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Territory : Entre Beauté Australe et Luttes pour le Pouvoir

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L’outback australien est le cadre de Territory, la série western moderne diffusée sur Netflix. Entre dynamiques familiales déchirantes et splendides panoramas, découvrez comment Territory capture la brutalité et la beauté du bush australien.

Sous la direction de Greg McLean (Wolf Creek), et tourné dans le Territoire du Nord, le néo-western Territory, diffusé sur Netflix, prend place dans le Top End, où, dès l’ouverture, la voix-off d’Emily Lawson déclare :

« tout essaie de vous tuer : le territoire, le climat, les animaux ».

Imaginée par Timothy Lee (Warwick Thornton, Mystery Road, Bump) et Ben Davies (Bondi Rescue, The First Inventors, Outback Ringer), la série s’ouvre sur une scène allégorique aux tons écarlates. Une meute de dingos et de hyènes surgit des ténèbres, encerclant l’héritier présumé Daniel Lawson (Jake Ryan). Bien que leur victime combatte désespérément pour se soustraire à leur emprise, les prédateurs fondent sur lui pour se repaître des entrailles de leur proie.

Dans cet univers de terres arides et vastes, âpres et rougeoyantes, où crocodiles et buffles d’eau côtoient une faune sauvage, les chemises western imprégnées de poussière habillent des personnages bourrus, en sueur, marqués par la patine des éléments. Cette ambiance, imprégnée de l’esprit du Top End, renforce le lien profond qui unit ces âmes au territoire. C’est dans ce cadre que s’introduisent les Lawson, cinquième génération à diriger la « Marianne Station », empire colossal d’élevage de bétail, vaste comme la Belgique.

Un Western Moderne : Rivalités et Héritage

La mort brutale du successeur laisse le royaume sans héritier, créant un vaste vide d’autorité. Cette tragédie plonge la famille Lawson dans des luttes de succession dignes de Yellowstone. Et comme le déclare le réalisateur McLean : « Je ne pense pas que la référence initiale était Yellowstone – en fait, la référence initiale était Game of Thrones et Succession »

Les branches de l’arbre généalogique des Lawson se développent telles des vrilles sinueuses, enveloppant Colin Graham, patriarche impitoyable au contrôle implacable, interprété par Robert Taylor (connu pour son rôle dans Longmire). Graham Lawson (Michael Dorman, vu dans For All Mankind), le fils aîné marqué par les blessures émotionnelles, cherche une stabilité dans l’alcool, comme une particule égarée. Emily Lawson (Anna Torv, révélée par Fringe et The Last of Us), belle-fille résiliente, brave les tempêtes et les dynamiques toxiques du clan. Marshall (Sam Corlett, remarqué dans Vikings: Valhalla), l’électron libre, et Susie (Philippa Northeast, vue dans Home and Away), force d’attraction tenace, incarnent des trajectoires contrastées mais interdépendantes dans cette alchimie familiale où tensions, ambitions et rivalités s’enflamment sous le ciel du bush australien.

Les Paysages de l’Outback : Beauté et Hostilité

Avec les Lawson en déclin, Marianne Station devient le centre d’un écosystème où les forces les plus puissantes de l’outback — éleveurs rivaux, gangsters du désert, anciens indigènes et milliardaires du secteur minier — se ruent sur leur proie comme des prédateurs en quête de dominance. Campbell Miller (Jay Ryan), prédateur patient, attend le moment opportun pour agir, alors que Sandra Kirby (Sara Wiseman) se conduit comme un élément chimique instable, prête à réagir avec violence pour imposer ses desseins. Les paysages étrangement magnifiques de l’outback deviennent une scène de western, les querelles d’influence résonnent comme les coups de feu lointains d’une conquête brutale. Les populations aborigènes, telles des figures esquissées mais puissantes, ajoutent une profondeur émotionnelle à cette fresque, rappelant que les luttes ne sont pas uniquement matérielles mais relèvent aussi de la préservation de l’identité et de la mémoire.

Territory est bien plus qu’une simple plongée dans les paysages majestueux du Territoire du Nord. C’est une exploration des dynamiques de pouvoir, des conflits familiaux et des tensions qui traversent les grandes exploitations agricoles. Le drame se distingue par ses performances remarquables, notamment celle de Clarence Ryan (vu dans Mystery Road: Origin, Blueback), qui apporte une profondeur nuancée à son rôle de Nolan Brannock, propriétaire autochtone dont la présence redonne de la dignité et une voix aux terres disputées. Les vues imprenables, la cinématographie époustouflante et la richesse du vernaculaire local contribuent à faire de cette série un incontournable pour tous ceux qui apprécient la beauté brute et mystérieuse de l’outback.

En intégrant des sous-intrigues qui s’attaquent, bien que brièvement, aux titres de propriété et à la représentation autochtone, Territory tisse un récit complexe et ambitieux qui va au-delà de la simple intrigue de succession, en faisant écho aux enjeux contemporains tels que la justice foncière et la restitution des terres autochtones, apportant ainsi une profondeur supplémentaire au récit. La saison deux pourrait approfondir ces enjeux, explorant les conséquences de l’exploitation minière et l’impact environnemental, ainsi que la politique entourant l’élevage de bétail. Dans ce western moderne, où la majesté du paysage se mêle aux luttes dévorantes pour le pouvoir, Territory s’impose comme une œuvre qui capte l’essence de la rudesse et de la beauté féroce de l’outback australien.

Bande-annonce : Territory

Fiche Technique : Territory

Réalisé par : Greg McLean
Créé par : Ben Davies et Timothy Lee
Écrit par : Timothy Lee, Kodie Bedford, Steven McGregor, Michaeley O’Brien
Casting : Hamilton Norris : Uncle Bryce, Anna Torv : Emily Lawson, Michael Dorman : Graham Lawson, Robert Taylor : Colin Lawson, Sam Corlett : Marshall Lawson, Sara Wiseman : Sandra Kirby, Dan Wyllie : Hank Hodge, Clarence Ryan : Nolan Brannock, Jay Ryan : Campbell Miller, Philippa Northeast : Susie Lawson, Joe Klocek : Lachie Kirby, Kylah Day : Sharnie Kennedy, Sam Delich : Rich Petrakis…
Musique du thème composée par : Johnny Klimek, Gabriel Isaac Mounsey
Pays d’origine : Australie
Producteur : Paul Ranford
Sociétés de production : Easy Tiger Productions, Ronde
La série Territory est disponible sur Netflix depuis le 24 octobre 2024.

FFCP 2024 : It’s Okay! – Loneliness therapy

Ne déméritant pas son Ours de cristal lors de la 74e Berlinale dans la section Generation Kplus, It’s Okay! agit comme un bonbon sucré qui réconforte autant les protagonistes que les spectateurs. Perdus et piégés dans une profonde solitude que la société coréenne entretient, les personnages du film sont amenés à se rapprocher et à se soutenir pour espérer rebondir. Un teen-movie bouleversant qui réchauffe les cœurs dans sa folle danse de l’amitié et de la maternité.

Synopsis : In-young, élève d’une prestigieuse compagnie de danse traditionnelle, perd sa mère dans un accident de la route. Elle s’habitue à vivre seule mais, sans ressource, l’adolescente n’a d’autre choix que de squatter l’académie de danse le soir venu. Devant cette situation incongrue, sa professeure, une célibataire exigeante et secrète, la recueille.

Le deuil et la résilience sont monnaie courante dans la vie de tout adolescent dans les récits initiatiques. En choisissant des thèmes aussi sombres afin d’explorer la psyché de ses personnages, Kim Hye-young parvient toutefois à y injecter de la légèreté grâce à In-young. Un an après le décès de sa mère, où elle performait dans une chorégraphie lourde de sens avec des tambours, l’adolescente reste souriante en tout instant. Le courage et la spontanéité du personnage constituent la force de ce premier long-métrage, qui a le bon goût d’une friandise sucrée et réconfortante, tel My Sunshine. La bonne humeur contagieuse de Lee Re illumine chacune de ses apparitions et interactions, qu’elles soient humoristiques ou un peu plus houleuses avec ses camarades de la Seoul International Arts Company.

En complément de son attitude joviale, qui cache une souffrance plus profonde, In-young peut compter sur le soutien indéfectible de son ami d’enfance (Lee Jung-ha) et d’un pharmacien de quartier (Son Seok-gu) pour panser les plaies d’un deuil non résolu. Aussi surprenant soit-il, In-young continue de danser en mémoire de sa mère. Malgré l’atmosphère compétitive qui règne dans les vestiaires et lors des entraînements, le sourire ne quitte jamais son visage, au risque d’être mal interprété par son entourage et notamment par Nari (Chung Su-bin), très préoccupée par la performance et la discipline. Il s’agit des deux piliers sur lesquels ses parents et la directrice artistique Seol-ah (Jin Seo-yeon) se basent.

Vivre et survire

Entre la monotonie d’une vie froide et sans saveur, à l’image de son logement et son traitement verdâtre, et la caricature de sorcière qu’elle renvoie, Seol-ah s’ouvre lentement à l’univers lumineux d’In-young. Chacune recherche en l’autre ce qu’elles n’ont plus ou n’ont pas pu avoir dans le passé. En se concentrant exclusivement sur le présent et l’avenir, ces filles, qui forment le noyau d’une communauté hétéroclite et attachante, vont peu à peu affirmer leur complémentarité. C’est ainsi que la cinéaste use de sa caméra, tantôt nerveuse, tantôt sereine, comme le miroir de leurs émotions. Chacune déconstruit sa forteresse de solitude pour rebâtir, avec les mêmes briques, un refuge commun rempli d’amour et d’espoir. Un procédé maintes fois revisité et rarement aussi vivifiant.

Par ailleurs, Kim Hye-young semble toute aussi audacieuse qu’In-young et se permet des interludes musicaux ou oniriques en cohérence avec l’imaginaire des adolescents. Si le décalage peut en dérouter certains, d’autres y trouveront de la sincérité dans la représentation d’une jeunesse rebelle et insouciante. C’est là que réside toute la beauté de cette œuvre portée par des propos universels et ludiques, à travers le prisme délicat de l’amitié, la maternité et la sororité. Du chaos émotionnel à l’esprit de corps, où toutes les humeurs et les actions se synchronisent, Kim Hye-young réussit le défi de créer une bulle de bonheur en jouant sur l’ironie de son titre, It’s Okay!. Ni plus ni moins le feel-good movie le plus abouti de la section paysage cette année.

It’s Okay! : bande-annonce

It’s Okay! : fiche technique

Réalisation : Kim Hye-young
Scénario : Cho Hong-jun, Kim Hye-young
Directeur de la photographie : Lee Seok-min
Montage : Lee Gang-hee
Costumes : Yang Jin-sun
Maquillage : Cho Tae-hee
Son : Park Ju-kang, Park Jong-geun
Musique originale : Kim Jun-seok
Producteur : Song Won-seok
Production : Twomen Film
Pays de production : Corée du Sud
Durée : 1h41
Genre : Comédie dramatique

Les références et clins d’œil dans Beetlejuice Beetlejuice de Tim Burton

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Dans Beetlejuice Beetlejuice, Tim Burton nous ramène avec une multitude de références subtiles et de clins d’œil à ses films précédents. Depuis les hommages à l’original de 1988 jusqu’aux allusions à ses classiques comme Mars Attacks et L’Étrange Noël de Monsieur Jack, ce nouvel opus est un festin pour les fans du réalisateur. Plongez avec nous dans cet univers déjanté où chaque scène est une invitation à retrouver un morceau de l’œuvre intemporelle de Burton.

Avec Beetlejuice Beetlejuice, Tim Burton propose aux spectateurs de remonter le temps jusqu’en 1988. C’est à cette époque que Beetlejuice, premier du nom, est apparu sur les écrans de cinéma.

Il racontait l’histoire d’Adam et Barbara Maitland, fraîchement décédés après un accident de voiture. Le couple, confiné dans sa maison, voit leur lieu de mort envahi par la famille Deetz. Charles, ornithologue à la petite semaine, sa fille Lydia, une adolescente gothique, et surtout Delia, artiste excentrique, entreprennent de modifier la maison de fond en comble. Ce relooking n’étant pas du tout au goût des Maitland, ils décident de faire appel à Beetlejuice, un bio-exorciste, pour les chasser. Ce fut le début de leurs véritables ennuis, car le pseudo-chasseur de vivants avait d’autres plans en tête, dont épouser Lydia et retourner dans notre monde. Au bout de multiples péripéties, les Deetz et les Maitland parviennent à s’allier et à renvoyer le trouble-fête dans le monde des morts.

Beetlejuice Beetlejuice prend place quelques années plus tard. Lydia est devenue adulte et anime un talk-show sur les fantômes. Elle est fiancée et mère de la jeune Astrid, une adolescente issue d’un précédent mariage. Quand Delia, sa belle-mère, lui apprend le décès de Charles, elle retourne avec sa fille dans la maison de son enfance pour rendre hommage au défunt. Là, Astrid ouvre un passage vers le monde des morts et se retrouve en danger. Lydia n’a pas d’autre choix que d’appeler Beetlejuice pour lui venir en aide. Le bio-exorciste, quant à lui, voit sa petite mort tranquille perturbée quand son ex-femme refait surface…

À travers Beetlejuice Beetlejuice, Tim Burton propose un retour au film qui a lancé sa carrière, l’installant parmi les meilleurs réalisateurs de son époque. Tout au long du métrage, il propose un jeu de piste à ses aficionados en parsemant son film de références à l’opus précédent et à ses autres films.

Nous vous proposons un tour d’horizon de ces références et clins d’œil.

I – Les références à l’opus précédent

Les toutes premières références à l’opus précédent arrivent dès le début du générique du film. Pendant que le thème de Beetlejuice retentit, la caméra survole la maquette de la ville de Winter River, conçue par Adam Maitland. Si on écoute attentivement la musique, on entend un jappement de chien. Pour rappel : c’est en voulant éviter un cabot que les Maitland ont eu l’accident de voiture qui leur a coûté la vie.

On retrouve d’ailleurs la maquette quand Lydia appelle Beetlejuice pour qu’il vienne l’aider. Une faille s’ouvre en plein milieu pour laisser passer le bio-exorciste. Et si on regarde bien, on voit la voiture des Maitland tomber dans le gouffre, comme elle était tombée dans la rivière au début du premier film. À côté, on retrouve la même publicité pour les services de Beetlejuice.

La maison et la ville de Winter River sont toujours les mêmes que dans l’opus précédent. Les horribles sculptures de Delia trônent toujours dans le jardin. Certaines ont été offertes au pensionnat pour jeunes filles dans lequel étudie Astrid.

Bien sûr, les liens principaux entre les deux opus sont les personnages. Comme nous l’avons vu dans les résumés, nous retrouvons Lydia, Delia et une version raccourcie de Charles. On entend parler du couple Maitland, qui est parvenu à quitter son purgatoire. On tombe également sur la fille de Jane, l’agent immobilier qui s’est empressée de vendre la propriété des Maitland juste après leur décès. Devenue adulte, elle tente de s’incruster dans la demeure pour avoir une idée de son potentiel. Telle mère, telle fille ! Et bien sûr, l’inimitable Beetlejuice, plus lubrique et dégoûtant que jamais, surgit quand on a le malheur de prononcer son nom.

On retrouve le monde des morts avec sa colorimétrie bleuâtre. Dedans, les couloirs en damier noir et blanc sont toujours aussi biscornus. Comme avant, ils débouchent sur la file d’attente sans fin jusqu’au guichet, où les morts sont toujours sommés de prendre un ticket. Pour les contrevenants qui tenteraient de quitter les lieux, les serpents de sable sont toujours de sortie. Dans une des files d’attente, on croise un des quarterback fraîchement décédés dans l’épisode précédent.

En guise d’hommage funèbre à Charles, de jeunes choristes entonnent la chanson Day-O ou Banana Boat. Dans le premier opus, les membres de la famille Deetz et leurs invités se retrouvent possédés par les fantômes et sont contraints de pousser cette chansonnette tout en se déhanchant. Dans la suite, on retrouve le principe de la danse et du chant en play-back sous contrainte dans une scène franchement hilarante.

Au tout début du film, on assiste à la reconstruction d’une femme énigmatique en robe noire qui s’avère être l’ex-épouse de Beetlejuice. Quand on regarde bien, on s’aperçoit qu’il lui manque un doigt. Or, on a déjà croisé cette partie de son corps dans le premier opus, quand Beetlejuice le retire d’un anneau dont il fait cadeau à Lydia.

Des observateurs plus avisés remarqueront aussi un petit indice sur la véritable nature d’un personnage. Quand Astrid, la fille de Lydia, rencontre Jeremy, un ado de son âge, celui-ci porte une chemise à carreaux. Dans le premier Beetlejuice, des carreaux sont apparus sur la chemise d’Adam Maitland quand il est passé de vie à trépas. Le manuel des jeunes décédés qu’avaient reçu Adam et Barbara Maitland après leur mort se trouve également chez le jeune Jeremy, indice supplémentaire de sa condition. Jeremy est donc un fantôme.

En parlant d’accoutrements… À un moment donné, Lydia porte une réplique de l’uniforme qu’elle avait au lycée. Et surtout, quand Beetlejuice tente une nouvelle fois de l’épouser, elle se retrouve affublée de la même robe qu’elle portait en cette funeste occasion, pendant que lui arbore toujours le même costume pourpre et sa chemise à jabot.

Pour résumer, Burton a parsemé son Beetlejuice Beetlejuice de références plus ou moins explicites à son premier opus. De quoi tomber dans la nostalgie. Et c’est sans compter les références à ses autres films.

II – Les références aux autres films de Burton

Au tout début de Beetlejuice Beetlejuice, nous avons le plaisir de croiser un agent d’entretien joué par Danny DeVito. Celui qui fut l’ancien Pingouin dans Batman, le défi boit quelques gorgées de ce qui semble être un produit ménager. Une partie du liquide coule sur son menton. L’antagoniste de l’homme en noir meurt avec un flot de sang dégoulinant de sa bouche.

Dès le début de son film, Burton fait également allusion à L’Étrange Noël de Mister Jack. Dolores, l’ancienne épouse de Beetlejuice, se reconstitue à la manière de Sally, l’amoureuse du roi des citrouilles. Quand Lydia interrompt son talk-show, un cameraman demande : « What’s going on ? » ou « que se passe-t-il ? » qui est le titre d’une chanson entonnée par Jack quand il débarque dans le monde du Père Noël. Dans le pensionnat, les camarades d’Astrid ont suspendu un petit fantôme au chambranle de sa porte pour lui faire une blague. La petite silhouette recouverte d’un drap rappelle Zéro, le chien spectral de Jack. On croise également Oogie-Boogie, l’ennemi de Jack, comme décoration d’Halloween.

Dans une boutique de pressing, Dolores, l’ancienne épouse de Beetlejuice, trouve une robe de mariée à son goût. À l’origine, cette robe appartenait à Émily, la mariée squelettique de Noces funèbres, revenue d’entre les morts. L’église dans laquelle Beetlejuice tente d’épouser Lydia rappelle étrangement celle de la fin du même film quand Barkis veut se lier à Victoria sous la contrainte.

Beetlejuice raconte à ses employés qui est son ancienne épouse et les raisons pour lesquelles elle le cherche. Le film bascule en noir et blanc et prend des allures de vieux film d’horreur. On peut alors le rapprocher d’Ed Wood, le long métrage sur le plus mauvais réalisateur du monde, le seul film de Tim Burton en noir et blanc.

Dans un autre flash-back racontant la mort accidentelle de Charles, Tim Burton fait usage du stop-motion. Il avait employé ce procédé, qui consiste à assembler des photographies de figurines animées à la main, pour Noces funèbres et L’Étrange Noël de Mister Jack.

L’ancienne maison des Maitland se dresse au sommet d’une colline. Quand Delia la recouvre de draps noirs en signe de deuil, elle ressemble au manoir d’Edward aux mains d’argent ou à la demeure de Barnabas dans Dark Shadows.

Jeremy, l’adolescent dont Astrid tombe amoureuse, a construit une cabane dans un arbre tordu. Le végétal rappelle étrangement celui de Sleepy Hollow par lequel sort le cavalier sans tête. Astrid, pour Halloween, porte une cape qui n’est pas sans rappeler celle de Katrina Van Tassel. Dans la chambre de Jeremy, on trouve une lanterne magique comme celle d’une des futures victimes du monstre. Pendant l’enterrement de Charles, le cortège funèbre et son accoutrement rappellent celui des habitants de la bourgade frappée par la série de meurtres.

Dans une pièce de rangement, on peut apercevoir une tête dans un bocal comme dans Mars Attacks. À un moment donné, Dolores glisse dans les couloirs du monde des morts comme les envahisseurs extraterrestres. La fille du président, au tout début du film, doit se rendre à un meeting de son association en faveur de l’écologie, tout comme Astrid.

Comme dans le premier Beetlejuice, Delia porte des tenues extravagantes. L’une d’entre elles est entièrement en noir et blanc. Ce choix vestimentaire aurait été salué par Sweeney Todd, le diabolique barbier de Fleet Street. Dans son exposition, on peut la voir volant au milieu de corbeaux, comme Dumbo.

À la cérémonie funèbre de son grand-père, Astrid porte un pull à rayures colorées alors que tous les autres personnages sont vêtus de noir. Elle ressemble ainsi à Énid, l’acolyte de Mercredi dans la série mettant en scène la fille aînée de la famille Addams.

Quand Jeremy et Astrid se rencontrent, la lumière donnant un aspect doré à la scène rappelle celle de Big Fish. Quand les adolescents s’embrassent, le jeune homme s’élève dans les airs et entraîne sa petite amie avec lui. Dans Miss Peregrine et les enfants extraordinaires, Emma a la même capacité.

Pour rejoindre le monde des morts, Lydia tombe dans une sorte de trou digne du terrier d’Alice au Pays des merveilles.

Vers la fin du film, un groupe de têtes réduites accomplit le chemin inverse et regagne le monde des vivants. On aperçoit certaines d’entre elles dans un magasin de bonbons aux couleurs vives, à l’image de la boutique de Willy Wonka dans Charlie et la chocolaterie.

À travers Beetlejuice Beetlejuice et ses multiples références à ses autres films, Tim Burton rappelle à son public qu’en dépit des années, il est resté le même : un cinéaste à l’imaginaire torturé autant que poétique, macabre et coloré, peuplé de personnages attachants et effrayants qui lui ressemblent tous un peu. Un univers qu’on prend plaisir à retrouver, film après film.

Juré n°2 : le dilemme factuel

Clint Eastwood, avec Juré n°2, nous présente un film de facture classique, faussement limpide, plein de chausse-trappes et de clarté obscure à travers lesquelles son réalisateur semble avoir décidé de nous conduire et de nous perdre, si du moins nous nous autorisons à y voir autre chose qu’un simple film de procès à l’intrigue bien tournée.

Justin Kemp, dont la femme approche du terme de sa grossesse, est tiré au sort pour être juré dans le procès d’un homme accusé du meurtre de sa petite amie. Durant la présentation des faits, notre héros réalise soudain que la chose percutée avec sa voiture quelques mois auparavant, et qu’il croyait être un cerf, était très probablement la petite amie en question.

Et si Henry Fonda, dans 12 hommes en colère, ne s’acharnait en réalité à défendre le jeune homme accusé du meurtre de son père, non pas tant par noblesse d’âme que par culpabilité, parce qu’il se trouve être, par un hasard inouï, le véritable assassin. C’est peu ou prou l’histoire de Juré n°2. À nouveau, de L’Homme des hautes plaines à American Sniper, en passant par Mémoire de nos pères, Eastwood filme l’envers du héros américain, le transvasant du registre épique au registre tragique, de la trompette sécessionniste au coryphée d’Eschyle. John Wayne devenu Œdipe navigue entre les flics pugnaces, les éducateurs paranoïaques et les procureurs scrupuleux pour échapper à son destin, ce qui a toujours été le meilleur moyen d’en précipiter l’issue fatale. Ce mécanisme simple et bien connu, ici magistralement disposé, nous maintient tout le long de ce film dans un état de suspens et de compassion pour ce type un peu falot, aussi coupable qu’innocent, dont le regard écrasé rejoint notre solitude essentielle. Le mythe du brave citoyen américain, ordinaire mais vertueux, pilier du système démocratique, est ainsi retourné. Celui qui est appelé à juger est le véritable accusé, seul à savoir qu’il est en train d’assister à son propre procès : effet saisissant et presque drôle de ces plaidoiries qui, s’adressant à lui en tant que juré, semblent secrètement l’admonester. Notre héros est parfait, comme le dit sa femme au début du film : époux tendre, alcoolique repenti, juré exemplaire. Mais il y a pourtant quelque chose de terrible et de glaçant dans cette bonté, dans cette volonté de tout arranger sans risquer sa peau. Notre héros n’est en fait que silence, dissimulation, fuite. Quand il n’est pas en présence d’un autre à l’écran, il se cache ou se tient seul dans la pénombre de son salon. Quand on risque de le reconnaître, il se détourne. Il est si fantomatique dans son incapacité à se dévoiler que, dans une scène, sa femme, en sortant de la pièce où ils viennent pourtant de discuter, éteint la lumière. Le héros ordinaire ne quitte pas sa médiocrité lorsque l’occasion se présente ; il s’y accroche comme à une planche de salut. Peut-être n’y a-t-il pas de héros ordinaire ?

Le film joue perpétuellement de ce motif du visible et de l’invisible, de l’apparent et du caché : le bandeau sur les yeux de l’épouse enceinte au début ; le fait que notre héros n’ait pas vu ce qu’il a percuté en voiture ; ce seul témoin qui dit avoir aperçu l’accusé, mais n’a que très naturellement désiré confirmer la conviction des policiers ; la procureure qui doit regarder en face une vérité qu’elle a elle-même exhumée, après s’être aveuglée pour des raisons carriéristes ; etc. Le film passe son temps à pointer des angles morts : ce que les personnages ne voient ou ne veulent pas voir. Tout est là pourtant, en pleine lumière. La photographie du film est d’ailleurs d’une grande netteté, d’un éclairage uniforme, faible en contraste, presque téléfilmesque. Les personnages passent leur temps à regarder sans voir, à passer à côté de l’évidence. Tout est sous nos yeux, semble nous dire Eastwood : les choses se dérobent moins à notre vue que nous nous dérobons à elle. C’est là que se situe toute la profondeur du film, bien plus que dans ce dilemme moral auquel est confronté le héros et qui n’appelle qu’un seul choix juste. C’est moins la morale en elle-même qui est ici interrogée que notre capacité à saisir les faits sur lesquels celle-ci doit s’appliquer.

Maîtrise classique et choix baroques

On dit toujours de la mise en scène d’Eastwood qu’elle est classique. Et elle l’est indéniablement. Certains plans et enchaînements de plans sont si évidents que le film pourrait apparaître comme une revue des motifs récurrents du découpage classique. Impression qu’on peut éprouver également chez un Shyamalan. Mais loin d’être ennuyeux, tout ceci inspire une grande maîtrise, un intense équilibre. Eastwood, c’est l’artisan génial, qui s’inscrit pleinement à l’intérieur d’un cadre normé pour le pousser à son plus haut point d’excellence. Tout s’agence là avec la plus grande précision : longueur des plans, rythme du découpage, etc. Pourtant, cela n’empêche pas Eastwood de s’autoriser des excentricités finement calculées. Au lieu d’accélérer, par exemple, le film ralentit à l’approche du dénouement. Certaines scènes pourtant déterminantes sont complètement escamotées. D’autres ne semblent avoir de raison d’être que d’instaurer un faux suspense. Par exemple : la procureure fait tomber un téléphone, en sortant de sa voiture, que notre héros s’empresse de ramasser. Ce simple mouvement est découpé avec une intensité dramatique étrange, alors même qu’il ne débouche sur rien. Ailleurs, Eastwood nous montre une scène de dispute entre la victime et son copain, qui est aussi l’accusé, selon diverses perspectives, à la Rashomon, alors que cette scène n’a pas un grand intérêt pour l’intrigue. Ces deux moments semblent, en effet, moins motivés par un enjeu narratif que par un autre enjeu, celui-ci plus philosophique : ce questionnement sur la perception dont nous parlions un peu plus haut. Quand Justin ramasse le téléphone de la procureure et le lui rend, celle-ci le remercie chaleureusement en lui disant qu’il est un « life savior ». L’accusé, selon la perspective, a un rôle plus ou moins actif dans la dispute. Toujours, le réel est ce que l’on croit. Ainsi, Eastwood introduit-il dans un déroulé assez limpide une ambiance ténue d’incertitude, si ténue que l’on pourrait croire Juré n°2 dépourvu de mystère. Le cinéaste opère encore cette chose étonnante : on ne verra jamais la voiture percuter explicitement la jeune femme. Même ce doute à la fin reste permis. Tout en nous montrant des personnages qui ne voient pas, Eastwood nous dit qu’en tant que spectateurs, nous ne sommes pas si omniscients non plus, et qu’un autre film, peut-être, se trouve caché dans celui-ci. Peut-être, tenons-nous un peu trop vite pour évidente l’interprétation des faits que nous offre la caméra. Peut-être, préjugeons-nous un peu trop vite de ce qui arrivera après le dernier plan du film. Sans cesse, ce jeu de l’apparent et du caché est-il reconduit, nous laissant à la fin presqu’aussi démunis que ces personnages sur lesquels nous pensions avoir l’avantage du spectateur mis dans la confidence.

Juré n°2 est un objet filmique remarquable, aussi étonnant que familier, aussi clair que complexe. Il est à recommander à ceux pour qui le cinéma est une enquête sur le réel, une enquête, forcément et, quelque part, heureusement, toujours lancée sur de fausses pistes, toujours inassouvie, toujours à recommencer.

Bande-annonce : Juré n°2

Fiche technique : Juré n°2

Titre original : Juror #2
Titre francophone : Juré n° 2
Réalisation : Clint Eastwood
Scénario : Jonathan Abrams
Musique : Mark Mancina
Direction artistique : Gregory G. Sandoval
Décors : Ronald R. Reiss
Photographie : Yves Bélanger
Montage : Joel Cox et David S. Cox
Production : Clint Eastwood, Adam Goodman, Jessica Meier, Tim Moore, Peter Oberth et Matt Skiena
Sociétés de production : Dichotomy, Gotham Group et Malpaso Productions
Société de distribution : Warner Bros.
Budget : 35 millions de dollars (estimation)
Pays de production : États-Unis
Durée : 114 minutes

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« Dawnrunner » : en lutte

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Les éditions HiComics nous emmènent dans un univers où des monstres géants, les Tetzas, sont soudainement apparus et ont profondément transformé la société. Dans Dawnrunner, Ram V et Evan Cagle imaginent un futur où la survie se conjugue avec le spectacle, où des robots géants luttent contre des entités extraterrestres, sur le même mode que Pacific Rim. Par-delà les combats, voulus épiques, la série explore aussi des questions contemporaines comme le deuil, la communication et les dérives de la médiatisation.

Dawnrunner prend place un siècle après l’apparition d’un portail en Amérique Centrale, libérant les Tetzas, des monstres titanesques, et bouleversant conséquemment le monde tel qu’on l’a toujours connu. Anita Marr, héroïne principale du récit et pilote de l’Iron King, est choisie pour tester un prototype révolutionnaire de robot : le Dawnrunner. Ce point de départ rappelle forcément Pacific Rim, mais Ram V y inclut une réflexion habile sur l’exploitation commerciale et l’évolution des combats en shows télévisés. Les populations se sont habituées aux apparitions de Tetzas, les pilotes concourent entre eux pour truster les premières places d’un classement honorifique, et la survie de la planète a désormais des airs de divertissements sportifs. 

Evan Cagle déploie ici tout son talent en magnifiant les décors et les personnages. Clerc dans ses choix d’illustration, usant parfois de pointillisme, il conçoit des scènes de combat spectaculaires, qui se distinguent par leur dynamisme, même si d’aucuns ont noté, à raison, une lisibilité parfois réduite lors des affrontements. Tout cela sert parfaitement le propos, avec Anita est au centre de toutes les attentions. Cette héroïne possède des capacités de pilote hors pair, mais est également caractérisée par ses questionnements intérieurs, notamment dans sa relation dialogique avec sa nouvelle machine. La fusion entre Anita et le Dawnrunner interroge en effet les limites entre humain et machine, et soulève des questions sur la perte d’identité.

Le récit explore aussi le lien entre Anita et sa fille, malade à cause des nouvelles menaces environnementales issues des Tetzas. Un rapport de protection et de vulnérabilité s’instaure, et il fait écho à une figure paternelle, le capitaine Ichiro Takeda, cherchant lui aussi à protéger ses enfants alors que sa conscience a été déplacée au cœur du Dawnrunner. Cette résonance émotionnelle ajoute une dimension humaine aux deux personnages, des parents impuissants vis-à-vis de leurs enfants et pourtant protecteurs à l’égard du monde.

Ram V introduit également le thème de la communication, que ce soit par des langages inconnus ou des machines imparfaites. Une approche qui n’est pas sans rappeler Premier Contact de Denis Villeneuve. Malgré des moyens technologiques avancés, les humains peinent à déchiffrer la langue des Tetzas ; un mystère insondable entoure ces créatures, qui ne sont pas seulement des ennemis mais aussi des entités incomprises. L’autre défi « linguistique » tient à la difficulté des pilotes à se synchroniser avec leurs mechas.

Avec Dawnrunner, Ram V et Evan Cagle signent une œuvre dense, visuellement sublime et thématiquement variée. Ils nous donnent à voir un univers qui marie action et réflexion, où l’esthétique cyberpunk rencontre les interrogations humaines les plus intemporelles. De quoi se présenter, indéniablement, comme l’un des incontournables de l’année pour les amateurs de science-fiction.

Dawnrunner, Ram V et Evan Cagle
HiComics, octobre 2024, 168 pages

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4

« Les Morsures de l’ombre » : céder et rétrocéder

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Basé sur un roman de Karine Giébel, Les Morsures de l’ombre fait l’objet d’une adaptation graphique signée Miceal Beausang-O’Griafa et Xavier Delaporte, publiée aux éditions Philéas. On y suit une enquête haletante sur la disparition d’un capitaine de police, retenu captif par une femme obstinée et instable.

Avec Les Morsures de l’ombre, Karine Giébel entraîne son lectorat dans une intrigue étouffante, alimentée par le huis clos subi par son héros. Publié en 2007, ce thriller anxiogène et claustrophobique explore de nombreux thèmes, dont la vengeance, la culpabilité et, plus généralement, la face sombre de l’humanité, caractérisée par ses mensonges, trahisons, lâchetés et manipulations. 

Aujourd’hui porté en bande dessinée, Les Morsures de l’ombre s’inscrit dans un contexte où la popularité est croissante pour le thriller psychologique en France, notamment dominé par des auteurs tels que Franck Thilliez et Maxime Chattam. Son intrigue démarre brutalement, avec Benoît Lorand, capitaine de police réputé, qui se retrouve prisonnier dans une cave obscure. À son réveil, il fait face à Lydia, une femme aux intentions longtemps insondables, troublante, qui semble nourrir un profond ressentiment à son égard. 

Peu à peu, Benoît comprend qu’il est la victime d’une vengeance impitoyable et que ses tentatives pour se libérer pourraient bien se révéler vaines. Pendant ce temps, ses collègues mènent l’enquête et dévoilent ce qui constitue l’étoffe de cet antihéros : un homme charismatique et séduisant, un policier respecté, mais aussi un chef de famille volage et manipulateur. Au cinéma, un long métrage rappelle à certains égards ce que Lorand va vivre avec Lydia : il s’agit de l’excellent Misery de Rob Reiner. Le lecteur sait désormais à quoi s’en tenir.

Au-delà de la captivité et de l’isolement de Benoît Lorand, ce sont les motivations de Lydia et les nombreuses révélations, distillées au compte-gouttes, notamment sur les erreurs passées du policier et la vendetta dont il fait l’objet, qui vont former le cœur du récit. Comme le protagoniste, le lecteur ne grappille les informations qu’avec parcimonie, en pointillé, et il peine longtemps à comprendre ce qu’il en est réellement de l’état mental de Lydia et des intérêts qui conditionnent ses actions.

Bien charpenté, le roman graphique déconstruit à sa façon l’âme humaine, ses failles et ses abîmes. Karine Giébel, Miceal Beausang-O’Griafa et Xavier Delaporte posent un regard acerbe sur les erreurs et les échecs qui hantent les personnages, plongeant à bras-le-corps dans la complexité des sentiments de culpabilité et de désir de justice personnelle. Les Morsures de l’ombre  aborde par ailleurs des questions morales fondamentales : où se trouve la limite entre la justice et la vengeance ? Jusqu’où peut-on aller pour soulager la douleur ? 

Les deux protagonistes principaux sont marqués par leur ambivalence psychologique. Vulnérables à leur façon, mus par une conduite qui peut évidemment être questionnée, ils se font face sans comprendre que l’essentiel de leurs interactions dépendent d’angles morts. Une fois reconstitué, cependant, le puzzle perd un peu de sa grandeur. C’est la patience avec laquelle il se met en place qui fait tout son sel.

Reste finalement une intrigue tirée au cordeau, mise en vignettes avec talent, et une constellation de personnages abîmés, parfois autodestructeurs, capables d’exercer leur emprise ou leur vengeance, et parfois les deux simultanément, en clerc et avec si peu de scrupules. Les Morsures de l’ombre, ce sont ainsi celles des non-dits, des mensonges, des manœuvres perverses…

Les Morsures de l’ombre, Karine Giébel, Miceal Beausang-O’Griafa et Xavier Delaporte 
Philéas, octobre 2024, 104 pages

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4

« Arzach » : le voyage onirique de Moebius

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Chef-d’œuvre inclassable de Jean Giraud, alias Moebius, Arzach est un album muet qui a participé à la réinvention des conventions de la bande dessinée. Les Humanoïdes Associés propose au lecteur d’en redécouvrir le contenu, en suivant un protagoniste énigmatique dans des récits volontiers oniriques, laissant place à l’interprétation et à l’imagination. 

La publication d’Arzach marque une rupture dans la carrière de Jean Giraud, et même dans l’histoire de la bande dessinée. Connu jusqu’alors pour son trait réaliste dans Blueberry, le dessinateur opte alors pour une esthétique plus abstraite et libérée. Ce changement de style signale une transition profonde dans son processus créatif, désormais orienté vers un univers où le subconscient semble prendre le pas sur le rationnel. Moebius adopte une narration fragmentée et non linéaire, inspirée du surréalisme, qui en prise directe avec les méandres de la psyché. Et en renonçant aux phylactères et aux dialogues, il accorde une puissance d’autant plus singulière au graphisme, qui devient le seul vecteur d’émotions et de récits dans son œuvre.

Dans Arzach, le protagoniste traverse des paysages caractérisés par leur minéralité, vestiges et grandeur. À dos de ptérodelphe – un oiseau hybride rappelant les chimères préhistoriques –, le protagoniste apparaît comme un être solitaire, arpentant des contrées où la distinction entre rêve et réalité s’estompe, voire s’efface. Le héros et le lecteur semblent, en chœur, explorer leurs propres frontières intérieures, au cours de récits conçus en pointillé, laissant en suspens les interprétations et en friche, les attentes.

Purement visuelle et contemplative, cette œuvre passée à la postérité, aujourd’hui célébrée, amène le lecteur à s’attarder sur chaque case. Moebius use de contrastes de lumière et d’ombre pour sculpter son univers, jouant avec les perspectives et la composition. L’album, loin de s’inscrire dans une trame narrative traditionnelle, encourage un rythme de lecture lent et immersif, proche de la méditation. Comme pour entrer en communion avec le dessin, l’observateur se retrouve immergé dans des détails subtils, cherchant dans les motifs cachés et les ombres des significations enfouies. 

Au-delà de son esthétisme, Arzach prend rang parmi les œuvres chargées de symboles. L’album évoque à sa façon des thèmes tels que la solitude, la quête spirituelle et les pulsions subconscientes. Ce voyage muet rappelle par moments les périples intérieurs de la littérature classique, de L’Odyssée d’Homère aux récits hugoliens. Ce qui est certain, c’est que, cinquante ans après sa première publication, Arzach reste un classique du neuvième art, à la fois intemporel et visionnaire. Composé de quatre nouvelles graphiques publiées dans les magazines Pilote et Métal Hurlant entre 1973 et 1987, d’une nature déstructurée et d’une esthétique onirique, l’album nous invite sciemment à une lecture libre, introspective, où le lecteur projette ses propres questionnements et émotions. Du grand art. 

Arzach, Moebius
Humanoïdes associés, octobre 2024, 40 pages

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5

Froid Équateur : épilogue décevant

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Cet album (1992) clôt la trilogie Nikopol et sur l’illustration de couverture, on note l’augmentation du nombre de personnages par rapport à La femme piège (3) et La foire aux immortels (2). Il aura donc fallu douze ans à Enki Bilal pour achever cette trilogie. Malheureusement l’augmentation du nombre de personnages n’améliore pas la qualité générale. La complexification n’en parlons pas.

Nous voilà donc quelque part en Afrique où Nikopol fils enquête auprès d’un cinéaste nommé Giancarlo Donadoni. Je serais enclin à y voir un clin d’œil footballistique via l’Italien Roberto Donadoni, car les gants de boxe portés par le dénommé Loopkin sur l’illustration de couverture rappellent étrangement l’esthétique du maillot à damier de l’équipe de Croatie. Bref, Donadoni travaille sur une adaptation de la vie de Nikopol père, ce qui permet de passer quelques informations au passage. Bien entendu, on sent d’emblée que l’adaptation ne sera qu’une pâle copie de l’histoire du personnage, car Donadoni s’imagine tout savoir sur Nikopol, alors qu’il en est évidemment bien loin, puisqu’il n’a rien compris à l’intervention d’Horus dans la vie de Nikopol… Il est également incapable de comprendre qu’il discute avec le fils de son personnage ; il le prend pour son frère jumeau ! Et puis, quand on voit le look des personnages censés interpréter Nikopol et Jill Bioskop, on se prend à détester d’emblée un film qui ne sera de toute façon qu’une vue de l’esprit. Ceci dit, quand on se rappelle ce que Bilal a filmé pour adapter ses propres albums, on se dit aussi que son domaine c’est la BD et qu’il vaut mieux qu’il s’en tienne là.


A bord du Blue Nile Express

Nikopol fils monte dans un train au hasard et il a bien du mal à trouver une place où s’installer. Malgré l’humour de la situation, la séquence sonne un peu creux. Et quand il trouve une place dans un compartiment, celle qui l’occupe déjà ressemble étrangement à Jill, les cheveux et lèvres bleus en moins. Cette Yéléna Prokosh-Tootobi le prend également pour Nikopol père. On apprend à l’occasion que les médias ont annoncé récemment qu’il aurait assassiné Jean-Ferdinand Choublanc, tous deux étant internés dans le même asile. Le train file vers Équateur-city, capitale de l’état Équateur, ville au climat déréglé et plaque tournante de l’aide humanitaire pour l’Afrique depuis 2002, mais sous la domination désormais hégémonique d’un consortium qui lui n’a rien d’humanitaire, le KKDZO, complexe maffieux le plus tentaculaire de l’hémisphère sud. L’actualité du moment, c’est un combat de chessboxing qui verra John-Elvis Elvisson, le tenant du titre et grand favori affronter Loopkin. La discipline est une combinaison de boxe et d’échecs.

Le pessimisme d’Horus

Le combat programmé rappelle le fameux combat gagné par Muhammad Ali contre George Foreman (champion du monde en titre), le 30 octobre 1974 à Kinshasa (Congo) qui confirme l’intérêt de Bilal pour le sport en général. L’album dénonce ainsi les dérives où le sport s’efface devant le spectacle. Le dessinateur en profite pour régler ses comptes avec les dérives du capitalisme en faisant du KKDZO la pire évolution possible de ce système. Bien entendu, il joue avec ses personnages fétiches que sont Horus, Nikopol et Jill Bioskop. Enfin, il montre la déliquescence du monde, sous l’œil des dieux égyptiens encore et toujours à la poursuite d’Horus, décidément intenable. L’album ne convainc guère, malgré ses références, ses rebondissements, ses nombreux clin d’œil aux deux albums précédents. Il mérite quand même la lecture, en particulier pour le discours d’Horus qui sonne évidemment comme la pensée profonde du dessinateur, probablement déçu par le monde occidental, lui qui a grandi à l’Est : « Votre incompétence à gérer ce monde est incommensurable. Vous gangrenez tout ce que vous touchez… J’ai voulu me rapprocher des hommes, mais ils sont petits… Et ils le resteront éternellement, avec leurs nationalismes rampants, leurs religions butées, leur inaptitude au pouvoir et leurs limites temporelles. » Ce à quoi il ajoute quand même « Car c’est là que le bât blesse… Vous ne vivez pas assez longtemps pour mesurer, saisir, la valeur des choses essentielles… MEA CULPA ! Nous, les dieux, nous vous avons ratés ! Ce constat est terrible, mais j’en prends acte. »

Amère clôture d’une trilogie

Qu’ajouter sinon que tout le reste n’est que bavardage et dieu ( ! ) sait qu’il y en a dans cet album, probablement trop, alors qu’on remarquait justement que la réduction des dialogues et du texte en général était un des points forts de La femme piège par rapport à La foire aux immortels. Ce n’est peut-être qu’un détail, mais sur l’illustration de couverture, Horus semble comme étouffer, alors qu’il impressionnait tellement dans La femme piège par ses postures. D’ailleurs, il n’apparaît quasiment pas dans cet album et c’est une des raisons pour expliquer son manque de séduction. Le dessin est également décevant, avec cette malheureuse tendance au fouillis. On sent la fin de cycle ! Un album qui, finalement, laisse assez froid…

Froid équateur, Enki Bilal
Casterman : sorti en 1992
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3

Libre de Mélanie Laurent : Le braqueur joueur

Mélanie Laurent signe avec Libre son film le plus romantique et sensible, plaisant et attachant.

Bruno Sulak, rebelle, poète, marginal, braqueur au grand cœur, est le personnage emblématique du monde de cette cinéaste à la trajectoire déroutante et affranchie, que l’on aurait pu voir se contenter de figurer sur la short liste des actrices frenchies happées par Hollywood (l’épisode Tarantino entre autres) et qui s’avère incontestablement tenace et effrontée dans sa volonté de mettre en scène et d’inscrire sa tonalité d’artiste libre et sans entraves. Une sorte de maverick à la française.

Cette épopée-cavale libertaire et amoureuse est inspirée de l’histoire vraie de Bruno Sulak, qui commence sa carrière de braqueur anarchiste et poète en s’attaquant à des grands magasins pour marquer ensuite l’histoire du grand banditisme en passant à la classe supérieure des bijouteries huppées.

Dans les deux cas, ce qui intéresse Mélanie Laurent, ce n’est pas tant la véracité des événements (avec lesquels l’histoire prend des libertés et laisse voir des invraisemblances naïves) que l’esprit franc, enfantin et profondément romanesque de son beau personnage de voyou vertueux (joué par un Lucas Bravo doux, beau et bon).

La chanson de Reggiani « Enivrez-vous » que le film nous fait redécouvrir est à l’image de sa mise en scène. Un brin décalée, mélancolico-rêveuse et désireuse d’ensorcellements, de tapages et de défis où la vie prendrait son panache.

« Il faut vous enivrer sans trêve. De vin, de poésie ou de vertu. À votre guise. »

On pourrait dire que Libre manque de forme, de souffle et d’ampleur s’il ne bifurquait vers cette proximité tendre et cette lascive utopie d’un braqueur voulant braquer et risquer pour le pur plaisir de se délivrer d’un conformisme rétrécissant les vies, d’un braqueur amoureux du geste de voler comme s’il s’agissait de la même chose que de briser la pesanteur ou de vivre sans entraves.

Manifestement, c’est l’histoire d’amour et d’amitiés sincères entre Sulak et son complice yougoslave, entre Sulak et le flic qui le traque (Ivan Attal très attachant) qui importent à la réalisatrice. Et c’est ce qui vaut au film sa discrète aura, son plaisir sincère, acidulé et enfantin d’y voir évoluer des acteurs aimés et aimant jouer.

Bande-annonce : Libre de Mélanie Laurent

De Mélanie Laurent | Par Mélanie Laurent, Christophe Deslandes
Avec réalisé par Mélanie Laurent (Le Bal des Folles), avec Lucas Bravo (Emily in Paris), Léa Luce Busato et Yvan Attal (D’Argent et de Sang), Rasha Bukvic (Respire), Steve Tientcheu (Aka), David Murgia (La Nuit du 12), Léo Chalié (Le Monde de Demain) et Slimane Dazi (Ourika)
1 novembre 2024 sur Amazon Prime Video | 1h 50min | Biopic, Thriller

FFCP 2024 : Work to do, les naufragés des chantiers

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Présenté dans la section « Paysage » du Festival du film coréen à Paris, Work to do nous plonge dans les eaux troubles du capitalisme à travers le portrait d’une Corée à l’économie vacillante. Premier long-métrage engagé de Park Hong-Jun, il choisit le cadre des chantiers navals pour révéler la machine implacable d’un système où les banques imposent aux sociétés restructurations et licenciements de masse. Un film froid et réaliste qui questionne l’avenir des ouvriers comme de l’industrie.

Diffusé aux festivals de Séoul et de Busan puis au Festival international des Cinémas d’Asie de Vesoul, Work to do a rencontré un certain succès en Corée. Sa sortie française demeurant encore hypothétique, le FFCP offre une occasion unique de le découvrir en salles. Film social sur le milieu très déprécié des ressources humaines, le drame de Park Hong-Jun signe une critique acerbe des effets pervers du capitalisme sur le monde ouvrier.

Ressources inhumaines

La société Hanyang, constructeur naval, affronte la concurrence internationale et une grave pénurie de commandes qui amène les créanciers à solliciter, lors d’une réunion sous haute tension, une restructuration de l’entreprise. Face au risque de devoir rembourser l’intégralité des prêts contractés, et de vendre leur société, les dirigeants se soumettent aux banquiers dans l’espoir de maintenir le groupe à flot. Ainsi, Work to do met d’emblée le doigt sur la main mise absolue de la finance, qui dicte sans vergogne sa loi aux directions désœuvrées.

Jun-Hee, tout juste promu dans le service des ressources humaines, se voit chargé de mettre en œuvre le plan de restructuration, en particulier les critères de sélection des futurs licenciés, sur la base d’une liste préétablie de salariés blacklistés. Tenter de rendre acceptable l’injustice, et objectives des décisions d’éviction éminemment personnelles, tout en dramatisant les départs d’ouvriers au moyen d’une newsletter poétique, telle est la tâche ingrate de Jun-Hee. Ce rôle épuisant et pesant, qui l’éloigne de sa compagne Jae-Yi, devient rapidement de plus en plus lourd à porter. Tandis que le poids de la culpabilité le ronge et le mure dans le silence, il enchaîne les heures supplémentaires exigées.

Abordé du point de vue d’un salarié des ressources humaines, rouage impuissant au sein de cet engrenage infernal, Work to do s’attache donc moins aux victimes qu’à la honte du bourreau, exécuteur forcé. Car malgré sa volonté de bien agir, Jun-Hee reste pieds et poings liés à cause du prêt qu’il a souscrit auprès de son entreprise. Aussi, exprimer trop sincèrement sa pensée l’expose même au danger d’être le prochain salarié inscrit sur la liste noire.

Work to do dépeint ainsi les ressources humaines comme un microcosme froid et hypocrite, exacerbé par des images très réalistes et des tons bleus gris. Le cinéma coréen s’est déjà emparé des tragédies du monde professionnel, par exemple avec About Kim Sohee de Jung July, sur les conditions de travail harassantes des centres d’appels.  Toutefois, cette approche glaçante et naturaliste se place surtout dans la ligne des films de Ken Loach, notamment Moi, Daniel Blake, qui met en scène le parcours effréné d’un demandeur d’emploi, ou encore de « la trilogie du travail » de Stéphane Brizé, avec En Guerre et ses salariés révoltés. Miroir coréen de ces deux réalisateurs, Park Hong-Jun dénonce l’inhumanité du capitalisme et les licenciements de masse en prenant clairement parti pour le peuple.

Le radeau des ouvriers

Conviés à démissionner par un service des ressources humaines sous emprise, les ouvriers de Hanyang subissent de plein fouet la défaite de leur entreprise face à l’omnipotence du libéralisme. Vivotant dans un monde incertain, ils travaillent dans l’inquiétude permanente, le licenciement planant au-dessus d’eux comme une épée de Damoclès. Si quelques-uns font le choix d’abandonner le navire, appâtés par les indemnités ou lassés d’attendre une reconnaissance tant espérée pour leurs efforts, la majorité d’entre eux lance un mouvement de résistance. Ces hommes ont tous des enfants à nourrir, des parents à soigner, et n’ont selon leurs dires « rien fait de mal ». Ils ne comprennent donc pas pourquoi la société à laquelle ils ont dédié leur vie les abandonne soudainement.

Leur destin reste en réalité entièrement maîtrisé par des créanciers soucieux de protéger leurs investissements, en licenciant le maximum de salariés, mais sans faire de vague pour éviter la mauvaise presse. Même s’il incite à descendre dans la rue et à s’insurger, Work to do ne se montre guère optimiste envers l’avenir, dès lors que les rares individus révoltés demeurent eux-mêmes bâillonnés. En nous mettant également en garde contre l’instrumentalisation menée par le capitalisme, Park Hong-Jun réussit à éveiller les consciences grâce à ce drame, d’une maîtrise impeccable, aussi poignant que touchant.

Work to do : bande-annonce

Work to do : fiche technique

Réalisation & Scénario : Park Hong-jun
Directeur de la photographie : Choi Chang-hwan
Montage : Cho Hyun-joo
Son : Gong Tae-won
Musique originale : Lim Min-ju
Producteur exécutif : Shim Jae-myung
Producteur : Lee Eun
Production : Studio Nareun
Pays de production : Corée du Sud
Durée : 1h40
Genre : Drame

L’âge d’or de la télévision et comment le streaming apporte du prestige à la télévision

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Le 26 janvier 1926 est une date à marquer d’une pierre blanche dans l’histoire des médias du 20ᵉ siècle. En effet, ce jour-là est réalisée à Londres la première retransmission publique en direct de télévision.

Depuis, cet évènement, la télévision n’a jamais cessé de progresser tant sur le plan technique que sur celui de la popularité. Elle est devenue le média le plus influent en matière de culture, de sports, de divertissement, d’informations et de politique.

En 2000, une étude de l’Union européenne mentionnait que 96 % des ménages en Europe possédaient au moins un poste de télévision.

Toujours dans les années 2000, la télévision va devoir faire face à l’apparition de son plus sérieux concurrent. Il s’agit du streaming et plus particulièrement des plateformes de streaming. Streaming qui correspondait aux nouvelles attentes du public.

Bien qu’ayant porté des coups terribles à l’hégémonie de la télévision, celui-ci ne l’a pas fait disparaître. Il a contraint la télévision de devoir se renouveler sous peine d’être supplantée. Un nouvel âge d’or a émergé pour les créateurs de contenu et les téléspectateurs.

Dans cet article nous analysons comment le phénomène du streaming a conduit à redonner un souffle nouveau à la télévision.

La révolution du streaming

Le streaming consiste à diffuser en flux constant des contenus audio ou vidéo. L’utilisateur n’a pas besoin de télécharger un fichier pour pouvoir le lire. L’apparition et la généralisation de technologies comme l’internet à haut débit et la 5G ont favorisé son essor.

En 1994, la firme Real Networks invente la technologie du streaming. La première diffusion d’une vidéo en streaming a lieu trois ans plus tard. À noter que l’époque était propice à l’innovation technologique. Effectivement, c’est à la même période que prend naissance un évènement qui va révolutionner l’univers du jeu. En 1996, le premier casino en ligne, dont premier bet vegas est l’illustre héritier, fait son apparition.

L’une des raisons du succès des plateformes de streaming est due au fait que leurs utilisateurs peuvent se composer leur propre programme de visionnage.

Un modèle économique innovant

Les télévisions se financent par la perception de redevances que leur attribuent les états ainsi que par la publicité. À l’opposé, la majorité des plateformes de streaming tirent leur financement de formules d’abonnement.

De plus, la diffusion des programmes de télévision est généralement restreinte à quelques pays. Par conséquent, les revenus des chaînes de télévision sont limités. Au contraire, les plateformes de streaming favorisent une diffusion mondiale de leurs programmes. Elles bénéficient donc de revenus supérieurs à ceux des télévisions.

Par conséquent, elles disposent de fonds importants, ce qui leur permet d’investir dans des projets innovants et de qualité. Les créateurs de contenus se tournent donc en priorité vers elles.

Le retour de l’âge d’or de la télévision

L’âge d’or de la télévision date des années 50 à 80. Toutefois, le manque de compétition a abouti à des programmes trop formatés et insipides. Il fallait que ceux-ci séduisent en premier les publicitaires et non les spectateurs.

Confrontées à la concurrence des plateformes de streaming, les télévisions ont revu leurs offres pour éviter de disparaître.

Elles ont commencé à réaliser des séries qui rivalisent en termes de qualité avec celles du streaming. Séries qui intègrent souvent des éléments du style narratif et visuel propre aux plateformes. On les conçoit dès le départ pour qu’elles se vendent facilement à l’international.

Pour attirer les créateurs les plus talentueux, les télévisions leur offrent des budgets plus conséquents.

On peut donc affirmer que le streaming a indirectement élevé le standard de la télévision traditionnelle, permettant à celle-ci de retrouver du prestige et d’attirer un public varié.

La résurgence de l’âge d’or des télévisions tient aussi dans la forte compétitivité entre les différentes plateformes de streaming. Plusieurs entreprises comme Amazon Prime Video et Apple + sont venues concurrencer Netflix. Or, les consommateurs de vidéos à la demande ne disposent pas de budgets extensibles pour s’abonner à toutes les offres. Ils doivent faire des choix. Invariablement, ils se tourneront vers les télévisions pour visionner des programmes de qualité.

Les télévisions ont aussi la culture de la variété des programmes proposés. Elles proposent des jeux, des talk-shows et des reportages en plus des séries.

La célèbre citation de Nietzsche : “Ce qui ne me tue pas me rend plus fort” s’applique parfaitement aux télévisions. Un nouvel âge d’or est en train d’émerger pour celles-ci.

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Symphonies Urbaines : Marco Beltrami et la Musique de The Killer (2024)

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En 2024, John Woo réinvente The Killer, accompagné par la somptueuse partition musicale de Marco Beltrami. Cette itération explore cette alchimie unique entre musique et narration, décryptant les choix d’orchestration et les motifs récurrents qui jalonnent le parcours de rédemption de Zee. Plongez dans ce voyage sonore et découvrez comment Beltrami insuffle une nouvelle vie à l’univers de John Woo à travers une composition magistrale et inspirée.

The Killer (2024) révèle comment Marco Beltrami façonne une architecture narrative qui entrelace l’isolement, l’introspection et les afflictions internes de Zee. À travers une composition complexe mêlant des solos de saxophone, de trompette, des harmonies orchestrales diversifiées et des progressions de violoncelle, la bande-son devient un élément essentiel de la narration, offrant une fenêtre sur l’univers psychologique du personnage principal. Cette étude explore comment les ambiances auditives façonnées par des solos de trompette solennelle ou des échos feutrés de violoncelle résonnent avec la psyché de Zee, réminiscent des textures sonores électroniques et percussives de François de Roubaix dans Le Samouraï (1967) réalisé par Jean-Pierre Melville. Par des choix instrumentaux tels que des cuivres qui se superposent pour créer une tension croissante, ou des nappes orchestrales qui s’entremêlent en arrière-plan, Beltrami orchestre un paysage sonore où chaque nuance contribue à la profondeur émotionnelle du film. Les techniques d’orchestration utilisées, telles que l’intégration de percussions répétitives dans des moments d’incertitude, servent à marteler le ressenti de Zee. En jouant sur des harmonies mineures descendantes, Beltrami évoque un sentiment de regret et d’abandon, tandis que la réverbération des guitares électriques confère un sentiment d’intensité désespérée. Nietzsche disait que « Sans la musique, la vie serait une erreur » — ici, la musique pulse une partition en clair-obscur, devenant la matrice filmique qui donne vie à l’univers de John Woo.

Techniques d’Orchestration : Un Voyage Musical au Cœur de The Killer

Beltrami nous plonge dès les premières notes dans un univers musical qui rappelle l’étendue infinie des westerns de Morricone, comme dans Le Bon, la Brute et le Truand. La guimbarde, avec son timbre métallique, crée un sentiment de déconnexion affective, évoquant la mélancolie des vastes paysages des tableaux de Caspar David Friedrich, comme un chuchotement lointain des tourments du personnage. Les vibrations de la guimbarde dessinent autour de Zee une frontière invisible, un halo spectral qui matérialise sa distance psychologique. Pourtant, à mesure que les modulations résonnantes et feutrées montent, un murmure parvient à franchir cette limite, réveillant en elle l’écho de liens humains réprimés. Ensemble, ces vagues sonores orchestrent son cheminement intérieur, entre le retrait affectif et l’espoir fragile d’une renaissance. La texture musicale se construit ensuite en ajoutant des nuances de chaleur mélancolique, une ombre mélodique qui accompagne le protagoniste dans chaque scène.

La musique de Beltrami n’est pas seulement interprétée : elle devient un drapé sonore, chaque modulation et chaque silence éveillant les tourments des personnages, reflétant leurs dilemmes et leurs quêtes personnelles. Les mélodies de la trompette et de la guitare électrique surgissent dans des moments d’adrénaline, leur réverbération pulsant comme une énergie brute, une intensité qui immerge et transporte. Les sons ténébreux et voilés murmurent des secrets, une ombre diffuse qui enveloppe le spectateur et laisse derrière elle une empreinte réverbérante, telle une onde persistante bien après que la musique s’est tue.

Certaines séquences où Zee (une redoutable tueuse connue sous le nom de Reine des Morts) est confrontée à elle-même évoquent une froideur clinique et détachée, rappelant l’univers de Chad Stahelski dans John Wick, où la récurrence des motifs sonores et l’élan contrapuntique bâtissent des murs intérieurs, formant un labyrinthe d’où l’esprit peine à s’échapper.

Isolement et Mélancolie : La Guimbarde et le Saxophone dans The Killer

Avec son timbre rauque, les sonorités ténébreuses accompagnent l’errance de Zee à travers des scènes clés, résonnant comme réminiscence lointaine des polars des années 70. Ce timbre rappelle des classiques comme Taxi Driver de Scorsese, où chaque accord résonne comme une confession et chaque silence devient un souffle ténu, lourd de sens.

L’entrelacement des vibrations métalliques et des harmoniques sombres ne traduit pas seulement une tristesse diffuse, mais tisse un dialogue subtil entre deux mondes : celui du repli sur soi et celui de la ville, plongée dans une lumière tamisée d’une nuit sans fin, où chaque personnage semble pris au piège d’un désespoir muet.

Les subtones se métamorphosent en une voix intérieure pour Zee, vibrant comme un écho des souvenirs enfouis et des dilemmes tus. Chaque instrument agit comme un miroir acoustique de son cheminement intérieur. Les résonances métalliques de l’instrument tracent les contours d’une barrière invisible, un rempart tonal érigé pour protéger Zee de la vulnérabilité des attachements humains, de la douleur tapie dans chaque promesse de lien. Mais à mesure que les timbres sombres s’élèvent, ces sonorités semblent pénétrer cette forteresse de solitude, éveillant en elle des pulsations intérieures refoulées et la possibilité d’une connexion. Ainsi, la musique devient pour Zee une carte intime de ses émotions, une langue murmurée que seules les âmes isolées peuvent comprendre. Comme le disait Leonard Bernstein, « la musique peut nommer l’innommable et communiquer l’inconnu »

Leitmotifs et Transformation : Le Sifflement Iconique d’Introuvable et la Rédemption de Zee

Introuvable, co-écrit par Marco Beltrami et la chanteuse violoncelliste Jorane, devient un thème central de la composition de Beltrami dans The Killer, soulignant les moments d’incertitude et de questionnement intérieur de Zee. À chaque étape de sa transformation, ce leitmotiv agit comme une confession musicale. Ce thème est composé autour d’une mélodie descendante en tonalités mineures, souvent portée par des sonorités caverneuses et funèbres, dont les motifs traduisent les regrets et les dilemmes intérieurs de Zee, symbolisant à la fois son aliénation et son désir d’absolution.

À certains instants, la mélodie se pare de superpositions instrumentales où la guimbarde vient ajouter un timbre métallique et détaché, accentuant la fermeture introspective du personnage. Les dissonances graves, présentes lors des périodes de tension, renforcent l’atmosphère suffocante, comme si la musique elle-même hésitait et oscillait entre le regret et l’aspiration à une possible libération. Cette structure thématique, ancrée dans des motifs récurrents, traduit le combat intérieur de Zee tout en marquant chaque avancée vers une éventuelle renaissance, enrichissant la narration par une intensité cathartique persistante et un détachement inéluctable.

Dans The Killer, chaque écho introspectif se fait l’émanation de l’âme du protagoniste, un miroir de ses tourments et de ses aspirations. Le fond tonal, tel un écrin de nuances, ne se contente pas d’accompagner l’histoire : il la narre, offrant au spectateur une immersion totale où chaque silence, chaque cadence, chaque mélodie devient le vecteur d’une émotion, d’un souvenir, d’un rêve suspendu.

The Killer 2024 : Soundtrack

The Killer 2024 : the album track list

1. Zee Awakens (3:01)
2. Candles for the Dead (2:08)
3. Chasing Coco (1:32)
4. Serge’s Last Dance (2:01)
5. Bar Fight (2:13)
6. Tessier’s Shop (0:29)
7. Poison IV (1:08)
8. After Noone (1:50)
9. Not a Plain Heist (1:38)
10. No One’s Whore (1:11)
11. Paris By E-Bike (1:57)
12. Hospital Treatment (2:58)
13. Morgue Shootout (1:38)
14. Zee’s Apartment (2:01)
15. Fork You (1:12)
16. Takeout Stakeout (1:28)
17. Queen of the Dead (1:21)
18. Martini Murder (1:23)
19. Finn’s Ratchet (3:36)
20. Flower Mart (3:40)
21. How’s That for a Chip (2:17)
22. Candles for the Deserved (0:52)
23. Graveyard Shootout (1:16)
24. The Church (1:14)
25. Kick Ass Mass (3:10)
26. Zee’s Reckoning (3:32)
27. Vision Regained (1:25)
28. Sey Goodbye (0:54)
29. Killer Reborn (1:12)
30. Introuvable – Jorane (2:38)
31. Let’s Live for Today – Diana Silvers (2:30)

Explication :

« Récurrence cyclique » : Ce terme désigne la répétition continue de certains motifs musicaux, qui créent une impression de boucle inévitable. Dans le contexte de The Killer et John Wick, cette récurrence évoque la manière dont les personnages semblent piégés dans des cycles répétitifs de violence et d’introspection.

« Élan contrapuntique » : Ce terme fait référence à l’interaction entre différentes lignes musicales qui évoluent de manière indépendante mais se complètent pour créer une tension subtile et complexe. Le contrepoint est une technique où plusieurs voix ou instruments interagissent, apportant une richesse à la composition musicale.

« Subtones » : Le subtone est une technique couramment utilisée par les saxophonistes pour produire un son très doux, sombre, et feutré.

Liste des principaux instruments utilisés dans la musique du film : Musique de Marco Beltrami

  • Piano : Andy Massey
  • Solo Saxophone : Martin Williams
  • Solo Trumpet : Tom Rees-Roberts
  • Solo Jazz Bass : Rory Dempsey
  • Solo Cello : Tim Gill
  • Solo Soprano : Grace Davidson
  • Drums : Hayden Beltrami