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Voulant à la fois brasser une époque qui lui est personnelle et faire une véritable lettre d’amour à l’expérience de la salle de cinéma, Sam Mendes se montre ici un chouïa boulimique. Malgré les intentions, le visuel et l’interprétation de son actrice principale, Empire of Light semble vouloir traiter tous les sujets qui puissent lui tomber sous la main. Au point d’en oublier la magie et l’émotion, pourtant tant attendues de la part d’un tel projet.

Synopsis de Empire of Light : Hilary est responsable d’un cinéma dans une ville balnéaire anglaise et tente de préserver sa santé mentale fragile. Stephen est un nouvel employé qui n’aspire qu’à quitter cette petite ville de province où chaque jour peut vite se transformer en épreuve. En se rapprochant l’un de l’autre, ils vont apprendre à soigner leurs blessures grâce à la musique, au cinéma et au sentiment d’appartenance à un groupe…

Après avoir fait un petit tour du côté de la machinerie hollywoodienne (Skyfall, 007 Spectre et 1917), voici que le cinéaste Sam Mendes revient avec Empire of Light à un cinéma beaucoup plus personnel. Beaucoup plus intimiste. Et encore moins détonnant, comme peuvent l’être les blockbusters. Ici, il est plutôt question pour le réalisateur de suivre les pas de ses prédécesseurs quant à parler de cinéma avec un grand C, à l’instar de Damien Chazelle (Babylon) ou de Steven Spielberg (The Fabelmans). Mais aussi d’évoquer une époque avec nostalgie, au point de vouloir se dévoiler auprès de son public en racontant du vécu – comme Paul Thomas Anderson (Licorice Pizza), James Gray (Armageddon Time) et… Steven Spielberg encore une fois ! Et si ces sujets semblent aujourd’hui « à la mode » auprès de tels metteurs en scène, tous ont réussi à nous livrer des œuvres a minima touchantes. Voire magiques et bouleversantes pour certaines d’entre elles. Ce qui n’est malheureusement pas le cas avec Empire of Light. Mais pourquoi donc ?

Surtout que de parler cinéma en ces temps qui courent, de lui rendre hommage, c’est quasiment du pain béni pour un réalisateur aussi chevronné que Sam Mendes. D’autant plus qu’avec Empire of Light, il n’est même plus question de rendre hommage à un art, mais bien de s’intéresser à d’autres personnes du milieu qui n’ont pas encore été mis sous le feu des projecteurs, à savoir les exploitants de salles. En plaçant son récit au sein d’un cinéma même, Mendes nous dépeint les portraits de diverses personnes. De ce projectionniste discret et rêveur qui arrive à transmettre toute sa passion pour ce qu’il fait au quotidien. De ces caissiers qui animent à leur manière et prennent soin des lieux dont ils ont la garde. De ce directeur qui, malgré le fait qu’il soit antipathique au possible, a permis la réunion de cette équipe et que certains grands événements se fassent – comme une avant-première – afin d’offrir aux spectateurs cet instant unique et magique que doit procurer le visionnage d’un grand film. En nous livrant Empire of Light, Sam Mendes veut à tout prix pointer du doigt les plateformes de streaming qui ont profité de la récente crise sanitaire pour asseoir leur suprématie. Mettre en avant l’expérience même de la salle de cinéma, et crier haut et fort qu’il n’y a clairement rien de mieux que de s’installer face à un grand écran, parmi d’autres personnes, pour se laisser porter et vivre quelque chose d’exaltant. Ce que ne peut procurer une banale séance dans son salon, et ce même si les conditions techniques (qualité du son, de l’image…) vous semblent optimales.

Mais Empire of Light, c’est également un drame romantique qui anime ce cinéma. Un récit dans lequel une femme mal dans sa peau – car ayant une santé mentale fragile due à son passé, sa relation toxique avec son patron et sa vision des choses – va tomber amoureuse de la nouvelle recrue de l’équipe. Un jeune Noir qui dégage une sympathie et joie de vivre communicatives, et ce malgré le fait qu’il soit persécuté au quotidien (le mot est faible…) pour sa couleur de peau. En voulant raconter cette idylle qui risque à tout moment de s’écrouler, Sam Mendes veut brasser bon nombre de thématiques. Comme parler de cette Angleterre des années 80 qui connut bon nombre de mouvements sociaux et ethniques sous le règne de Margaret Thatcher (montée en puissance du racisme et des skinheads). Mais aussi de l’amour, cette émotion qui permet de réunir deux être et ce sans soucier une seule seconde de leurs différences culturelles, de leur différence d’âge. Tout en passant également du côté du harcèlement sexuel, notamment via ce patron marié qui abuse de son statut pour profiter de son employée et qui n’hésite pas à ouvertement l’humilier si elle ne va pas dans son sens. Et enfin, Empire of Light, c’est également l’occasion pour Sam Mendes de rendre hommage à un membre de sa famille, lui-même confronté à une maladie mentale.

Vous l’aurez compris, le long-métrage se montre plutôt ambitieux en voulant traiter bon nombre de sujets ô combien intéressants. Mais au lieu de dire « ambitieux », le mot « gourmand » serait plus approprié tant Empire of Light veut en faire trop. Car à trop vouloir traiter de thématique, le film n’arrive jamais à trouver le juste équilibre pour toucher le spectateur en plein coeur. Pendant près de deux heures, l’ensemble donne l’impression de n’être qu’une succession de thématiques qui ne font que cohabiter. Qui attendent le bon moment pour se faire entendre et s’exécutent sous nos yeux de manière assez artificielle. Que ce soit ces dernières ou bien le récit en lui-même, tout semble très premier degré dans l’écriture – Sam Mendes livre ici son tout premier scénario en solo – et mécanique dans le déroulement. À tel point que le sujet du cinéma, cité plus haut et pourtant primordial sur le papier, se retrouve relégué au second plan par cette romance qui ne sait pas trop quel chemin emprunter. Un constat qui ne peut que renforcer la déception face à Empire of Light, le film devenant pour le coup longuet et ennuyeux. Ne parvenant jamais à procurer ce soupçon d’émotion et de magie pourtant promis par le projet. Et ce malgré l’indiscutable talent des diverses personnes qui entourent ici Sam Mendes. L’immense Roger Deakins, qui fait (comme à son habitude) d’Empire of Light une œuvre à la photographie sublime. Le duo de compositeurs Trent Reznor et Atticus Ross, qui offrent au film une ambiance forte, poétique et sincère. Ou encore l’incroyable Olivia Colman, qui illumine l’écran à chacune de ses apparitions, dans un rôle qui plus est assez complexe. Mais même avec tous ces grands noms et leur travail respectif, Empire of Light n’arrive nullement à décoller et nous laisse finalement de marbre.

De tous les films cités en préambule de cette critique, le nouveau long-métrage de Sam Mendes n’est clairement pas celui qui retiendra le plus notre attention. Et encore moins le plus abouti de la filmographie du cinéma, ce dernier ayant à son actif des titres beaucoup plus maîtrisés et en tout point mémorable. Est-ce aussi parce qu’avec tous ces metteurs en scènes nostalgiques et défenseurs du cinéma, nous sommes arrivés en tant que spectateurs à un point de saturation non négligeable ? Ou bien que sortir après un film tel que The Fabelmans s’avère pour le moins handicapant ? Il n’empêche qu’Empire of Light reste une œuvre maladroite dans son écriture, malgré la sincérité de ses propos. Nous ne nous faisons pas de soucis quant au fait que Sam Mendes saura nous revenir en meilleure forme. Mais à l’heure actuelle, c’est avec déception que nous accueillons sa dernière création.

Empire of Light – Bande annonce

Empire of Light – Fiche technique

Réalisation : Sam Mendes
Scénario : Sam Mendes
Interprétation : Olivia Colman (Hilary Small), Michael Ward (Stephen), Colin Firth (Donald Ellis), Toby Jones (Norman), Tom Brooke (Neil), Tanya Moodie (Delia), Hannah Onslow (Janine), Crystal Clarke (Ruby)…
Photographie : Roger Deakins
Décors : Mark Tildesley
Costumes : Alexandra Byrne
Montage : Lee Smith
Musique : Trent Reznor et Atticus Ross
Producteurs : Pippa Harris et Sam Mendes
Maisons de Production : Searchlight Pictures et Neal Street Productions
Distribution (France) : Walt Disney Company France
Durée : 113 min.
Genre : Drame
Date de sortie :  01 mars 2023
Royaume-Uni, Etats-Unis – 2022

Adonis Creed est de retour, et cette fois, Rocky n’est pas là. Signe de cette prise d’indépendance de cette franchise spin-off, c’est Michael B. Jordan lui-même qui se charge de la réalisation. Et pour un premier film, l’acteur s’en sort avec les honneurs. Creed III, quand bien même jamais surprenant dans son déroulé, demeure un très bon divertissement notamment grâce à ses bonnes idées de mise en scène et un antagoniste charismatique.

Prise d’indépendance totale ?

Lorsque l’on retrouve Adonis Creed, tout va pour le mieux pour lui. Jeune retraité, il n’a plus rien à prouver, ayant déjà tout raflé sur les rings. Il consacre désormais son temps libre à s’occuper de son académie et de sa famille. Mais cette vie de rêve va être perturbée par Damian ( Jonathan Majors ), un ami d’enfance du boxeur. Celui-ci refait surface dans sa vie, après des années d’absence. Rapidement, on comprend qu’un lourd passé lie les deux hommes, et que Damian semble être revenu avec un objectif clair à l’esprit : se venger et reprendre ses droits.

Lorsque l’on a appris que Sylvester Stallone, figure majeure de cette franchise dérivée, ne serait pas de la partie, on pouvait redouter le nouvel opus. Car si le premier Creed était une si belle réussite, c’est en grande partie dû au tandem Stallone-Jordan. Ryan Coogler a parfaitement su allier le passé et le futur d’une même franchise. Pourtant, Creed II, bien que convenable, ne retrouvait pas l’équilibre du premier film. Le retour de la famille Drago montrait que la franchise n’arrivait pas à se séparer de son glorieux passé. Une belle dose de nostalgie pour la franchise, mais une stagnation pour son nouveau héros.

Heureusement, malgré l’absence inexpliquée de Rocky, Adonis Creed est un personnage suffisamment incarné pour porter ce troisième opus sur ses seules épaules. Michael B. Jordan semble vraiment avoir la mainmise sur son personnage, et l’apport de sa famille aide grandement à ressentir cette sympathie pour le boxeur. Malheureusement, le personnage de Tessa Thompson est bien trop passif dans le film. Son faible temps d’écran est dommageable, d’autant plus que l’ébauche de son arc scénaristique autour de son handicap avait du potentiel.

Paradoxalement, malgré cette volonté d’indépendance, des échos à Rocky sont toujours là. D’un point de vue scénaristique, le film ressemble beaucoup à Rocky 3. Dans les deux films, les héros n’ont plus rien à prouver. En quelque sorte, ils se sont embourgeoisés, vivant dans une grande maison avec leur famille. Et c’est l’apparition soudaine d’un personnage qui vient faire dérailler la douce vie menée par le héros. Autre paradoxe, en voulant aller de l’avant sans Rocky, le film essaie de se séparer de ses origines. Pourtant, il fait appel au passé de Creed à travers le personnage de Damian.

Divertissant mais sans surprise

L’une des grandes qualités de Creed III est assurément son antagoniste. Jonathan Majors est impressionnant dans le rôle de Damian. Il arrive à imposer son incroyable physique à l’écran, à travers sa démarche et son visage, signe de ses blessures de vie. Le lourd passé le liant à Adonis rend la tension plus que palpable. La confrontation paraît inévitable et la construction scénaristique arrive convenablement à faire ressentir cette tension graduelle. Mais sans s’en rendre compte, le film n’arrive jamais à créer un protagoniste contre lequel le spectateur prend véritablement partie. Malgré certaines actions litigieuses sur le ring, le parcours semé d’embûches du personnage ne fait que renforcer notre empathie pour lui.

Ainsi lorsque les deux anciens amis se retrouvent sur le même ring, on ne sait qui supporter. Justement, d’un point de vue sportif, les scènes de boxe sont elles aussi très réussies. Michael B. Jordan a déclaré lors de la promotion du film s’être inspiré des mangas. Une très bonne idée, qui insuffle une fraîcheur bienvenue dans les scènes de combat de la franchise. Ainsi, des gros plans en ralenti ou certains choix de découpage mettent l’emphase sur l’intensité des combats et des coups portés. La mise en scène du match final, audacieuse, nous immisce aussi dans l’intériorité des personnages.

Malheureusement, ces bonnes idées s’inscrivent dans un film bien trop prévisible. Au-delà des éléments le liant à Rocky 3, le film est sans surprise. Tous les grands éléments dramaturgiques s’enchaînent de manière attendue. Heureusement pour le film qu’il repose sur des combats de boxe, car l’imprévisibilité dramaturgique propre à chaque combat permet de pallier le manque de saveur du scénario. Le long-métrage se déroule très ( trop ? ) rapidement, chacune des sous-intrigues paraissent seulement esquissées. Sur ce point, le montage quelque peu elliptique de Creed III n’aide pas.

Finalement, Michael B. Jordan a réussi à nous faire oublier Rocky. Malgré la banalité de son scénario on ne peut plus classique, Creed III est un solide divertissement. Grâce à des scènes de boxe intenses et un Jonathan Majors charismatique, l’acteur a réussi à soigner sa première réalisation. Cependant, si l’on doit revoir Adonis Creed dans le futur, il faudra très certainement trouver un second souffle. Car ce qui nous liait à Rocky tenait de son appartenance sociale. Véritable représentant du prolétariat philadelphien, chacun avait une part de Rocky en lui. Ce questionnement social désormais absent de la franchise, reste à Jordan d’inscrire son personnage au sein de quelque chose de plus grand que lui.

Creed III : bande annonce

Creed III : fiche technique

Réalisation : Michael B. Jordan

Scénario : Keenan Coogler, Zach Baylin

Interprétation : Michael B. Jordan ( Adonis Creed ), Jonathan Majors ( Damian Anderson ), Tessa Thompson ( Bianca Creed )

Photographie : Kramer Morgenthau

Musique : Joseph Shirley

Montage : Tyler Nelson

Genre : Drame, sport

Société de distribution : Warner Bros ( international )

Date de sortie : 01 Mars 2023

Durée : 1h56

Pays : États-Unis

Genki Kawamura adapte son propre roman pour N’oublie pas les fleurs, ce film tout en délicatesse, qui traite de la mémoire et de l’oubli, ainsi que des souvenirs sur lesquels notre cerveau règne en maître, au détriment de nos sentiments…

Synopsis de N’oublie pas les fleurs :  Lors du réveillon du Nouvel An, Izumi retrouve sa mère Yuriko errant dans un parc par un froid glacial. Quelques mois plus tard, elle est diagnostiquée comme souffrant d’Alzeihmer et sa mémoire décline rapidement. Pour son fils, les souvenirs de la mère qui l’a élevé seule sont toujours aussi vivaces. L’un d’eux en particulier, lorsqu’il croyait qu’elle avait disparu, le hante terriblement. Alors que Yuriko sombre lentement dans l’oubli, Izumi doit accepter de perdre à nouveau sa mère, cette fois pour toujours. En prenant soin de sa mère – au moment où lui-même s’apprête à devenir père – Izumi tente de comprendre ce qui l’a éloigné d’elle et s’interroge sur le sens de leur relation, pour retrouver l’essentiel de ce qui leur reste.

 The Son

Le cinéma japonais est cette source inépuisable de films qui sont en apparence calqués les uns sur les autres, et qui, au visionnage, finissent toujours par apporter ce petit supplément qui va le rendre unique et intéressant. Ainsi en est-il pour N’oublie pas les fleurs, le film  de Genki Kawamura, adapté de son propre roman. La douceur du Tokyo Sonata de Kyoshi Kurosawa, le drame familial qui ramène à Kore Eda, l’efficacité d’un minimalisme que ne renierait pas le maître Yasujiro Ozu. Tout cela , et tout à fait autre chose en même temps. Car ici , on touche à une question sensible du Japon d’aujourd’hui, de maintenant : celle du vieillissement de la population, et son corollaire sanitaire qu’est la démence sénile et l’Alzheimer.

Certes, le sujet n’est pas neuf, et rien que ces dernières années, nous avions eu Still Alice de Richard Glatzer & Wash Westmoreland qui a valu à Julianne Moore son oscar ; nous avions eu le poignant Poetry de Chand Dong Lee ; le remuant Falling de Viggo Mortensen, et bien sûr le très médiatique The Father de Florian Zeller. Mais ce qui est différent, c’est la nostalgie qui enrobe le film, et l’approche du cinéaste qui consiste à adopter les points de vue de deux personnages, ce en quoi il se rapproche peut être le plus du film de Zeller.

Yuriko est une professeure de piano, encore passablement jeune mais déjà au soir de sa vie : les notes lui font un peu défaut, les fleurs s’étiolent dans les soliflores. Elle oublie de faire ses courses et se retrouve au contraire sur une balançoire à ressasser des souvenirs anciens. Son parapluie reste irrémédiablement fermé contre son corps sous une pluie torrentielle. Le verdict tombe : C’est l’Alzheimer qui frappe Yuriko.  Izumi , son fils, semble excédé plutôt que compatissant face au comportement de sa mère. On comprend qu’un passif existe entre mère et fils, que le film s’emploiera de dévoiler par petites touches.

Sur fond de ce sujet anti-spectaculaire, et de ce qui semble être un traumatisme se dessinant en filigrane, le film repose sur une esthétique à l’avenant, avec des plans lents, voire quasi-fixes par endroits, des profondeurs de champ vaporeuses, des silences prolongés, et une musique plus ou moins lancinante. Ce rythme  ralenti est tout à fait adéquat pour montrer le temps qui passe ou ne passe pas, la maladie qui aspire l’énergie ambiante et bloque la protagoniste dans une diégèse parallèle. Notre émotion résulte du côté inexorable de la détérioration  et des questions qui restent sans réponse, puisque la mémoire s’efface.

N’oublie pas les fleurs est en réalité une réflexion plus globale sur la mémoire : celle qui s’en va, celle qui ne veut pas revenir, celle qu’on invente de toutes pièces au travers de l’intelligence artificielle. Ainsi, les flash blacks sont nombreux, ceux du fils qui tente une course désespérée contre la montre en essayant de coller les bribes de souvenirs, et ce d’autant qu’il va lui-même devenir père pour la première fois ; ceux de la mère, ou plus exactement ceux qui montrent la mère dans le passé, et qui ont une vocation explicative. S’il y a d’ailleurs un reproche qu’on peut faire au film, ce sont ces digressions dans le passé de Yuriko, qui entraînent des ruptures de rythme. Mais l’Alzheimer étant l’Alzheimer, on imagine que ces souvenirs anciens sont en réalité tout ce qui reste et peuple la mémoire de Yuriko…

Bien que N’oublie pas les fleurs soit un film plutôt atone, on se laisse emporter par ces relations humaines complexes et fragiles : la mémoire et l’oubli, le ressentiment et le pardon. Une fois de plus, le cinéma japonais nous submerge par sa délicatesse et ses non-dits qui nous engagent plus que n’importe quel film bien plus démonstratif.

N’oublie pas les fleurs – Bande annonce 

N’oublie pas les fleurs – Fiche technique

Titre original : Hyakka
Réalisateur : Genki Kawamura
Scénario : Genki Kawamura, Hirase Kentaro
Interprétation : Mieko Harada (Yuriko Kasai), Masaki Suda (Izumi Kasai),  Masami Nagasawa (Kaori), Masatoshi Nagase (Yohei Asaba)
Photographie : Keisuke Imamura
Montage : Sakura Seya
Musique : Shouhei Amimori
Producteurs : Taichi Itô, Kenji Yamada
Maisons de Production : AOI Pro.
Distribution (France) : Eurozoom FranceSan Sebastian 2022
Durée : 104 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 01 Mars 2023
Japon– 2022

Si vous avez raté la sortie de Pulse – dans les salles depuis le 22 février – pas de panique, il est encore temps de voir le film d’Aino Suni. Voici trois raisons de (re)voir Pulse au cinéma.

De la couleur avant toute chose

Verlaine définissait la poésie comme « de la musique avant toute chose ». La réalisatrice finlandaise Aino Suni réinvente le geste du poète. Son premier long-métrage Pulse est une petite bombe rythmée par des couleurs pop et acidulées. De quoi séduire la nouvelle génération. L’esthétique du film emprunte beaucoup à celle des clips US. Chaque scène du film est construite à la manière d’un tableau où dominent le rouge et vert. L’éclairage flashy accentue la présence des couleurs primaires à l’écran. L’univers dépeint par Pulse apparaît volontiers irréel. On passe ainsi du faste d’une villa de la Côté d’Azur, décorée à la manière de Gatsby le Magnifique, à une ambiance crépusculaire à la Blade Runner.

Elina est une jeune rappeuse qui vit en Finlande avec sa mère. Elle est contrainte de quitter son pays natal lorsque sa mère décide d’emménager chez son compagnon qui habite dans le sud de la France. Elina atterrit dans un monde fait de villas luxueuses et de piscines à débordement. Elle doit très vite composer avec Sophia (Carmen Kassovitz), la fille de son beau-père. L’héroïne tombe sous le charme de la jeune fille. La relation entre les deux adolescentes oscille très vite entre fascination et rapport de pouvoir. Cette ambiguïté se traduit dans les décors. Ces derniers évoluent en même temps que les sentiments de l’héroïne à l’instar de la musique.

Et le rap (finlandais) réinventa le cinéma

Pulse prend à contre-pied la tendance stylistique du cinéma contemporain. Celle-ci veut que les films soient de plus en plus sombres et crépusculaires. Les couleurs n’ont plus bonne presse. La musique, quant à elle, doit jouer le jeu de la discrétion. Aino Suni choisit volontairement d’introduire une bande-son explosive. Celle-ci, constituée de morceaux de rap finlandais et de house, vient rythmer les images filmées. Pour interpréter la jeune Elina, Elsi Sloan a du apprendre à rapper en finlandais et en français. L’actrice se glisse avec une facilité déconcertante dans la peau de cette jeune rappeuse prête à tout pour attirer l’attention de celle qu’elle aime. Comme dans nombre de films, la musique tient une place primordiale dans l’histoire. Ici, elle rythme les désillusions d’Elina. Là, elle souligne l’acmé narratif. Elle est aussi un élément qui alimente l’ambiguïté entre les deux adolescentes.

Le travail de la mise en scène fait oublier la faiblesse relative du scénario. L’histoire d’une relation amicale qui vire à l’ambiguïté toxique, sur fond de sentiments amoureux non réciproques, a déjà été traitée par le cinéma. On pense notamment à Naissance des pieuvres (2008) de Céline Sciamma ou encore Respire (2014) de Mélanie Laurent. De même, on pourrait reprocher au film sa dimension « cage dorée ». Il décrit un monde d’ultras privilégiés où Elina et Sophia déambulent dans des villas gigantesques. Leurs quotidiens semblent se résumer à aller à des soirées sélects, en cachette de leurs parents, en papotant avec « des fils et filles de ». Dans ce monde dégoulinant de luxe, on peine à s’y retrouver, voire à s’identifier avec les personnages. Si la cinéaste a sans doute consciente de jouer avec des clichés éculés, elle innove en choisissant de mettre en scène une héroïne non binaire.

La non binarité (enfin) abordée sur grand écran

Elina est une jeune fille qui se moque des stéréotypes de genres. Son apparence joue avec les normes de genre. Ses cheveux verts et son crâne rasé lui confèrent une allure androgyne. Pulse n’aborde jamais de front la non binarité. D’abord parce que Elina n’en parle pas. Il n’est pas question de parler pour elle.

Pour le film comme pour sa réalisatrice, la non binarité ne constitue pas une « question » ou une « thématique » du film. La cinéaste impose Elina comme un personnage lambda. Ni son identité de genre ni son orientation ne font l’objet de discussion. Celles-ci vont de soi. Ce qui intéresse la cinéaste est l’ambiguïté qui unit Sophia et Elina.

Celle-ci est d’ailleurs poussée au paroxysme. D’ange protecteur, Elina s’improvise volontiers démon tentateur, poussant sa bien-aimée sur les cimes de la mort. En dépit de ses faiblesses, Pulse a le mérite de réinventer le topo de l’amitié-amoureuse toxique, en impulsant à la musique et à la couleur un pouvoir de signification inédit.

Pulse – Bande-annonce

Pulse – Fiche technique

Réalisation : Aino Suni
Interprétation : Elsi Sloan (Elina), Carmen Kassovitz (Sophia)
Production déléguée : Adastra Films
Exportation / Vente internationale :
Kinology
Productions :Made, Oma Inge Film
Distribution : Wayna Pitch

Synopsis : Manuel, 16 ans, est un adolescent comme les autres. Dans sa petite ville côtière d’Argentine, il traîne avec ses amis et sa petite-amie, va à la plage, et joue de la basse dans un groupe de rock. Une routine parfaite pour un garçon de son âge. Mais sa vie se complique lorsqu’il commence à ressentir quelque chose de spécial pour son meilleur ami Felipe.

La Syndicaliste revient, à partir du livre de Caroline Michel-Aguirre, sur l’histoire incroyable mais vraie de Maureen Kearney (interprétée à l’écran par Isabelle Huppert), syndicaliste chez Areva, dont la parole est remise en cause après une agression subie à son domicile. Une agression à laquelle personne ne croit et qui l’entraîne dans un véritable cauchemar filmé par Jean-Paul Salomé comme un thriller, sans verser dans le spectaculaire outrancier.

Reflet dans un œil d’homme

La Syndicaliste est avant tout un film de points de vue. Celui de Jean-Paul Salomé est clair et il le dit dès le début du film lorsqu’un carton signale qu’il s’agit d’une histoire « inspirée de faits réels ». La précision est d’importance car l’histoire de Maureen Kearney fait encore couler beaucoup d’encre. Une question de regard(s) se pose clairement à son encontre et ce sont ces regards que le film ne cesse d’interroger, de faire se succéder. Dès la première scène où Maureen apparaît, combative, face à des femmes dont le droit au travail est bafoué et à un homme qui pense pouvoir la renvoyer à son statut, mais auquel elle offre une répartie sans faille. Maureen est d’abord une femme dans un monde d’hommes, la tête haute, combative, proche de la future ex-directrice d’Areva, Anne Lauvergeon (superbe Marina Foïs), autre figure féminine de pouvoir, une force qui dérange. Deux forces que l’on tente de faire taire, de mettre à l’écart. La volonté de Jean-Paul Salomé dans ce portrait est clairement de lorgner du côté de La Fille de Brest, plus que de son précédent film, à l’humour assumé, La Daronne : « J’avais déjà eu envie de faire un film sur une lanceuse d’alerte, autour d’Irène Frachon et du scandale du Mediator, mais ça ne s’était pas fait. Les pressions qu’avait subies Maureen Kearney, « la » syndicaliste d’Areva, l’agression violente dont elle avait été victime étaient puissamment dramatiques. On était allé très loin pour la contraindre à arrêter ses investigations*… »

Isabelle Huppert apparaît donc dans un premier temps comme la Erin Brokovich française bien qu’elle ait troqué sa chevelure rousse pour le blond de Maureen Kearney, dont la garde robe, le style (pensons aux lunettes) inspire clairement l’allure du personnage dans le film. C’est ce qui permet de faire oublier un peu que c’est Isabelle Huppert qui incarne cette « vraie personne » avec tout le poids symbolique que cela engendre forcément. On pense très souvent au rôle qu’elle avait incarné dans Elle, déjà très chargé en terme de regard sur une victime de viol. La force de l’interprétation d’Isabelle Huppert, au-delà de l’apparence physique, est de donner à ce personnage toute la distance intellectuelle et non-sentimentaliste dont l’actrice est capable : « Il y avait une espèce de fantaisie du personnage, amusante à rendre à l’image. C’était quelqu’un qui par son look se fabriquait une armure, et cela plaisait beaucoup à Isabelle. Une armure qui tombait par instants, selon les circonstances*… » Tout l’enjeu est d’aller voir au-delà de l’armure, en passant par la ronde des regards (plutôt malveillants) qui tournent autour de Maureen.

Parole et silence 

C’est ainsi que le film bascule dans une interrogation constante de la parole de la victime, puisque très vite après son agression Maureen ne va pas être entendue dans sa vérité. Tout est alors une réinterprétation des images à priori déjà vue ou du moins imaginées par le spectateur (la mise en scène de l’agression n’est jamais réellement montrée, en tout cas pas de manière directe et linéaire). On pense notamment à la première auscultation gynécologique de Maureen (il y en aura pas moins de trois en une semaine !!), quand après s’être rhabillée, elle prend le temps de se remaquiller, sous l’œil médusé du médecin (celui-là même qui la reverra quelques jours plus tard) : « Cela figurera dans ses rapports médicaux : elle n’a pas réagi « comme une femme violée »… » Voilà tout le propos du film, montrer comment une victime devient coupable parce qu’elle n’est pas ce que la société attend d’elle. Maureen prend d’abord trop de place, puis est trop fragile, enfin considérée comme folle… Si bien que dans la mise en scène de son premier procès en tant qu’affabulatrice, elle peine à s’exprimer, voire même semble se trahir sans le vouloir. Des scènes de procès d’ailleurs rendues fidèlement « au mot près », à l’image du récent Saint Omer d’Alice Diop. Libre à la vérité d’émerger de ces reconstitutions, de ces mots, de ces regards. Pourquoi une parole qui n’est pas entendue ne finirait-elle pas par se briser ?

Le travail de mise en scène de Jean-Paul Salomé relève par moment du thriller. On a ainsi droit à l’attendue scène dans un parking souterrain, aux lumières qui clignotent. Ce qui compte pourtant, c’est l’agression subie par Maureen, qui est au centre de tout. D’abord par les mots, puisque le film commence par l’appel de la femme de ménage qui trouve Maureen ligotée dans son sous-sol. Le reste n’est que flashs issus de la mémoire de Maureen, ou reconstitutions. Il y a aussi la confrontation entre l’esprit de Maureen et d’autres récits, du moins un récit. Une victime seule n’a pas d’écho, ce n’est qu’ensemble que les victimes le deviennent, une seconde violence qui leur est faite après celle de l’agression. Le film fait le choix dès le début d’être du côté de Maureen, de la croire, tout en mettant en scène le doute permanent. Il y a un avant l’agression, fait de joutes verbales, de confrontations et de duels d’acteurs souvent savoureux.

Puis il y a l’après, la solitude, le silence, le corps rendu à la vie domestique, sans combat collectif, juste une blessure personnelle. Pour cela, Jean-Paul Salomé s’attèle dès les premières minutes du film à la mise en scène de l’intimité de Maureen :  « Il me manquait une dimension intime. C’est ce que j’ai expliqué à Maureen Kearney, quand je l’ai rencontrée, accompagnée de son mari et de sa fille. Je lui ai dit que ce serait ma vision d’un personnage, qu’il nous faudrait, avec Fadette Drouard, imaginer des scènes de famille d’après ce que l’on percevait des rapports avec son mari et avec sa fille. Il fallait nous laisser inventer*. » Dans les relations entre Grégory Gadebois, qui interprète le mari de Maureen, et Isabelle Huppert, tout se joue dans des postures, des regards, des silences : « On est après la bataille et leurs rapports passent par une présence, des regards, ou même des évitements*. » Le duo fonctionne avec une magie propre au cinéma, de l’improbable nait le miracle d’une alchimie inattendue. Pourtant, son regard de mari, bien que d’un incroyable soutien, participe aussi du questionnement de la vérité, il est un autre regard : « L’intérêt de ce sujet, parmi d’autres, c’est le scepticisme : laisser l’ambiguïté fabriquée par le regard des autres sur le personnage* », déclare Isabelle Huppert. Le rythme s’engage entre thriller et solitude, et les deux heures ne souffrent aucun temps mort.

Au final, La Syndicaliste est un film singulier, posé et combatif à la fois sur un sujet fort. Si le choix d’Isabelle Huppert pour incarner, avec l’idée tenace de la ressemblance, ce personnage réel, peut interroger, il paraît bientôt naturellement le meilleur tant la comédienne apporte une force et une stature bienvenues à un personnage qui s’extirpe sans cesse de son statut de victime, tout en portant une voix, des voix et en remettant au centre le combat tout simple, au départ, de sauvegarder des emplois. Le film se singularise par son ton, la manière dont il va raconter cette histoire de femme bâillonnée dans sa vérité, détruite mais qui se relève : « Je crois qu’il y a dans le film quelque chose de chabrolien, une certaine sécheresse mais dans le bon sens, rien de sentimental, peut-être une espèce d’ironie empreinte de morale*. » Il n’y a pas meilleurs mots que ceux d’Isabelle Huppert elle-même pour le dire. Cette apparente « sécheresse » du ton déstabilise autant qu’elle force le spectateur à interroger sans cesse son propre regard sur cette femme dont La Syndicaliste est le portrait, mais aussi sur toutes les paroles dont le statut n’est jamais autant remis en cause qu’aujourd’hui, où la justice se fraye difficilement un chemin à la hauteur de l’enjeu humaniste.

*Toutes les citations sont tirées du dossier de presse du film, interview de Jean-Paul Salomé et propos d’Isabelle Huppert.

La Syndicaliste : Bande annonce

La Syndicaliste : Fiche technique

Synopsis : Un matin, Maureen Kearney est violemment agressée chez Elle. Elle travaillait sur un dossier sensible dans le secteur nucléaire français et subissait de violentes pressions politiques. Les enquêteurs ne retrouvent aucune trace des agresseurs… est-elle victime ou coupable de dénonciation mensongère ?

Réalisateur : Jean-Paul Salomé
Scénario : Jean-Paul Salomé, Fadette Drouard d’après l’oeuvre de Caroline Michel-Aguirre
Interprètes : Isabelle Huppert, Grégory Gadebois, Marina Foïs, Yvan Attal, François Xavier Demaison, Pierre Deladonchamps, Aloïse Sauvage, Gilles Cohen
Photographie : Julien Hirsch
Montage : Valérie Deseine
Sociétés de production: Le Petit Bureau,, Heimatfilm
Distributeur : Le Pacte
Durée : 2h01
Genre : Drame
Date de sortie : 1er mars 2023

France – 2022

De tous les éléments les plus indomptables, l’eau, résolument vitale pour l’Homme comme outil ou pour subsister, nous cache encore bien des mystères. Pour son premier long-métrage, Elena López Riera s’empare des légendes urbaines de son village natal, qui sommeillent dans la rivière, pour en faire une chronique sur l’adolescence, celle des premiers amours et des premiers tourments.

L’eau, une créature de l’esprit

Dans une petite bourgade, amputée de son attraction touristique, rien ne se passe et la vie coule de source. C’est en tout cas ce sur quoi un groupe d’adolescents médite, étendu au bord de la rivière du coin, avant de lever les yeux sur leurs fantasmes. Ces jeunes rêvent d’un ailleurs, de grandes mégalopoles ou tout simplement de liberté. Pourtant, tout les ramène chez eux, dans une routine sans surprise, où chacun vit de l’agriculture, de petits commerces ou d’autres boulots répétitifs dans les usines. Cette lassitude gagne l’inconscient collectif jusqu’à ce que l’annonce d’une pluie torrentielle vienne réveiller les inquiétudes d’Ana (Luna Pamies), 17 ans, amoureuse du voyou fugueur José (Alberto Olmo).

À travers leurs pulsions, Elena López Riera convoque habilement les caractéristiques de l’adolescence et ses envies de franchir les barrières sociales et morales. Tant d’éléments décrivent l’enfermement de ces personnages, comme la vue d’oiseaux en cage ou encore des contes sordides, qui maintiennent une emprise sur Ana, qui se voit peu à peu comme une prochaine cible de l’eau, envieuse de sa beauté et de sa volonté. Il s’agit d’El Agua, ou de l’eau, comme le reflet de l’âme qui s’évapore sous le soleil. Ici, pas question de laisser filer une seule goutte. On y plonge le cœur léger, prêt à s’abandonner à la rivière, qui ne dégage qu’une aura purifiante et polluée en apparence. Sur l’autre versant, ce liquide peut également irriguer les terres ou bien les submerger, c’est ce qui en fait une force de la nature, un fléau qui prend tout ce qu’il touche.

Tends-moi la main

Au fur et à mesure que l’on confronte son omniprésence, les témoignages face caméra de femmes de différents foyers se multiplient, racontant cette légende de la belle demoiselle à sacrifier avec des tons qui diffèrent, mais avec des mots qui trouvent un écho similaire en parallèle de la fiction qui se joue sous nos yeux. Dès lors, il sera possible de comprendre cette fascination ou cette peur, transmise à travers les générations. Ce goût du risque et de la névrose capitalise ainsi sur un mode de vie, qu’il s’agit d’intérioriser pour mesdames, tandis que la gent masculine devra passer par tous les aveux verbaux, dans le but de se racheter une seconde chance.

Et c’est au détour de petits gestes que la cinéaste espagnole capte cette transmission, entre Ana et sa grand-mère (Nieve de Medina), puis entre José et son père (Pascual Valero), chacun et chacune la main à la pâte. Ce relai, que l’on explore, nous en apprend plus sur l’autre, bienveillant dans sa manière de réconforter, alors que les signes d’un déluge sont de plus en plus insistants. Les amoureux transis se persuadent donc que tout va pour le mieux, jusqu’à ce que les convictions d’Ana dominent ses pensées et questionnent ses sentiments. La malédiction qui semble la frapper, autant que sa mère célibataire (Bárbara Lennie), résulte justement de ses doutes. Le spectateur sera constamment convié à investir sa psyché et à raisonner autour des métaphores qui la noient.

Les Espagnols disent que l’amour d’un adolescent s’apparente à de l’eau dans un panier. Si cet amour ne déborde pas, elle peut toutefois s’échapper d’ailleurs pour se trouver un nouveau réceptacle, ou bien se mélanger à cette fameuse rivière, qui parcourt le récit, dont l’issue fantastique restera en suspens. Il s’agit avant tout de rester ancré dans la réalité et de rendre hommage aux victimes des inondations passées. El Agua libère ainsi la parole féminine et suggère fatalement qu’une émancipation dépend des liens que l’on tisse. Ces ficelles seront pour la plupart du temps trop visibles pour nous, mais tout ce qui compte au fond, c’est un peu de foi et d’amour, un peu de documentaire et de fiction. En somme, tout cela réunit, c’est la définition d’un rêve éveillé et le résultat est suffisamment envoûtant pour qu’on ne boive pas la tasse.

Bande-annonce : El Agua

Fiche technique : El Agua

Réalisation : Elena López Riera
Scénario : Elena López Riera, Philippe Azoury
Photographie : Giuseppe Truppi
Son : Carlos Ibañez, Mathieu Farnarier, Denis Séchaud
Décors : Miguel Ángel Rebollo
Montage : Raphaël Lefèvre
Musique : Mandine Knoepfel
Production : Alina Film, SUICAfilms, Les Films du Worso
Pays de production : Suisse, Espagne, France
Distribution France : Les Films du Losange
Durée : 1h44
Genre : Drame
Date de sortie : 1 mars 2023

Synopsis : C’est l’été dans un petit village espagnol du sud-est. Une tempête menace de faire déborder à nouveau la rivière qui le traverse. Une ancienne croyance populaire assure que certaines femmes sont prédestinées à disparaître à chaque nouvelle inondation, car elles ont « l’eau en elles ». Une bande de jeunes essaie de survivre à la lassitude de l’été, ils fument, dansent, se désirent. Dans cette atmosphère électrique, Ana et José vivent une histoire d’amour, jusqu’à ce que la tempête éclate…