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Elephant Films met à l’honneur Spike Lee avec Mo’ Better Blues et Jungle Fever. Dans ce dernier, le cinéaste afro-américain s’intéresse au couple interracial, à la négrophobie, aux violences policières et aux communautés noires sous la coupe du crack.

À la charnière des années 1980-1990, Spike Lee connaît une période faste. En l’espace de quatre ans, il réalise Do the Right Thing, Mo’ Better Blues, Jungle Fever et Malcolm X. Chaque film possède des qualités artistiques évidentes… et amène son lot de polémiques. Celui qui nous intéresse aujourd’hui, Jungle Fever, n’en est pas exempt : certains critiques accusent le réalisateur afro-américain de misogynie. En plus de se perdre en conjectures, ceux-là passent évidemment à côté de l’essentiel.

Spike Lee procède par cercles concentriques : au centre de son long métrage figurent Flipper (Wesley Snipes), un architecte afro-américain, et Angela (Annabella Sciorra), une secrétaire intérimaire d’origine italienne, deux collègues bientôt poussés dans les bras l’un de l’autre. Autour d’eux gravite une galerie pléthorique de personnages : Cyrus (Spike Lee), Paulie (John Turturro), Gator (Samuel L. Jackson), Jerry (Tim Robbins), Mike (Frank Vincent) ou James (Michael Imperioli). Eux-mêmes ont partie liée avec d’autres protagonistes, ouvrant ainsi de nouveaux arcs narratifs, romantiques et/ou dramatiques.

Flipper et Angie entament une relation adultère qui va parasiter leur existence. Flipper est marié et père de famille. En flirtant avec Angie, il met son couple et sa famille en danger, en plus de s’attirer les foudres de ses parents. Angie est à peine mieux lotie : elle subit le courroux de son père lorsque ce dernier apprend qu’elle fréquente un Noir. Il lui déclare préférer se « planter un poignard dans le cœur plutôt qu’être le père d’une baiseuse de nègres ». Ses amies sont tout aussi interloquées, comme en témoigne le silence gêné qui suit la révélation de sa relation avec Flipper. « Quelle idée de se faire un morceau de charbon », avancera même l’une d’entre elles.

Angela est un personnage des plus intéressants. Au-delà des liens qui l’unissent à Flipper, et de l’observation des réactions radicales que leur relation engendre, elle permet à Spike Lee de dresser un portrait désabusé – et, avouons-le, stéréotypé – des Italo-Américains. Angie passe ses journées dans les transports et au bureau. Quand elle rentre auprès des siens après son travail, ils attendent d’elle qu’elle se mette aux fourneaux, qu’elle prenne soin d’eux, bref qu’elle se sacrifie pleinement pour son père et ses frères, pourtant désœuvrés. Elle apparaît ainsi à la fois comme une « mère » et une « sainte ». Le portrait familial italo-américain est complété par une croix christique bien en vue sur un mur ou des réflexions déplacées, désespérément paternalistes, envers les hommes qui osent approcher Angie.

La question de la couleur de peau irrigue Jungle Fever de bout en bout. « Pourquoi est-ce que je suis le seul Black à travailler dans la boîte ? », se questionne Flipper. Plus tard, attablé au restaurant en compagnie d’Angie, il voit une serveuse traiter sa maîtresse de « pétasse échevelée » et de « blanc de poulet ». Une fois regroupées, les femmes afro-américaines discutent entre elles de leur teint, regrettant que les hommes noirs veulent tous « Blanche-Neige qui trottine à leur bras ». D’ailleurs, les « putains de Blanches » ne rêvent que de coucher avec leurs hommes si l’on en croit leurs propos. Drew, la femme de Flipper, métisse, s’épanche le temps d’une séquence sur ses blessures identitaires : on l’a jadis traitée de « bâtarde », de « claire-obscure », voire de « négresse blanche ». Les Italo-Américains se plaignent quant à eux que les Noirs raflent tout dans le sport, ou qu’ils occupent désormais des postes en vue à la mairie ou dans la police. Et le père de Paulie en remet une couche en qualifiant la compagne de son fils de « grue charbonneuse ».

Il y a probablement autant de fascination que de répulsion dans les rapports interraciaux mis en images – et en paroles – dans Jungle Fever. Spike Lee ne s’y trompe pas en faisant et défaisant les couples, et en laissant les commères et les révoltés faire leur œuvre. Il tapisse de surcroît son film de sujets connexes – mais loin d’être anecdotiques. Il y a d’abord le crack, vu à travers le personnage de Gator, prêt à dépouiller ses parents pour s’offrir un bout de paradis artificiel. Une séquence mémorable dans une crack house surnommée le « Taj Mahal » servira à fixer tous les maux que la drogue a infligés à la communauté noire dans les années 1980. Il y a ensuite les efforts non récompensés de Flipper : il aspire à devenir architecte-associé, mais essuie un refus poli de la part de ses patrons. « Je constate que vous n’avez aucun respect ni pour moi ni pour mon dévouement pour cette entreprise », lâchera-t-il avant de démissionner. La scène, brillante, est immortalisée par une caméra tournoyant autour des personnages, ce qui ne constitue pas la seule expérimentation formelle de Spike Lee. Il y a enfin la violence policière, entrevue en quelques minutes, lorsqu’un jeu un peu trop démonstratif entre Flipper et Angie aboutit à une intervention policière très musclée, au cours de laquelle le spectateur, pris à témoin, a la désagréable impression d’être lui-même tenu en joue par un officier menaçant.

Si Jungle Fever est un témoignage, il porte probablement sur l’incapacité des communautés à prendre langue entre elles. Angie sur Harlem : « Je connais personne là-bas. » Flipper sur les habitudes culinaires des Italo-Américains : des « spaghettis » et des « lasagnes ». Dès qu’un personnage est appelé à donner son opinion sur une communauté tierce, il enfile les clichés comme des perles. La parade de la honte d’Angie, chassée du foyer familial en raison de sa relation avec Flipper, en dit peut-être davantage que n’importe quel discours : les voisins assistent en voyeurs à la répudiation d’une jeune femme dont le seul tort a été d’aimer un homme d’une autre couleur de peau que la sienne. Il faut lire entre les lignes : les relations interraciales sont un spectacle qui peut déboucher en toute impunité sur la réprobation ou la violence.

Jungle Fever fut l’un des plus grands succès commerciaux de Spike Lee. Le film, d’un budget d’environ 14 millions de dollars, fit 32 millions de recettes aux États-Unis et 44 à travers le monde. La musique de Stevie Wonder y occupe une place prépondérante, de même que la surexposition lumineuse typique du réalisateur américain. Avec une caméra très mobile, aux plans variables et imaginatifs, capable de traduire des états émotionnels ne serait-ce qu’en rejouant plusieurs fois un même trajet (vers l’école), Spike Lee arrive à un degré de maturité le plaçant définitivement parmi les réalisateurs les plus significatifs de son temps.

BONUS & TECHNIQUE

Tant l’image que les pistes sonores s’avèrent satisfaisantes. On notera un piqué appréciable et une image HD apparaissant revitalisée par rapport aux versions précédentes. On regrettera en revanche des bonus plutôt chiches. Le making-of ne durant que quelques minutes, c’est surtout l’intervention de Régis Dubois, spécialiste de Spike Lee, qui retient l’attention. Il évoque le meurtre de Yusuf Hawkins, les grands sujets traités dans Jungle Fever, la manière dont le film s’empare du thème de la drogue dans les communautés noires, la musique structurante de Stevie Wonder ou encore le rôle de découvreur de talents que Spike Lee s’est arrogé au fil des années. Comme à l’accoutumée, des crédits et une bande-annonce viennent compléter les suppléments.

Retour sur Godspeed, comédie noire et dramatique réalisée par le taïwanais Chung Mong-hong. Le long métrage, qui croise les destins de malfrats de seconde zone et d’un chauffeur de taxi usé par la vie, est disponible dans une édition soignée chez Spectrum Films.

Synopsis : Na Dow gagne sa vie de petits larcins pour le compte du chef mafieux, Da Bao. Lors d’un voyage, il engage Old Xu, un chauffeur de taxi expatrié de Hong Kong pour le conduire de Taipei au sud de Taiwan, afin de livrer la drogue. Ces deux gentils vauriens vont se retrouver au milieu de bandes de gangsters rivaux et corrompus.

Godspeed : malfrats, spleen et distanciation 

Godspeed a beau être considéré comme une comédie noire, il ressort de son expérience une forte mélancolie. Un sentiment qui est parfois ponctué par quelques rares sourires et surtout bousculé par une forme d’ennui face au manque de subtilité de son propos. À travers les parcours de ses malfrats de seconde zone (il s’agit d’une branche très basse d’une conséquente hiérarchie qui trempe dans le trafic de drogue) et d’un chauffeur de taxi fatigué par son quotidien « merdique » qu’il subit depuis plus de vingt ans, le long métrage surexpose ses réflexions existentielles à coup de longs plans silencieux sur des regards perdus, des paysages vides de vie, des corps usés, meurtris mais toujours en retenue, le tout sur-explicité par des dialogues trop peu subtils pour sembler anodins et du verbiage trop direct au point de neutraliser toute interprétation ou réflexion spectatorielle.

Godspeed tient ainsi d’un à-plat cinématographique. Tout est dit ou presque, ainsi rien est à traduire spectatoriellement parlant, soit émotionnellement, mentalement et spirituellement. Cette sensation de platitude filmique tient probablement de la mise en scène et de son rapport aux motifs du genre. Une introduction directe avec un personnage dans une situation dangereuse et sa voix-off qui va nous expliquer le comment du pourquoi, la torture d’un traître, l’engagement d’un homme de main avec un processus très secret, et d’autres motifs sont identifiables. Toutefois, la mise en scène de Chung Mong-hong propose – comme beaucoup de films de genre réalisés par des auteurs conscients de l’être – un point de vue distancié. Ce phénomène de distanciation du regard sur son sujet dans un long métrage de genre se manifeste par un manque d’engagement émotionnel – donc d’investissement du point de vue d’un personnage – et par la surexposition dialoguée et/ou visuelle de réflexions philosophico-de-bistrot. Ces dernières sur-réfléchissant le parcours de ses personnages et, par ce biais, les motifs du film, le genre dont il est censé faire battre le cœur le temps d’une séance, et puis l’Art avec un grand « A » et enfin la « Vie, la vraie ». Only God Forgives, Dragged Across Concrete et Mandy en sont autant d’exemples. Notons que selon la spécialiste du cinéma Taïwanais Wafa Ghermani, l’introduction du film rend hommage au film de Nicolas Winding Refn.

On peut néanmoins nuancer dans le cas de Godspeed. En effet, l’expérience mélancolique qui ressort de l’ensemble semble mettre en lumière l’accord du cinéaste avec le mal-être de ses personnages. On pense notamment aux plus réussis, soit les plus cohérents, compréhensibles et donc émouvants malgré la distanciation cinématographique, ceux du chauffeur de taxi campé par un Michael Hui formidable et son jeune client (visibles dans l’image de couverture de l’article). Ce qui est, en plus d’une imagerie soignée, déjà ça à prendre.

Une édition Blu-ray soignée chez Spectrum Films

Spectrum Films délivre ici une formidable édition tant au niveau de la présentation du film que de ses compléments. Il y a en effet peu à redire du côté du métrage. Couleurs nuancées, contrastes puissants et détails sont au rendez-vous. On pourrait juste regretter un défaut ponctuel de gestion des tons sombres. Ceci a pu être relevé lorsque des zones plus ou moins sombres de l’image sont tout à coup devenues lumineuses et granuleuses. Enfin la piste sonore DTS-HD 5.1 en langue originale (le Mandarin) est excellente.

L’expérience du film est à compléter avec un peu plus de deux heures et quinze minutes de bonus présentés en haute définition. Wafa Ghermani, spécialiste du cinéma Taïwanais, présente en treize intéressantes minutes le film, ses influences, le travail de troupe du réalisateur et sa place dans la carrière du cinéaste. Panos Kotzathanasis, auteur sur le site Asia Movie Pulse, revient le temps de sept bonnes minutes sur le récit du film, la représentation très pragmatique du gangster ou l’expérience de la futilité par chacun des personnages au fur et à mesure du récit. Vient ensuite un grandiose entretien exclusif de vingt-cinq minutes avec l’ancien grand acteur comique, Michael Hui, ici dans son premier grand rôle dramatique. Ce dernier revient sur ses débuts, ses inspirations, la manière dont il a été approché pour Godspeed, son tournage en mandarin – une langue qu’il ne parle pas régulièrement et qui a posé problème sur le tournage –, son approche universaliste de la comédie, de certains personnages du film ou encore de son manque d’enthousiasme pour de nombreux scénarios de comédie. Le riche making of d’une heure, nommé Guide officiel de Godspeed, accompagné par une voix-off, devrait ravir les fans du film et aussi intéresser les cinéphiles avec entre autres la présentation du pragmatisme taïwanais qui doit œuvrer avec un faible budget. Arrivent enfin trente minutes de scènes coupées et la bande-annonce du long métrage.

Spectrum Films livre ainsi une riche édition pour le film de Chung Mong-Hong qui devrait ravir les adaptes de home-cinema ainsi que les cinéphages en quête de nombreux compléments pertinents.

Bande-annonce – Godspeed, un film de Chung Mong-hong

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES Blu-ray – Godspeed

1080 24p – MPEG-4 AVC – 2.35:1 – 16/9 – langue : Mandarin DTS-HD Master Audio 5.1 – sous-titres français – Taiwan – 2016

COMPLÉMENTS

Présentation du film (13 min 32s)
Interview exclusive de Michael Hui (24 min 59s)
Avant-propos de Panos Kotzathanasis (7 min 31s)
Making-of (58 min 46s)
Scènes coupées (29 min 51s)
Bande-annonce (1 min 27s)

Date de sortie : 18 février 2020 – Prix indicatif public : 20,00€

En compétition dans la catégorie Un Certain Regard au Festival de Cannes de 2019, le premier film de Maryam Touzani, Adam, a enfin trouvé le chemin du DVD grâce à Ad Vitam, depuis le 7 juillet.

La sélection Un Certain Regard avait mis l’accent, l’an dernier, sur les histoires de femmes, et particulièrement de femmes brisées en quête de reconstruction. Adam partage ainsi de nombreux thèmes avec un autre grand film de cette sélection, Une Grande Fille de Kantemir Balagov : la sororité, la grossesse, l’abandon, le deuil, le travail manuel. Pour un premier long-métrage, la réalisatrice Maryam Touzani impressionne d’ailleurs par sa capacité à mêler ces notions tout en racontant une histoire simple, limpide, jamais confuse et encore moins larmoyante. Ce sont des évocations, des regards, des sourires, des chansons, qui laissent entrevoir les cicatrices des deux protagonistes, dont la colère et le désespoir sont contrebalancés par la joie de vivre d’une gamine solaire, qui sert de médiation aux mots quand les maux sont trop grands.

Le récit coule, de la rencontre de Samia, jeune femme enceinte errant dans les rues, avec Abla, mère et veuve au visage grave, qui la recueille. Le trio se forme, l’ambiance est d’abord électrique : Samia a peur de déranger, de faire parler dans le voisinage, d’attenter à la réputation de sa bienfaitrice ; laquelle, d’ailleurs, ne lui laisse rien passer et lui fait bien comprendre qu’elle n’est pas la bienvenue, que son accueil n’est que temporaire. Bien sûr, la méfiance et l’hostilité se muent progressivement en respect et, sinon en sympathie dans un premier temps, au moins en empathie. La fille d’Abla permet, comme nous le disions, d’apaiser les relations, en étant à l’écoute de sa mère tout en mettant sa débrouille au service de Samia du haut de ses huit ans. L’amertume et le fracas du réel ne sont jamais loin, et la fin du film a d’ailleurs le bon goût de laisser en suspens certaines décisions, certains doutes. Par la délicatesse du jeu de ses actrices (superbes Lubna Azabla et Nisrin Erradi), par la pudeur de sa caméra, Touzani donne la priorité à la réparation des âmes. Des éléments déclencheurs, perturbateurs, nous ne saurons presque rien ; l’important sera de constater comment chaque petit détail, chaque attention, chaque signe de solidarité féminine posera un pavé de plus sur le chemin de l’amitié et de l’apaisement. Préparer des pâtisseries à l’improviste, ressortir des vieux disques pour exorciser de vieux démons, dire bonne nuit, apprendre à pétrir une pâte, et plus simplement vivre ensemble seront autant de « péripéties » salutaires.

Les hommes sont absents ; le seul courtisan d’Abla n’est jamais vraiment pris au sérieux, il sert davantage à rappeler au spectateur que dans cette société, une femme seule est souvent mal vue, et qu’elle ferait bien de trouver un mari. Laissant toujours ce rappel à la réalité sociale à distance (littéralement, en laissant toujours ce personnage masculin sur le pied de la porte), la mise en scène creuse au contraire l’intimité de ce foyer de femmes, portant toute son attention aux petits gestes (et notamment à ce travail manuel de boulangères aux accents métaphoriques évidents), aux regards durs et hésitants. Le cadre ne dépasse jamais les frontières de la maison, hormis au début et, on le devine, à la fin. L’intérieur pacifié prend l’allure d’un nouveau Jardin d’Eden, et ces trois femmes l’allure d’une nouvelle Trinité. Mais la naissance d’un nouveau-né, d’un « Adam », posera la question de l’équilibre. Peut-on élever un enfant dans ce semblant de paradis retrouvé ? Doit-on le livrer au monde des hommes ? Symbole du péché, symbole de la chute et en même temps créature chérie de Dieu, Adam est tout ceci à la fois pour Samia. Il n’est pas encore là mais il est l’enjeu du film : un tiraillement entre le bien et le mal, l’amour et l’abandon.

Ce qui est passionnant, dans le film de Maryam Touzani, c’est le pressentiment de ce qui n’est pas montré, ce qui échappe au récit, n’est qu’à peine évoqué (la mort d’un mari, une grossesse indésirée) ; le pressentiment des peines qu’ont dû endurer Samia et Abla avant de se rencontrer, qu’elles tentent de dépasser jour après jour mais que les plaies encore béantes peuvent à tout moment raviver. Et le pressentiment, donc, de la suite, de ce qui vient après la fin du récit pour ces femmes. Le passé et l’avenir sont pour elles incertains, dangereux ; mais le présent doux-amer du film, dans la réunification maladroite d’un foyer, est à la fois la promesse d’une paix possible et l’éphémère illusion d’une parenthèse enchantée.

Adam – Bande-annonce

Synopsis : Dans la Médina de Casablanca, Abla, veuve et mère d’une fillette de 8 ans, tient un magasin de pâtisseries marocaines. Quand Samia, une jeune femme enceinte frappe à sa porte, Abla est loin d’imaginer que sa vie changera à jamais. Une rencontre fortuite du destin, deux femmes en fuite, et un chemin vers l’essentiel.

Caractéristiques du DVD :

Langue : Arabe (Dolby Digital 5.1)
Sous-titres : Français
Format : 16:9 compatible 4/3 format d’origine respecté 1.85
Audio : Stéréo
Durée : 98 Minutes

Contenu additionnel :

2 courts-métrages de Maryam Touzani :
– Aya va à la plage (19min)
– Quand ils dorment (17min)

Retour sur The Saviour, l’une des récentes sorties phares de Spectrum Films, éditeur indépendant consacrant son énergie à la richesse du cinéma asiatique. Réalisé par Ronny Yu (La Mariée aux cheveux blancs, aussi disponible chez l’éditeur),  le film peut enfin être (re)découvert en France dans une édition combo Blu-ray/DVD aux bonus soignés mais au master vidéo peu satisfaisant.

Synopsis : L’inspecteur Tong et son nouveau partenaire Cheng enquêtent sur un tueur en série psychopathe qui assassine des prostituées. Ils remontent la piste sanglante jusqu’au fils du magnat Kwok. Désespéré d’attraper le tueur, Tong utilise sa propre petite amie comme appât pour attirer Kwok dans l’action.

The Saviour : Flic Story

Premier film de Ronny Yu en tant que réalisateur solo, The Saviour est à (re)découvrir chez Spectrum Films, éditeur consacré à la valorisation du cinéma asiatique. Marqué par les études américaines de son jeune cinéaste, le polar hongkongais sorti en salles en 1980 croise les références du cinéma de genre américain et européen. Le tueur fou et le flic héroïque tendance « j’allume les bad guys » évoquent Dirty Harry, tandis que les scènes de meurtres respirent le giallo et rendent hommage à The Shining. On peut aussi évoquer un geste créatif qui semble appartenir au zeitgeist cinématographique de l’époque tant il traverse The Saviour ainsi qu’un autre grand premier long métrage de cinéma : Thief réalisé par Michael Mann en 1981. En effet, les deux films captent les personnages dans des décors urbains réels et illuminés comme un rêve ou un cauchemar. Une forme à la fois visuelle et narrative qui atteindra son paroxysme dès le troisième long métrage de Mann, Manhunter, et qu’on pourra retrouver dans d’autres grands films de la nouvelle vague hongkongaise tels que Le Bras armé de la loi de Johnny Mak, dont le dernier acte fut très marqué par un autre grand morceau de cinéma américain, French Connection de William Friedkin.

Comptant parmi les grands instigateurs de la nouvelle vague du polar hongkongais, The Saviour réussit la rencontre de ses maîtres en les détournant, en les altérant, nous embarquant ainsi dans une intrigue aux figures d’abord identifiables puis rapidement surprenantes. Pop et sensible, généreux et malin, le film de Ronny Yu montre un savoir-faire qui sait répondre aux sens du spectateur de cinéma. Comme l’ont noté l’équipe de Capture Mag dans le podcast STEROIDS qui complète le film, on pourra lui trouver quelques manques concernant l’accomplissement de certains axes narratifs. Toutefois le métrage l’emporte sur ces possibles notes spectatoriales pour joyeusement nous emballer dans un superbe moment de cinéma.

The Saviour : une édition Blu-ray en demi-teinte

Il n’est jamais agréable d’évoquer les défauts du travail d’un éditeur indépendant oeuvrant sans relâche pour nous sortir de l’ombre quelques merveilles à revoir ou découvrir dans de bonnes conditions vidéo.

Certes, les compléments du film sont plus que solides : une présentation riche du long métrage de Ronny Yu par Arnaud Lanuque dans un décor extérieur (une rue, pour être clair) pas forcément adapté pour concentrer le spectateur sur le débit de l’essayiste derrière l’ouvrage dédié au cinéma hongkongais Police vs Syndicats du crime. S’en suit un autre très important bonus animé par Julien Sévéon, mine d’érudition connue par les cinéphiles tant dans les librairies que dans les suppléments de nombreuses éditions vidéo. L’auteur revient sur la carrière de Ronny Yu, de ses premiers films – tels que The Saviour – à ses plus récents travaux (Fearless, notamment) en n’oubliant pas de revenir sur ses shows horrifiques américains que sont La Fiancée de Chucky et Freddy vs. Jason. Ce retour conséquent animé par Sévéon permet de relativiser la place du cinéaste dans nos cinéphilies comme dans le cinéma. Et ça n’est pas fini : le formidable podcast de Capture Mag, STEROIDS, s’invite pour revenir le temps de dix-huit minutes sur The Saviour. Le podcast est ici animé par les passionnés et passionnants Stéphane Moïssakis et Julien Dupuy qui évoquent les inspirations américaines portant le film, sa générosité ou encore les failles de ce premier long métrage conçu en tant que réalisateur solo. Enfin on trouve la bande-annonce originale du film.

Le positif explicité, venons-en à la présentation de The Saviour. Le métrage de Yu, invisible en France depuis sa sortie VHS sous le titre de La Justice d’un Flic, fait un retour vidéo en dent-de-scie avec un master HD qui, selon l’auteur de cet article et celui du test rédigé sur Retro-HD, risque de fortement diviser. D’abord, le film est ici présenté en 1080HD 50i (soit vingt-cinq images par seconde créées par entrelacement – coucou Sidonis Calysta feat. Lifeforce) et non en 24p (vingt-quatre images pleines par secondes), ce qui amène des problèmes de reproduction de détails tels que les lignes du tableau dans le bureau du commissaire lors d’un mouvement de caméra. Il est ensuite à redécouvrir avec une définition relativement correcte malmenée par une gestion du grain au rabais. Si le grain peut parfois être fortement présent, il est dans l’ensemble fortement amoindri, probablement à coup d’anti-grain plus ou moins utilisé tout au long du métrage et certainement avec du DNR (Digital Noise Reduction – en français, la réduction de bruit numérique). DNR qui est ici visible comme le nez au milieu de la figure avec des macroblocs grossièrement notables sur tout le film. Il y a peu à redire du côté de la colorimétrie agréablement saturée (est-ce d’origine ou une modification du jour ?) Heureusement tant la présentation HD du film tend plutôt à en dégrader l’expérience plutôt qu’à l’élever dans nos chaumières. Du côté du son, la très bonne VO l’emporte largement sur la VF ici incomplète et étouffée.

Comme écrit plus haut, il n’est jamais agréable de noter les défauts d’une édition qui a surement été conçue avec passion. Mais The Saviour est hélas loin d’en constituer une vraiment satisfaisante, notamment à cause de la présentation décevante du film. En attendant une possible réédition dans un avenir plus ou moins lointain, Spectrum Films vous propose certainement le meilleur moyen de (re)découvrir le métrage de Ronny Yu et ce qui l’entoure.

The Saviour – un film de Ronny Yu – 1980

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES Blu-ray

1080i – 25p – Mpeg-4 AVC – 1.78 – 16/9^e – VO & VF DTS-HD Master Audio 2.0 – Sous-titres français – Hong-Kong – 1980 – Durée : 86’

COMPLÉMENTS (HD)

Présentation du film par Arnaud Lanuque (10 min)

Ronny Yu par Julien Sévéon (40 min)

STEROIDS, podcast conçu par Capture Mag et ici animé par Julien Dupuy et Stéphane Moïssakis

Bande-annonce du film (upscalée ?)