plein de promesses et de passions. En replongeant sur les lieux de son adolescence à Royan, il prend soin d’émietter une rivalité sous diverses formes, au nom de la fraternité, de l’amitié et des sentiments. Il questionne également la masculinité, dans un élan ludique, où la violence et la virilité qu’on lui associe se révèlent finalement superficielles.

Les démons de midi

Pourtant, tout l’enjeu repose sur ce dernier coup d’épée, qu’on ne verra jamais aller jusqu’au bout dans une ouverture qui ne cache pas son jeu. Simon et Raymond Baur, frères de sang, incarnent respectivement Tony et Noé. Cette complicité est au service d’un jeu assez physique, où la tension devient frénétique, au même titre que la provocation. Pourtant, on continue de flirter avec une idée de mort et c’est d’ailleurs ce qui ramène ces frères, une dizaine d’années plus tard, au berceau de leur enfance.

À présent inséparables, au nom du miracle et de la malédiction, ils vont devoir confronter leur existence à leur monde, où la frontière est mince entre la réalité et l’imaginaire. Le cinéaste en appelle aux couleurs, pour occulter l’anxiété de ces frères, qui évoluent inévitablement sous une chaleur des enfers. Les rayons du soleil se faufilent entre les branches, les feuilles et viennent caresser chaque partie du corps que l’on expose volontiers, au risque de s’y bruler. De ce toucher, Simon Rieth transcende les sens et transforme les corps. Sa volonté est bien évidemment de filmer le passage de l’enfance à l’âge adulte, avec ce qu’il faut d’ambiguïté pour que chaque élément de chute nous stimule.

L’amour brûle sous le soleil

Nous avons toute une construction sur un univers à la limite du surnaturel, plus discret et tout en contemplation dans La Montagne de Thomas Salvador, dont les ingrédients accentuent les lâcher-prises de Tony. Mais les retrouvailles avec une amie d’enfance (Maïra Villena) réveilleront de nouveau cette même rivalité bouillonnante, qui les avait rapprochée jusqu’à ce que ça en devienne toxique pour eux. Cette trajectoire sert ainsi le discours d’une jeunesse qui ne fait que renaître de ses cendres en permanence, qui vit sous l’impulsion du moment, ou bien dans une solitude qui fragilise davantage l’équilibre de leurs relations. Il n’y a pas de place pour le deuil, seuls comptent ceux qui restent et ceux qui peuvent le rester un peu plus longtemps. Apprendre à vivre avec la mort, c’est le challenge ultime de ces frangins qui ont déjà plusieurs fantômes du passé à neutraliser.

S’il y a quelque chose qui frappe immédiatement dans la réalisation de Rieth, c’est bien l’idée d’une boussole, commandée par des forces supérieures, le soleil d’une part et le désir par extension, qui guident les protagonistes vers un destin tragique. Nos Cérémonies ne manque donc pas d’impressionner par sa brutalité, que ce soit dans la photographie ou dans le sound design, et parfois les deux dans le même travelling. La fraternité des enfants perdus, peut-être même orphelins tout court, est façonnée avec une originalité, qui déborde de sensualité. Cette expérience rare dans le paysage français vaut le détour et on admettra cette part de nihilisme dans l’intrigue qui entraîne forcément des conséquences sur la génération suivante, plus vivante que jamais.

Bande-annonce : Nos Cérémonies

Fiche technique : Nos Cérémonies

Réalisation : Simon Rieth
Scénario : Simon Rieth, Léa Riche
Photographie : Marine Atlan
Montage : Guillaume Lillo
Costumes : Charlotte Richard
Production : Les Films du Poisson
Pays de production : France
Distribution France : The Jokers Films
Durée : 1h44
Genre : Drame, Fantastique
Date de sortie : 3 mai 2023

Synopsis : Royan, 2011. Alors que l’été étire ses jours brûlants, deux jeunes frères, Tony et Noé, jouent au jeu de la mort et du hasard… Jusqu’à l’accident qui changera leur vie à jamais. Dix ans plus tard et désormais jeunes adultes, ils retournent à Royan et recroisent la route de Cassandre, leur amour d’enfance. Mais les frères cachent depuis tout ce temps un secret…