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Suite directe du premier Smile (2022) qui avait fait grand bruit dans nos salles obscures deux ans auparavant, Parker Finn revient aux manettes de ce nouveau volet avec une ambition démesurée, prêt à faire monter le trouillomètre à son maximum.

Synopsis : À l’aube d’une nouvelle tournée mondiale, la star de la pop Skye Riley se met à vivre des événements aussi terrifiants qu’inexplicables. Submergée par la pression de la célébrité et devant un quotidien qui bascule de plus en plus dans l’horreur, Skye est forcée de se confronter à son passé obscur pour tenter de reprendre le contrôle de sa vie avant qu’il ne soit trop tard.

Doté d’un budget de 17 millions de dollars – les productions horrifiques ordinaires coûtant entre 5 et 10 millions pour l’immense majorité – le premier film semblait déjà hors normes pour une production horrifique, encore plus pour un film rated-R (interdit aux personnes de moins de 17 ans non accompagnées aux États-Unis). Loin des productions formatées du genre et n’hésitant pas à pousser le spectateur dans ses retranchements, le réalisateur est désormais doté  d’un budget de 28 millions de dollars, ce qui lui permet de passer la vitesse supérieure : il reprend la même formule en l’adaptant à un univers plus ouvert avec une protagoniste totalement différente. Skye Riley, pop star internationale revenant sur le devant de la scène après un an de traumatisme, est la star de ce deuxième film qui annonce directement qu’il sera aussi redoutable et psychologique que son prédécesseur. Le terrain de jeu choisi par le réalisateur se trouve particulièrement savoureux pour faire le rapprochement entre la malédiction et les nombreux problèmes de certaines stars – drogue, gestion de la célébrité, culpabilité, entre autres – et rajouter à cela un traumatisme bien personnel qui, comme dans le premier volet, sera au centre du récit.

Attention aux spoilers dans la suite de cet article…

Deux fois plus de gore, de traumatisme et de fun

Passée une introduction en plan-séquence particulièrement musclée qui donne le ton sur l’ambition de la mise en scène, Finn rappelle la solution évoquée pour se débarrasser de la malédiction – à savoir assassiner une personne devant témoin pour transmettre la malédiction – rappel idéal pour ceux n’ayant pas vu le premier, mais peu subtil pour les autres. S’en suit l’apparition de l’écran titre, là aussi de manière originale, avant de plonger directement dans le trauma de notre protagoniste. Au cours d’une interview télévisée (menée par la scream queen Drew Barrymore), nous pénétrons dans la psychologie de Skye Riley, victime d’un accident de la route il y a un an et revient sur le devant de la scène… cependant, elle est montrée à travers un écran. En effet, la caméra zoome sur un écran de télévision qui diffuse en direct l’émission télévisée et notre point de vue en tant que spectateur est à travers cet écran de télévision. Premier sentiment d’inconfort pour le spectateur : nous ne sommes pas sur le plateau télé mais dans une pièce où la caméra filme la télévision. L’occasion est toute trouvée pour faire intervenir un screamer à tout moment. Bingo. Flash-back de notre héroïne s’arrachant les cheveux, élément qui va revenir plusieurs fois dans le film, indicateur de l’anxiété du personnage. Ce screamer intervient de manière abrupte (le principe d’un jump scare me direz-vous), mais est en lien avec la thématique abordée au cours de l’interview. Ce qui est plaisant, c’est que chaque screamer, au fur et à mesure du récit, va se révéler en lien avec l’histoire de Skye, le démon aimant visiblement remuer le couteau dans la plaie du traumatisme.

La thématique principale

La saga Smile traite avant tout et surtout du traumatisme. Au cours de ce second opus, une autre solution est envisagée pour se débarrasser de la malédiction. Après l’option « tuer quelqu’un devant un témoin » dans le premier film (ayant fonctionnée pour une victime, maintenant emprisonnée), ici, il faudrait simuler sa propre mort afin de tromper la malédiction. Mais comme pour Rose, rien n’y fait, ça ne marche pas. L’option semble balayée aussi vite qu’apparue, et cela peut sembler bien frustrant. Mais pourquoi refaire cette « erreur » de frustrer le spectateur ? L’idée n’est-elle pas ailleurs ? Il semblerait que la motivation derrière le procédé soit tout autre. En effet, le démon est la métaphore du traumatisme, et la malédiction celle de la culpabilité. Dans le premier volet, Rose a laissé sa mère mourir devant ses yeux sans l’aider, et dans le deuxième Skye a causé l’accident de voiture suite à un excès de colère. Tout lui rappelle le monstre qu’elle est. Le démon la dévore de l’intérieur. Le point culminant étant dans ce climax dans la chambre froide où elle essaye de s’introduire la substance qui lui fera arrêter son cœur : comme une personne droguée se piquerait pour un dernier moment de tranquillité. Dans la séquence finale, elle réapparaît devant son public, là où elle pensait que le succès mettrait sa culpabilité sous le tapis, le traumatisme lui revient en pleine face. Skye se suicide devant son public et transmet la malédiction à tous les spectateurs présents dans la salle de concert.

Un climax trop précipité ?

Ce dénouement, dont les premiers fans de la saga rêvaient secrètement, semble un peu trop rapide et, par conséquent, assez frustrant. Le personnage de Morris disparaît et le spectateur comprend qu’il n’était que fantasme et faux espoir, et là où le démon se dévoilait frontalement devant Rose à la fin du premier film est ici à peine perceptible. Cependant, suite à cette trop grande violence, les choses faites différemment ici sont tous comptes faits intéressants. Smile premier du nom se terminait sur Laura se donnant la mort en s’immolant par le feu, puis un dernier plan où la silhouette en flammes se reflétait dans l’œil de Joel. Ici, à l’inverse, c’est d’abord la réaction du public qui est montrée, puis le visage défiguré de l’artiste. Cette sensation de frustration d’imaginer le suicide final hors-champ questionne notre rapport à l’image. Le spectateur en demande toujours plus. Et pourtant, niveau violence et gore, ce deuxième opus n’est pas en reste. En effet, il se démarque du premier par sa quantité de scènes gores, dont une très marquante. Au cours d’une manifestation de l’esprit de Skye, elle voit sa mère se suicider devant elle. Le gore est presque too much, kitsch, irréel, un peu comme dans le dernier Terrifier 3. Ce n’est que quelques secondes plus tard que le faux sang devient bien plus réaliste lorsque le spectateur comprend que c’est Skye qui a poignardé sa mère. Sa culpabilité n’a de cesse de s’alourdir, rajoutant une dernière pierre au traumatisme du personnage. Le démon aime manipuler sa victime et le réalisateur aime torturer ses spectateurs.

Psychologie et sang au menu

En plus de cette imagerie particulièrement sanglante, le spectateur est plongé dans la psychologie du personnage. Peu de dialogues, beaucoup de silences pesants qui renforcent ce sentiment d’enfermement psychologique qui ne nous quitte jamais, sensation renforcée par le cadrage, toujours serré sur Skye, ou en laissant de la profondeur lors des plans moins serrés, comme si sa silhouette était aspirée par l’arrière-plan, pouvant faire surgir n’importe quel élément la menaçant. Au fur et à mesure des troubles de la réalité que subit Skye, un sentiment de paranoïa naît, accentué par un montage son incisif, qui, au fil des cuts, laisse passer un cri d’une fan, un klaxon, qui nous fait passer bondir de notre siège mais qui irrite. Cette bande-son de Cristobal Tapia de Veer contribue grandement au sentiment d’insécurité qui ne cesse de grandir au fil du long-métrage. Il est assez paradoxal de remarquer que le premier film était très enfermé, mené tambour battant par un silence assourdissant, mais celui-ci, bien que toujours psychologique, semble être doté d’une sensation d’ouverture, sûrement due aux musiques pop de l’artiste. Pourtant, l’oppression et la tension omniprésente n’ont de cesse de tourmenter le spectateur. Les deux héroïnes ont en commun cet isolement où personne ne les croit, où elles tournent de plus en plus à l’agressivité et détruisent encore plus ce qu’elles ont de plus cher autour d’elles – famille, travail, animaux. Déjà que la performance de Susie Bacon était à louer, celle de Naomi Scott impressionne de plus belle. Étant encore peu connue outre-Atlantique, l’actrice s’impose de manière très satisfaisante dans ce rôle en délivrant une des performances les plus généreuses de l’année, sublimée par le soin tout particulier apporté à ses costumes qui incarnent parfaitement ce rôle de pop star.

Smile 2 apparaît comme la suite rêvée en reprenant les ingrédients du premier opus et en les démultipliant à foison. Agrémentée d’une bande originale frémissante, d’effets de caméra originaux et de performances de haute intensité, tout y est dans ces montagnes russes horrifiques qui marqueront à coup sûr la période d’Halloween, comme le premier l’avait fait deux ans auparavant.

Bande-annonce : Smile 2

Fiche technique : Smile 2

Réalisation : Parker Finn
Scénario : Parker Finn
Casting : Avec Naomi Scott (Skye Riley), Rosemarie DeWitt (Elizabeth Riley), Lukas Gage (Lewis Fregoli), Peter Jacobson (Morris), Kyle Gallner (Joel), Ray Nicholson (Paul)
Musique : Cristobal Tapia de Veer
Direction artistique : Larry W. Brown
Décors : Keri Lederman
Costumes : Alexis Forte
Photographie : Charlie Sarroff
Montage : Elliot Greenberg
Production : Marty Bowen, Wyck Godfrey, Isaac Klausner, Robert Salerno
Sociétés de production : Paramount Pictures, Paramount Players, Temple Hill Entertainment
Société de distribution : Paramount Pictures
Date de sortie en France : 16 octobre 2024
Durée : 2h 12min
Genres : Thriller, épouvante-horreur

Cet uppercut cinématographique divisera, choquera et mettra KO ceux qui y adhéreront. D’ailleurs, on n’a pas vécu de claque du genre depuis Requiem for a dream pour ce qui se positionne largement comme LE film d’horreur de l’année, viscéral, extrême et terriblement intelligent. The Substance est une œuvre radicale qui vous happe dès les premières images par sa mise en scène travaillée avec logique dans le moindre des détails, son discours passionnant sur les canons de beauté (et tout ce qui tourne autour) et son concept théorique admirablement vulgarisé, maîtrisé de bout en bout. Un long-métrage qui vous hantera longtemps après vous avoir convié à un grand huit de sensations fortes à l’emballage hypnotique dont il est difficile de se remettre. Une expérience de cinéma qui s’apparente à un véritable chef-d’oeuvre, un objet unique et incroyable qui relègue le surestimé Titane au rang de sucrerie et risque de faire parler très longtemps de lui…

Synopsis : Avez-vous déjà rêvé d’une meilleure version de vous-même ? Vous devriez essayer ce nouveau produit :

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C’est ce qui s’appelle un sacré uppercut de cinéma. De ceux qu’on voit peut-être deux ou trois fois toutes les décennies. Voilà ce que nous offre la frenchie Coralie Fargeat pour son second film après le survival sympathique, mais pas extraordinaire, Revenge. Elle nous prend donc de cours avec son nouveau film laissant apparaître son premier comme un galop d’essai, une séance d’entraînement où elle laissait néanmoins déjà transparaître son amour pour le sang et la violence extrême par le filtre du film de genre. Avec The Substance, elle rend justement son œuvre plus substantielle puisque derrière les oripeaux d’un film choc et gore, elle nous gratifie non seulement d’une leçon de mise en scène, mais aussi d’une métaphore satirique et féroce sur un sujet à la fois moderne et féministe. Et nous assène ainsi une claque cinématographique, un choc de septième art comme on n’en avait pas vécu, dans le genre, depuis Requiem for a dream il y a près de vingt-cinq ans !

C’est bien simple dès les premiers plans, on sent la maestria de son savoir-faire. D’abord un plan sur un jaune d’œuf (le jaune sera un code couleur récurrent du film ajoutant à la cohérence graphique de l’ensemble) pour nous teaser la teneur du concept de la substance du titre avec une simplicité et une efficience qui confine à l’évidence. Puis, un autre plan fixe sur une étoile du fameux Hollywood Boulevard va cristalliser tout le fond de son script ainsi que les carrières de milliers de starlettes, chanteuses et actrices féminines à Hollywood. Un plan d’une intelligence rare, complètement objectif sur la manière dont le star system broie ses actrices avec le temps tout autant qu’une mise en bouche synthétique et concise de tout ce qui va suivre. Idem, lorsque Elisabeth, le personnage principal, décide de céder à l’utilisation de ladite substance pour rajeunir, sa représentation et son utilisation sont d’une logique cinématographique et descriptive indéniables. Car ce procédé et ce produit sont l’allégorie du recours (et de la déliquescence) à la chirurgie esthétique à outrance et des diktats concernant les canons de beauté féminins. En matérialisant cela avec son idée géniale, Fargeat emballe tout un pan des démons féminins dus au jeunisme rongeant la plupart des femmes, notamment et surtout dans le show business.

La magnificence de The Substance vient aussi du fait qu’aucune scène n’est en trop malgré les plus de deux heures du film. Le concept est aussi simple que tordu mais tout semble calculé, millimétré sur chaque coin de la pellicule et la cinéaste presque débutante nous offre une maîtrise de l’art du cinématographe aussi bien sur le fond donc que sur la forme. Chaque plan est minutieusement étudié et en adéquation avec le propos. Entre les séquences en mode clip eighties, le délire psychotrope, les cadrages à la Fincher des débuts dans ses meilleures idées, les outrances calculées ou encore les saillies gores lorgnant vers le body horror à la Cronenberg – dont le film se réclame parfois – tout est parfaite organisation stylistique pour un monument de cinéma presque parfait et qui se positionne clairement comme LE film d’horreur de l’année. Unique, incandescent, choquant, troublant et radical. Les focales, les cadrages et les bruitages (la bande sonore est incroyable) sont étudiés à la perfection et jamais ostentatoires, tout comme le montage en crescendo. Tout cela est au diapason d’une proposition de cinéma définitivement incroyable.

Pour se glisser dans la peau du personnage de cette actrice vieillissante qu’on pousse vers la porte de sortie, il fallait trouver la perle. Une actrice dont la carrière colle aussi bien au rôle que son physique. Et en allant chercher Demi Moore (la méga star sexy des années 90 à égalité avec Sharon Stone) qu’on n’avait pas vu depuis une dizaine d’années dans un rôle vraiment mémorable voire un rôle tout court, Fargeat a trouvé la comédienne idéale. Moore fait un retour fracassant et donne tout dans un rôle tellement extrême qu’on aimerait la voir nommer aux Oscars même si The Substance peut se classer dans le film de genre, même si réflexif et pointu, que n’affectionne pas particulièrement l’Académie. En tout cas, elle le mériterait. Pour son pendant jeune, Margaret Qualley explose littéralement et phagocyte l’écran. La jeune actrice confirme son potentiel de charme et de jeu déjà découvert dans la délicieuse série Maid ou chez Lanthimos (Pauvres Créatures). Elle ira loin. Enfin, petit bonus : on est content de voir Dennis Quaid loin de ses films religieux ou républicains (ou de séries B de seconde zone) dans un rôle caricatural de bouffon dont il se délecte et avec lequel il nous régale. En totale roue libre mais en complet accord avec son personnage azimuté.

Le fond de l’histoire est ouvert à multiples interprétations même si les ravages de la chirurgie esthétique chez les stars matures, la dictature de la perfection physique et les sempiternels hommes libidineux sont clairement visés par une charge féministe très forte et calculée. The Substance est un film monstrueux sur tous les plans et il va parfois falloir accrocher son cœur et sa ceinture tellement c’est gore mais justifié. On a même droit à des séquences clairement répugnantes et difficiles à supporter. Et quand on pense que tout cela est terminé, Fargeat ose un « ça passe ou ça casse » avec un dernier acte extrême et totalement renversant qui en laissera peut-être de côté par son aspect jusqu’au-boutiste, presque volontairement ridicule, tout en convoquant The Thing de Carpenter et Carrie de De Palma pour un grand huit d’horreur à la Trauma. Chapeau aux maquilleurs d’ailleurs (et aussi aux décorateurs pour la singularité des lieux du choc). Cette partie pourra laisser cours à diverses interprétations mais elle a le mérite d’être osée, radicale et clivante. Et The Substance de se terminer sur une dernière séquence en miroir de l’une des premières : d’une évidence logique et imparable, achevant ce long-métrage démentiel et complètement dingue de manière imparable. Un véritable chef-d’œuvre qui en fera fuir certains (c’est certain) et en ravira d’autres. C’est aussi ça le propre du cinéma et Coralie Fargeat a gagné ses titres de noblesse d’immense cinéaste en un film laissant la Julia Ducornau de Grave et surtout du surestimé Titane sur le bas-côté. Bravo et chapeau bas, madame !

Bande-annonce – The Substance

Fiche technique – The Substance

Réalisateur : Coralie Fargeat
Scénariste : Coralie Fargeat
Production : Universal & Working Title
Distribution: Metropolitan Filmexport
Interprétation : Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid, …
Genres : drame – horreur.
Date de sortie : 6 novembre 2024
Durée : 2h20
Pays : États-Unis – France – Royaume-Uni

Plus qu’un boxeur, Mohamed Ali a longtemps incarné le visage de la liberté et du courage, que ce soit aux États-Unis ou en Afrique. Il fut un précieux symbole d’opposition à la guerre du Vietnam, un allié indispensable dans la défense des droits civiques des afro-américains et un parrain qui n’hésitait pas à encourager et éduquer ses enfants spirituels à l’antenne. Très pop et captivant, When We Were Kings immortalise tout le prestige d’un homme qui n’a jamais cessé de se battre pour ses convictions, tout en prenant le pouls d’une époque pleine d’humanité à travers la musique et la boxe.

Synopsis : Kinshasa. 30 octobre 1974. Championnat du monde des poids lourds. Mohamed Ali, tenant du titre vieillissant mais toujours flamboyant, figure emblématique du combat pour les droits civiques, est opposé à George Foreman, présenté comme l’avenir de la boxe. Ce combat de légende, organisé par le promoteur Don King, s’accompagne d’un concert réunissant une trentaine d’artistes africains et afro-américains.

C’est en 1997 que le célèbre duo de Men In Black, Tommy Lee Jones et Will Smith, annonçait l’oscar du meilleur documentaire. Cette reconnaissance pour le film de Leon Gast justifiait d’autant plus l’implication de Will Smith qui, quatre ans plus tard, sera amené à incarner Mohamed Ali dans le célèbre film de Michael Mann. Gast fut à l’origine débauché pour couvrir le festival de musique qui se déroulait parallèlement au combat Ali-Foreman, nommé The Rumble in the Jungle, où James Brown, B.B. King et Lloyd Price étaient notamment attendus. Le report du combat lui a toutefois permis d’y faire un tour et de rentrer avec 168 heures de pellicule. Malgré la tâche ardue qui l’attendait, le cinéaste est parvenu à compiler toute l’euphorie autour de la rencontre en moins d’1h30. Grâce au soutien de plusieurs intervenants dont Spike Lee, Mobutu le président du Zaïre, l’amoral promoteur Don King et bien évidemment les boxeurs de l’affiche, Gast réussit à rendre hommage et à sublimer les discours d’émancipation qu’Ali véhicule, que ce soit à l’intérieur ou en dehors du ring.

The Greatest challenger

Champion olympique à Rome à 18 ans en 1960 et déjà au sommet du monde quatre ans plus tard, en détrônant Sonny Liston de son titre en poids lourd par KO, le chemin fut tout de même long avant que le boxeur originaire de Louisville ne devienne l’idolâtré et le respecté Mohamed Ali. Sa quête identitaire remonte jusqu’aux racines de son arbre généalogique. Nommé Cassius Clay à la naissance, il cherche à effacer le nom que sa famille a traîné depuis l’époque de l’esclavage. À la manière de Malcolm X, considéré comme un frère spirituel, il devint Cassius X, avant qu’il ne rejoigne le mouvement Nation of Islam pour enfin arborer un nom qui traverse les décennies.

Charismatique en tout instant, sociable jusque dans les conférences de presse qu’il donne et éloquent comme un prophète, c’est ainsi que Mohamed Ali était aperçu sur la scène médiatique. Mais quand il était sur le ring, c’était un cogneur comme on en voit peu encore aujourd’hui. La boxe anglaise figure parmi ces pratiques sportives dont l’essence et l’ADN n’ont pas énormément muté depuis son essor dans les années 60 et 70. Des athlètes comme Ali, Joe Frazier, Floyd Patterson, Marvin Hagler, Sugar Ray Leonard et George Foreman ont ainsi contribué à pérenniser le sport et l’image de la boxe à travers le monde. Mais de tous les combats qui ont laissé des traces sur les corps et dans l’Histoire, c’est celui qui s’est déroulé au Zaïre (aujourd’hui la République démocratique du Congo) qui a été retenu. Cet événement avait également pour but de redorer la fierté des nations africaines, plus contemporaine que jamais. Le monde se tournait alors vers leur culture et leur capacité à organiser une compétition de haut niveau. En témoigne les 50 millions de téléspectateurs qui ont assisté au combat en direct, bravant ainsi le décalage horaire.

La nuit des rois

Traversé par les compositions jazzy des artistes du « Woodstock africain », le documentaire de Leon Gast acte un message fort et clair : le retour des afro-américains vers leurs racines africaines. Tout le monde s’en exclame : « C’est le premier rassemblement des Noirs américains et des Africains. » Le duel des boxeurs a permis cette réunion des cultures et Gast ne manque pas d’y restaurer l’atmosphère de fête qui dépasse l’univers du sport et de la compétition. Le reste du temps, sa caméra restait au crochet d’Ali, qui s’entraînait avec plus de légèreté que son rival. Il transmettait ainsi tout l’orgueil et l’audace au public local. Le montage nous fait cependant prendre conscience qu’il n’est plus le même après avoir été destitué de son titre, conséquence accablante de son refus de servir dans la campagne armée qui était encore déployée au Vietnam. Foreman part alors avec l’avantage d’un palmarès irréprochable, car invaincu dans toute sa carrière. Il est donc celui qui a tout à perdre, tout comme son titre de champion du monde que convoite Ali et ses poings déterminés. C’est à se demander si Ali ne radote pas trop ? Ne serait-il pas meilleur animateur que guerrier du ring ? On n’en reste pas moins fasciné par l’aura qu’il dégage, car deux possibilités s’offrent à lui. Soit l’ascension lui est favorable, soit la chute lui sera fatale.

Bien que l’on puisse connaître l’issue du match, le film possède cette admirable faculté à nous immerger dans l’instant, le même qui a fait cristalliser le doute du challenger au terme du premier round d’une opposition très chargée symboliquement. Ali était un porte-étendard du contre-pouvoir, tandis que George Foreman renvoyait une image plus conforme aux valeurs américaines. Le public n’était effectivement pas dupe et les images d’archives nous décortiquent l’attitude des athlètes et leurs interactions avec les habitants du Zaïre. « Vole comme un papillon, pique comme une abeille ! » C’est une devise qu’Ali a appliqué jusqu’à atteindre le sommet du monde dans le milieu de la boxe, mais il s’agit également d’un art de vivre qui lui a permis de surmonter bien des obstacles sur la scène politique et religieuse. C’est un « danseur » dans l’âme et il le démontre avec une efficacité flamboyante qui lui attire toute la sympathie des spectateurs qui partagent son rêve de reconquête.

En faisant intentionnellement l’impasse sur l’objectivité, When We Were Kings sacralise magnifiquement le plus grand défi de Mohamed Ali, dont la maturité d’esprit nous assène un enchaînement de discours aussi vifs que sa boxe. Grâce à sa narration, musicalement et stylistiquement orchestrée, le documentaire réussit à redonner vie à tous ces protagonistes légendaires et à nous propulser au cœur d’un contexte historique qui bouleverse encore aujourd’hui. Témoin de cet événement, qui changea à jamais le monde de la boxe, Leon Gast laisse derrière lui les empreintes d’une idole, qu’il a su forger et consolider via son sens inébranlable du punch et de la punchline. Longue vie aux rois de la jungle.

Afin de célébrer le 50e anniversaire du combat mythique opposant Mohamed Ali à Georges Foreman, Splendor Films nous donne l’occasion de redécouvrir ce documentaire en salle dès le 30 octobre prochain. À ne pas manquer !

When We Were Kings – Bande-annonce

When We Were Kings – Fiche technique

Réalisation : Leon Gast
Scénario : Leon Gast, David Sonenberg, Taylor Hackford
Interprètes : Mohamed Ali, George Foreman, James Brown, B.B. King, Norman Mailer, George Plimpton, Spike Lee
Montage : Leon Gast, Taylor Hackford
Musique : Rick Rowe
Producteurs : Leon Gast, David Sonenberg
Production : PolyGram Filmed Entertainment
Pays de production : États-Unis
Distribution France : Splendor Films
Durée : 1h29
Genre : Documentaire
Date de sortie en France : 23 avril 1997
Date de ressortie en version restaurée : 30 octobre 2024

Il est là, alors que personne ne le demandait. Remarquez, quelqu’un réclamait Madame Web ou Morbius ? Non. Pourtant, à l’instar de Peter Parker, le spectateur semble avoir bien du mal à se débarrasser du symbiote qui rode dans nos salles depuis 2018.  Et… bon, vous savez quoi ? Puisque ce film se contrefiche du spectateur et ne respecte ni les fans, ni le cinéma, ni… rien, en fait, je ne vais pas chercher à trouver de jolies phrases joliment tournées et professionnelles pour dire ce que j’en ai pensé. Venom : The Last Dance est une daube abyssale, qui pose fièrement la trilogie au rang de pire trilogie de l’histoire du cinéma. 

Mais qu’il est Knull..

Je suis Knull, je suis le grand méchant et je suis tout puissant. Grrrr. Incroyable, pourtant, c’est quasiment la première phrase du film. Oui, Knull, ennemi surpuissant de l’écurie Marvel, menace digne des Avengers, réduit au rang d’immense blague en à peine quinze secondes. Le fou rire commence seulement, le pire reste à venir. On te sort un monologue d’exposition ridicule, où il t’explique que ses symbiotes l’ont trahi et enfermé dans un monde prison. On oublie toute forme de subtilité et on t’envoie un larbin traquer Venom, détenteur de la clé qui libérera le grand vilain pas beau. Et comme c’est le méchant, il précise bien à son toutou qu’il le tuera s’il échoue, ou plutôt que sa récompense sera de ne pas mourir. Sérieusement je pleurais de rire. Et encore, attendez de voir la mise en scène.

A l’instar d’un Thanos, Sony semble vouloir installer le nouveau grand vilain de son Sony Cinématique Universe. Problème numéro un : jusqu’ici, aucun film de cet univers ne peut se vanter d’être seulement. passable. Second soucis, aucune scène post crédit n’a mené ou que ce soit, jusqu’ici. Vulture qui s’associe à Morbius pour tuer Spider-Man ? Jamais vu. Eddie Brock et Venom qui rejoignent le MCU ?  Réexpédiés dans leur univers aussi vite qu’ils en sont partis. Ici, on nous sort un teasing grossier d’un Knull affreusement laid, semblant prêt à en découdre dans des films futurs. Mais avec qui ? Spider-Man reste chez Marvel, celui d’Andrew Garfield a été traité comme un mal propre, Morbius et Madame Web se sont fait massacrer et Tom Hardy en a fini avec Venom. Du moins, c’est ce que l’acteur annonce. Pitié, qu’il dise vrai. Reste le film Kraven le chasseur, fin décembre et d’autres projets liés à des ennemis de Spider-Man dont tout le monde se contrefout. On leur espère une meilleure destinée, bien sûr. Mais à ce stade, ajoutée à la fatigue des daubes superhéroïques qu’on nous sort à la pelle depuis quelques années, qui peut lever une main et prétendre attendre ces films ?

Eddie Break, Eddie Brock, Eddie Broken

Vous aimez les deux premiers Venom ? La bonne nouvelle pour vous est que vous aimerez sans aucun doute celui-ci.  Après tout, Venom : Let There be Carnage atteignait un degré de stupidité et de nullité tellement inégalé qu’il était presque devenu agréable à regarder. The Last Dance se veut plus intimiste, plus terre à terre et a, au moins, le mérite d’essayer de raconter quelque chose. Alors, il se vautre sur absolument tous les points, mais il essaye. Si, soyons francs et reconnaissons une indéniable qualité : sa fin n’ouvre que peu de portes pour un quatrième film. Ouf. Rendez-nous Tom Hardy !

Désormais traqués par les fédéraux et le gouvernements, Eddie et Venom se sont enfuis au Mexique. Malheureusement pour eux, l’assassin envoyé par Knull va remettre leur cavale en question et… ah, non, en fait, pas tant que ça. Oui, car la créature ne sentira la présence du symbiote si et seulement s’il revêt sa forme complète. En un mot comme en cent : il suffit à Eddie de ne pas se transformer à 100% pour être totalement invisible à Knull et ses sbires. On suit donc un petit road movie où nos protagonistes tentent de rejoindre New York (alors qu’il sont traqués par le monde entier, on le rappelle) sans utiliser l’intégralité de leurs pouvoirs. Dans l’idée, pourquoi pas. Ca donne même lieu à une ou deux scènes touchantes pour le duo, dont l’alchimie fonctionne bien et a mené à une vraie évolution au cours des trois films. Dans les faits, c’est chiant et long.

Là ou les choses deviennent hilarantes, c’est qu’à partir de ce stade de l’histoire, toutes les transformations totales qui suivront jusqu’à la fin du film seront complètement stupides et injustifiées. Comprenez qu’Eddie, sans utiliser la forme complète de son symbiote, garde une grande panoplie de pouvoirs et capacités. Mais non, parce que s’il ne se transforme pas, la créature ne le sent pas et l’intrigue n’avance plus. Le scénario va trouver les pires idées pour faire avancer l’histoire. Une confrontation avec cinq militaires ? Transformation. Venom qui tape une crise parce qu’il veut danser sur du Abba, (oui…) transformation. Mais tuez-moi. A coté de ça ? Rien, ou le désastre. D’un côté, on suit une équipe de scientifique qui étudient les symbiotes, avec quelques réflexions et messages à peine cachés sur la migration. De l’autre, on croisera une famille hippie à la recherche d’extraterrestre en pleine zone 51, zone où se déroulera un climax laid, de nuit, incroyablement mal filmé et monté, le rendant illisible. Oui, ils ont réussi à faire pire que Spider-Man : No Way Home et son combat final tout pourri sur un échafaudage.

En symbiose avec la nullité

Au final, on ne retient rien de cet étron qui se prétend film. L’émotion, insérée au forceps, ne fonctionne presque jamais. Tout va trop vite, bien que le ressentit soit paradoxalement si long. Les personnages sont tous plus stupides les uns que les autres, Eddie et Venom en tête. On ne retient rien, ni personne et encore moins Knull. Aucune scène ne reste (positivement, du moins), aucun dialogue ne ressort dans cette bouillie de paroles indigestes qui ferait passer Cinquante nuances de Grey pour un chef d’œuvre. Quant aux acteurs, bien peu aidés par l’intrigue, ils en ont rien à faire. Tom Hardy s’éclate et semble plus que jamais au sommet de l’art du cabotinage. Prions pour qu’il retrouve enfin le chemin des grands films, débarrassé de cette trilogie qui a fait énormément de mal.

Le pire, c’est qu’il aurait suffit de quelques idées ici et là pour faire passer Venom: The Last Dance de pur navet à sympathique petit nanar. Malheureusement, à trop chercher la case tire larmes, à insister sur la possible mort du duo tout au long du film et à ne jamais savoir quel ton trouver, ce troisième film ne trouve jamais son identité. Le premier, aussi nul soit-il, gardait plus ou moins un aspect très sérieux tout du long. Le second embrassait le n’importe quoi assumé dès les premiers instants et ne durait qu’1h30, le rendant nanardesque et pas si désagréable. Comme le dit si bien Arthur « C’est systématiquement débile, mais c’est toujours inattendu ! »Ce troisième film n’a rien… si ce n’est la fierté d’avoir existé, là ou The Amazing Spider-Man 3 n’en a pas eu le droit…

Bande-annonce – Venom : The Last Dance

Fiche technique – Venom : The Last Dance

Réalisation : Kelly Marcel (toutes mes condoléances pour sa carrière)
Scénario : Un enfant de six ans, visiblement. Ah, non, Kelly Marcel..
Casting : Tom Hardy / Juno Temple / Rhys Ifans
Montage : Le quoi ?
Photographie : Gilbert Montagné, pas possible autrement.
Production : Columbia Pictures / Marvel Entertainment / Pascal Pictures / Sony Pictures Releasing
Distribution : Sony Pictures Releasing US / France
Budget : 120 Millions… (COMBIEN ?!)
Sortie : 30 Octobre 2024 en salles
Durée : 1h50, mais avec 20mn de générique

Malgré le défaut de vouloir trop et tout mettre dans son premier film, Hugues Hariche parvient à capter la spontanéité de l’adolescence à travers les corps meurtris de deux jeunes patineuses. L’une comme l’autre rêve de succès. Rivière dépeint leur croisade au carrefour de la résilience, de l’amitié et du courage dans un milieu social très masculin.

Synopsis : Manon, dix-sept ans, quitte les montagnes suisses à la recherche de son père, introuvable. En formant de nouveaux liens et en découvrant son premier amour, elle est déterminée à suivre le chemin qu’elle s’est tracé sur la glace : devenir une joueuse de hockey professionnelle.

Après s’être imprégné du culturisme (Flow), de la danse électro (Metropolis) et de la solidarité pour préserver un environnement sain et durable (Protect), Hugue Hariche quitte le sud-est des États-Unis pour réinvestir les lieux de son enfance. Son premier long-métrage apparaît alors comme la somme des thématiques rencontrées dans ses courts-métrages, avec un attrait particulier pour les corps, comme instrument de communication visuelle indispensable. Le cinéaste franco-suisse convoque ainsi toute la fougue d’une jeunesse prête à tout pour se libérer du joug parental, quitte à se laisser enfermer dans leur propre prison de glace et d’obsession. Bien entendu, les protagonistes féminins de Rivière clament leur liberté et comptent bien s’en libérer.

Perdues dans l’hiver

Qui est donc cette jeune fille recueillie par Sophie (Camille Rutherford) et que l’on surnomme « la Suisse » tout au long du récit ? Celle qui a fui la morosité des Grisons pour la commune frontalière de Belfort cherche à définir son identité. Manon porte le nom de son père, Rivière, et chasse désespérément cette stabilité familiale qu’elle n’a jamais eue. Sa résilience la conduit rapidement sur la glace, l’un des rares endroits où elle s’exprime avec clarté. Patins aux pieds et palet au bout de sa crosse, Manon ne renonce jamais à une bataille, même si son entourage la condamne d’avance. Flavie Delangle apporte toute la vulnérabilité et l’agressivité nécessaire pour que son personnage marque les esprits. C’est effectivement le cas à travers une physicalité convaincante. Delangle est particulièrement communicative dans son silence, comme elle l’a démontré dans Stella est amoureuse.

Il en va de même pour Sarah Bramms, remarquée et remarquable en compétitrice de patinage artistique dans Kiss & Cry. C’est pour un rôle similaire qu’elle est dépêchée à Belfort, afin d’exposer son corps affaibli à l’écran. Elle campe une Karine obnubilée par la perfection et le succès, ce qui ralentit inévitablement sa guérison, aussi bien physique que psychologique. On peut régulièrement entendre « J’ai l’habitude » chez Manon, Sophie et dans l’attitude autodestructrice de Karine. Ces femmes évoquent leurs blessures et les illusions qu’elles entretiennent. Qu’il s’agisse de s’illustrer sur la glace ou de reprendre confiance en soi, chacune tente de trouver leur place dans leur cercle intime malmené par leurs choix, ou plutôt leurs non-choix.

Les reines de la glisse

Le récit passe le plus gros de son temps au crochet des groupes de jeunes, qui appliquent leur droit de carpe diem avec beaucoup de générosité. C’est alors que la caméra se resserre sur une relation naissante entre les deux patineuses. Comme deux pôles qui s’attirent et se repoussent à la fois, le cinéaste capte merveilleusement les maladresses et la beauté d’un premier émoi, jusqu’à la mettre en scène, avec plus de maturité que dans Les liens du sang. Et en ajoutant une touche de subtilité avec le caractère de Manon, « qui n’aime pas les filles », cela en dit long sur son approche des genres. Elle n’a cessé de batailler toute son enfance pour exister dans tous les groupes où le masculin domine. Là où on la sent réellement s’envoler c’est bien sur la glace, où elle fait jeu égal avec ses rivaux, qu’ils viennent du camp adverse ou du sien. Les séquences immersives au raz de la glace témoignent de toute la brutalité et la vivacité nécessaires pour survivre dans ce sport. Pourtant, Manon n’a sans doute rien à prouver au hockey. Il lui reste cependant encore des efforts à fournir pour arriver au bout de son chemin de croix.

C’est à cela que l’on reconnaît la qualité du film, dans sa manière de dialoguer avec le corps de ses héroïnes. Mais là où l’on se démarque du portrait assez niais et naïf de En corps de Cédric Klapisch, c’est dans l’authenticité de la douleur. Rivière rend compte d’une vie remplie d’adversité dans laquelle des femmes sont confrontées, tout cela dans un cadre sportif vampirique. S’émanciper d’un nom, d’un passé ou d’un rêve pour enfin atterrir dans la seule réalité qui compte, telle est la voie suivie dans ce drame contemporain. On regrette seulement un dénouement expéditif, conséquence de la compression de plusieurs arcs narratifs que l’on aborde de manière inégale. Le réalisateur referme alors dans l’urgence les portes thématiques que le réalisateur a enfoncées. Reste que l’on reste convaincu par ce portrait triomphant de l’adolescence et de la féminité, qu’elles se situent sur le plan social, professionnel ou sentimental.

Bande-annonce : Rivière

Fiche technique : Rivière

Réalisation : Hugues Hariche
Scénario : Joanne Giger, Hugues Hariche
Directeur de la photographie : Joseph Areddy
Son : Benoît Barraud, Théo Viroton
Éclairage : Tangi Zahn, Paulo Miguel Leite da Silva
Décors : Yannis Borel
Costumes : Éléonore Cassaigneau
Maquillage : Virginie Pernet
Casting : François Guignard A.r.d.A
Directeur de production : Olivier Monnard
Premier assistant réalisateur : Benoît Monney
Scripte : Sonia Pfeuti
Coordinateur de production : Marc Burger
Montage : Nicolas Desmaison
Musique : Nicolas Rabaeus
Mixage sonore : Maxence Ciekawy
Étalonnage : Boris Rabusseau
Production : Beauvoir Films, Les Films d’Argile
Pays de production : Suisse, France
Distribution France : Outplay Films
Durée : 1h44
Genre : Drame
Date de sortie : 30 octobre 2024

À la question de savoir si Anora est un bon film, la réponse est oui. Si on s’en pose une autre sur le mérite de la dernière Palme d’or, elle s’avère alors négative, sachant la qualité du reste de la compétition cannoise. Illuminé par des personnages attachants, ce conte de fées moderne qui vire à la désillusion, s’avère tour à tour drôle, cru et réaliste tout en étant plutôt prenant. Il se pare toutefois d’une fin sibylline, voire ambiguë, et il demeure bien trop léger et superficiel pour marquer durablement les esprits.

Synopsis : Anora, jeune strip-teaseuse de Brooklyn, se transforme en Cendrillon des temps modernes lorsqu’elle rencontre le fils d’un oligarque russe. Sans réfléchir, elle épouse avec enthousiasme son prince charmant ; mais lorsque la nouvelle parvient en Russie, le conte de fées est vite menacé : les parents du jeune homme partent pour New York avec la ferme intention de faire annuler le mariage…

Que vaut la Palme d’or décernée par Greta Gerwig et son jury à Cannes cette année ? Eh bien, il est certain que Anora est un bon film, du même acabit que les précédents travaux de son auteur Sean Baker. Ses premiers films sont sortis de manière confidentielle voire pas du tout dans nos contrées et c’est avec Tangerine qu’il a commencé à être connu. Ce fut le film de la découverte avec son côté presque expérimental et tourné à l’iPhone, une œuvre bourrée d’énergie et de personnages interlopes et iconoclastes baignés dans une photographie aux teintes fluo bercées par la lumière du soleil couchant de Los Angeles. Petit coup de cœur suivi du tout aussi appréciable The Florida Project et sa faune bigarrée d’enfants et de parents laissés pour compte peuplant un motel de Floride. Son dernier opus nous avait peut-être un peu moins convaincu avec son acteur porno sur le retour dans une petite ville du Texas (Red Rocket). Tous ces films ont un dénominateur commun : des personnages en marge terriblement attachants que Baker semble aimer et vénérer. Sa filmographie regorge de ces énergumènes au grand cœur peu aidés par la vie. Avec Anora, c’est la même affaire et il réalise là son meilleur film, le plus abouti même, malgré quelques petits défauts.

En revanche, si on se pose la grande question sur toutes les lèvres et sujette à débat, à savoir si Anora méritait la Palme d’or, la réponse est clairement négative. Et encore moins si on met le film en perspective avec certains de ses concurrents. Que ce soit le favori Les graines du figuier sauvage, à qui la récompense suprême aurait dû être dédiée sans hésiter, le chef-d’œuvre choc et probablement trop clivant The Substance ou encore le magnifique Emilia Pérez, il est clair que cet Anora fait moins imposant et magistral face à eux. Trop léger, pas assez substantiel et peu de choses à dire sur notre monde, le film ne nous subjugue pas non plus par sa mise en scène ou son écriture. Tous ces points sont bons, certes, et l’interprétation est d’un naturel confondant, notamment la découverte Mickey Davidson, merveilleuse de naturel et d’énergie, mais pas assez pour pouvoir mériter la Palme d’or et surtout en comparaison de ses concurrents. Mais il serait dommage de juger le film seulement à l’aune de la compétition cannoise et juste l’apprécier en tant que tel.

Le film est très long (près de deux heures et demie) et le scénario n’est pas particulièrement riche, mais on ne peut pas dire que l’on s’ennuie par moments ou qu’il y ait des longueurs. Ce conte de fées moderne, qui narre la rencontre entre une escort girl désinhibée et le fils d’un oligarque russe (Mark Eydelshteyn dans son premier rôle et autre découverte aux faux airs du Timothée Chalamet de Call me by your name) suivi d’un passage par la case mariage à Las Vegas et d’une longue virée nocturne et diurne dans les rues de New York, ne brille pas par son script, ses enjeux et ses rebondissements. Mais il nous happe. Alors oui, il y a quelques redondances en milieu de film lorsqu’on est à la recherche du jeune Ivan et certaines séquences sont étirées, ce qui participe à l’atmosphère peu commune du film et à nous ancrer dans son réalisme cru et brut. À chaque instant on y croit, Baker croque magnifiquement ses personnages et les séquences ubuesques s’enchaînent mais avec un sens du réalisme indéniable. Les fêtes extrêmes, les rapports amoureux et sexuels du jeune duo, l’immersion au sein de la communauté russe ou encore les clubs d’escorts, tout résonne vrai et participe à la réussite du film.

Si Anora est un film léger où l’on rit beaucoup, il y a une part de tragédie qui s’immisce et un constat final plus amer qui détourne le conte de fées vers la désillusion. Et c’est peut-être le cœur du film. Les rêves d’une jeune escort désœuvrée sont brisés et le constat social pessimiste, mais logique, qui s’en suit est évident. La séquence finale lourde de sens mais ouverte à multiples interprétations est sibylline et ambiguë. Elle tranche peut-être trop avec le reste. Sur le versant sentimental, c’est néanmoins très en phase avec les relations de notre époque et le film s’avère très drôle à plusieurs reprises. Le comique de situation bien exploité, les séquences hystériques où ça braille dans tous les sens et où les personnages évoluent dans un joyeux capharnaüm sont jouissives. La mise en scène de Baker est pleine d’énergie, alerte et très vivante et il nous gratifie aussi de quelques jolis plans sensuels – comme celui d’ouverture sur ces postérieurs féminins – ou hypnotiques comme ceux qui suivent le mariage à Vegas. En somme, pour apprécier Anora, il faut le prendre dans la continuité de la filmographie de son réalisateur mais éviter de le juger en tant que Palme d’or car cela ne joue pas en sa faveur.

Pour en savoir plus sur les premiers faits d’armes du cinéaste, le cycle Sean Baker (Four Letter Words, Take Out, Prince of Broadway, Starlet) est disponible en salles depuis le 23 octobre.

Bande-annonce – Anora

Fiche technique – Anora

Réalisateur : Sean Baker
Scénaristes : Sean Baker
Production : Film Nation
Distribution: Le Pacte
Interprétation : Mickey Davidson, Mark Eydelshteyn, Yuriy Borisov, Karren Karagulian, Vache Tovmasyan, …
Genres : comédie – drame – romantisme
Date de sortie : 1 novembre 2024
Durée : 2h19
Pays : États-Unis