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Une famille syrienne est une immersion intimiste au cœur de l’appartement d’une femme qui tente de protéger sa famille, tout en remettant en question la notion de courage. Plus métaphorique que réelle incursion dans les tenants et aboutissants du conflit syrien, le film de  Philippe Van Leeuw est un huis clos étouffant et angoissant.

Une histoire banale

De la bande de Gaza, on avait reçu en 2015 Dégradé, huis clos dans un salon de coiffure où quelques femmes s’opposaient déplaçant alors le conflit de l’extérieur (la rue, le pays) vers l’intérieur. Avec Une famille Syrienne de Philippe Van Leeuw, réalisateur et scénariste belge, c’est autre chose qui se joue. Aucun indice, sinon le titre, ne peut situer le film en Syrie plutôt que dans un autre pays en guerre. Pourtant, Une famille Syrienne est une des premières fictions à nous parvenir sur la guerre en Syrie. Or, ce qui semble intéresser ici le réalisateur, c’est la vie de famille confrontée à la guerre, le quotidien tel qu’il se réinvente dans l’enfermement contraint. Tel Stephan Streker, lui aussi belge, avec Noces,  Philippe Van Leeuw choisit la guerre comme toile de fond plus pour nouer et dénouer des conflits intérieurs, parler de courage, de culpabilité, de lâcheté, d’ambivalence que du conflit en Syrie. L’idée est ici de mener à son terme une tragédie théâtrale. Tous les ingrédients sont réunis, de l’unité de temps (24h) et de lieu (la maison de la famille « recomposée »)  au dilemme/secret qui gangrène certains des personnages et les précipite vers une chute certaine. Ce secret c’est la mort du mari de la voisine (Hamila), recueillie avec son bébé après la destruction de son appartement, que l’aide ménagère de la maison voit depuis sa fenêtre, raconte à la maîtresse de maison, véritable chef autoritaire et froid, qui lui somme de ne rien dire. Plus tard, le grand-père (seul figure tutélaire, le père étant absent ), sera lui aussi intégré dans la boucle du secret. Autour de ces trois personnages, dont l’un seulement est clairement incarné, dessiné, gravitent d’autres personnages : les enfants des propriétaires de l’appartement ainsi qu’un petit ami casse-cou venu sans autorisation retrouver sa dulcinée. Tous sont mus par la peur et c’est à peu près l’unique sentiment dont ils seront flanqués jusqu’à la fin du film, ce qui est un peu dommage.

Deux femmes dans la tourmente

En réalité,  Philippe Van Leeuw dresse le portrait de deux femmes, interprétées respectivement par Hiam Abbass (La source des femmes) et Diamand Bou Abboud (actrice libanaise). Les deux femmes s’affrontent presque, l’une détenant un secret, l’autre se sacrifiant dans une scène d’agression resserrée sur son regard et particulièrement éprouvante. Tout se joue donc dans l’humain et ses réactions, au plus près des choix individuels à la manière de Dunkerque dans lequel Christopher Nolan s’intéressait à des visages, des anonymes qui devaient prendre des décisions aussi rapides, radicales que parfois insensées pour sauver leur peau, survivre. Si une forme de solidarité a pu se nouer entre les deux femmes, la défiance reste omniprésente, même quand Hamila dit à son hôte qu’elle l’admire désormais après l’avoir un temps détestée. Lorsque la journée s’achève, banalement, tristement, horriblement ordinaire, tous les fils ne sont pas encore dénoués. Et c’est sur une larme de vieil homme, celui qui pense et a dit au cours du film que son pays n’était plus rien, que le film tire sa révérence. Le dispositif cinématographique est simple, la réalité présentée très brute, au milieu d’un scénario très écrit à la manière d’un film d‘Asgahr Farhadi qui avec Une séparation déjà mettait en scène, en les suivant caméra au poing, des humains confrontés à la foi, l’honneur, la peur. Ici, c’est l’angoisse qui fait agir et c’est aussi elle qui maintient le spectateur en éveil, mais impuissant.

Une famille syrienne : Bande-annonce

Une famille syrienne : Fiche technique

Réalisation : Philippe Van Leeuw
Scénario :  Philippe Van Leeuw
Interprètes : Hiam Abbass, Diamand Bou Abboud, Juliette Navis
Photographie : Virginie Surdej
Montage : Gladys Joujou
Producteurs : Serge Zeitoun, Guillaume Malandrin
Distribution : KMBO
Durée : 85 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 6 septembre 2017

Belgique-France – 2017

Avec son développement minimaliste et ses nombreuses libertés prises par rapport au manga, il va de soi que cette adaptation américaine de Death Note a de quoi s’attirer les foudres des fans. Mais au-delà de ça et de manière objective, le film d’Adam Wingard est loin d’être la catastrophe annoncée car il dispose de quelques atouts et même d’un certain charme. Dommage que le réalisateur n’ait pas eu les épaules nécessaires pour diriger un tel projet, le tout se montrant maladroit et sans envergure…

Synopsis : Light Turner, étudiant en droit ivre d’une envie de faire servir la justice, tombe un beau jour sur un mystérieux carnet, le Death Note, qui lui confère le pouvoir de tuer les gens rien qu’en inscrivant sur les pages leur nom, tout en connaissant également leur visage. Se lançant ainsi dans une vendetta afin de créer un monde meilleur, Light devient une entité populaire se faisant appeler Kira. Si certains le voient comme une divinité, d’autres le considèrent tel un meurtrier qu’il faut arrêter à tout prix. Parmi eux, un enquêteur de renommée internationale du nom de L, décide de lui faire face en tentant de découvrir qui il est…

L’adaptation haïssable qui avait pourtant tout pour être aimée

Depuis que les Américains nous ont pondu l’infâme Dragonball : Evolution, les adaptations de manga made in USA sont devenues en un éclair les bêtes noires du public. Et notamment des fans, qui conspuent à la moindre annonce de projet, pouvant reléguer ce dernier au rang de film mort-né. Dans le cas du navet signé James Wong, nous n’allons pas les blâmer pour ça ! Pourtant, si les aficionados pouvaient mettre un instant de côté leur esprit « j’adore donc on n’y touche pas ! » et laisser faire certains producteurs, ils seraient surpris du résultat. Étonnés de voir que, chez l’oncle Sam, ils savent prendre au sérieux ce genre de projets au point de livrer des longs-métrages potables (Ghost in the Shell), voire même fort appréciables (Edge of Tomorrow, bien qu’il s’agisse de l’adaptation d’un light novel). Dans le cas du Death Note d’Adam Wingard, il serait donc futile de le critiquer pour ses divergences avec l’œuvre originale, le film ayant des idées et atouts non négligeables en matière de divertissement. Le seul vrai problème étant que le réalisateur choisi pour un tel titre n’a pas eu les épaules assez larges pour mener à bien cette adaptation au bord du lynchage public…

Quelque part, la réaction des fans est compréhensible vu à quel point ce Death Note version 2017 prend énormément de libertés avec le manga de Tsugumi Ohba et Takeshi Obata. À commencer par les personnages, qui voient leur mentalité changer au plus haut point. Des exemples ? Le détective L délaisse son indifférence si légendaire pour adopter par moment des émotions envers son second Watari. Le dieu de la Mort Ryuk n’est plus une simple figure spectatrice un peu bêta mais une sorte d’entité démoniaque dont il faut se méfier, poussant même le héros à écrire son premier nom dans le Death Note. Misa Amane, au lieu d’être un mannequin folle amoureuse et très enfantine, est une étudiante psychopathe obnubilée par le cahier éponyme et son pouvoir. Et enfin Light, cet étudiant froid, calculateur, diablement intelligent, égocentrique et charismatique, est devenu une sorte de paria naïf, manipulable et beaucoup trop « pleurnichard ». Rien qu’avec ça, les fanatiques risquent de s’acharner sur les réseaux sociaux et d’y laisser le titre du film dans leur Death Note personnel. Et le reste du long-métrage ne va pas les épargner en omettant certains pans pourtant importants du manga (comme le pouvoir de l’œil d’un dieu de la Mort) et des personnages (Rem, la famille de Light qui n’est ici résumée qu’à son père, les lieutenants de ce dernier…). En privilégiant le divertissement plutôt que la tension entre le face-à-face Light/L (quasiment absent de cette adaptation) et l’aspect psychologique très poussé de l’œuvre originelle. En abusant des clins d’œil au manga (l’addiction de Ryuk pour les pommes) sans jamais en retrouver la symbolique (la pomme étant le fruit défendu selon la Bible). En survolant de nombreuses thématiques qui ont fait le sel et le succès de la bande-dessinée d’Ohba et Obata (la religion, le sens de la vie, le Bien et le Mal…). Alors oui, on veut bien comprendre que ce film soit détesté par une importante communauté d’aficionados. Mais il ne faut pas perdre de vue qu’il s’agit d’une adaptation. Ce qui implique de nombreux changements pour correspondre à un format (un manga d’une bonne dizaine de volumes contre un film de 1h40), à un public avec pour but de s’ouvrir à de nouveaux adorateurs restés jusqu’à sur le banc de touche. Bref, une œuvre qui s’inspire plutôt que de copier-coller le matériau de base (les japonais l’ayant déjà fait avec l’animé et trois longs-métrages). Et c’est ce que réussit ce Death Note, qui, pour le coup, ne mérite pas autant de haine.

On peut continuer à déblatérer sur les différences entre le manga et ce film, et sur certains choix critiqués mais pourtant judicieux. Comme certaines références bien pensées (le nom de Kira choisi par Light, pour faire croire aux enquêteurs qu’il est japonais) et l’américanisation des noms des personnages : auriez-vous vu des Blancs jouer Light Yagami et Misa Amane plutôt que Light Turner et Mia Sutton ? Et dans ce cas, pourquoi un Noir ne pourrait-il pas interpréter L ? D’ailleurs, pour ce dernier cas, le bashing qu’a subi l’acteur Keith Stanfield rien qu’avec sa couleur de peau relève de la connerie humaine… Mais oublions le manga et pensons à ceux qui ne le connaissent pas. Que verront-ils en découvrant le Death Note d’Adam Wingard ? Tout simplement un thriller partant sur un postulat accrocheur et proposant des thèmes fort intéressants (le droit de vie et de mort sur les gens, la justice, la dissimulation, l’image que l’on donne à la société…). Un divertissement pour le moins rythmé, qui parvient à livrer des séquences d’exécution aussi jouissives que Destination Finale (une petite touche d’humour noire bienvenue). Et surtout un film qui sait utiliser ses nombreux aspects techniques (la photographie de David Tattersall, les compositions des frères Ross…) pour confectionner une atmosphère à la fois envoûtante, captivante et inquiétante. Sans oublier le fait que l’équipe du film a su s’approprier le « petit » budget alloué par la production pour mettre en scène son histoire de manière inventive. Un constat qui se vérifie par les apparitions de Ryuk : un personnage en images de synthèse souvent en retrait (peu présent dans l’intrigue, souvent dans l’ombre ou en arrière plan…) pour masquer les limitations techniques. Ce qui n’empêche pas de rendre sa présence inquiétante pour autant.

Mais le plus étonnant dans ce Death Note, c’est le soin tout particulier apporté aux personnages. Si, encore une fois, beaucoup pesteront contre les modifications apportées les concernant, ils restent en tout point cohérents avec ce que veut raconter le long-métrage. L a des émotions envers Watari à la limite de l’amour entre un fils et son père ? Light ne fait qu’hésiter et avoir peur ? Cela leur procure un aspect diablement humain, voire même attachant (voir L mettre ses convictions de côté juste par vengeance personnelle touche). Light entame sa croisade parce que sa mère a été assassinée par un criminel en liberté ? Cela rend son ambition meurtrière bien plus justifiée et crédible. Misa… pardon, Mia en psychopathe ? Cela donne un enjeu à l’intrigue et surtout une autre image que celle de la potiche de service. Et enfin Ryuk en figure inquiétante et manipulatrice ? Cela confère au personnage une aura encore plus diabolique et imprévisible, apportant ce qu’il faut de menace à l’intrigue pour captiver l’attention (mention spéciale à la performance vocale de Willem Dafoe). Bref, si l’on doit aimer ce Death Note, c’est avant toute chose pour ses protagonistes écrits et interprétés comme il se doit, la plupart se montrant même bien plus intéressants que leur modèle respectif. Et même s’il modifie le manga, il ne le dénature pas pour autant, au point de donner envie aux profanes de plonger dans cet univers si particulier. Une bonne adaptation donc ! Mais un bon film, ça c’est une autre histoire…

Malgré ses nombreux atouts, aussi bien scénaristiques et techniques, Death Note déçoit une fois le visionnage arrivé à son terme. La faute revenant principalement à son réalisateur Adam Wingard qui, après un passage dans le cinéma horrifique (You’re Next, Blair Witch), n’a pas su sur quel pied danser pour diriger un tel film. Il n’a pas réussi à imposer une certaine cohésion à l’ensemble, comme si le cinéaste ignorait tout du ton à aborder pour mettre en scène le projet. Le tout switche maladroitement entre le film pour adolescents (étudiants, scène de bal, playlist en guise de BO…), le thriller angoissant (le côté enquête tendue de l’intrigue, la présence de Ryuk), le produit horrifique décervelé (les mises à mort engendrées par Light/Kira) et le blockbuster spectaculaire (le final, à grand renfort d’effets spéciaux), conférant à l’ensemble une allure des plus bancales. Un constat qui se voit renforcé par un montage un peu anarchique qui enchaîne les séquences bien trop rapidement au point d’empêcher le film d’exploiter convenablement son univers et ses personnages. Au lieu de cela, Death Note donne souvent l’impression de passer du coq à l’âne, de sortir de nulle part des retournements de situation juste pour faire avancer son histoire. D’oublier en cours de route ses excellentes idées, de les développer. Pour se clôturer de manière brutale sur une fin ouverte, sans n’avoir jamais pris le temps de se construire pleinement. À cause de cette narration expéditive, Adam Wingard loupe littéralement le coche et fait de ce long-métrage un gloubi-boulga de bonnes intentions juxtaposées sans aucune envergure. Et vu les atouts cités dans les paragraphes précédents, il est vraiment navrant d’en arriver à un tel constat, à un tel gâchis…

Ce Death Note version 2017 a clairement ce qu’il faut pour être aimé du public : des personnages, un univers, des atouts techniques, des idées scénaristiques bienvenues… Et on veut l’aimer, le défendre, cela ne fait aucun doute ! Même s’il faut se mettre les fans à dos, ce long-métrage a du charme et on espère que la suite (déjà prévue si cet opus fonctionne) pourra se faire tout en corrigeant les erreurs fatales de ce coup d’essai. Comme, en premier lieu, changer de réalisateur et en prendre un autre, sachant mener à bien ce genre de projet (rappelons qu’au début de la production, Gus Van Sant et Shane Black avait été appelés pour le réaliser). Si tel n’est pas le cas, nous nous retrouverons donc avec une exclusivité Netflix maladroite, qui gâche son potentiel par ses hésitations et son manque de développement. Une bonne adaptation, mais malheureusement un mauvais film…

Death Note : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=qWzT-cgAw6w

Death Note : Fiche technique

Titre original : Death Note
Réalisation : Adam Wingard
Scénario : Charley Parlapanides, Vlas Parlapanides, Jeremy Slater Anthony Bagarozzi, Chuck Mondry et Kyle Killen, d’après le manga de Takeshi Obata et Tsugumi Ôba
Interprétation : Nat Wolff (Light Turner), Keith Stanfield (L), Margaret Qualley (Mia Sutton), Shea Whigham (James Turner), Willem Dafoe/Jason Liles (Ryuk), …
Photographie : David Tattersall
Décors : Tom S. Hammock
Costumes : Emma Potter
Montage : Louis Cioffi
Musique : Atticus Ross et Leopold Ross
Producteurs : Jason Hoffs, Roy Lee, Dan Lin et Masi Oka
Productions : Lin Pictures et Vertigo Entertainment
Distribution : Netflix
Budget : 50 M$
Durée : 101 minutes
Genres : Thriller, fantastique, horreur
Date de sortie : 25 août 2017 (sur Netflix)

États-Unis – 2017

Upstream Color fait partie de ces films tarabiscotés qui laissent un arrière-goût à la fois d’incompréhension mais surtout, de fascination. Derrière ses intentions théoriques sur le libre arbitre et son montage visuel protéiforme, l’œuvre de Shane Carruth décèle une vraie force émotionnelle et une urgence de tous les instants, qui fait d’Upstream Color une histoire d’amour aussi intime qu’universelle.

Il est souvent délicat de se pencher sur une œuvre aussi labyrinthique qu’Upstream Color car la vérité et la distinction du vrai et du faux ne se trouvent pas forcément là où l’on croit. Sous couvert d’une expérience qui s’est mal passée, après la prise d’une substance parasitaire et animale, une jeune femme va devoir réapprendre à vivre et à retrouver des bribes de souvenirs dont elle a été dépossédée, avec l’aide de Jeff, qui lui-même semble avoir vécu la même mésaventure. Entre dépendance psychique et union mémorielle, amour et contusion, cette relation dépassera le cadre de la simple histoire d’amour.

De ce postulat un peu transversal, qui joue sur le film romantique et sur le film de contamination, Upstream Color avance à pas feutrés et dissimule dans son antre une vraie pulsation. Loin des carcans habituels des films de genre, Shane Carruth construit un film en puzzle, qui tend vers le poème à la Terrence Malick, et qui s’accroche à ses plans superposés les uns aux autres grâce à un montage à la fois musical (omniprésente) et visuel qui ne laisse pas la place à l’introspection, mais plutôt à l’imagination. La mise en scène de Shane Carruth, très aérienne et naturaliste, amplifie cette sensation de bulle d’air sensorielle. Les images se succèdent, rapidement, le récit lui semble parfois en retrait, sans jamais être dilué, les dialogues parfois se font rares et pourtant, Upstream Color contient cette puissance qui happe par cette capacité qu’à le réalisateur à filmer la chair triturée et l’esprit malmené.

L’exercice de style ne tourne jamais à vide dans Upstream Color, car au contraire, les idées visuelles s’avèrent ludiques. Cette superposition des plans, cette répétition des sons ou des scènes fruit d’une mémoire parcellaire, cette symétrie des actes qui tissent des liens entre eux, ajoutent au film une originalité qui n’est jamais méprisante. C’est sans doute cela la véritable force d’Upstream Color : celle d’incorporer ses velléités intellectuelles et métaphoriques sur la perception et sur l’identité avec de simples ressorts cinématographiques émotionnels. Car même si l’on se rend vite compte que le couple est dépassé par quelques choses de plus grand que lui, notamment à propos de cette phase du cycle biologique de la vie, entre la symbiose entre l’Homme et l’animal, l’architecture de la romance entre les deux personnes semble particulièrement limpide, dotée d’une vraie importance dramatique face aux chaines qui enferment les deux personnages.

Les jeux de regards, les discussions, les mensonges, marcher dans des ruelles, s’engueuler sur des souvenirs, s’embrasser, Upstream Color nous embarque dans une histoire d’amour qui émeut par son urgence et sa singularité. Même si le versant de science-fiction du film n’est jamais laissé de côté, avec cette connexion à cette fameuse substance psychotrope, Shane Carruth démontre aussi l’ambition d’élargir son champ d’action, dans le rapprochement qu’il fait de l’Homme à son environnement et cette contingence à vouloir faire cohabiter tout un écosystème.

Fait d’une amourette à la psychologie décalée de Punch Drunk Love (sans l’aspect comique de la chose) et d’une romance science fictionnelle qui marche sur plusieurs strates temporelles comme le film de Kristina Buozyte, Vanishing Waves, Upstream Color est aussi énigmatique que perceptible. Sans jamais aligner les poncifs, Shane Carruth façonne une exploration des sensations humaines assez passionnante. Parfois au bord du surréalisme, tel un test de Rorscharch, Upstream Color est un magma de bruits, de sons, d’images, de subconscient, qui se télescopent et qui s’agitent comme des satellites autour de leur système pour mieux imprégner l’imagination du spectateur.

Synopsis : Dans le terreau de certaines plantes se trouve une larve aux étranges vertus. Introduite dans l’organisme humain, elle permet de manipuler l’hôte inconscient de ce qui lui arrive. Victime de cette expérience, Kris se retrouve dépossédée de ses biens, et finalement de sa vie. Elle rencontre Jeff qui semble avoir vécu la même intoxication. Ensemble, il essaient de se réapproprier leurs souvenirs et de comprendre ce qui leur est arrivé.

Bande-annonce : Upstream Color

Fiche Technique : Upstream Color

Réalisateur : Shane Carruth
Scénario : Shane Carruth
Casting : Amy Seimetz, Shane Carruth, Andrew Sensenig, Thiago Martins, Mollie Milligan, Kerry McCormick, Charles Reynolds, Jeff Fenter…
Chef monteur : Shane Carruth
Directrice du casting : Kina Bale
Ingénieur du son : Johnny Marshall
Genre : Drame, Science fiction
Distributeur : Ed Distribution
Date de sortie : 23 août 2017
Durée : 1h 36min

Nationalité américain

Ce mercredi débarque dans nos salles Hitman & Bodyguard, signé par Patrick Hughes avec Samuel L. Jackson et Ryan Reynolds. Au programme, un buddy movie burné, fun et maîtrisé !

Synopsis : Un redoutable tueur à gages est contraint de témoigner contre un ancien hypothétique employeur, dictateur de l’Est, devant la Cour internationale de justice de La Haye. Interpol est alors chargée de l’escorter jusqu’aux Pays-Bas et engage le meilleur garde du corps pour mener à bien cette mission. Mais c’était sans savoir que depuis des années, les deux hommes s’opposent : les voilà désormais obligés de s’associer pour tenter de survivre aux pires épreuves… De l’Angleterre à La Haye, ils vont vivre une aventure délirante, une succession infernale de tentatives de meurtre, de courses-poursuites pour échapper à un déterminé et tordu chef d’état prêt à tout pour les éliminer.

Avertissement pré-critique

Alors qu’en ce moment même, quelques critiques – blogueurs et autres –préfèrent cracher leur venin sur Hitman & Bodyguard pour aller se presser les glands sur le « trop IN, trop COOL » Atomic Blonde, cet écrit tendra à critiquer véritablement le film de Patrick Hughes, et non pas servir d’énième publicité et masturbation de nouilles cinéphiles pour la blonde atomique de Charlize Theron, son plan séquence et sa bande-son racoleuse. Aussi, à ceux qui utilisent le mot « lambda » dans tous les sens, il n’y a qu’une chose à vous dire : explicitez, analysez, argumentez, bref, essayez – comme tous ici – d’écrire des critiques, mais pour de vrai. En vous remerciant…

Buddy Movie

Hitman & Bodyguard suit à la lettre le sous-genre du Buddy Movie : pour les besoins d’une mission souvent policière, un duo improbable se forme tant bien que mal, et se révélera au final tellement bien fonctionner qu’il vaincra l’ennemi ; enfin soit le couple se dissout non sans regret – parfois pour mieux se retrouver –, soit il se consolide et vivra bien d’autres aventures.

En cela, Hitman & Bodyguard propose un récit classique. En effet, le scénariste Tom O’Connor respecte les codes du genre, et l’une de ses caractéristiques essentielles : l’écriture soignée du duo.

« T’es aussi utile qu’une capote dans un couvent ! »

– Kincaid à Bryce –

Et quel duo que le couple forcé formé par Samuel L. Jackson et Ryan Reynolds. À l’image des Nice Guys (Ryan Gosling et Russell Crowe) de Shane Black l’année dernière, l’alchimie est bien présente. Servie par des dialogues aux punchlines taillées sur mesure, la relation entre les deux interprètes fonctionne comme attendu : Samuel « Fuckin’ » Jackson meets Ryan « Deadpool » Reynolds. Le film va bien au-delà en réussissant à ne pas tomber dans le piège de la rencontre des persona des acteurs. Riggs / Murtaugh (L’Arme Fatale) ; March / Healy (The Nice Guys) ; Walsh / Mardukas (Midnight Run) ; Cates / Hammond (48 Heures) ; Gamble / Hoitz (The Other Guys) ; autant de duos qui ont marqué l’ère moderne – soit Shane Black-ienne – du Buddy Movie, sous-genre déjà bien âgé (on peut penser à Laurel et Hardy ; ou encore Peter Warne et Ellie Andrews interprétés respectivement par Clarke Gable et Claudette Colbert dans New York Miami ; entre autres). C’était sans compter cette année sur Hitman & Bodyguard qui apporte un nouveau duo efficace (et déjà culte) en les personnages de Michael Bryce et Darius Kincaid, interprétés par Ryan Reynolds et Samuel L. Jackson.

Certains diront certainement que le personnage du King Jackson a davantage de place à l’écran, effaçant alors la présence de Reynolds. Mais il n’en est rien. Rappelez-vous que chacun d’eux possèdent leurs scènes individuelles. Aussi les moments d’action du duo fonctionnent tel un tango visuel, réussissant à passer de l’un à l’autre avec une efficacité rare, et de vraies idées visuelles humoristiques : on pense au plan sur l’un des véhicules des tueurs biélorusses explosant et brulant du côté de Kincaid, enchainant sur l’image d’un feu de cuisson d’un steak haché d’un établissement devant lequel passera en courant Bryce. Enfin, oui, il faut le dire, le film termine sur Jackson, notamment pour mettre en place le running gag de la romance en pleine folle bagarre de bar. Mais le gag obéit au récit, et s’inscrit logiquement dans le récit : on assiste à l’anniversaire de mariage tant attendu par le couple Kincaid.

Comédie d’action américaine et intrusion du réel : le bad guy du film

On aurait pu craindre que le film vire comme bon nombre de comédies américaines, du récent Baywatch aux deux volets Comment tuer son boss ?, dans the bad guy failure. Mais qu’est-ce donc ?

N’avez-vous jamais remarqué dans les comédies américaines qu’une fois le vilain révélé dans sa vraie nature au public et aux institutions, ce dernier est alors effacé, oublié. Ils sont des outils. En effet, les méchants n’ont ainsi d’existence que pour justifier le récit (policier, d’aventure, ou autre) qui lui-même a tendance à n’être qu’une sorte de prétexte. Ce dernier n’a pour fonction que d’habiller les gaudrioles des personnages d’une histoire ou presque. Hitman & Bodyguard évite ce déguisement de narration en rendant son méchant assez persuadé de sa cause pour aller jusqu’au bout de son aventure. Le président (dictateur) biélorusse Vladislav Dukhovich, incarné par Gary Oldman, connaît ainsi une fin à son parcours de chef salop. Une finalité qui est en plus cohérente avec les objectifs de nos deux héros…

Les méfaits du bad guy et de ses sbires ne sont d’ailleurs pas sans rappeler certains tragiques événements récents. D’un camion fonçant dans le public aux tirs des sbires extrémistes en pleine foule, le long métrage de Patrick Hughes présente des images troublantes filmées caméra à l’épaule. Cette intrusion du réel participe à véritablement asseoir l’existence et la force du personnage d’Oldman qui n’est pas qu’un être virtuel au service d’un récit prétexte à un enchainement de gags et de punchlines.

Flashbacks, bande-originale : des partis-pris funs mais discutables

Buddy movie classique et efficace avec sa propre identité, Hitman & Bodyguard est un film assurément fun et maîtrisé. On pourrait toutefois regretter deux choses. D’un côté, les quelques flashbacks qui pourront peut-être rebuter certains spectateurs tandis que d’autres apprécieront le running gag. De l’autre, la bande originale partagée entre une amusante musique composée par Atli Örvarsson et des titres de rock, blues et pop’ (80s, 90s et 60s). On remarquera que le film, dans sa montée en puissance et furie, enchaine titres originaux et empruntés. Justement, les moments de silence musical, où ne règnent que les dialogues et divers sons diégétiques, sont peu nombreux. Comme ont pu le déclarer des producteurs et réalisateurs de renom, les jeunes cinéastes ont tendance à suremployer la musique dans leur film, notamment par manque de confiance en leur capacité à maintenir l’efficacité d’une scène silencieuse. N’oublions pas que Patrick Hughes en est à son troisième long métrage, après un Expendables 3 qu’il n’a pu s’approprier comme il se doit. Toutefois, cette surcharge musicale, si tant est qu’elle est imparfaite, participe à l’efficacité et au fun du film. En effet, (re)voyez donc la dernière poursuite sur fond d’un remix de Black Betty, et vibrez sur votre siège face à ce tango d’action et d’humour mené tambour battant par un Patrick Hughes en puissance et son duo trash et émouvant formé par les formidables Samuel L. Jackson et Ryan Reynolds.

Bande-annonce : Hitman & Bodyguard

Fiche technique : Hitman & Bodyguard

Titre original : Hitman’s Bodyguard
Réalisation : Patrick Hugues
Scénario : Tom O’Connor
Interprétation : Samuel L. Jackson, Ryan Reynolds, Salma Hayek, Elodie Yung, Gary Oldman, Yuri Kolokolnikov
Décors : Russell De Rozario
Costumes : Stéphanie Collie
Photographie : Jules O’Loughlin
Montage : Jake Roberts
Musique : Atli Örvarsson
Producteurs : Mark Gill, John Thompson, Les Weldon, Matthew O’Toole, Avi Lerner
Production : Millenium Films
Distribution : Lionsgate (International) ; Metropolitan FilmExport (France)
Budget : 30 millions de dollars
Durée : 1h58min
Genre : Comédie d’action
Date de sortie : 18 Août 2017 (Etats-Unis) ; 23 Août 2017 (France)

États-Unis – 2017

Apparu l’année dernière à la 73ème Mostra de Venise (nommé au Queer Lion et remportant le prix de la meilleure bande son), Summertime, adapté de réelles rencontres à en croire la photo qui se glisse dans le générique, est une plongée bouleversante dans nos meilleurs souvenirs estivaux, histoire de prolonger les vacances.

Synopsis: Maria et Marco, deux ados italiens, décident d’aller passer une partie de l’été à San Francisco où ils sont accueillis chez un couple gay à peine plus âgé qu’eux. Au cours de ces quelques jours, ces quatre jeunes gens issus d’univers différents remettent en question leurs certitudes et se lient d’une profonde amitié…

Les vacances sont toujours trop courtes

On aurait pu s’attendre à un ersatz de road movie mièvre américanisé pour un prétexte à prolonger le soleil et certaines mauvaises langues trouveront les arguments pour défendre cette critique, mais il faut admettre que la parenthèse ne nous laisse guère indemne. Brando Pacitto, le Jesse Eisenberg italien sous les traits de Marco, est hanté par la mort et finit par gagner 3000€ qui lui permettront de partir retrouver un ami aux États-Unis. Sauf que cet ami en question a invité une des plus coincées du lycée. Matilda Lutz (déjà apparu dans la dernière adaptation de The Ring) joue Maria, de confession catholique, qui s’offusque de vivre avec des « pervers ». On est rapidement projeté dans leur quotidien, en glissant de pièces en pièces par des mouvements de steady cam propres ou des récurrences amusantes : les repas / feux confessions, Pete le labrador qui s’accapare le canapé/lit de Marco… L’émerveillement de ces deux jeunes touristes est ressenti et partagé par chaque spectateur dans la mesure où rien n’est fait pour sublimer ou exagérer le trait. La vue d’un simple parc ou une odeur de cuisine provoque une rapide impression de beauté, bref accomplissement de soi. Il faut avouer que ce sentiment ne se produit jamais (ou presque) dans notre quotidien, mais hors des sentiers battus lorsque le voyage est programmé. La rencontre des deux jeunes hommes est un nouveau souvenir auquel on assiste assez préoccupé, car les acteurs jouent sublimement et le coming out avec Scott Bakula (père de Paul) est émouvant. Chaque scène devient donc une pensée nouvelle, réminiscence et l’empathie sincère nous incite à passer ces magnifiques vacances aux côtés des deux jeunes adulescents.

Sans jamais tomber dans le piège de la romance grossière et évidente, la surprise, simple et convaincante, se concrétise au fur et à mesure qu’on apprécie Paul et Matt à notre tour. Le regret de ne pas en savoir plus sur leurs métiers (on sait juste que leur situation est aisée) et de ne pas les voir plus réellement amoureux est un des seuls reproches émis. C’est dans des moments improvisés, pris à la volée sans direction d’acteurs comme la première baignade dans l’eau chaude à Cuba où Matt les rejoint, plus qu’enthousiaste, que l’on voit qu’ils ne forment pas un couple, mais qu’ils sont tous les deux possiblement hétéros dans la vraie vie. Il y a des moments de suspension pour créer une certaine poésie superficielle qui auraient pu être évités, mais cela ne dérange guère le divertissement. Chaque justesse finira par tirer la larme sur la fin du séjour pour conclure sur une escale à New York remettant Marco et Maria sur le droit chemin. Le réalisateur s’est fait connaître à l’international avec son troisième long métrage, Juste un baiser en 2001, réel phénomène, qui est resté en salles pendant six mois (contre dix semaines record numéro 1 au box office pour Intouchables ou Le Dîner de cons). Réflexion cynique et désenchantée sur la difficulté de sa génération à s’engager en amour, le film récompensé à Sundance et la Mostra, l’impose parmi les figures majeures du cinéma italien de cette dernière décennie. D’ailleurs, Will Smith touché par son travail lui confie la réalisation d’À la recherche du bonheur en 2006 et Sept vies deux ans après. Il collabore ici avec un artiste, vu comme le pionnier du hip hop italien, Jovanotti qui compose avec Cris Ciampoli. A la fois country folk et ballade indie au ukulélé, la musique est un voyage radieux qui nous emmène à la manière de The Descendants d’Alexander Payne avec George Clooney aux confins de ce que nous sommes, redéfinissant les contours éphémères de l’authentique amitié. Certainement le meilleur film de l’été…

Summertime : Bande Annonce

Summertime : Fiche Technique

Titre original : L’Estate addosso
Réalisation : Gabriele Muccino
Interprétation : Matilda Lutz (Maria), Brando Pacitto (Marco), Joseph Haro (Paul), Taylor Frey (Matt), Scott Bakula (le père de Paul)…
Photographie : Paolo Caimi
Montage : Valentina Brunetti, Alexandro Rodríguez
Musique : Jovanotti, Cris Ciampoli
Producteurs : Ferdinando Bonifazi, Ilaria Castiglioni, Marco Cohen, Fabrizio Donvito, Benedetto Habib
Sociétés de Production :  Indiana Production
Distributeur : Mars Film, Rai Cinema
Festival et Récompenses : Prix de la meilleure bande son à la Mostra de Venise 2016
Genre : Comédie dramatique
Durée : 105 minutes
Date de sortie : 16 août 2017

Italie – 2016