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La seconde journée de compétition a vu passer des relations conflictuelles au cœur de familles et de communautés qui prêchent le pardon. Le film de Minhal Baig magnifie cette notion dans un portrait sur l’enfance et l’amitié. We Grown Now raconte donc avec nostalgie la captivité de locataires de logements sociaux, en quête de rebond et de renaissance.

Synopsis : Chi­ca­go, 1992. Malik et Eric, 9 ans, sont deux amis insé­pa­rables. Curieux et ima­gi­na­tifs, ils par­courent la ville pour échap­per à la bana­li­té de leur vie d’écolier et à la dif­fi­cul­té de gran­dir dans un loge­ment social. Mais, à un âge où l’on apprend tout juste à affron­ter l’existence, leur lien indis­so­luble est remis en ques­tion lors­qu’une tra­gé­die secoue leur communauté.

Cinq ans après avoir présenté Hala au festival Sundance, Minhal Baig foule les planches de Deauville pour la première fois pour nous ramener un film solaire, inspiré de faits réels. Son précédent long-métrage évoquait déjà l’envie de s’émanciper des contraintes familiales au sein d’une famille musulmane. Ici, nous suivons de jeunes enfants afro-américains, obligés de réciter leur serment d’allégeance sous le drapeau des États-Unis avant le début de chaque cours. C’est en tout cas un aperçu des nombreux rituels qui habitent cette œuvre, remplie de souvenirs et de fantômes.

Sauter dans le vide…

Identifiable par ses nombreux bâtiments faits de briques rouges et blanches, Cabrini-Green est un quartier de Chicago qui ne ressemble en rien au rêve américain que convoitent même les personnes qui y naissent. Les immeubles sont en partie insalubres et en chantier, mais rien ne semble décourager Malik (Blake Cameron James) et Eric (Gian Knight Ramirez), dont les appartements sont superposés. Meilleurs amis dans la joie et la douleur, ils n’hésitent pas à faire l’école buissonnière lorsque le programme scolaire ne leur sied guère. Non pas qu’ils en profitent pour troubler l’ordre ou qu’ils se laissent dominer par les lois de la rue et des gangs. Ces derniers préfèrent de loin défier la gravité en récupérant des matelas et s’évader dans les étoiles ou à l’Art Institute.

Désireux de se voir pousser des ailes, ces enfants pleins d’innocence constituent la clé de compréhension du monde torturé des adultes. Sans le sou ni la sécurité de l’emploi, comment peuvent-ils réaliser les rêves de cette jeunesse éphémère ? Ce sont à travers les yeux de Malik et d’Eric qu’on lisse une partie de la réalité, celle qui aurait pu s’arrêter au misérabilisme pour provoquer ou émouvoir à outrance. Il n’en est rien. Cette histoire nous est essentiellement contée à travers des plans d’intérieur, où les regards des protagonistes suffisent à nous communiquer leur errance mentale, sans jamais les juger. La réalisatrice joue également avec sa focale et ajoute encore plus de profondeur à ce paysage qui n’existe plus grâce à des contre-plongées. La caméra de Baig attire ainsi toutes les teintes chaudes de son univers. Les appartements apparaissent alors comme des refuges indispensables pour se couper du monde bruyant et violent qui les attend une fois à l’extérieur. Le tragique décès de Dantrell Davis en atteste.

…atterrir chez soi

Sous les feux croisés d’une chasse contre la criminalité, Malik et Eric sont de simples dommages collatéraux, remplaçables au besoin. Pourtant, leur alchimie nous galvanise et nous réconforte. Le duo agit comme une bougie dans l’obscurité dans ce film, qui partage avec Stand by me un discours sincère sur la perte d’innocence, d’une étape transitoire où l’on est confronté aux incertitudes du changement et de la fatalité. C’est le genre de processus qui change une vie et qui les fait grandir de l’intérieur comme de l’extérieur. Qu’il s’agisse de cette génération qui a tout à découvrir, tout à conquérir,  ou celle de Dolores (Jurnee Smollett) et Jason (Lil Rel Howery), mère et père célibataires, il s’agit également de s’élever et de continuer à grandir encore plus.

Un peu à la manière de la comédie dramatique Crooklyn, où Spike Lee y encapsulait ses souvenirs d’enfance, We Grown Now constitue un hommage aux résidents de Cabrini-Green pour Minhal Baig. Elle nous montre la force des liens de cette communauté, seulement à travers deux familles qui sont pleinement conscientes des limites financières, sociales et morales qu’ils rencontrent. La réalisatrice insiste donc pour rétablir la vérité derrière l’acharnement médiatique qui a longtemps diabolisé ce lieu, reconnu comme propice aux violences en tout genre. La majorité des familles qui y loge n’a rien de plus précieux que les liens qui les unissent, notamment à travers une foi incontestée pour l’espoir. Un portrait particulièrement juste et poignant.

We Grown Now est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Minhal Baig
Année : 2024
Durée : 1h33
Avec : Blake Cameron James, Gian Knight Ramirez, S. Epatha Merkerson, Lil Rei Howery, Jurnee Smollett
Nationalité : États-Unis

Présenté en avant-première au Festival de Deauville 2024, en présence du réalisateur Elliott Lester, The Thicket propose un western enneigé découpé au couteau. Un bon bol d’air frais qui nous plonge dans les montagnes isolées en compagnie d’un Peter Dinklage toujours aussi trépidant. Malgré un récit plutôt linéaire manquant un peu d’ampleur et de suspense, The Thicket réussit à divertir grâce à son humour décalé et à sa bande de personnages marginaux.

Synopsis : Lorsque le féroce chas­seur de primes Regi­nald Jones est recru­té par un homme déses­pé­ré pour tra­quer un tueur impi­toyable connu uni­que­ment sous le nom de Cut­throat Bill, il ral­lie une bande de héros impro­bables, dont un ancien esclave fos­soyeur et une pros­ti­tuée rusée. Ensemble, ils se lancent dans une quête périlleuse pour retrou­ver Cut­throat Bill qui les mène dans un no man’s land mor­tel connu sous le nom de… « The Thicket ».

Britannique installé aux États-Unis, Elliott Lester compte déjà plusieurs longs-métrages à son actif, dont Love is the Drug, Blitz, Sleepwalker et Aftermath, tous sortis directement en VOD. Avec The Thicket, il signe son premier western, une chasse à l’homme endiablée où se croisent en chemin des individus de tous horizons. Sans révolutionner le genre, le réalisateur américain s’inspire de films célèbres comme Les Sept Mercenaires ou Les Sept Samourais  pour composer une course-poursuite sur un ton plus léger que dramatique.

Les cinq mercenaires

Au début du XXe siècle, Jack Parker assiste, impuissant, à la mort de son grand-père et à l’enlèvement de sa sœur, Lula, par un mystérieux bandit appelé « Bill Coupe Gorge ». Orphelin et chrétien convaincu, incapable de brandir une arme, il se lance fiévreusement à la recherche du dernier membre de sa famille. Il croise alors la route de Reginald Jones, un chasseur de primes interprété par Peter Dinklage, d’un ancien esclave noir fossoyeur et alcoolique, d’une prostituée tout juste évadée d’une maison close et d’un homme de main engagé pour ramener Jones de force.

Ces cinq individus, laissés pour compte de la société par la taille ou leurs statuts, s’unissent pour retrouver la trace de « Bill Coupe Gorge » jusqu’à « The Thicket », ou « Le Fourré », destination finale de la bande du malfrat. Ennemi énigmatique à la réputation légendaire, Bill kidnappe de jeunes femmes, à la manière d’un barbe bleue, afin de les rendre fidèles à son image. Même si son traumatisme d’enfance est exposé, le personnage, craint dans le récit, ne dégage pas beaucoup de charisme et peine à alimenter une véritable tension. Le western ne s’attarde d’ailleurs pas sur son développement et se concentre davantage sur la quête semée d’obstacles de Jack.

Le frère de Lula, jeune homme brave, déterminé mais peu expérimenté, doit constamment prouver sa valeur. Naïf et détroussé comme un bleu, il gagne progressivement en confiance et en audace lors de son périple, grâce à sa relation complice avec Reginald Jones. Ce dernier, vendu par son père et régulièrement réprimé, tente de reprendre sa revanche sur la société en gagnant sa vie comme chasseur de prime. Après Cyrano et She came to me, Peter Dinklage s’empare avec panache de ce nouveau rôle taillé pour lui sur mesure. Avec une petite référence amusante à Games of Thrones, il joue avec sa propre image tout en adoptant la posture presque tragique d’un homme qui n’aspire qu’à trouver un foyer. L’histoire du film, assez classique, s’inscrit en opposition avec son traitement résolument contemporain.

Un western à la sauce moderne

L’ouverture de The Thicket a de quoi surprendre. Sur une route enneigée, sillonne un véhicule motorisé. Sauf à tomber dans Retour vers le Futur, le décalage temporel, qui ne s’explique pas vraiment, pose d’emblée le cadre d’un western qui veut bousculer un peu les codes du genre. Il est cependant étrange que le film ne s’engouffre pas plus dans cette voie, ce qui prive un peu la première scène de sens. Le choix d’un antagoniste féminin et l’humour décalé participent également à la modernité du film.

Malgré une bonne synergie entre ses personnages, The Thicket sacrifie la profondeur de son récit au profit d’une aventure rocambolesque qui ne convainc pas toujours parfaitement. Aussi, nous sommes évidemment bien loin des westerns d’envergure tels que La Prisonnière du désert ou Il était une fois dans l’Ouest. Le film ne comporte pas de moments de tension, rapidement désamorcés par de l’humour, et les quelques scènes d’action n’offrent pas de grand spectacle. Pour autant, on prend un certain plaisir à voir ce western déjanté, qui ne bénéficiera probablement pas d’une sortie en salles.

The Thicket est présenté dans la sélection Premières au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Elliott Lester
Année : 2024
Durée : 1h45
Avec : Peter Dinklage, Juliette Lewis, Levon Hawke, Esmé Creed-Miles, Gbena Akinnagbe, Leslie Grace
Nationalité : États-Unis

Rares sont ces œuvres psychologiques, ascendantes horrifiques, qui infiltrent les festivals auxquels le genre n’est pas dédié. Speak No Evil est de ceux-là, même s’il semble plus à l’aise en explorant sa dimension sociale. C’est notamment le point fort du film qui, malgré sa longue exposition, se lâche davantage dans un final qui revisite le home invasion.

Synopsis : Une famille amé­ri­caine passe le week-end dans la pro­prié­té de rêve d’une char­mante famille bri­tan­nique ren­con­trée en vacances. Mais ce séjour qui s’annonçait idyl­lique se trans­forme rapi­de­ment en atroce cauchemar.

James Watkins, à qui l’on doit le désespérant The Descent 2 et la vaine tentative angoissante de La Dame en noir, semble de nouveau renouer avec l’atmosphère survival de son Eden Lake. Sans être un grand faiseur d’images, le cinéaste manie mieux la narration lorsque l’on joue sur l’ambivalence de personnages complexes. Bien heureusement pour lui, il dispose d’un gros lot de protagonistes névrotiques en réalisant le remake du film éponyme danois. Le film de Christian Tafdrup a en effet stupéfait de nombreux spectateurs quant au jeu de miroir entre deux familles, diamétralement opposées sur leur perspective du bonheur.

La petite famille dans la prairie

L’été croate bat son plein et la bonne humeur se dégage de tout part, à l’exception des membres de la famille Dalton, que l’on découvre distants les uns des autres. Débarquent alors d’autres vacanciers plus dynamiques et moins pantouflards qu’eux. Ils se laissent guider par leurs pulsions et leurs désirs, échangent ouvertement et avec une grande sincérité avec les Dalton. Après cette étape de séduction, remplie de sarcasmes et de viles intentions derrière leur sourire charmeur, les moutons sont désormais invités à danser avec les loups, littéralement. Au terme de cette rencontre enchantée, et sans plus attendre, direction les contrées rurales de l’Angleterre, loin de la routine et des exigences infernales de la capitale, pour un week-end en famille qui flirte avec l’atmosphère angoissante de Midsommar, à moindre mesure.

Comme le titre l’indique, il demande à ses personnages un contrôle sur eux-mêmes, de rester sages et bienséants. Ne pas faire de vague, ne pas ouvrir la bouche quand ce n’est pas nécessaire, c’est juste dans cette optique que l’on reconnaît la captivité de la famille londonienne dans un décor et un confort qui ne lui est pas familier. Watkins en profite donc pour brosser le portrait de la famille Dalton, très dysfonctionnelle et qui cumule tous les clichés dramatiques entre le mari en défaut d’autorité, de confiance et de masculinité, l’adultère de son épouse, son végétalisme et la surprotection pour sa fille de 12 ans Agnès, qui suffoque lorsqu’elle qu’on la sépare de son lapin en peluche. En opposition à une famille, semble-t-il « parfaite », mais surtout heureuse, les Dalton se laissent donc dépasser par la générosité de leurs hôtes un peu trop enthousiastes à l’idée de les voir débarquer dans leur patelin où personne ne les entendrait hurler.

Ferme tes yeux, donne-moi ta main

L’objet d’étude de Watkins consiste alors à sonder les maux de Ben et Louise Dalton, respectivement campés par Scoot McNairy (Monsters, Cogan) et Mackenzie Davis (Seul sur Mars), qui peinent à communiquer ou à se tenir dans la même échelle de plan. Ce qui est rarement le cas pour le couple que forment Paddy et Ciara. Ce n’est que par petites touches que ce duo révèle des failles et confirme de bien lugubres soupçons. Les micro-aggressions, souvent malsaines et voyeuristes, se multiplient et génèrent cette tension qui se resserre sur les Dalton. Il est toutefois dommage de ne pas pousser les curseurs du malaise à fond. Hormis un regard furtif à travers une vitre et un gobage forcé d’une tranche d’oie, le réalisateur troque la viscéralité de son thriller avec de l’ennui, tout aussi mortel.

De même, le film manque d’être incisif lorsqu’il fait appel à la cruauté graphique, là où le film danois capitalisait autant sur les sévices physiques que sur la dimension psychologique, un peu à la manière de Funny Games de Michael Haneke. Non pas qu’elle soit nécessaire, mais ces éléments sont soit trop éparpillés dans le récit ou trop condensé dans le climax, que l’attente finit par agacer. Le remake de Watkins semble ainsi avoir lissé les traits de caractère des hôtes, malgré une débauche d’énergie comme James McAvoy l’a notamment démonté dans Split. Cela est tout de même suffisant pour éclipser la performance d’Aisling Franciosi, d’abord aperçu dans le rôle de Lyanna Stark dans la série Game of Thrones, puis révélé dans l’impressionnant The Nightingale. À cet étrange duo, très bipolaire dans leur attitude, s’ajoute Ant, un garçon qui n’a plus de langue pour pouvoir s’exprimer. Mais existe-t-il une bonne raison à cela ? À tour de rôle, paternité et maternité s’entrechoquent pour y répondre, car ce qui compte par-dessus tout dans cette intrigue, ce sont bien les actes des personnages, qui sont alors punis ou récompensés en conséquence. Reste à savoir quelle est la meilleure issue pour les Dalton, piégés dans l’enfer d’une amitié et d’une bienséance toxiques, afin de vaincre leurs démons et de se réconcilier pour de bon.

Petite bulle rafraîchissante en début de festival, Speak No Evil ne manque pas de dissimuler certains de ses défauts grâce à son final assez jouissif et à son humour noir plutôt adroit, notamment lorsque James McAvoy prend les rênes du récit.

Speak No Evil est présenté dans la sélection Premières au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : James Watkins
Année : 2024
Durée : 1h50
Avec : James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Aisling Franciosi, Alex West Lefler, Dan Hough
Nationalité : États-Unis

Premier long-métrage de Titus Kaphar, Exhibiting Forgiveness compose un drame familial centré sur les relations pères-fils et la recherche perpétuelle du pardon. Des thématiques classiques traitées sous l’angle un peu plus innovant de la création artistique comme canalisateur d’une souffrance passée dévorante. Malheureusement, la longueur du film et la relative stagnation des personnages, qui évoluent peu émotionnellement, n’impliquent le spectateur que dans la lente attente d’une réconciliation finale.  

Synopsis : Un artiste noir qui se libère de son pas­sé à tra­vers ses pein­tures voit son ascen­sion vers le suc­cès contra­riée après la visite impromp­tue de son père, un ancien toxi­co­mane déses­pé­ré à l’idée de se récon­ci­lier avec son fils. Ils vont batailler ensemble et apprendre qu’il est plus dif­fi­cile d’oublier que de pardonner.

Titus Kaphar, peintre américain dont les œuvres sont exposées au MoMa et au MET de New York, étend avec Exhibiting Forgiveness son champ d’expression artistique. En passant du pinceau à la caméra, le réalisateur brosse le portrait d’une famille en crise, dont les membres se déchirent face à la douleur et à la haine. Les tableaux, qui constituent des sortes de fenêtres sur le passé, donnent à voir l’image d’une enfance brisée incapable d’oublier.

L’éducation à la dure

Tarrel mène une existence confortable avec sa femme Aisha et son fils. Peintre célèbre qui enchaîne les expositions, propriétaire d’une grande maison, tout semble lui réussir. Pourtant, il traîne dans son passé une rancœur indélébile qui le réveille en sursaut et le fait cogner violemment contre les murs. Cette rage, Tarrel la contient dans le cadre de ses peintures, forme de catharsis libératrice de sa souffrance. Mais lorsque son père, La’Ron, resurgit brusquement dans sa vie, cet équilibre précaire bascule.

Appelé à se remémorer l’apprentissage sévère que lui a infligé son père toxicomane, entre coups et travaux acharnés, Tarrel refuse de renouer des liens avec La’Ron. Malgré sa brutalité, c’est bien cette éducation de forcenée qui a forgé, avec le temps, la personnalité créative de Tarrel. Et même si l’on ne peut cautionner un tel traitement, l’attitude de Tarrel, focalisée sur ses blessures, et non sur tout ce qu’il a accompli, finit presque par agacer. Son père, qui se cherche des excuses, lui en fait d’ailleurs la remarque. Profondément marqué par cette expérience, Tarrel s’est construit en parfaite opposition avec La’Ron, jusque dans la définition de sa figure paternelle. Loin de reproduire le traumatisme de son enfance, Tarrel traite en effet son fils avec amour et délicatesse.

Au contraire, La’Ron a sciemment appliqué à son enfant la même éducation stricte qu’il a vécue. Exhibiting Forgiveness souligne ainsi le tragique de la reprise de schémas familiaux, dont la machine implacable se perpétue de génération en génération. Cette violence, La’Ron la justifie par un simple objectif, faire de son fils un homme, doublé d’un constat sociétal, les individus noirs ne peuvent réussir qu’en se tuant à la tâche. Cette réalité, qui aurait été pertinente à développer, ne constitue cependant pas le sujet du film, qui reste principalement attaché à la réconciliation avec le passé.

L’art du pardon

La mère de Tarrel, Joyce, exerce le rôle d’une médiatrice entre Tarrel et La’Ron. Fervente adepte de l’Eglise et lectrice de la Bible, elle considère le pardon comme une nécessité absolue, car celui qui ne pardonne pas ne saurait lui-même être pardonné. Si l’art représente l’exutoire de Tarrel, pour Joyce, c’est la religion qui devient un véritable refuge. Ses efforts favorisent alors des rencontres et des tentatives d’explications successives entre père et fils. Tarrel parviendra-t-il enfin à vider son esprit, à l’image de sa silhouette qu’il découpe au couteau dans la toile ?

En exposant directement son seul enjeu centré autour de la réconciliation, Exhibiting Forgiveness peine à susciter notre intérêt pendant ses deux heures mal rythmées et entrecoupées de chansons, d’autant plus que l’émotion ne jaillit pas vraiment dans l’acte final en demi-teinte. Le personnage de Joyce, éprouvée par La’Ron, mériterait davantage de développements, alors que la relation entre Tarrel et La’Ron tourne en rond pendant la majorité du récit. Ceci nous laisse l’impression d’un film statique, qui propose néanmoins quelques idées de mise en scène, notamment un jeu sur les tableaux qui surgissent dans les décors. Il n’est pas encore certain que Titus Kaphar renouvelle ce premier vernissage cinématographique, mais Exhibiting Forgiveness contribuera peut-être, si l’on oublie ses défauts, à sa renommée d’artiste international.

Exhibiting Forgiveness est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Titus Kaphar
Année : 2024
Durée : 1h52
Avec : André Holland, John Earl Jelks, Aunjanue Ellis-Taylor, Andra Day
Nationalité : États-Unis