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Les éditions Les Humanoïdes associés publient la suite des Enfants de Belzagor, de Bruno Lecigne, Sam Timel et Adrien Villesange. Sur une planète pleine de surprises, ancienne colonie restituée aux espèces autochtones, deux groupes humains séparés poursuivent des objectifs distincts…

Dans le premier tome des Enfants de Belzagor, les scénaristes Bruno Lecigne et Sam Timel s’employaient, avec le concours du dessinateur Adrien Villesange, à suivre l’histoire d’Edmund « Eddie » Gundersen, devenu un intermédiaire entre les humains et le G’rakh, ainsi que sa rencontre avec Jeff Kurtz, qui revenait sur Belzagor dans le corps de Dorothy pour obtenir le venin sacré de Naggiar. Parallèlement, Eddie était chargé par Vol’Himyor le Grand Suprême de conduire un enfant honni vers un territoire reculé et hostile.

La bande dessinée abordait de manière subtile des thèmes tels que les jeux de pouvoir et l’instinct de prédation de l’homme. Le récit s’articulait également autour de divers enjeux secondaires, notamment les considérations familiales d’Eddie, la toxicomanie de Sam, l’ex de Dorothy, et les menaces migratoires des terriens souhaitant rejoindre Belzagor.

Ce second tome montre Eddie sur le chemin des Terres de Glace, aux confins des territoires non-explorés de Belzagor… Il va y découvrir une nouvelle espèce inconnue et quelques mystères que cette planète renferme encore. Un second groupe, celui de Kurtz, cherche à récupérer des larves de Naggiar, ce qui le mettra à plusieurs reprises aux prises avec des monstres autochtones. Ces larves se développent dans les chairs des hôtes infectés. Enfin, une étrange cérémonie de purification viendra solder l’intrigue…

Ce second tome, qui referme un diptyque aussi intéressant qu’original, repose essentiellement sur deux aspects : les reliefs psychologiques humains et l’exploration d’une planète et de sa mythologie. Sur les deux dimensions, les auteurs s’en sortent avec les honneurs, et ils parviennent à développer avec succès les aventures des deux groupes, de manière alternée et engageante. L’obsession de Kurtz pour les larves, au mépris d’autres considérations pourtant plus honorables et importantes (les découvertes scientifiques par exemple), constitue la lame de fond de l’un des arcs, quand l’autre lorgne clairement du côté d’un enfant autochtone à la destinée inattendue.

L’ensemble est foisonnant de détails (parfois un peu vains) et généreux quant à ses représentations de la nature humaine. On prend en tout cas beaucoup de plaisir à suivre les pérégrinations de ces personnages confrontés à un environnement inhospitalier qu’ils ont tendance à traiter avec un certain intérêt…

Les Enfants de Belzagor, Bruno Lecigne, Sam Timel et Adrien Villesange
Les Humanoïdes associés, novembre 2023, 48 pages

Capitaine Kaimann (Humanoïdes associés) prend place dans l’univers de L’Incal, pour raconter le destin d’un prince stigmatisé et déchu, cherchant l’amour à travers les âges.

Le Capitaine Kaimann règne sur un vaisseau en souffrance, dont l’équipage se constitue d’anciens lieutenants disparus et seulement présents sous leur forme holographique. Il lutte pied à pied contre la transformation génétique qui lui fait perdre en humanité ce qu’il gagne en monstruosité. On le découvre, au début du récit, décimant un vaisseau aristo afin de mettre la main sur un antidote lui permettant de repousser – un peu – le mal qui le gangrène intérieurement.

C’est cette hybridation, qui le change peu à peu en reptile, qui lui a coûté le trône qui lui était initialement promis. Peu tolérante, sa famille n’a pas hésité à l’ostraciser et le bouter hors des cercles du pouvoir, le poussant à endosser le rôle de pirate de l’espace. Dan Watters et Jon Davis-Hunt reviennent longuement sur cette blessure originelle, familiale et d’orgueil, qui le voit, tiraillé entre deux natures, sans cesse rejeter l’une au profit de l’autre, jugée plus respectable.

Son histoire, c’est Aurora qui la rapporte à des enfants. Nonobstant les règles de l’abbesse, elle sort un livre en décomposition de la bibliothèque et découvre les mésaventures de ce capitaine errant dans l’espace en compagnie de ce qu’il reste d’un équipage décimé et numérisé. Au moment où elle prend la décision de se plonger dans ce récit en enfreignant des règles qui vouent la mémoire à la disparition, Aurora sait qu’il ne lui reste plus longtemps à vivre, puisque des ennemis s’apprêtent à attaquer son monastère. Ce qu’elle ignore en revanche, c’est ce qu’elle va déclencher…

Dan Watters et Jon Davis-Hunt charpentent alors une romance à travers le temps et l’espace : le Capitaine Kaimann utilise un instrument de musique doté de pouvoirs magiques pour entrer en contact avec celle qui vient de découvrir son histoire. Alors qu’il était en plein deuil, déchiré par la perte de sa bien-aimée, le voilà nanti d’une nouvelle mission, qu’il prend à bras-le-corps : faire voir à Aurora la beauté des étoiles « ancestrales ». On découvre alors un homme à la raison chancelante, obsédé par une quête qui lui redonne, soudainement, une raison de vivre – et de lutter contre cette seconde nature qui reprend ses droits.

Bien ficelé, L’Incal : Capitaine Kaimann est généreux dans ses motifs – amour, pouvoir, deuil, mémoire, racisme – et suffisamment sophistiqué dans son approche narrative déstructurée pour tenir en haleine le lecteur. Parfois brut dans ses représentations, par ailleurs soignées, l’album donne à voir deux protagonistes finement caractérisés, faisant face à une hostilité grandissante et prêts à tout pour se retrouver et briser leur solitude. De bonne facture.

L’Incal : Capitaine Kaimann, Dan Watters et Jon Davis-Hunt
Humanoïdes associés, novembre 2023, 112 pages

Le dernier crossover entre Batman et Spawn réunit deux géants des comics américains, Todd McFarlane et Greg Capullo. Riche en action et en graphismes époustouflants, l’album plonge les lecteurs dans une aventure complexe qui, malgré ses évidentes qualités artistiques, pâtit d’une narration quelque peu embrouillée.

Inutile de les présenter, Todd McFarlane et Greg Capullo sont deux figures emblématiques de l’univers des comics américains. Le premier, créateur de Spawn, a été impliqué dans la série Batman au cours des années 80. Le second a travaillé sur les deux séries et doit sa célébrité à ses narrations visuelles dynamiques et ses mises en planche innovantes.

L’histoire qui nous intéresse débute avec un Spawn revanchard, trompé par la Cour des Hiboux, qui s’emploie à l’opposer à Batman sous un prétexte fallacieux. Très vite, les deux protagonistes se rendent compte de la supercherie et s’unissent pour régler leurs comptes. Des éléments connexes, comme le collier de Martha Wayne et des portails inter-univers, introduisent une certaine complexité scénaristique. Et des références à des arcs narratifs antérieurs de Batman et Spawn – comme la figuration du Joker au masque de chair – ajoutent à la densité à l’intrigue, mais contribuent aussi à sortir de la représentation générique des deux super-héros (choix discutable) et à engendrer de la confusion pour les lecteurs, nouveaux comme initiés.

L’artwork demeure le point culminant de ce crossover, avec les dessins sophistiqués et sombres de Greg Capullo magnifiquement encrés par Todd McFarlane. Les mouvements, le travail d’iconisation, les scènes plus horrifiques font pleinement effet et la narration séquentielle est mise en avant avec des pages savamment construites qui guident habilement le regard du lecteur. De ce côté-là, il est difficile de faire la fine bouche. On tient ce qu’il se fait de mieux dans les illustrations comic books. Les principaux écueils tiennent plutôt, comme évoqué supra, à la complexité et l’opacité de l’intrigue. L’apparition d’un joker chronologiquement fixé, le complot qu’il semble organiser en sous-main (sans aucune forme d’explication) ainsi que la relecture arrangeante du passé de Bruce Wayne rendent l’histoire difficile à suivre, avec des éléments peu clairs et parfois même redondants.

C’est ce que beaucoup de critiques américains ont reproché à cette réunion pourtant si prometteuse. Bien que visuellement impressionnant, l’album a été vu par certains chroniqueurs comme un immense prétexte à la baston, sans que le scénario en apporte les motivations satisfaisantes. Ce jugement n’est pas sans fondement, mais doit cependant être nuancé. D’abord parce qu’effectivement, l’aspect graphique est proprement étourdissant. Ensuite parce que les zones d’ombre du scénario n’empêchent pas Todd McFarlane de caractériser avec finesse ses deux personnages et de les mettre en miroir, avec habileté, sur le plan des superpouvoirs. Enfin, les interactions entre ces deux mondes urbains et initiés par la douleur et le deuil semblent presque logiques, tant les similitudes thématiques et d’ambiance affleurent.

Batman/Spawn, c’est un mariage entre l’art enlevé de McFarlane et Capullo. C’est également une intrigue complexe qui, bien qu’ambitieuse, s’avère difficile à déchiffrer. Un peu comme s’il avait manqué quelqu’un au-dessus de l’épaule de McFarlane pour lui demander d’expliciter tel ou tel point. Mais malgré ces imperfections, le crossover demeure un ajout hautement recommandable à la bibliothèque des amateurs de comics. Ne serait-ce que pour ses qualités figuratives ou pour soutenir ces entreprises d’appariement épisodique. 

Batman/Spawn, Todd McFarlane et Greg Capullo
Urban Comics, novembre 2023, 176 pages

En 1994, Frank Miller et Todd McFarlane décidaient de réunir leurs héros Batman et Spawn dans deux récits où ils s’opposaient et s’associaient afin de déjouer des menaces communes. Une rencontre en deux temps, spectaculaire et haletante.

L’union de Batman et Spawn dans les années 90 n’est pas seulement une convergence de deux univers distincts issus des comics américains, mais aussi une fusion de mythologies riches et complexes. Ces crossovers ont permis d’explorer les nuances de chaque héros.

Dans Batman/Spawn : War Devil, illustré par Klaus Janson et co-écrit par Doug Moench, Chuck Dixon et Alan Grant, l’intrigue principale s’entrelace avec le mystère historique de la colonie de Roanoke. Cette toile de fond sert de fondement à une narration où Batman et Spawn, en cherchant à résoudre des affaires distinctes, se retrouvent inextricablement liés. Le récit, au-delà de sa dimension fantastique, aborde les thèmes de la mémoire, de l’identité et de la quête de vérité, sans pour autant apporter toutes les réponses aux questions qu’il initie. On découvre aussi deux personnages aux pouvoirs et motivations différentes. Le Hellspawn apparaît en fin de récit admiratif du Chevalier noir, qui a le sens du devoir chevillé au corps sans pour autant s’affranchir d’un certain code moral.

Spawn/Batman, écrit par Frank Miller et illustré par Todd McFarlane, offre une perspective différente. Ici, le Chevalier Noir et le Hellspawn se rencontrent dans un New York contemporain, où la brutalité et l’antagonisme initial entre les deux protagonistes sont au premier plan. Ce crossover se concentre sur le contraste entre les méthodes et idéaux des deux héros. Batman, guidé par une éthique rigide, et Spawn, motivé par des désirs de vengeance et de justice personnelle, sont mis en opposition. Le récit souligne l’impact de leurs différences personnelles, explorant ainsi les limites morales des super-héros.

Les deux récits, bien qu’ayant des approches différentes, abordent des thèmes similaires. L’idée de justice, l’exploration de la dualité morale et les conséquences de la vengeance y forment des éléments centraux. Les interactions entre Batman et Spawn sont révélatrices de leurs caractères et de leurs motivations ; elles offrent un aperçu profond de leurs reliefs psychologiques. Ces crossovers ne se contentent ainsi pas de juxtaposer deux héros emblématiques. Ils engagent un dialogue profond sur la nature de l’héroïsme et les défis inhérents à la lutte contre le mal.

Le travail artistique de Todd McFarlane pour Image Comics et celui de Klaus Janson pour DC Comics ont contribué à donner vie à des récits avec une précision et une intensité rarement égalées. Les illustrations de McFarlane en particulier se distinguent par leur dynamisme et leur audace. Sa représentation de Batman apporte une nouvelle dimension au personnage, accentuant son caractère sombre et implacable, luttant pied à pied avec un démon le surpassant en force mais certainement pas en obstination.

Mine de rien, Batman/Spawn 1994 est un jalon dans l’histoire des comics. Deux icônes s’y rencontrent dans une fusion achevée de leurs univers artistiques respectifs. Ce travail demeure un témoignage de créativité remarquable, mettant en lumière ce qui peut unir et surtout opposer deux super-héros mus par le deuil et agissant dans l’ombre de métropoles gangrénées par le crime. Et c’est bien plus qu’un Batarang profondément enfoncé dans le crâne d’un suppôt des enfers.

Batman/Spawn 1994, collectif
Urban Comics, novembre 2023, 168 pages

Au Japon, les évaporés désignent ces personnes qui, pour raisons personnelles et/ou professionnelles, disparaissent sans crier gare. S’agissant de personnes majeures, la police considère que sans crime, il n’existe aucune raison d’ouvrir une enquête, ce qui laisse les familles désemparées.

Signé Isao Moutte – remarqué en 2021 pour Clapas -, ce nouveau roman graphique est une libre adaptation du roman éponyme de Thomas B. Reverdy (pas lu). Un Japonais nommé Kaze, la cinquantaine bien sonnée (plutôt fluet, le crâne bien dégarni, un peu voûté et le visage impassible presque sévère) vit avec sa femme dans une maison soignée d’un quartier à flanc de montagne et situé à quelques heures de Tokyo en voiture. Une nuit, il se lève discrètement, sans réveiller sa femme endormie à côté de lui sur leur futon. Ses affaires sont prêtes : deux valises qu’il charge dans un taxi. Visiblement, le chauffeur sait parfaitement de quoi il retourne. À sa femme, Kaze laisse juste un mot sibyllin disant qu’il ne remettra plus les chaussons, afin qu’elle sente qu’il s’agit d’un départ définitif. Mais pourquoi ? On va rapidement comprendre que, du jour au lendemain, Kaze a perdu son travail. Bien que n’ayant commis aucune faute, il sait bien que ce travail, il ne le retrouvera jamais. Et s’il a pu donner le change auprès de quelques collègues, il se sent probablement incapable d’expliquer quoi que ce soit à ses proches.

Parenthèse familiale

La femme de Kaze a prévenu leur fille, Yukiko, étudiante en France. Se sentant seule et démunie, la mère appelle plus ou moins sa fille au secours. Ne comprenant rien à ce qui se passe, elle aurait tendance à culpabiliser. Compréhensive, Yukiko revient assez rapidement. Mais elle est bien seule pour mener son enquête.

Survivre

Nous suivons Kaze dans son errance : il s’organise. D’abord en trouvant une sorte de refuge précaire dans un parc où les fuyards de son espèce ont tendance à échouer naturellement. Et puis, comme il cherche à subvenir à ses besoins, il envisage une activité discrète et suffisamment rémunératrice. Il se montre assez débrouillard pour dégoter le matériel nécessaire et trouver celui qui pourra l’aider : un garçon qui dit s’appeler Akainu que Kaze identifie comme un surnom. Akainu prétend avoir 15 ans, alors que Kaze lui en donne 12. Tombé très bas, le garçon est un survivant du tsunami ayant ravagé certaines côtes japonaises après la catastrophe de Fukushima. Sa maison a été balayée et, depuis, il reste sans nouvelle de ses parents qu’il considère comme morts. De ce fait, il se trouve isolé et totalement démuni. La rencontre entre Kaze et Akainu se situe un an après la catastrophe.

Déshonneur injuste

L’histoire met donc en présence deux personnages qui se retrouvent totalement isolés, pour des raisons très différentes mais typiquement japonaises. La société japonaise est tournée vers l’effort, le travail, le respect et l’honneur, ainsi que la famille. Perdre son travail, comme cela arrive à Kaze, c’est le déshonneur. Ce qui ne l’empêche pas d’éprouver quelques regrets, en contemplant les rares souvenirs familiaux qu’il a emportés et en remuant les derniers souvenirs de son ancien travail qu’il se repasse en boucle, ce qui nous vaut un flashback nous permettant d’en savoir un peu plus. Captivante, cette histoire s’avère donc également bien construite, alternant par exemple les moments calmes avec de l’action.

Le Japon meurtri

L’histoire ne se limite pas à la confrontation de ces deux personnages. En effet, on découvre comment des sociétés tenues par des individus sans scrupule profitent de la précarité de ceux qui ont tout perdu pour les exploiter honteusement en œuvrant soi-disant à la reconstruction du Japon. Nos deux personnages centraux sont des cas particuliers, Akainu ayant échappé à des yakuzas grâce à sa présence d’esprit et sa vivacité, Kaze profitant de son intelligence pour préparer sa nouvelle vie.

Graphiquement

Isao Moutte se montre en pleine adéquation avec ses personnages et l’univers dans lequel ils évoluent. Par un trait précis mais sans fioriture, agrémenté de nombreuses petites hachures, il donne beaucoup à voir et sentir, en limitant les dialogues car Kaze et Akainu ne sont pas de grands bavards, et quelques dessins pleine planche qui aèrent l’ensemble (dominante à trois bandes par planche), tout en donnant un aperçu significatif de certains paysages : la mégalopole de Tokyo où on sent qu’on peut se fondre dans la masse et, par opposition, les villes dévastées par le tsunami que la vie a désertées (à mettre en parallèle avec le désert affectif des personnages). Isao Moutte choisit ses cadrages soigneusement, comme cette plongée qui situe en un coup d’œil (dessin pleine page), la position d’Akainu par rapport aux yakuzas qui le poursuivent. Petite déception quand même avec certains dessins de visages qu’on peine un peu à distinguer les uns des autres. Et puis, la belle illustration de couverture et ses couleurs vives, très représentative de l’histoire et des personnages, ne doit pas faire oublier que la BD (156 pages) est en noir et blanc, choix néanmoins adapté à l’ambiance générale.

Les Evaporés, Isao Moutte
Sarbacane, septembre 2023