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Remixé en un film foisonnant et passionnant, Manifesto est à l’origine une installation du vidéaste/cinéaste allemand Julian Rosefeldt qui porte un regard neuf et ludique par moments sur l’art et les courants artistiques. Une belle réussite.

Synopsis : Manifesto rassemble aussi bien les manifestes futuriste, dadaïste et situationniste que les pensées d’artistes, d’architectes, de danseurs et de cinéastes tels que Sol LeWitt, Yvonne Rainer ou Jim Jarmusch. A travers 13 personnages dont une enseignante d’école primaire, une présentatrice de journal télévisé, une ouvrière, un clochard… Cate Blanchett scande ces manifestes composites pour mettre à l’épreuve le sens de ces textes historiques dans notre monde contemporain. 

Le musée des merveilles

Dans un élan post-cannois, bien abreuvé d’une Cate Blanchett impériale, alors présidente du jury de la sélection officielle, le spectateur se rue, ou presque, vers les salles obscures pour l’admirer dans pas moins de 13 rôles différents à l’occasion de la projection de Manifesto, le film du vidéaste allemand Julian Rosefeldt. Un motif assez futile donc, pour certains, alors que les autres plus avisés auront eu vent de ce projet artistique depuis plus longtemps, lorsqu’il fut présenté aux Beaux-Arts de Paris sous forme de 13 tableaux différents en multi-écrans dans une exposition qui a plutôt fait grand bruit.

En effet, le propos de Julian Rosefeldt, est une mise en images ou plus exactement de mettre des images sur une soixantaine de manifestes plus ou moins célèbres sur l’Art. Lors de l’exposition aux Beaux-Arts, les manifestes eux-mêmes étaient exposés à côté des vidéos, et la projection chorale était un élément du dispositif tendant à mettre en exergue l’effet d’accumulation, de superposition, voire peut-être de la vanité de tous les courants artistiques. Dans le film au contraire, les 13 segments sont successifs, remixés et remontés par le cinéaste d’une manière un peu différente. Certains d’entre eux s’entrecoupent, d’autres sont restitués d’une traite dans leur intégralité.

Manifesto, comme son nom l’indique, reprend donc les manifestes comme des monologues, tous récités par l’actrice australienne Cate Blanchett. On assiste parfois à des semblants de dialogues, comme avec les Règles d’Or de Jim Jarmusch (Rien n’est original) ou le Dogma de Lars von Trier et Vinterberg qui sont donnés comme une sorte de consigne par la maîtresse Cate Blanchett à ses petits élèves (des consignes contradictoires à dessein, puisqu’alors que les enfants sont encouragés à dessiner librement, la maîtresse leur édicte cette liste d’interdits…). Ainsi, également, le segment de la journaliste télé qui reprend entre autres le manifeste de l’artiste américaine Elaine Sturtevant (All current Art is fake) : on assiste à un échange entre Cate la journaliste de plateau et Cate l’envoyée spéciale du terrain, sur le mode d’un reportage : tout est ahurissant de vérité, les intonations, les mimiques, le look des deux journalistes qui se répondent à coups de manifestes, et pourtant, la pluie battante qui s’abat sur la dernière s’arrêtera d’un tour de robinet. All current Art is fake, et l’illustration de Rosefeldt est brillante…

L’exécution du projet est admirable. Le support visuel est extrêmement travaillé, la cohérence des parties assurée par une entame presque identique à chaque fois : une plongée en plan large depuis probablement un drone, qui vient graduellement serrer le sujet. Rien n’est laissé au hasard, ni le décor (comme ces animaux empaillés géants pour illustrer Claes Oldenburg), ni la structuration des manifestes, ni la variété géopolitique des artistes. Des roumains, des mexicains, des allemands, des russes, des italiens, des américains, des britanniques, des français : tout le microcosme artistique y passe, représenté dans des situations et métiers divers qui selon les cas détournent ou au contraire collent au courant d’art représenté.

Cate Blanchett déploie une performance incroyable d’actrice. Elle incarne tous les personnages avec la plus grande justesse, on a le sentiment très clair qu’elle est plus qu’une interprète sur le film. Elle représente à la fois les vraies gens des segments du métrage et leur vie quotidienne, si on peut parler ainsi de personnages de fiction, et les artistes eux-mêmes, auteurs des manifestes. L’accent de l’Europe de l’Est de ses origines pour interpréter le No Manifesto d’Yvonne Rainer, le décalage ad hoc lors d’une oraison funèbre pour clamer le Manifeste dada de Tristan Tzara.

Mûri sur une longue période, le dernier travail de Julian Rosefeldt apporte un vrai plaisir jouissif pour celui qui s’intéresse de près à l’art et qui s’amusera à reconnaître  tous ces courants  qui se succèdent comme les segments de Manifesto eux-mêmes, comme un clou qui chasse l’autre ; il ravira également le cinéphile avide d’un cinéma porteur de sens. L’œuvre satisfera le spectateur sur le fond, d’autant plus que certains textes sont cruellement d’actualité par rapport à la dérive matérialiste du monde, mais aussi sur la forme précise et magnifiée par une Cate Blanchett éblouissante. Après le très remarqué détenteur de la Palme d’Or de 2017 (The Square de Ruben Östlund), voici un nouveau film sur l’Art qui va laisser des traces…

Manifesto : Bande-annonce

Manifesto : Fiche technique

Réalisateur : Julian Rosefeldt
Scénario : Julian Rosefeldt
Interprétation : Cate Blanchett (Divers), Ruby Bustamante (Hôtesse de l’air), Ralf Tempel (Prêtre catholique), Andrew Upton (Pop Art Extra), Ea-Ja Kim (Pop Art Extra), Carl Dietrich (Situationnisme Extra), Hannelore Ohlendorf (Situationnisme Extra), Marina Michael (Situationnisme Extra), Erika Bauer
(Situationnisme Extra), Marie Borkowski Foedrowitz (Situationnisme Extra)
Photographie : Christoph Krauss
Montage : Bobby Good
Musique : Nils Frahm, Ben Lukas Boysen
Producteurs : Julian Rosefeldt
Maisons de production : Bayerischer Rundfunk, Schiwago Film
Distribution (France) : Haut et Court
Durée : 95 min.
Genre : Drame, Expérimental
Date de sortie : 23 Mai 2018

Allemagne – 2015

Elle nous avait laissés avec Le Ciel attendra, un film plutôt réussi sur la radicalisation de jeunes filles dans la France d’aujourd’hui. Pourtant, dans  La Fête des mères, Marie-Castille Mention Schaar déçoit avec un film choral épileptique et souvent navrant sur la maternité dans « tous ses états ».

Tout commence par une voix off qui nous explique à quel point on adore détester nos mères, mais que pourtant on les aime si fort. Elle dit aussi qu’il y a mille façons d’être mère. Merci. Juste après nous commençons à suivre le destin de plusieurs mères ou filles ou fils qui se croiseront plus ou moins directement grâce à de bonnes grosses ficelles scénaristiques. Ajoutons à cela le personnage d’un professeur qui nous explique en long et en large comment a été inventée la fête des mères et nous nous trouvons face à un film trop didactique, trop simpliste et qui en plus fait la morale au spectateur. Franchement, la scène où la Présidente de la République croise le regard d’une prostituée asiatique que l’on voit ensuite téléphoner à son fils par Skype et caresser l’écran d’ordinateur est d’une pauvreté cinématographique certaine. On se croirait dans le Paris de Klapish qui avec ses allures cartes postales pouvait parfois agacer. Ici, la prostitution est réduite à voir une femme marcher et attendre sur un trottoir. Il y a pourtant quelques belles idées, mais un  brin trop clipesques, comme quand Nicole Garcia, pas tout à fait remise d’un AVC, s’inscrit à des cours de claquettes ou essaye d’échapper aux entrailles de son fils ultra-protecteur.

« On aime sa mère presque sans le savoir … »

Le problème de Marie-Castille Mention Schaar est qu’elle voudrait tout dire sur la maternité, aborder mille manières de la vivre, mais ne dit rien. Elle morcelle trop son propos à travers des personnages peu incarnés et trop stéréotypés ou du moins figés dans la résolution d’un problème insoluble qui, pouf, se démêle à la fin. Elle prend si peu de temps à dessiner ses personnages que l’on peine à croire à Audrey Fleurot en Présidente de la République ; on voit surtout une actrice se baladant dans le Palais de l’Élysée. Quant à la scène, assez hilarante il faut le dire, où une fille délaissée s’acharne sur une jeune mère pour crier son refus de la maternité, elle est plombée par cette impression pour le spectateur de recevoir en permanence des messages de tolérance et d’ouverture qui tombent à l’eau. Au final, tout se termine bien, tout le monde s’aime, personne ne s’est vraiment rien dit. Dommage, car avec un casting pareil, il y avait de quoi faire. Mais le film se termine comme il avait commencé, procédé déjà utilisé par la réalisatrice dans son insipide premier film Ma Première fois et peu probant. Au final, elle nous pond un générique très long où l’on voit les actrices en gros plan avec, on le suppose, leurs mères dans la « vraie » vie. Cela montre l’échec d’un film qui se voudrait épicé, piquant sur un sujet maintes fois abordé au cinéma. On préférera repenser à l’intensité des rapports mère-enfant dans des films comme J’ai tué ma mère de Xavier Dolan, qui savait montrer ce qu’est la force d’un « je t’aime », mais aussi Je suis heureux que ma mère soit vivante ou encore à la pudeur d’un Quelques heures de printemps. Il y a en effet mille façons de vivre sa maternité, nulle besoin de le dire, de le filmer jusqu’à ne plus rien signifier de ce que c’est qu’être mère, qu’aimer sa mère, que de ressentir cet amour au moment d’un dernier regard, d’une dernière étreinte.

La Fête des mère : Bande-annonce

La Fête des mères : Fiche technique

Synopsis : Elles sont Présidente de la République, nounou, boulangère, comédienne, prof, fleuriste, journaliste, sans emploi, pédiatre. Elles sont possessives, bienveillantes, maladroites, absentes, omniprésentes, débordées, culpabilisantes, indulgentes, aimantes, fragiles, en pleine possession de leurs moyens ou perdant la tête. Bien vivantes ou déjà un souvenir … Fils ou fille, nous restons quoiqu’il arrive leur enfant avec l’envie qu’elles nous lâchent et la peur qu’elles nous quittent. Et puis nous devenons maman … et ça va être notre fête !

Réalisation : Marie-Castille Mention Schaar
Scénario : Marie-Castille Mention Schaar
Interprètes : Audrey Fleurot, Clotilde Courau, Olivia Côte, Pascale Arbillot, Jeanne Rosa, Carmen Maura, Nicole Garcia, Vincent Dedienne, Marie-Christine Barrault, Pascale Demoldon, Noémie Merlant, Gustave Kervern, Xavier Maly, Lolita Chammah,  Nicole Ferroni
Photographie : Myriam Vinocour
Montage : Benoît Quinon
Sociétés de production: Willow Films, UGC, Orange Studio, France 2 Cinéma
Distributeur : UGC Distribution
Durée : 200 minutes
Date de sortie : 23 mai 2018
Genre : comédie dramatique

France – 2018

Le Festival de Cannes 2018 vient de fermer ses portes et les sorties cinéma en salles hexagonales reprennent leurs cours. Mutafukaz, film d’animation franco-japonais, réalisé par Shōjirō Nishimi et « Run », est un défouloir hybride et violent qui voit s’entremêler les univers hétéroclites de GTA, Clerks et d’Akira.

Après la parution de The Lastman de Jérémie Périn, c’est au tour de Mutafukaz, présenté précédemment au festival Gérardmer 2018, de mettre une pierre à l’édifice de l’animation française et de le faire avec punch et adrénaline. Adaptant le comics du même nom, le long métrage exacerbe toutes les fulgurances des traits de Guillaume Renard (Run) dans un monde post apocalyptique américanisé et bariolé, où l’humanité court de plus en plus à sa perte. Dans la ville miteuse de Dark Meat City, sorte de « GTA San Andreas » sous acide, lieu aux allures west coast ensoleillé où tous les gangs latinos s’affrontent pour avoir la suprématie, environnement délétère où la misère des petites ruelles fait rage, Lino et Vinz, aux physiques des plus particuliers (petits et grosses têtes noires ou de squelettes enflammés), vont voir leurs vies basculer suite à l’accident de scooter de Lino.

Suite à cela, il commencera à faire des cauchemars alambiqués et ils se verront poursuivre par une étrange société secrète. De prime abord, leur script ne parait pas des plus originaux : ce n’est pas à travers ce pitch voyant un enfant ou un adolescent avec des pouvoirs dissimulés hors du commun qui se verra être la cible d’une entité secrète qui souhaiterait conquérir la Terre que Mutafukaz sort des sentiers battus. Même si des thèmes comme l’humanité, la politique, le complotisme, la tolérance et le fait d’être soi même dans un monde stéréotypé et sanguinolent permettent au film de prendre de l’ampleur et une profondeur parfois inattendue, c’est avant tout pour ses graphismes urbains et son rythme haletant que Mutafukaz vaut le détour.

Ce qui fait du bien avec The Last Man ou Mutafukaz, c’est qu’enfin animation française ne rime pas forcément avec film pour enfant. La pelloche qui nous est présentée, défile à toute berzingue, passe au mixeur influences hip hop et japonaise, et mêle avec un certain brio l’enchaînement du récit et les déflagrations visuelles, souvent ultra violentes. Ça cogne, ça tabasse dans un bordel communicatif. Dans un style qui mélange les errements noctambules du road movie et les saccades du survival, Mutafukaz n’évite pourtant pas toujours les répétitions : Lino et Vinz arrivent à un point A et tout de suite après, leurs ennemis arrivent au pied levé pour les tuer ou les kidnapper.

C’est parfois un peu trop schématique comme façon de faire, mais ce sont des codes inhérents au genre. Sauf, que l’intérêt, outre cette histoire d’amitié rafraîchissante et parfaitement utilisée, n’est pas forcément dans l’emphase même du récit et ses digressions trop référencées (John Carpenter et Assaut) comme peut le faire aussi une série telle que Stranger Things, mais se concentre plus sur sa farandole de rides d’actions multivitaminés et sa mosaïque de personnages tous plus badass les unes que les autres, que cela soit des catcheurs mexicains, des « Men In Black » armés jusqu’aux dents ou des militaires à la « Killzone » sortant l’artillerie lourde.

Avec une animation fluide qui change de styles avec ferveur, sous les voix laconiques d’Orelsan et Gringe et le pulse de la bande son technoïde de Toxic Avenger, Mutakukaz est un divertissement aussi bringuebalant que jouissif, qui tire dans les sens sans forcément toujours toucher sa cible. Mais passé les défauts juvéniles et régressifs, le long métrage se savoure avec un certain appétit.

Synopsis : Angelino est un jeune loser parmi tant d’autres à Dark Meat City, une mégalopole sans pitié sous le soleil de Californie. La journée, il livre des pizzas dans tous les recoins de la ville et la nuit, il squatte une chambre d’hôtel minable avec son coloc Vinz et une armada de cafards qui font désormais un peu partie de sa famille. À la suite d’un accident de scooter lorsque son chemin a croisé par inadvertance la divine Luna, une fille aux cheveux noir de jais, notre jeune lascar commence à souffrir de maux de tête et d’étranges hallucinations. Des hallucinations, vous avez dit ? Hmm, peut-être pas… Pourchassé par des hommes en noir, Angelino n’a plus aucun doute : il est pris pour cible. Mais pourquoi lui ?  

Mutafukaz : Bande Annonce

https://www.youtube.com/watch?v=fL0UWfyO0pM

Mutafukaz : Fiche Technique

Réalisateur : Shôjirô Nishimi et Guillaume « Run » Renard
Scénario : Guillaume Renard, adapté de Mutafukaz de Guillaume Renard éd. Ankama Éditions / Label 619
Interprétation : (les voix ) Orelsan (Angelino), Gringe (Vinz), Redouanne Harjane (Willy), Féodor Atkine (Mister K), Julien Kramer (Bruce Macchabe et El Diablo), Emmanuel Karsen (Crocodile), Gilbert Levy (Pr Fagor), Alain Dorval (Tigre), Kelly Marot (Luna)…
Décors : Shinji Kimura
Son : Pierre-Jean Beaudoin
Montage : Ivy Buirette, Marie-Laure Vanglabeke
Musique : The Toxic Avenger, Guillaume Houzé
Producteur(s) : Anthony Roux
Production : Ankama Animations, Studio 4°C
Genres : Action, Animation, Aventure, Action
Distributeur : Tamasa Distribution
Durée : 93 minutes
Date de sortie : 23 mai 2018

Pays : France, Japon

Sortie dans l’indifférence dans les salles françaises, Game Night est une comédie qui ne révolutionne pas son genre mais qui a le mérite de remplir le cahier des charges.

Synopsis : Mariés mais pas encore parents comme ils le souhaiteraient, Max et Annie animent un jeu une nuit par semaine en compagnie de plusieurs couples d’amis. Cette fois, c’est Brooks, le charismatique frère de Max, qui organise sa soirée chez lui : il a même prévu de se faire kidnapper pour de faux. Brooks se fait bien enlever devant ses invités… mais pas du tout par ceux qu’il a embauchés.

Game Night peut certainement faire vaguement penser à After Hours de Martin Scorsese qui, lui-même, a inspiré un certain nombres de comédies (plus ou moins réussies pour rester gentil) dont Crazy Night (Date Night en VO) de Shawn Levy, au titre déjà évocateur. Et surtout, impossible de ne pas penser au jeu de société culte le Cluedo (déjà adapté au cinéma). Bref, rien de nouveau à l’horizon avec ce long-métrage se déroulant dans un laps de temps limité, avec des personnages loufoques embarqués dans des situations improbables. Les réalisateurs Jonathan Goldstein et John Francis Daley, scénaristes de Comment tuer son boss ? ne révolutionnent clairement pas la comédie américaine (et dire qu’ils s’y sont mis à deux mais passons) : par conséquent, Game Night s’inscrit dans ce lot de films du genre sympathiques, parfois drôles mais rapidement oubliables.

Game Night prend un peu trop de temps à se mettre en place même si nous exposer la situation des personnages principaux (Annie ne parvient pas à tomber enceinte à cause du stress et de la jalousie de Max envers son frère Brooks, de retour dans sa vie après un an d’absence) est évidemment nécessaire pour comprendre les relations entre eux ainsi que leurs réactions. En revanche, une fois Brooks kidnappé, le long-métrage est lancé pour de bon, gagnant cette fois-ci en rythme et en intensité. Même s’il est assez prévisible sans (trop) se vouloir moralisateur, il se révèle par moments assez surprenant avec des rebondissements pas si attendus. Si dans le lot certains personnages secondaires peuvent décevoir par leur manque de développement (on pense au personnage de Michael C. Hall qui semble faire des clins d’œil à Dexter), d’autres en revanche ont le mérite d’intervenir dans le récit pour mieux frapper là où on s’y attend le moins. Même certaines blagues qui peuvent faire sourire sur le moment s’avèrent plus tard utiles dans le déroulement du scénario, que ce soit dans l’enquête ou dans la consolidation entre les personnages. Il y a même un plan-séquence assez intéressant (celle avec l’œuf de Fabergé), procédé assez rare dans les comédies, prouvant qu’il y a parfois un semblant de mise en scène.

Enfin, la distribution est plutôt satisfaisante, voire même bonne concernant certains, chacun rendant leurs personnages un chouïa idiots attachants. Jason Bateman fait plutôt du Jason Bateman (et est au cœur de deux scènes jouissives, en lien avec des chiens) et sa femme à l’écran, Rachel McAdams (Spotlight) s’en sort formidablement bien dans un registre comique réellement assumé. Jesse Plemons (Fargo, Hostiles), désormais l’acteur qui monte, est particulièrement savoureux dans le rôle de ce flic autant gentil et sensible que froid et flippant.

Offrant parfois quelques scènes inspirées, Game Night reste une petite comédie sympathique divertissante mais qu’on oublie vite une fois le visionnage terminé.

Game Night: Bande-annonce

Game Night : Fiche Technique

Réalisation : Jonathan Goldstein et John Francis Daley
Scénario : Mark Perez
Casting : Jason Bateman, Rachel McAdams, Kyle Chandler, Sharon Horgan, Billy Magnussen, Lamorne Morris, Kylie Bunburry, Jesse Plemons, Michael C. Hall, Danny Huston, Chelsea Peretti…
Musique : Cliff Martinez
Sociétés de production : New Line Cinema, Davis Entertainment, Aggregate Films
Société de distribution : Warner Bros. France
Durée : 1h39
Genre : comédie
Date de sortie : 18 avril 2018

États-Unis – 2018

Après l’agréable surprise d’un premier opus qui ne se prenait pas trop la tête, Wade Wilson reprend les sabres pour tailler dans le lard de la pop culture moderne. Et malheureusement ce qui devait arriver arriva. À force de pêcher par excès, Deadpool 2 devient ce qu’il s’évertue à caricaturer : un blockbuster paresseux entièrement dédié à l’humour jetable.

Il est toujours un peu triste de constater à quel point l’écurie Marvel a fait du dégât dans le paysage du blockbuster. Outre cette mode des univers étendus, partagés et digérés, et cette esthétique de tâcheron érigée en système, c’est surtout cette tyrannie du fun et du cool qui semble peu à peu ronger l’imaginaire collectif. Les films de super héros doivent être drôles et ne surtout pas prendre la tête du spectateur, venu pour siroter son soda et bouffer son pop-corn. Prenons pour témoin le dernier Avengers qui, malgré un méchant avec des atours d’antihéros tragique et une ambiance de saine apocalypse, ne pouvait résister a l’envie de glisser quelques vannes hors de propos. Même le versant « sombre et mature » (DC comics), a fini par rentrer dans les rangs de la positive attitude avec un Justice League remanié par Joss Wedhon,  artisan du cool devant l’éternel. Et qu’on ne vienne plus nous dire après ça que le Thor de Kenneth Branagh, pensé comme une comédie sur fond de mythes nordiques, n’aura pas marqué l’histoire…

Enfin bon, si on vous parle de ça ici, c’est qu’il s’agit bien du fond du problème. « Oui mais Deadpool est un crétin rigolo, donc c’est normal que le film soit une comédie » allez vous dire. Certes, le personnage crée par Rob Liefeld et Fabian Nicieza dans les années 90 est un bouffon rigolard et un peu psychopathe qui met régulièrement à mal la logique narrative des œuvres dans lesquelles il apparaît. Il est donc logique que son propre film soit dans une veine comique. Sauf que c’est l’humour avec un grand H qu’il faudrait repenser pour comprendre pourquoi ici, cette débauche de gags scabreux, de caméos surprises (Terry Crew, Brad Pitt, Matt Damon etc…) et d’auto-référence ne fonctionne pas.

Le premier film gagnait l’adhésion du public par son apparente simplicité. Une bonne partie de l’intrigue était centrée autour d’un affrontement sur un tronçon d’autoroute, où parfois le personnage se tournait vers nous pour expliquer un peu comment il en était arrivé là. L’unité de lieu qui s’étendait (temporellement et géographiquement) était finalement dans la logique même de cette narration « méta ». On n’était jamais vraiment sûr de la véracité des faits racontés. Par ce simple effet narratif, Tim Miller prenait à bras le corps la particularité du mercenaire (sa « comics awareness » comme ils disent) pour en faire un élément de mise en scène. C’était comme si le héros faisait son propre film au fur et à mesure. Plutôt fin pour un film qui s’est surtout vendu autour de son humour potache.

Mais pour diverses raison (on n’évoquera pas trop l’ego de l’interprète principal), Tim Miller s’est vu remercié après ce premier film pour être remplacé par David Leitch, encéphale gauche du succès John Wick, tandis que Reynold s’offrait la place de co-scénariste. Constatons rapidement que la partie artistique et baroque de John Wick était dans l’encéphale droit, et revenons donc à notre histoire d’humour.

S’il y’a un reproche que l’on peut faire à « l’humour marvel », ce n’est pas d’être nul, mais d’être trop souvent hors-sol. En tant qu’unités comiques, ces pastilles humoristiques fonctionnent bien, mais prises dans l’ensemble du film, elles semblent totalement déconnectées du sujet principal (par exemple Drax qui mange des chips alors que Thanos arrive dans Infinity Wars). Sauf les blagues de Captain America, qui renforcent le côté « héros de d’un monde disparu », ou les gags de Thor Ragnarök qui ne cessent de rappeler le déracinement des personnages et leur mauvaise maîtrise d’un nouvel univers. Pour faire simple, les moments drôles sont au service du sujet.

Dans Deadpool 2, comme dans toute mauvaise comédie, la hiérarchie est inversée et les blagues deviennent le sujet du film. Entièrement dédiés à la satisfaction d’un public de plus en plus gourmand de références roublardes et de clins d’œil de moins en moins subtils, les gags s’enchaînent, évoquant ça et là divers piliers de la pop culture (du générique à la James Bond sur le nouveau tube de Céline Dion à l’évocation des logiques de studios). On rigole parfois, mais au bout d’un moment la lassitude se fait sentir, car justement le film n’a pas de point de fuite ou de direction précise. L’introduction laisse sentir une envie d’emmener la franchise vers un horizon plus sombre… mais la promesse est non tenue, puisque même le spleen du héros est ramené au rang de la blague méta (il se compare à Logan). Et puis l’on nous promet la création d’une équipe de bras cassés, mais c’était encore une blague (qui en plus bloque tout développement d’autres personnages). Un méchant ultra-viril ? Pareil, on nous réchauffe l’opposition bateau entre le « sombre » de DC comics et le « fun » de Marvel. Ne parlons même pas de certains personnages iconiques condamnées à prendre des balles dans la tête ou des câbles éclectiques dans l’anus (Black Tom Cassidy, merci d’être passé). La seule obsession de Reynolds semble être d’enchaîner les blagues, remplissant ce que l’on appelle dans le jargon un cahier des charges.

Et puis, après une heure trente de gesticulation comico-lourdingue, un potentiel thème fort surgit de derrière les fagots. Et pas des moindres : celui de la maltraitance infantile et de la pédophilie (on n’invente rien, le mot est prononcé dans le film). Bigre, en voilà une surprise de taille, et on se retrouve avec une dernière demi-heure efficace où moments dramatiques, scènes d’action et idées comiques convergent toutes vers cette belle idée : faire leur fête aux salauds qui s’attaquent aux enfants. Donc voilà, il y avait bien un sujet à traiter dans ce Deadpool 2. Sans aller jusqu’à demander des blagues sur la pédophilie, nous étions en droit d’attendre que cette idée forte soit traitée avec un peu d’intelligence. Il aurait été possible de conserver la gouaille légendaire de Wade Wilson, tout en l’emmenant vers des horizons plus matures. Bref, faire de Deadpool un vrai super héros, tourné du côté des rebuts et des bras cassés de la société, c’était carrément jouable. Mais bon, à en croire Reynolds, qui préfère se vendre sur son auto-dérision, ce n’était pas le sujet.

Deadpool 2 : Bande-annonce

Synopsis : L’insolent mercenaire de Marvel remet le masque ! Plus grand, plus-mieux, et occasionnellement les fesses à l’air, il devra affronter un Super-Soldat dressé pour tuer, repenser l’amitié, la famille, et ce que signifie l’héroïsme – tout en bottant cinquante nuances de culs, car comme chacun sait, pour faire le Bien, il faut parfois se salir les doigts. 

Deadpool 2 : Fiche Technique

Réalisateur : David Leitch
Scénario : Ryan Reynolds, Paul Wernick, Rhett Reese, Rob Liefeld, Fabian Nicieza, d’après les comics de Rob Liefeld et Fabian Nicieza
Avec Ryan Reynolds, Josh Brolin, Morena Baccarin, Julian Dennison, Zazie Beetz, Morena Baccarin, Andre Tricoteux, Brianna Hildebrand…
Décors : Sandy Walker ; David Scheunemann
Costumes : Kurt and Bart
Photographie : Jonathan Sela
Montage : Craig Alpert, Elísabet Ronaldsdóttir et Dirk Westervelt
Bande originale : Tyler Bates
Genres Action, Comédie, Aventure
Sociétés de production : 20th Century Fox, Marvel Entertainment, Genre Films, The Donners’ Company
Distributeur Twentieth Century Fox France
Durée : 2h 00min
Date de sortie : 16 mai 2018

États-Unis

L’Homme qui tua Don Quichotte est l’accomplissement d’une vie pour Terry Gilliam, lui qui essaye de monter ce projet depuis des années. Un film qui voit enfin le jour et qui a même eu l’honneur de clôturer le festival de Cannes et de voir sa sortie française par la même occasion.

Synopsis : Toby, un réalisateur de pubs désabusé, se rend en Espagne pour un tournage. Il y rencontre un gitan qui lui offre une copie du film de jeunesse — une adaptation lyrique de l’histoire de Don Quichotte — que Toby avait réalisé dans la région il y a quelques années. Ému de cette redécouverte, Toby part à la recherche du petit village où il avait tourné ce film et se trouve mêlé à toute une suite de catastrophes.

Il y a presque 30 ans que l’envie d’une adaptation de Don Quichotte naît dans l’esprit de Terry Gilliam, lui qui essaya de s’y frotter en 2000, accompagné de Jean Rochefort dans le rôle titre et de Johnny Depp dans le rôle de son fidèle écuyer. De cet échec naquit Lost in la Mancha, un passionnant documentaire qui raconte l’accumulation de désastres que fut le tournage, érigeant l’œuvre de Gilliam en un projet avorté culte et maudit. Le cinéaste tenta de faire revivre le projet à plusieurs reprises, à chaque fois avec différents acteurs et le tout devint une arlésienne illusoire et fantasmée. Mais L’Homme qui tua Don Quichotte sort enfin. Comment aborder l’œuvre d’une vie ? Une œuvre que l’on a tant attendue que l’on a des attentes spécifiques à son sujet et que la déception sera forcément de mise ?

On en a tellement su sur L’Homme qui tua Don Quichotte que c’est avec un sentiment de familiarité que l’on va voir ce film. Pour beaucoup, ils se le seront déjà fait dans leur tête et en ont une image très nette. Mais une fois face au produit fini, la déception principale sera qu’il n’est pas ce qu’on a imaginé ce qu »il serait. Après des années d’attente, on espérait du grandiose mais grandiose il n’est pas. Le projet a évolué au fil des ans et Gilliam en a fait une œuvre plus proche de lui. A travers le parcours de ce réalisateur de pub hanté par son film de jeunesse, une adaptation de Don Quichotte, Gilliam parle de lui et du projet qu’il porte depuis déjà bien longtemps. Le long métrage en devient totalement méta en jouant sur plusieurs niveaux de lecture. C’est là tout l’aspect passionnant du film qui dans son adaptation libre de l’œuvre de Cervantes vient aussi mêler la malédiction qu’avait été le précédent tournage du film. Les deux aspects se répondent à merveille et viennent brouiller les frontières entre la réalité et l’imaginaire.

On retrouve Gilliam dans le rôle du jeune réalisateur mais on le retrouve aussi dans celui du vieux Javier, tellement obsédé par son rôle et son envie d’exister qu’il en devient persuadé d’être le vrai Don Quichotte. La folie étant un héritage et celle de Don Quichotte se transmet par la passion et l’idéal d’une vie fantasmée. Ici tout y est, l’obsession d’une œuvre inachevée, la folie des grandeurs et la bataille de la passion face au cynisme avec un jeu régressif et caricatural mais assez jouissif entre le bras de fer des artistes et des méchants producteurs. Mais le manichéisme n’est jamais aussi évident qu’il semble être et Terry Gilliam met beaucoup de sa hargne dans le projet tout en sachant aussi faire une remise en question salvatrice. L’Homme qui tua Don Quichotte en devient une œuvre très personnelle mais dans sa folie latente et son habile façon de piéger son spectateur dans une dédale d’illusions, jusqu’à une très belle conclusion, se trouve aussi être une adaptation très juste de l’esprit du personnage de Cervantes. En ça, Gilliam reste fidèle à son style dans sa mise en scène, jouant souvent avec les focales pour brouiller les lignes de la réalité et jouer avec l’imaginaire. Sa réalisation est habile, malgré quelques effets spéciaux aléatoires et un début bien sage mais il se rattrape dans un final foisonnant et bourré d’idées plus réjouissantes les unes que les autres.

Il est juste dommage quand dans cette sincérité et cette passion sans faille se cachent aussi des éléments plus problématiques. Dans la vision chevaleresque du personnage, Gilliam réduit les personnages féminins à bien peu de choses et plonge dans une représentation vieillotte et ridicule qui ne manquera pas de faire grincer des dents.  Le film, malgré un humour souvent piquant et délectable, plonge dans certaines lourdeurs qui amoindrissent son impact. Soit en allant beaucoup trop loin dans la caricature, poussant certaines situations jusqu’à l’extrême, soit avec certaines blagues en dessous de la ceinture qui se montrent plutôt gênantes. Et cela arrive bien trop souvent pour juste être ignoré et donne à l’ensemble un côté dépassé. Le casting n’aide pas forcément à faire passer la pilule car beaucoup sont enfermés dans leurs rôles caricaturaux et n’ont que peu de place pour exister mais on peut compter sur un duo principal qui fonctionne à merveille grâce au talent des deux acteurs, mais aussi une formidable alchimie. Adam Driver est ici brillant et montre encore une fois l’impressionnante dextérité de son talent en signant sans conteste son meilleur rôle au cinéma. Mais malgré la prouesse offerte par le jeune acteur, il ne faut pas oublier Jonathan Pryce qui derrière son cabotinage amusé cache le portrait déchirant d’un homme qui cherche à exister. Souvent drôle, il se montre aussi incroyablement touchant.

L’Homme qui tua Don Quichotte est un film plus ou moins difficile à aborder selon les attentes que l’on a pu s’en faire. Pour un film attendu depuis plus de 30 ans, on aurait pu s’attendre à plus grand et plus fantasmé mais on ne peut au final que se réjouir de ce qu’il nous offre. Œuvre imparfaite mais sincère sur l’obsession de la création, l’aspect volage de l’imaginaire et de la folie comme contagion, elle impressionne par sa passion débordante, sa générosité et son humour irrévérencieux. On déplorera surtout sa représentation douteuse par moments, surtout pour les personnages féminins qui sortent d’un autre temps et donne à l’ensemble un côté suranné qui peut déplaire. Mais on en retiendra surtout le plaisir de découvrir enfin cette œuvre déjà culte par son passif, et qui est servie par une mise en scène inspirée, un duo d’acteurs grandioses et une belle conclusion sur toute ces années de labeur. Avec L’Homme qui tua Don Quichotte, on s’attendait sans doute à un grand film, on n’en a qu’un très bon et c’est déjà beaucoup.

L’Homme qui tua Don Quichotte : Bande annonce

L’Homme qui tua Don Quichotte : Fiche technique

Titre original : The Man Who Killed Don Quixote
Réalisation : Terry Gilliam
Scénario : Terry Gilliam et Tony Grisoni, d’après l’œuvre de Miguel de Cervantes
Casting : Adam Driver, Jonathan Pryce, Olga Kurylenko, Stellan Skarsgård, Joana Ribeiro Sergi López, Rossy de Palma, Jordi Mollà,…
Décors : Benjamín Fernández
Photographie : Nicola Pecorini
Montage : Lesley Walker
Musique : Roque Baños
Producteurs : Jeremy Thomas, Gerardo Herrero, Gabriele Oricchio, Mariela Besuievsky, Amy Gilliam et Yousaf Bokhari
Production : Recorded Picture Company Tornasol Films, Entre chien et loup, Ukbar Filmes et Amazon Studios
Distributeur : Océan Films
Durée : 132 minutes
Genre : Aventure
Dates de sortie : 19 mai 2018

États-Unis – 2018

Avec No Dormirás, Gustavo Hernandez s’amuse à explorer les effets du manque de sommeil sur une troupe d’acteurs de théâtre expérimental. Malgré un point de départ alléchant, le film va très vite succomber aux tares d’une horreur beaucoup trop facile.

Fort de son gros succès en Argentine, le nouveau film d’horreur du cinéaste uruguayen Gustavo Hernandez a posé ses bagages dans l’Hexagone en catimini. Le cinéma de genre hispanophone a beaucoup fait parler de lui au cours des deux dernières décennies, et les projets se multiplient. Même s’ils proviennent la plupart du temps de cinéastes ibériques, l’Amérique du Sud n’est pas en reste et compte parmi ses membres les plus prometteurs Fede Alvarez réalisateur du remake d‘Evil Dead et du surprenant Don’t Breathe. Inconnu en France, Gustavo Hernandez n’en est cependant pas à son premier fait d’armes et avait déjà offert The Silent House, un petit film horrifique ayant la particularité d’être constitué d’un grand faux plan séquence d’environ 1h20. 7 ans après, il revient sur le devant de la scène avec No Dormirás, une œuvre dont l’idée lui est venue alors qu’il souffrait d’insomnie.

C’est en effet cette condition dont souffrait Hernandez qui rend le pitch de No Dormirás particulièrement intriguant. Dans les années 1980, une actrice de théâtre du nom de Bianca est engagée pour un mystérieux projet ayant lieu dans un hôpital psychiatrique. Elle est conduite par une metteur en scène du nom d’Alma, adepte de méthodes expérimentales. Explorant les effets de l’insomnie sur ses acteurs, elle impose à ces derniers une technique de jeu éprouvante, multipliant leurs dédications pour le rôle et faisant ressortir le maximum de leur potentiel. Alors que les heures d’insomnie s’accumulent, la jeune Bianca commence à avoir des hallucinations et sombre petit à petit dans la folie. Un point de départ qui s’avère alléchant, d’autant plus que Hernandez semble l’accompagner d’une certaine vision n’hésitant pas à convoquer des inspirations assez variées dont Suspiria de Dario Argento avec cette jeune fille rejoignant une troupe dans une vieille bâtisse ainsi qu’un jeu de couleurs donnant un caractère oppressant.

On parle souvent de rôle éprouvant, où les acteurs sont poussés dans leurs derniers retranchements, comme possédés. On peut citer par exemple la prestation terrassante d’Isabelle Adjani dans Possession de Zulawski, un rôle qui aura eu un énorme impact psychologique sur la jeune femme à l’époque. Au travers de cette troupe de théâtre, Hernandez explore cette facette des acteurs prêts à se donner corps et âmes pour leur métiers. Le personnage de Bianca est prêt à subir les conditions de travail les plus harassantes pour obtenir le premier rôle de cette pièce unique. Cette mise en abyme lance des pistes de réflexion particulièrement intéressantes sur le métier d’acteur et donne une certaine profondeur au scénario. Cependant, cette exploration des méfaits de l’insomnie sur le corps, bien que basée sur des faits scientifiques, est appréhendée de façon beaucoup  trop triviale. Hernandez va jouer avec Bianca et le spectateur sur une distorsion de la réalité, un angle d’attaque beaucoup trop vu et revu. Évidemment le tout sert un récit horrifique mais le point de départ plutôt original montre assez vite ses limites et retombe dans un carcan de l’horreur plutôt banal.

Malgré une bonne entrée en matière et un fond intriguant, No Dormirás va devenir de plus en plus convenu à mesure que le récit avance. Bien que Hernandez attache un certain sens du détail à son travail sur l’atmosphère, l’Uruguayen n’hésite pas à succomber aux sirènes du jumps scares à de nombreuses reprises. On a parfois l’impression que le cinéaste finit écrasé par une certaine ambition et cela se ressent particulièrement dans la deuxième partie du long-métrage. En essayant d’instaurer un environnement de plus en plus écrasant, la mise en scène de Hernandez en pâtit, et devient de plus en plus balourde. Les moments de possession deviennent fouillis, et le scénario s’embourbe. D’autant plus quand Hernandez essaie d’ajouter des retournements de manière maladroite, n’apportant que peu de choses au récit et semblant sortir de nulle part. No Dormirás donne alors des airs de fourre-tout, cherchant un peu trop à mettre en avant la carte de la psychologie, et voulant trop jouer sur le côté perception de la réalité. Derrière tout ça, la jeune Eva de Dominici offre une prestation plutôt stimulante, essayant à la manière de Bianca de donner tout ce qu’elle peut pour tenir la barque. Belén Rueda met à disposition son charisme magnétique pour donner au personnage d’Alma, une aura mystérieuse bénéfique au long-métrage. On restera cependant avec un goût assez amer en bouche, pensant à un potentiel gâché au profit d’une horreur consensuelle. No Dormirás aura au moins le mérite de nous garder éveillé.

Bande-annonce : No Dormirás

Fiche Technique – No Dormirás

Réalisation : Gustavo Hernandez
Scénario : Juma Fodde
Casting : Eva De Dominici, Belén Rueda, Natalia de Molina, Susana Hornos, Eugenia Tobal, Juan Manuel Guilera
Décors : Marcela Bazzano, Sonia Nolla
Costumes : Marcela Vilarino, Maria José Lebrero
Photographie : Guillermo Bill Nieto
Montage :  Pablo Zumárraga, Juan Ferro
Musique : Alfonso González Aguilar
Producteurs : Santiago Segura, Pablo Bossi, Pol Bossi, Agustin Bossi, Juan Ignacio Cucucovich, Maria Luisa Guitierrez, Cristina Zumarraga, Juan Pablo Buscarini
Production : Pampa Films, Gloriamunddi Producciones, White Films, Bowfinger Itl Pictures, Tandem Films, MotherSuperior
Distribution : Eurozoom
Durée : 106 minutes
Genre : thriller, épouvante-horreur
Dates de sortie : 16 mai 2018

Argentine, Espagne, Uruguay-2018

En pleine effervescence cannoise, dont pas moins de quatre films sélectionnés sortent en salles, le dernier film de l’américain Dustin Guy Defa, Manhattan Stories, pourrait passer inaperçu, alors qu’il recèle quelques pépites d’émotions.

Synopsis : Une journée à Manhattan. Dès le réveil, Benny, fan de vinyles collectors et de chemises bariolées n’a qu’une obsession : aller récupérer un disque rare de Charlie Parker. Mais il doit aussi gérer la déprime de son coloc Ray qui ne sait comment se racheter après avoir posté en ligne, en guise de vengeance, des photos de nu de sa copine. Pendant ce temps, Claire, chroniqueuse judiciaire débutante passe sa première journée sur le terrain aux côtés de Phil, journaliste d’investigation pour un tabloïd ayant des méthodes douteuses pour obtenir un scoop. Leur enquête va les mener jusqu’à Jimmy, un horloger qui pourrait détenir, sans le savoir, les preuves d’un meurtre. Quelques blocks plus loin, Wendy, une étudiante désabusée du monde actuel, tente de persuader sa meilleure amie Mélanie qu’idéaux féministes et désirs sexuels ne sont pas incompatibles. S’ils ne se croisent pas toujours, une connexion existe entre tous : l’énergie de New-York.

A life less ordinary

Le titre original du dernier film de l’Américain Dustin Guy Defa, Person to Person, résume plus que parfaitement le propos de l’œuvre. Mais comme, trop souvent, un farfelu n’a rien trouvé de mieux que de traduire ce beau titre par un vulgaire Manhattan Stories qui non seulement manque cruellement d’imagination, mais en plus dévoie totalement le sujet en mettant davantage l’accent sur New-York et en laissant potentiellement croire que c’est un film choral avec un grand rassemblement à la fin.

Le départ même du film est pourtant basé sur cette idée de la personne particulière, lambda et alpha dans le même temps, ordinaire et singulière tout à la fois. Bene Coopersmith qui joue un des personnages les plus emblématiques du film (également Bene) est le meilleur ami du cinéaste. Amoureux de la musique, son personnage bat les pavés pour acquérir une copie rare –ou pas- du Bird Blows the Blues de Charlie Parker. Il draine avec lui tout un ensemble de personnages idiosyncratiques : Ray  (George Sample III), son meilleur ami plus ou moins catatonique qu’il héberge après que ce dernier a commis une forfaiture l’obligeant à se mouvoir sous le radar ; un personnage source de la séquence la plus comique du film ; on croise aussi un escroc à la petite semaine joué par Buddy Duress ( presque aussi superbement ahuri que dans Good Time des frères Safdie, dont le cadet Benny est également présent au casting), plus émouvant qu’agaçant ; ainsi que d’autres personnages très singuliers dont Francis (Eleonore Hendricks), avec qui Bene tisse l’histoire d’amour la plus low-key que l’on ait jamais vue. En parallèle de cette histoire que le cinéaste a voulu centrale, suit-on deux autres parcours : celui d’une paire d’ados BFF, aussi proches qu’elles sont éloignées en caractères. Le discours atypique de Wendy (superbe Tavi Gavinson), s’apparentant plus à de la pure névrose de trentenaires new-yorkais dignes des plus grands films de Woody Allen qu’à un babillage d’adolescente, est savoureux et juste, et traduit parfaitement les angoisses de cette jeune femme en devenir. Enfin, le dernier récit est celui de la rencontre autour d’un meurtre/suicide entre Claire (Abbi Jacobson), une jeune journaliste stagiaire qui n’aspire au fond qu’à une vie tranquille, entourée uniquement de son chat, et Phil (Michael Cera), son bouillonnant référent, hyperactif, hyper stressé, hyper angoissé, pour qui la musique de Rammstein passerait pour une berceuse ; une rencontre évidemment explosive et compliquée, et pourtant très tendre à la fois.

Alors, oui, ce genre de rapports a été archi-vu, à Sundance (Park City, Utah) et à SXSW (Austin, Texas) en particulier, où le film a été présenté et où il a glané quelques récompenses. Dustin Guy Defa apporte néanmoins une touche particulière, une musique bien à lui qui distingue son film de la ribambelle de mumblecores indépendants américains. Ainsi, par exemple, la dite forfaiture de Ray, l’ami de Bene : pourtant très visuelle, on ne la voit à aucun moment dans le film. Ce traitement elliptique est assez présent dans le métrage. Ce qui importe au réalisateur, ce sont les sentiments qu’elle provoque chez toutes les personnes qui sont concernées par l’affaire, et surtout les effets qu’elle a sur leurs relations inter-personnelles pas évidentes. Les objets, voire les faits disparaissent, pour laisser place nette à l’intime des personnages, sans pour autant en faire un film austère réservé aux cinéphiles les plus passionnés. Car le film est très drôle, et là encore, on a l’impression que ce sont les personnages qui nous font rire, et pas tellement les situations ; ce sont leurs réactions par rapport à ces situations qui sont hilarantes et auxquelles le spectateur s’identifie pleinement.

Manhattan Stories, tourné en 16 mm, ce qui lui donne ce grain particulier très 70’s,  est un film qui pourrait propulser Dustin Guy Defa vers la cour des grands cinéastes indépendants américains, tel le Noah Baumbach de Greenberg ou de Frances Ha pour son affiliation la plus proche. Un cinéaste à suivre…

Manhattan Stories – Bande annonce

Manhattan Stories – Fiche technique

Titre original : Person to Person
Réalisateur : Dustin Guy Defa
Scénario : Dustin Guy Defa
Interprétation : Abbi Jacobson (Claire), Michael Cera (Phil), Tavi Gevinson (Wendy), Bene Coopersmith (Bene), George Sample III (Ray), Philip Baker Hall (Jimmy), Isiah Whitlock Jr. (Buster), Michaela Watkins (La Veuve), Olivia Luccardi (Melanie), Ben Rosenfield (River), Buddy Duress (Paul), Eleonore Hendricks (Francis), Benny Safdie (Eugene), Marsha Stephanie Blake (Janet)
Photographie : Ashley Connor
Montage : Dustin Guy Defa
Producteurs : Toby Halbrooks, James M. Johnston, Sara Murphy
Maisons de production : Sailor Bear, Bow and Arrow Entertainment, Forager Film Company, Century Park Pictures
Distribution (France) : UFO Distribution
Durée : 84 min.
Genre : Drame, Comédie
Date de sortie : 16 Mai 2018
Royaume-Uni – 2017