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Les films de boxe ont toujours eu cette tendance à raconter la vie des athlètes ou encore d’un lieu. Le ring devient alors un exutoire qui compense l’hostilité de la société dans laquelle les protagonistes sont souvent impuissants et démunis. Bang Bang ne déroge pas à la règle et nous donne rendez-vous dans la banlieue de Détroit pour y suivre la résilience d’un ancien boxeur. Dommage que ses coups manquent de cœur et de saveur.

Synopsis : Boxeur à la retraite, Ber­nard « Bang Bang » Rozys­ki décide d’entraîner son petit-fils après avoir renoué avec lui. Alors que cette nou­velle acti­vi­té le fait sor­tir du trou dans lequel il vit, tout le monde s’in­ter­roge sur ses vraies moti­va­tions, dont une ancienne petite amie qui fut témoin de l’as­cen­sion ful­gu­rante de Bang Bang dans les années 80 et de sa riva­li­té avec le boxeur Dar­nell Washing­ton. Bang Bang veut-il seule­ment trans­mettre sa rage ou bien est-il deve­nu altruiste ?

Onze ans après son premier long-métrage, Coldwater, où l’on est plongé dans l’univers carcéral d’un camp de redressement pour mineur, Vincent Grashaw injecte cette contrainte dans l’esprit d’un personnage torturé qui n’a jamais raccroché les gants. Quand le temps ne suffit plus à cicatriser les plaies, même les plus profondes, c’est un martyr que l’on envoie régler les soucis à coup de pugilats. Bernard Rozyski, surnommé « Bang Bang » grâce à son jab percutant, est un ancien champion de boxe poids plume qui digère mal sa défaite contre Darnell Washington (Glenn Plummer). Bien que ce dernier copine avec le succès, la fortune et la politique, ces deux lascars partagent tout de même une chose en commun. La boxe est derrière eux. Pourtant, Bernard semble décider à remonter de nouveau sur le ring, car le son de la cloche l’appelle.

Bleeding bull

Traditionnellement un sport où la masculinité prédomine, à quelques exceptions près (Million Dollar Baby, La Beauté du Geste), la philosophie de la boxe de Grashaw se limite toujours à lever sa garde, à encaisser et à renvoyer les coups (Rocky Balboa). C’est ce que l’on peut évidemment ressentir lorsque l’on scrute le corps diminué de Tim Blake Nelson, qui carbure à l’alcool et aux sandwichs au ketchup. Cet acteur, courtisé par les frères Coen dans O’Brother, La Ballade de Buster Scruggs ou bien chez Marvel dans l’oubliable Incroyable Hulk, porte tout le film sur ses épaules et constitue sans doute à lui seul tout l’intérêt de rester jusqu’au générique. Même si son personnage de Bernard Rozyski évolue assez peu dans le temps, il reste de loin le meilleur élément d’une intrigue qui superpose des arcs narratifs inachevés. Une galerie de personnages secondaire gravite donc autour de lui, dont Justin (Andrew Liner) son petit-fils, Sharon (Erica Gimpel) et Darnell, avec qui il entretient une amère rivalité.

Structuré comme une succession de rounds de boxe, où il y a un combat à mener pour chacun des protagonistes, que ce soit contre la misère, des travaux d’intérêt général ou un cancer. Rien ne semble malheureusement aussi intéressant ou pertinent que la trajectoire et les motivations de Bernard. Convaincu de pouvoir coacher Justin pour renouer avec la victoire, même si ce n’est que par procuration, il nous est permis de douter sur son comportement, entre égoïsme et altruisme. D’autres films ont pourtant mieux traité cette question, notamment avec The Fighter. Mais pour ne pas trop souffrir de la comparaison, Bang Bang finit par lâcher prise en laissant Bernard errer dans son ancienne maison dans le dernier acte. Une manière pour lui de se cacher derrière ses heures de gloire passées, qui ne sont que des illusions. Nous assistons alors à des échanges lunaires avec de riches junkies, révélant pour de bon tous les défauts d’écriture que le récit traîne depuis son exposition. Un personnage sort même son téléphone pour résumer la vie de Rozyski sur Wikipédia. Et ce n’est qu’un des exemples qui justifie un peu plus la déception qui entoure la grande histoire de Vincent Grashaw.

Ce dernier souhaite définir la nature d’un boxeur et définir sa soif du combat. Cependant, Bang Bang tente plus qu’il ne réussit et échoue lamentablement à marquer les esprits, surtout dans cette compétition peu distrayante. Il frappe donc trop souvent à côté de son sujet, à savoir un hommage universel aux sportifs qui ont perdu, sacrifié ou abandonné leur âme sur le ring. Ce n’est qu’au terme d’une balade sans cohérence que l’on se permet d’être didactique sur les choix que l’on fait en tant qu’individus et sur les conséquences de la boxe que Bernard a empruntée. Dommage que cette leçon nous soit délivrée avec aussi peu de punch et trop de timidité.

Bang Bang est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Vincent Grashaw
Année : 2024
Durée : 1h44
Avec : Tim Blake Nelson, Glenn Plummer, Kevin Corrigan, Nina Arianda, Andrew Liner, Erica Gimpel, Daniella Pineda
Nationalité : États-Unis

Portrait intime entre un père et son fils trisomique, Color Book déploie toute son intensité émotionnelle dans leur complicité hors du commun. Doté d’un sujet qui a tout pour bouleverser, David Fortune injecte toute sa foi dans son premier film, où il nous donne une bonne raison de suivre le parcours d’un duo en mal de repères et d’affection. Une petite note de douceur au milieu d’une sélection assez disparate.

Synopsis : Après le décès de son épouse, un père dévoué apprend à éle­ver seul son fils atteint de tri­so­mie 21. Tout en s’a­dap­tant à leur nou­velle vie, ils entre­prennent un voyage à tra­vers la ville d’Atlanta pour assis­ter à leur pre­mier match de baseball.

À la manière de Rain Man, ce road-trip dramatique repose alors essentiellement sur la complicité d’un père et son fils trisomique, tous deux endeuillés de Tammy (Brandee Evans), une épouse et une mère attentionnée, à la suite d’un accident de voiture. Dans le but de pallier cette perte et de se rapprocher l’un de l’autre, Fortune nous concocte un voyage semé d’embûches à travers la banlieue industrielle d’Atlanta. Assister à un premier match de baseball à domicile constitue alors le fil rouge du récit, mais Lucky (William Catlett) entend également cette proposition de la part de son fils Mason (Jeremiah Alexander Daniels) comme la dernière volonté de sa femme et compte bien achever cette mission quoi qu’il advienne.

Colorier les sentiments

Il n’est donc pas question de traiter du handicap comme dans L’École de la vie, ou d’en rire sans jugement comme dans Un p’tit truc en plus, mais plutôt de raconter en quoi il est indispensable d’accompagner ces individus en manque d’amour. Pas non plus question de discuter de l’intégration de ces personnes au cœur de la société (Hors normes), car ce récit est ancré dans l’instant (Le Huitième Jour). Père et fils sont amenés à s’apprivoiser et à se chérir comme personne d’autre ne le ferait à leur place. David Fortune a déjà accompli cet exploit dans son précédent court-métrage, Us, qui conserve la même aura, malgré des longueurs qui rendent quelques séquences de crises répétitives. Panne de voiture et train manqué sont quelques exemples de la fuite en avant qui opère et qui mettra Lucky à rude épreuve. La patience, le tact, la compréhension, ces choses ne sont pas si naturelles qu’il n’y paraît. Mason perd facilement sa concentration sous les ultimatums d’un père déchaîné et convaincu de bien faire. La force du récit, qui n’a rien d’original en soi, réside pourtant dans leur capacité à marcher, voire courir, main dans la main, sans s’arrêter et sans se laisser rattraper par le passé.

Durant la traversée, le cinéaste en profite également pour filmer, avec nostalgie et mélancolie, la Géorgie qui l’a nourri et élevé. Pourtant, le parti-pris d’une image en noir et blanc semble dispensable par bien des égards, notamment lorsque la caméra s’attarde sur le paysage métallisé et rouillé d’une ville qui est née et qui continue d’évoluer grâce à la révolution technologique. Fortune a déjà prouvé qu’il était capable de donner un sens plus profond aux couleurs de ses décors délabrés en baladant sa caméra dans les faubourgs de Los Angeles. Et quand bien même ce choix artistique monochromatique nous laisse imaginer les couleurs que l’on pourrait mettre dans le livre de coloriage du jeune Mason, il n’est pas difficile de percevoir le monde incolore dans lequel vivent les protagonistes. Cela ne veut pas dire pour autant qu’il n’existe plus aucune chaleur pour ces deux âmes errantes, qui cherchent infidèlement à se connecter à la mémoire de Tammy. Cela peut passer par un ballon, par des colliers de perles ou des fleurs (Shoebox), mais tout l’objectif de cette fine équipe est de jouer collectivement et à l’unisson, car ils recherchent désespérément la même chose, à savoir combler ce trou béant qui les empêche de rester à l’écoute l’un de l’autre pendant tout le trajet.

Parviendront-ils jusqu’au Truist Park à temps ? Pourront-ils enfin se réconcilier avec eux-mêmes, en mémoire de Tammy ? Toutes les réponses sont réunies dans une scène particulièrement prenante où Lucky et Mason s’engagent sur un passage piéton. Il s’agit notamment du point culminant de leur voyage, qui sur-symbolise un peu trop leur unité. Reste que cette séquence fonctionne mieux que les précédentes. Il manque donc encore quelques réglages pour que l’émotion jaillisse avec précision, car Color Book ne manque pas de générosité dans cette approche. Pour David Fortune, l’essentiel ce n’est pas d’avoir vaincu, mais de s’être bien battu. Ce vieil adage, qui peut sembler naïf selon la situation, trouve son lyrisme dans ce film de résilience, d’une grande sincérité.

Color Book est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : David Fortune
Année : 2024
Durée : 1h38
Avec : Will Catlett, Jeremiah Daniels, Brandee Evans, Terri J. Vaughn, Njema Williams, Kia Shine Coleman, Joseph Curtis Callender
Nationalité : États-Unis

Premier film d’Alessandra Lacorazza, In the Summers traite des liens familiaux qui s’étiolent à travers le passage progressif à l’âge adulte de deux sœurs soudées. Le film propose un drame émouvant, qui doit beaucoup à l’interprétation juste de ses comédiennes, tout en surfant délicatement sur la vague du cinéma queer. Cohérent et structuré, le long-métrage fait plaisir à voir au sein d’une Compétition qui manque décidemment de maturité cette année.

Synopsis : Vio­le­ta et Eva rendent visite chaque été à leur père Vicente, à la fois aimant et témé­raire. Il crée un monde mer­veilleux mais, der­rière la façade enjouée, lutte contre l’addiction qui érode pro­gres­si­ve­ment la magie. Vicente essaie de répa­rer les erreurs du pas­sé, mais les plaies ne sont pas faciles à refermer…

Après Exhibiting Forgiveness et Bang Bang, In the Summers poursuit à Deauville l’exploration de la complexité des rapports parentaux. Ici, la violence cède la place à la figure bien plus contrastée d’un père à la fois aimant et irresponsable, qui perd progressivement pied au fil des années. Alessandra Lacorazza signe un premier film incarné sonnant l’heure de retrouvailles estivales à la saveur douce-amère, entre moments de joie, distance et résilience.

Chroniques d’été

Composé de plusieurs chapitres entrecoupés d’ellipses narratives, In the Summers retrace l’évolution des relations entre deux sœurs, Eva et Violetta, leur père, Vicente et leur mère Carmen. En basculant de l’enfance insouciante à l’adolescence conflictuelle jusqu’au début de l’âge adulte, où les cicatrices demeurent, le film brosse le portrait d’une famille fragmentée qui peine à communiquer.

Eva, jeune fille très féminine et proche de sa mère, recherche constamment l’attention d’un père qui la dénigre. Malheureusement pas aussi « futée » que sa sœur, elle multiplie les efforts pour prouver sa valeur auprès de Vicente. Eva fabrique ainsi une jolie coupelle, reléguée en vulgaire cendrier, et s’entraîne seule au billard pour gagner la reconnaissance de son père. À l’opposé, Violetta apparaît comme un garçon manqué. Attirée par les femmes et dotée d’un esprit brillant, elle est préférée par Vicente même si elle s’oppose régulièrement à son père. Malgré leurs différences, Eva et Violetta, qui auraient pourtant des motifs de se jalouser, se soutiennent toujours dans leurs choix. Elles grandissent et apprennent ensemble, en dépit des épreuves jalonnant leurs existences. C’est d’ailleurs leur lien indissoluble qui sert de noyau à l’histoire comme à la famille.

Leur père, Vicente, lutte en effet avec une addiction qui le dévore à petit feu, ruinant sa vie et mettant sérieusement à mal un rôle de père qu’il n’occupe que de très loin, mais avec une certaine beauté. Il enseigne à ses filles le billard, le nom des étoiles et les entraîne même dans des balades au cœur des montagnes. Séparée de Carmen depuis plusieurs années, il peine à se reprendre en main. Au fil des années, Eva et Violetta se détachent lentement de leurs parents, ne leur rendant plus que de rares visites estivales. Avec une atmosphère plutôt réussie, In the Summers expose ainsi la désunion et la recomposition des familles face au passage inévitable du temps.

Une piscine remplie, sale, puis vide. Des corps qui se forment. Des personnalités qui se forgent. Des relations qui se nouent et se dénouent. In the Summers traite assez intelligemment de l’écoulement des années qui transforment ses personnages. Dans l’enfance joyeuse et insouciante, Eva et Violetta  vivent leurs plus beaux instants avec un père dont elles ne perçoivent qu’encore peu la condition. Mais dès leur adolescence, les difficultés surgissent lorsque les actes inconsidérés de Vicente se multiplient. Devenues adultes, les deux sœurs n’ont plus qu’une décision à prendre : pardonner un père aimant ou oublier un père inconscient.

Grâce à ces protagonistes émouvants, In the Summers nous offre un récit touchant et abouti. Même s’il manque un peu d’émotions pour nous emporter, le drame fonctionne et donne l’opportunité à sa réalisatrice, Alessandra Lacorazza, de gagner en notoriété. Le film ne ressortira probablement pas lauréat du Festival, mais il fait passer un moment tout à fait agréable au sein de la Compétition.

In the Summers est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Alessandra Lacorazza Samudio
Année : 2024
Durée : 1h35
Avec : René Pérez Joglar, Sasha Calle, Lío Mehiel, Leslie Grace, Emma Ramos
Nationalité : États-Unis

Présenté à la Quinzaine des Cinéastes au Festival de Cannes et en Compétition au Festival de Deauville, Noël à Miller’s point nous convie au réveillon d’une famille italo-américaine de Long Island. Tyler Taormina signe une œuvre emprunte de douceur et de nostalgie, composée d’une fontaine de saynètes et d’images. Un bonbon coloré que l’on peine malheureusement à avaler, faute à une absence criarde de scénario et de personnages.

Synopsis : Un réveillon réunit les membres d’une famille ita­lo-amé­ri­caine de classe moyenne. Alors que la nuit avance et que des ten­sions éclatent, l’une des ado­les­centes s’éclipse avec son ami pour conqué­rir la ban­lieue hivernale.

C’est la deuxième fois que Tyler Taormina foule les Planches de Deauville. En 2019, son premier film, Ham on Rye, qui s’attachait à un rite de passage d’adolescents lors d’une soirée lycéenne, avait également été sélectionné en Compétition. Après Happer’s Comet, une nouvelle virée nocturne dans la banlieue pavillonnaire, le réalisateur américain poursuit avec Noël à Miller’s Point son exposition très contemplative du quotidien cérémonieux de la classe moyenne américaine.

Chorale de Noël

Tyler Taormina a toujours conçu le cinéma comme un moyen de raviver des sensations diffuses. Lors de son introduction sur scène, il a d’ailleurs conseillé au public de réaliser des films afin de renouer avec les souvenirs parfois étiolés de notre mémoire. Le septième art devient alors une madeleine de Proust, une photographie instantanée de moments passés.

Dans Noël à Miller’s point, le réalisateur retourne à ses années d’enfance en décrivant comment sa famille célèbre depuis cinquante ans la veille de Noël. Ce jour unique, que l’on peut vivre de tant de façons, demeure pour Tyler Taormina un temps de bonheur et de partage. Le film cherche ainsi avant tout à restituer des émotions vécues, dans une sorte d’orgie sensorielle où les guirlandes scintillent, les bonbons coulent à flot et les cadeaux rivalisant de ridicule se dévoilent sous des yeux illuminés.

Sous sa couverture chaude de film choral, Noël à Miller’s point aurait pu s’inscrire dans la lignée de drames tels qu’Un conte de Noël ou Juste la fin du monde, des repas de famille virant à la tragédie, ou bien de comédies drôles ou romantiques comme Joyeux Noël et Love Actually. Malheureusement, il se contente de nous faire assister, très passivement, à une succession de scènes sans le moindre ruban rouge. Nous suivons ainsi, d’un côté, les frasques des enfants, qui jouent et finissent par s’évader en voiture pour une balade tout à fait anecdotique dans la banlieue. De l’autre, les parents qui cuisinent, chantent, et discutent en cachette de sujets fâcheux. Par ce découpage en petites bouchées d’un gâteau pas franchement savoureux, Noël à Miller’s point soigne l’emballage sans cacher l’inexistence de ses personnages à peine esquissés et de ses rares intrigues totalement oblitérées.

Paquet vide

Le film s’ouvre sur l’arrivée en voiture de parents, accompagnés par leurs deux enfants, dans le lieu de la fête, une maison bondée d’invités que l’on peine à identifier. Malgré sa relative longueur, Noël à Miller’s point ne prend en effet pas le temps de présenter ses protagonistes, qui ne composent finalement qu’un décor au même titre que le sapin et les guirlandes qui ornent le séjour. Les plus âgés, toujours isolés, ne servent qu’à faire rire, tandis que les enfants se réduisent essentiellement à des visages émerveillés face aux présents et aux confiseries.

En dehors de la fête et enfermés dans leurs chambres, les adultes discutent avec bien plus de gravité. Il est question de vendre la maison familiale et de placer la grand-mère fragile dans une institution. Mais aucun de ces enjeux, qui tombent comme un cheveu sur le pudding, n’est vraiment développé. L’évasion des adolescents, en quête de liberté, ne fournit pas davantage de l’eau à ce moulin qui brasse décidément de la neige et du vent. Même le traitement comique, à travers en particulier la figure de deux policiers presque muets, ne prend pas. Noël à Miller’s point ne réussit finalement qu’à retranscrire une ambiance de Noël psychédélique. Une madeleine de Proust pour Tyler Taormina, certes, mais un repas bien indigeste et ennuyeux pour le public.

Noël à Miller’s Point est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Tyler Taormina
Année : 2024
Durée : 1h46
Avec : Matilda Fleming, Michael Cera, Francesca Scorsese, Gregg Turkington, Elsie Fisher, Sawyer Spielberg, Maria Dizzia
Nationalité : États-Unis

Enfant de l’immigration juive russe, James Gray est connu pour ses personnages mélancoliques, qui errent souvent dans une impasse sociale. Que ce soit dans un film noir (Little Odessa, The Yards, La nuit nous appartient), d’époque (The immigrant), d’aventures (The Lost City of Z), de science-fiction (Ad Astra) ou d’autobiographie (Armageddon Time), cet auteur n’a cessé de remonter les névroses et les obsessions de son enfance afin d’y évoquer le déterminisme social, le racisme ou encore son rapport à la paternité. Révélé 20 ans plus tôt aux bords des planches de Deauville, le festival célèbre aujourd’hui son art en offrant à son public la possibilité de (re)découvrir sa riche filmographie. À l’occasion de cet hommage, nous avons choisi de nous arrêter sur Two Lovers, théâtre d’un bouleversant triangle amoureux. 16 ans après sa sortie, nous en avons toujours le cœur meurtri et déchiré.

Synopsis : Un homme hésite entre suivre son des­tin et épou­ser la femme choi­sie par ses parents ou se rebel­ler et écou­ter les sen­ti­ments amou­reux qu’il éprouve pour sa nou­velle voi­sine, belle et volage.

Ce que l’on désire par nécessité

Éloigné des réseaux mafieux, James Gray nous plonge dans l’univers torturé de Léonard, atteint d’une « maladie d’amour » qui l’empêche de faire ses propres choix, de suivre ses propres désirs et donc de prendre les commandes de sa propre vie. Il gravite ainsi autour d’une entreprise familiale, dont il est l’héritier, et d’une femme choisie par ses parents, Sandra, incarnée par Vinessa Shaw (la sulfureuse Domino échappée d’Eyes Wide Shut). Loin du conte de fée que ses parents prennent soin d’entretenir pour leur unique enfant qui vit encore chez eux, Léonard est frustré de sa situation et de son incapacité à couper le cordon. Cependant, si cette femme reste aussi discrète et repousse les avances des autres hommes pour se rapprocher de Léonard, c’est effectivement par amour. Pendant ce temps, Gwyneth Paltrow campe le rôle de Michelle, une voisine un tantinet satisfaite de sa relation toxique qu’elle entretient avec un homme marié. C’est pourtant pour cette femme-là que Léonard craque et devient un autre homme, plus à l’aise avec son corps, avec les mots et son esprit. Joachim Phoenix confirme alors sa qualité de jeu dans un moment où son personnage maladroit est piégé entre la raison et le désir, ce qui le rend charmant à bien des égards.

Chacun et chacune ignorent cependant que les sentiments qu’ils couvent ne sont pas réciproques. Il s’agit d’un cercle vicieux où l’on se chasse éternellement, mais combien de temps encore cette situation va tenir ? Parviendront-ils à s’émanciper de leurs désirs et de leurs contradictions ? Chaque personnage est plein de secrets, un peu comme Les Bonnes Femmes de Claude Chabrol. Par ailleurs, Gray est très admiratif de ses travaux et de la Nouvelle Vague dans son ensemble. Il filme l’intimité comme Robert Bresson et ses fabuleux travellings. En attestent les séquences où Michelle et Léonard se rencardent sur le toit de leur immeuble.

Pour trois personnages, nous avons ici two lovers, constituant un titre subtil et sublime, faisant référence à deux êtres qui s’aiment éperdument, ou à deux amants qui placent la troisième personne au milieu d’un désir indécis. C’est justement dans cette ambivalence que le réalisateur originaire du Queens pousse ses personnages à faire des choix complexes et à questionner leur amour. Pour eux, aimer peut signifier aider l’autre à guérir et à reprendre sa vie en main. Sandra attend ainsi que Léonard s’ouvre à elle pour de bon, ce dernier espère que Michelle mette fin à sa liaison et cette dernière s’impatiente que son amant puisse quitter son épouse pour s’enfuir avec elle.

Ce que l’on fantasme par amour

Si l’on croit peu aux liens qui ont du mal à se tisser, on ne peut que s’effondrer face à l’incertitude qui guette chacune de leurs actions, qu’elles soient sages, puériles ou absurdes. C’est dans cette hésitation, cette distance qui les rapproche ou qui les sépare de plus en plus que ce triangle amoureux gagne en authenticité et en honnêteté. Tandis que ce phénomène, répandu au cinéma comme dans la vie de nombreux citadins, se confirme aujourd’hui. Certains tentent de banaliser ce genre de relation (Chronique d’une liaison passagère), d’autres jouent sur le vampirisme des autres (Challengers) et d’autres encore digèrent leurs vies passées pour donner une chance dans le futur (Past Lives).

Sans tomber dans le piège des romcoms, dont les clichés sont souvent synonymes de lourdeur, Two Lovers parvient à sublimer l’authenticité d’un émoi dans un récit qui n’est ni comique, ni romantique. Empreint d’une grande maturité, ce film transcende et nuance même la notion du mariage, qui ne constitue plus exclusivement l’apogée d’une relation amoureuse ou qui ne représente plus la stabilité dont on vante les bienfaits. Jusqu’au dernier plan, James Gray empoigne la douleur de chaque personnage et en extrait une douce amertume qui nous renvoie à la scène d’ouverture, où Léonard manque de s’ôter la vie. L’espoir peut enfin renaître, même s’il faut parfois renoncer à ses convictions pour vaincre ses démons. Un moment de douceur et d’égarement en cette fin de festival.

Two Lovers est présenté dans la sélection « Hommage James Gray ».

Bande-annonce : Two Lovers

Fiche technique : Two Lovers

De : James Gray
Année : 2008
Durée : 1h50
Avec : Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Elias Koteas, Moni Moshonov
Nationalité : États-Unis

Si la guerre est enracinée dans la nature humaine, la survie l’est encore plus. Sous ses faux airs de road-trip testostéroné, Les Damnés travestit intentionnellement le décor du western afin de nous immerger dans les limbes que traversent des soldats de l’Union. Passé sous le radar du trop-plein de la sélection cannoise au printemps dernier, son ascension au cœur de la compétition du festival de Deauville ne pourra que lui offrir toute la visibilité espérée. Est-ce pour autant une bénédiction ? Fruit d’une proposition expérimentale, le film possède des qualités visuelles et réflexives indéniables, mais il peine à exister dans le domaine de l’abstrait ou du sensoriel.

Synopsis : Hiver 1862. Pendant la guerre de Sécession, l’armée des Etats-Unis envoie à l’Ouest une compagnie de volontaires pour effectuer une patrouille dans des régions inexplorées. Alors que leur mission change de cap, ils questionnent le sens de leur engagement.

Passionné par la culture américaine, Roberto Minervini a commencé par braquer sa caméra vers le Sud profond, son lieu de domicile. Il oriente ainsi ses personnages vers cette prise de conscience qui jalonne ce qu’il nomme sa « trilogie texane », composé de The Passage, Low Tide et Le Cœur battant. Il poursuit dans la même logique avec The Other Side, qui évoque le paradoxe qui s’empare de plusieurs individus en marge de la société, quelque part entre la misère et le monde des enfers. Il n’est donc pas étonnant de trouver le réalisateur italien aux commandes d’une nouvelle itération de ses thématiques, cette fois-ci dans un film d’époque plutôt bien léché esthétiquement. La lumière redonne ainsi de plus en plus de couleurs aux personnages, comme pour les éclairer sur la réalité qui les rattrape.

Jusqu’au bout du monde

Le film ouvre sur le déchiquetage d’un cerf par des loups, un plan évocateur du symbolisme qui occupe chaque plan à venir. La mort est au centre de l’image et la nouvelle proie sera bientôt un petit contingent de tuniques bleues. Tandis que la guerre de Sécession bat son plein, le groupe de yankees évoluent plus à l’Ouest dans le Montana, sur des territoires encore inexplorés et hostiles à leur présence. Pour survivre, leur unité ne doit pas être compromise, mais à leur démarche boiteuse et à leur visage éteint, il leur faudra plus que du courage pour atteindre leur destination finale, quelque part à l’horizon. Pourtant, il ne sera pas question de leur point de chute mais plutôt du point de rupture que les Yankees vont devoir confronter. Pour y parvenir, les plans isolés écrasent rapidement le concept du « groupe » afin de traiter des individualités. Il ne s’agit plus de voir des soldats de l’Union, mais de reconnaître l’identité de l’Homme derrière les uniformes, d’où la composition hétéroclite du casting (historiens, artistes visuels, écrivains, éleveurs, pompiers). Tout cela a pour objectif de nourrir et d’incarner des personnages qui possèdent leur approche philosophique, voire spirituelle, sur le monde.

Loin du front, l’attention de Minervini se porte sur des hommes qui sont poussés à éveiller leur conscience de soi. Sans pour autant évoquer les enjeux de l’esclavage, ces derniers papotent au sujet de leurs croyances et autour de mauvais cafés qui leur servent également de bouillote. Leurs échanges n’ont rien de monologues conventionnels, on peut sentir de la spontanéité, un peu comme dans les lettres que les Poilus adressaient à leur famille. En l’absence de jugement divin, chacun cherche à faire la paix avec soi-même, avant que la neige ne les recouvre entièrement. Mais en sont-ils seulement capables ?

Les garçons sauvages

Par le choix des angles de caméra, notamment durant le second acte, dédié à une embuscade, le film de Minervini rejoint celui d’Alex Garland (Civil War) dans son approche du conflit. Son point de vue se détache des images de la guerre civile qui sont illustrées dans les manuels d’histoire. Une dizaine de minutes durant, les balles sifflent de tout part, sans que l’on puisse nettement identifier les assaillants et leur position. La caméra continue de rester au crochet de ces hommes qui rampent et se cachent. À moitié dévêtus, accroupis à même la terre, les ruisseaux ou le cadavre d’un compagnon, ils s’arment par réflexe, comme si les loups du début de film étaient venus les dévorer. Le cinéaste italien joue ainsi avec les distances, l’angle de sa caméra et son montage pour que les spectateurs puissent partager la même perte de perception du temps et de l’espace que ces fameux « damnés ».

Ces grands espaces ouverts pourraient bien devenir leur tombeau, mais certains sont prêts à négocier leur espérance de vie jusqu’au bout. Et il faudra se tâcher de sang pour cela. Voici vers quel genre d’impasse le film les conduit. Une impasse qui les oblige à se replier vers leur foi hésitante et la seule question qui compte pour eux, même après la mort : « pourquoi sont-ils ici ? » Leur engagement et leur patriotisme sont mis en déroute dès l’instant où ils ont perdu le droit de penser. S’ils ont beau se battre au nom de la liberté, le camp opposé en fait de même pour la sienne. Mais alors comment définir ce sens aveugle du devoir ? Et comment résoudre toutes ces problématiques, propres aux citoyens américains, quels qu’ils soient ?

Les Damnés joue sur le terrain glissant de l’expérimental, sans évoluer avec une narration nette et précise, pour que l’aura du décor et la détresse des personnages parlent d’eux-mêmes. Si l’exercice est assez séduisant dans un premier temps, il ne rattrape en rien un manque de rythme et d’harmonie dans ces contrées lointaines de l’Ouest. À force de vouloir surligner l’état mental des protagonistes et de l’Amérique en général ou encore de désacraliser l’approche de la guerre au cinéma, le film ne peut compter que sur des balles perdues pour atteindre son public. L’audace est à saluer, l’intention est à méditer.

Les Damnés est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Bande-annonce : Les Damnés

Fiche technique : Les Damnés

Titre original : The Damned
Réalisation et Scénario : Roberto Minervini
Musique : Carlos Alfonso Corral
Son : Ingrid Simon
Mixage : Bernat Fortiana Chico
Photographie : Carlos Alfonso Corral
Montage : Marie-Hélène Dozo
Coloriste : Natalia Raguseo
Producteurs délégués : Francesca Vittoria Bennett & Biliana Grozdanova
Sociétés de production : Okta Film, Pulpa Film avec Rai Cinema
Co-producteurs : Michigan Films
Pays de production : Italie, États-Unis, Belgique, Canada
Distribution France : Les Films du Losange
Durée : 1h29
Genre : Historique, Guerre
Date de sortie : 12 février 2025

Examen de conscience sur la réalité des choix que l’on fait par erreur, par amour et par peur, The Knife nous immerge dans une prise d’otage psychologique où une famille afro-américaine tente de faire entendre leur droit de légitime défense. Ce huis clos ne satisfait malheureusement pas le divertissement en tension que le réalisateur Nnamdi Asomugha souhaite générer, faute à un scénario bancal, malgré d’honnêtes performances chez les comédiens qui défilent un à un devant la caméra.

Chris, ouvrier du bâtiment, retape sa maison jusqu’à pas d’heure, pour qu’elle constitue le refuge idéal pour sa femme Alex (Aja Naomi King) et ses trois enfants, dont un nourrisson. Malheureusement, lorsqu’une inconnue pénètre dans leur foyer en pleine nuit, la sécurité de la famille est mise en péril. Chris choisit d’agir, mais ne se souvient plus du déroulement des faits qui ont conduit l’intruse au sol, inconsciente et entre la vie et la mort. Si l’histoire aurait pu s’arrêter après une simple déposition auprès de la police, le cinéaste, également interprète de Chris, joue mal sa carte de « l’Homme noir en Amérique » ou de « l’Homme noir contre les préjugés des forces de l’ordre ». À force de tirer sur la sirène d’alarme morale, le récit tue son propre suspense.

Trancher dans le vide

Dans un contexte similaire, où les accusations déferlent sans arrêt sur le protagoniste, nous avons Reality, où une jeune femme était prise en étau par des agents du FBI très intrusifs et déstabilisants durant leur interrogatoire, intégralement enregistré. En collant mot pour mot aux échanges, jusque dans les bégaiements d’incertitudes de l’accusée, Tina Satter est parvenue à reconstituer une tension inébranlable et quasiment en temps réel. Atmosphère anxiogène, sentiments d’injustice et d’oppression sont les motifs que partagent les deux films. Il manque cependant à Nnamdi Asomugha et Mark Duplass la maîtrise de l’écriture et de la mise en scène afin que son thriller parvienne à rester cohérent de bout en bout.

Peut-être qu’en endossant de multiples casquettes pour que ce film indépendant puisse voir le jour, Asomugha a manqué de recul sur son œuvre très légitime sur le papier, mais en défaut d’efficacité à l’écran. Le cinéaste se donne pour défi de raconter la bascule entre la vie tranquille d’une famille à son démantèlement par la terreur et un manque de communication. Dans la seconde partie, après avoir donné aux spectateurs « les faits », les membres de la famille se battront pour leur survie, tandis qu’une enquêtrice est chargée de chercher « la vérité ». Mais suffit-elle vraiment à disculper le mari pour son dérapage, ou bien mettra-t-elle sa famille en danger ?

Black-out

Ce qui semble a priori découler de la légitime défense ne l’est pas dans l’absolu à cause d’un black-out volontairement dissimulé aux protagonistes et aux spectateurs. Que s’est-il réellement passé ? Y avait-il un lien entre la victime et l’agresseur ? Pouvons-nous formellement les identifier selon plusieurs versions confuses ? Après l’arrivée en fanfare de la police sur les lieux, rappelant un home invasion, le jeu consiste à croiser les déclarations des uns et des autres, individuellement et avec une pression psychologique que l’inspectrice Carlson prend soin de distiller derrière ses fausses formules de politesse. Incarnée par l’oscarisée Melissa Leo (The Fighter), cette vétérane armée de son flair et de son dictaphone sonde les paroles et les non-dits de la famille.

Si tous les plans sur les mains moites, les visages en sueur et le regard fuyant sont dispensables pour créer de la tension, elle existe un certain temps avant que les dialogues sabotent le scénario, trop incohérent dans l’enchaînement que cela en devient absurde. Chacun possède sa propre vérité, que ce soit le père, la mère, les enfants ou l’inspectrice. Anatomie d’une chute et Quitter la nuit en attestent. Le système judiciaire contraint les individus, et notamment les victimes, à travestir l’honnêteté pour se mettre en sécurité contre des protocoles sans nuances (Border Line). L’idée est évidemment bonne mais la succession de clichés et les plans sur le fameux couteau alourdissent constamment ces propos.

Vain dans sa construction et prévisible dans sa narration, The Knife échoue à maintenir une pression psychologique sur le spectateur, qui n’a plus qu’à ronger son frein avant que la sentence ne soit prononcée pour Chris et sa famille. Dans sa volonté d’illustrer l’horreur du réel et l’horreur des choix sans incidence que l’on fait, le premier-long-métrage de Nnamdi Asomugha se perd dans la démonstration et nous fait perdre de vue le fil rouge que le couteau du titre a tranché par mégarde.

The Knife est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

De : Nnamdi Asomugha
Année : 2024
Durée : 1h22
Avec : Nnamdi Asomugha, Melissa Leo, Aja Naomi King, Manny Jacinto, Amari Price, Aiden Price, Lucinda Jenney
Nationalité : États-Unis

Grand Prix du Festival de Cannes 2024, All we imagine as light a été présenté en avant-première au Festival de Deauville dans la sélection « À l’heure de la Croisette ». En s’attachant au portrait d’un Mumbai effervescent et de jeunes femmes indiennes, le film dépeint avec sensibilité les carcans d’une société traditionnelle. Malgré quelques longueurs, il nous offre une belle ode féminine à l’amitié, l’amour et la liberté.

Synopsis : À Mumbai, le quotidien de Prabha est perturbé lorsqu’elle reçoit un cadeau inattendu de son mari parti vivre à l’étranger. Sa jeune colocataire, Anu, essaie en vain de trouver un endroit dans la ville pour faire l’amour avec son petit ami. Un voyage dans un village côtier offre aux deux femmes un espace où leurs désirs peuvent enfin se manifester.

La réalisatrice Payal Kapadia a acquis sa notoriété dans le monde du documentaire. Après plusieurs courts-métrages, elle signe son premier film, Toute une nuit sans savoir, lauréat de l’œil d’Or à la Quinzaine des Cinéastes de Cannes en 2021. En basculant dans la fiction, elle conserve son attrait pour la représentation de la vie à Mumbai et d’une jeunesse éprise d’indépendance.

Dansons sous la pluie

Dès la scène d’ouverture, Payal Kapadia nous plonge au cœur de la capitale indienne. En pleine saison des pluies, la ville se dévoile, de nuit, dans une foule bouillonnante aux abords des trains. Au rythme de voix off éparses, la réalisatrice indienne pose le cadre de son récit à la manière de la documentariste qu’elle reste intrinsèquement. All We imagine as Light prend donc son temps, et on sent que Payal Kapadia aime tout autant filmer la vie de sa cité natale que ses personnages.

L’histoire s’attache au quotidien de deux jeunes infirmières, Prabha et Anu, colocataires d’un appartement à Mumbai. La première, mariée à un parfait inconnu parti travailler en Allemagne, se morfond dans une existence vide tout en se berçant d’illusions. Attachée à un époux absent, dont la seule matérialisation réside dans un autocuiseur envoyé d’Europe, qu’elle enlace tendrement, Prabha vit dans une attente désespérée qui l’empêche d’avancer. Elle refuse de s’ouvrir sur l’extérieur et croit encore que son époux lui reviendra. Quant à Anu, elle fréquente en secret Shiaz, un homme d’origine musulmane. Incapable d’avouer la vérité à ses parents, qui lui recherchent des prétendants dans son dos, Anu n’aspire qu’à gagner sa liberté.

Entre mariages arrangés et relations prohibées, All we imagine as light souligne ainsi la condition de femmes indiennes aux désirs inaccessibles. En Inde, l’amour véritable apparaît alors comme une réalité malmenée, improbable ou interdite. Prabha et Anu, bien que très proches, n’ont pas du tout le même regard sur ce contexte sociétal peu complaisant envers la place des femmes. En effet, leur duo, qui rappelle un peu les deux sœurs de Raison et Sentiments, l’adaptation du roman de Jane Austen, ne s’accorde pas sur la voie à prendre. Aussi, Prabha, incarnation de la raison, reste irrémédiablement fidèle à un mari qui ne l’a pas appelée depuis un an. Elle considère que les mariages organisés font partie du destin des femmes et qu’il est nécessaire de les accepter. Anu, en revanche, plus jeune et impulsive, vit ses passions sans se soucier des convenances et du regard des autres.

Malgré cette dichotomie, la complicité entre les deux jeunes femmes, qui se disputent parfois mais se soutiennent souvent, compose la base d’un récit traité avec beaucoup de tendresse. Filmé à fleur de peau, de manière assez pudique, All we imagine as light parvient à nous toucher grâce à sa sincérité. Il compose une histoire d’amitié, parsemée d’amour, dans laquelle le bonheur et l’espoir restent, comme des lumières dans le ciel, toujours à portée de main.

Cependant, en déployant assez rapidement ses enjeux, le récit s’étire en longueur et s’épuise un peu en chemin. Il manque ainsi de péripéties susceptibles de donner du souffle et de l’ampleur à une histoire qui se résume finalement en quelques lignes. All we imagine as light fonctionne donc parfaitement dans son aspect descriptif, en lien avec le caractère documentaire de certaines scènes, mais bien moins au niveau dramatique. Et si le film dégage une grande délicatesse, il ne nous emporte pas complètement. Sûrement car la réalisatrice Payal Kapadia n’a encore franchi qu’à moitié les barrières du monde de la fiction.

All we imagine as light est présenté à L’Heure de la Croisette au Festival de Deauville 2024.

Fiche Technique

Réalisé par : Payal KAPADIA
Année de production : 2024
Pays : France, Inde, Pays-Bas, Luxembourg
Durée : 114 minutes
Date de sortie : 02.10.2024

Todd Wiseman Jr. nous a fait l’honneur de présenter son premier long-métrage à Deauville en première mondiale. Entre Battle Royale, Hunger Games et Américain Nightmare, The School Duel décolore les valeurs d’une Amérique soucieuse de son contrôle et de sa sécurité. Un plongeon dans un monde post-apocalyptique et familier, où l’instrumentalisation de la violence va de pair avec une religion qui honore ses rois et pleure ses martyrs.

Synopsis : Dans un futur proche, l’É­tat indé­pen­dant de Flo­ride a abo­li le contrôle des armes à feu et les fusillades dans les écoles n’ont jamais été aus­si nom­breuses. Sam­my, un jeune gar­çon de 13 ans écor­ché vif à la recherche d’une noto­rié­té mal­saine, décide de par­ti­ci­per à une com­pé­ti­tion mor­telle appe­lée « The School Duel ». 

Après la célébration de son court-métrage de science-fiction The Exit Room au Tribeca Film Festival, sur un journaliste qui risquait la potence par le gouvernement lors d’une future révolution américaine, Todd Wiseman Jr. n’a pas renoncé à explorer les défaillances d’une société qui continue de retourner ses armes contre elle. C’est effectivement le cas avec sa nouvelle dystopie, où la jeunesse est sacrifiée sur l’autel de l’endoctrinement et du divertissement. Le programme « Duel des Écoles » constitue donc la plus grande force de dissuasion que l’État libre de Floride a mise en place afin de réguler les déviances et anticiper les actes de rébellion.

Garde à vous

La journée de Sammy (Kue Kellyn Lawrence) ne peut démarrer le rituel du serment d’allégeance et un enchaînement d’humiliation dans son école qui possède toutes les caractéristiques d’un camp militaire. Le jeune maigrichon de 13 ans sert de punching-ball à ses camarades et fait l’objet de moquerie et d’injustice lorsqu’il est enfin disposé à se défendre. Plongé dans un grande solitude, ce dernier se retranche dans les jeux vidéo et dans la boucle infinie de clips de propagande, sans savoir de quoi ils retournent. Le culte des armes et de la virilité envahit les supports numériques et toutes les formes d’arts qui restent accessibles. Il y a de quoi se rapprocher du portrait sarcastique de Starship Troopers, où la citoyenneté n’est garantie qu’après le service militaire. Nombreux sont ainsi les symptômes d’un régime totalitaire et ultraconservateur en place, où les résidents sont conditionnés à chérir leur drapeau jusqu’à leur mort.

Soucieux de rendre fier sa mère et d’honorer la mémoire de son défunt père, Sammy se laisse peu à peu dévorer par des ambitions patriotiques néfastes pour son avenir. Contre toute attente, sa quête de gloire l’emmène jusque dans la fosse aux lions, dans les jeux qu’organise le gouvernement pour remotiver les troupes et pour dénicher une nouvelle mascotte. Sammy continue alors de fantasmer sur la figure de « roi », celle qui lui accorderait l’immunité dans sa famille ou dans son quotidien, en plus de prendre de véritables galons. Une vingtaine d’adolescents s’affrontent alors dans une arène ouverte et avec des balles réelles. Ce qui constituait un concours pour la notoriété devient alors de la pure survie, à l’instant même où certains individus parviennent enfin à reconnaître le monde incolore dans lequel ils vivent et meurent comme des pions.

Requiem pour un massacre

Cela n’empêche pas le film de surfer sur de l’humour noir qui en dit long sur les intérêts d’une telle loi martiale et d’un tel dispositif. Wiseman en joue de ce décalage, fondé sur des idéologies extrémistes et bien réelles, quitte à lui-même réemployer des techniques de manipulation similaire au média qui diffuse et légitimise la tuerie. Le réalisateur prend soin de montrer les habitants dans leurs tâches quotidiennes, comme tondre la pelouse, tout en dirigeant notre regard sur les armes à feu chargées qu’ils ne quittent pour rien au monde. Telle est la voie du deuxième amendement, qui a déclenché nombre de fusillades dans les établissements scolaires. Le film ne manque pas de citer ces drames, qui peuvent toutefois évoluer vers une forme plus virulente et durable. Telle est la crainte et la mise en garde d’un cinéaste qui partage des traumatismes similaires avec son jeune protagoniste, pieds et poings liés.

Pour un premier long-métrage, le fond comme l’emballage esthétique réussissent à nous plonger dans les travers d’un monde qui cherche plus que tout à éliminer la menace de l’intérieur, des indésirables auxquels nous n’avons pas besoin de nous identifier pour remonter la source du mal. Ainsi, The School Duel fascine dans la manière dont son discours préventif nous tient en joug. Un sujet qui ne manque pas de diviser, alors qu’il braque pertinemment un miroir de vérité sur une nation en proie à ses relents extrémistes.

The School Duel est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Todd Wiseman Jr.
Année : 2024
Durée : 1h30
Avec : Kue Kellyn Lawrence, Christina Brucato, Oscar Nuñez, Clayton Royal Johnson, Eugenie Bondurant, Thomas Philip O’Neill, Jim Kaplan, Kelsey Darragh, Jamad Mays
Nationalité : États-Unis

Premier long-métrage de Ryan J. Sloan, Gazer propose un thriller psychologique dans la lignée du cinéma des années 1980. Présenté à la Quinzaine des Cinéastes au Festival de Cannes puis en Compétition au Festival de Deauville 2024, le film, tourné en 16mm avec un budget restreint, nous immerge dans une atmosphère à suspense parfaitement maîtrisée. Dommage que son scénario, pas totalement abouti, ne soit guère à la hauteur de la démonstration technique.

Ryan J. Sloan, électricien originaire du New Jersey, ne dispose d’aucune formation cinématographique. À la manière d’un Quentin Tarantino ou d’un Christopher Nolan, le réalisateur américain s’est formé sur le tas. C’est son amour pour le septième art qui l’a conduit, avec sa coscénariste et actrice Ariella Mastroianni, à prendre en main la caméra. Avec Gazer, il signe un thriller paranoïaque centré sur la perception d’un personnage déconnecté de la réalité, à l’image de Lenny, atteint d’amnésie antérograde dans Memento.

Bandes ombilicales

Frankie peine à joindre les deux bouts en enchaînant des petits boulots. Séparée de sa fille, elle lutte contre une maladie appelée dyschronométrie qui déforme son appréciation du temps et de la réalité. Afin de ne pas perdre pied et de se raccrocher au présent, Frankie enregistre et collectionne des cassettes audio qu’elle écoute pendant chacun de ses déplacements. Guidée par sa propre voix, et focalisée sur l’observation des gens, elle parvient tant bien que mal à gérer son quotidien. Lorsqu’une mystérieuse femme d’un groupe de parole lui propose un arrangement contre une belle somme d’argent, Frankie s’embarque malgré elle dans une sombre affaire criminelle.

Ryan J. Sloan et Ariella Mastroianni souhaitaient créer avec Frankie un protagoniste féminin unique en son genre. C’est en lisant le roman L’Homme qui prenait sa femme pour un chapeau, qu’ils découvrent la dyschronométrie, une pathologie caractérisée par une difficulté à vivre dans le monde numérique. Surstimulés aux écrans, les individus atteints souffrent de maux de têtes, de confusion, de crises et de pertes de mémoire. Cette maladie compose la base du récit de Gazer.

Remarquablement interprétée par Ariella Mastroianni, qui porte le film à elle seule, Frankie cherche à résoudre un labyrinthe d’évènements tout en fuyant les policiers et protégeant sa fille. Forte et débrouillarde, elle rappelle un peu la Lisbeth Salander de Millenium. On peine cependant à prendre pleinement la mesure de sa condition cognitive. En effet, à l’exception de quelques crises et de son refus d’utiliser un téléphone portable, Frankie semble paradoxalement plutôt lucide. Ses actes restent réfléchis et sa pensée logique. Ainsi, contrairement au Lenny de Memento, elle ne paraît pas perdue dans un milieu étranger. Ceci altère malheureusement le lien entre la perception singulière du monde de Frankie et l’intrigue principale, dans la mesure où une personne normale serait sûrement tombée dans le même engrenage.

Puzzle imparfait

L’intrigue de Gazer s’inspire de l’univers de Christopher Nolan, mais aussi des thrillers noirs des années 1980 et de Hitchcock. On y retrouve la même galerie de personnages, comme la femme fatale, l’enquêteur et le héros naïf manipulé. L’atmosphère sombre et tendue du film, avec son côté rétro, fonctionne très bien. Recherches, filatures et courses poursuites s’enchaînent alors dans un bon rythme avec un montage dynamique et une mise en scène assez trépidante.

Malgré cette indéniable réussite technique, Gazer ne convainc pas suffisamment dans la construction de son scénario, dont les pièces ne s’emboîtent jamais parfaitement. Outre la maladie de Frankie, qui n’influence pas directement le déroulement du récit, Ryan J. Sloan ne parsème l’histoire d’aucun indice avant de nous livrer sur un plateau une partie d’explications qui ne résout pas totalement les enjeux exposés. En en disant trop, ou pas assez, selon le point de vue adopté, Gazer délaisse l’implication du spectateur et perd en lisibilité. Nous restons donc un peu sur notre faim, avec l’impression d’avoir vu un thriller d’une redoutable efficacité technique mais pas tout à fait achevé. Ryan J. Sloan, que l’on risque de retrouver prochainement, fait tout de même partie des belles révélations du Festival.

Gazer est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Ryan J. Sloan
Année : 2024
Durée : 1h54
Avec : Ariella Mastroianni, Marcia Debonis, Renee Gagner, Jack Alberts, Tommy Kang
Nationalité : États-Unis