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« There is no alternative », disait Margaret Thatcher en fin de non-recevoir. La 25ème édition de l’Arras Film Festival répond non seulement par la négative, mais propose des modes de résistances alternatives. Tel est le fil rouge même pas distendu qui articule les films que nous allons évoquer aujourd’hui.

On ne pense pas forcément politique lorsque l’on évoque Franck Dubosc. Pourtant, Un ours dans le Jura mérite qu’on lui accorde un pupitre. Asseyez-vous 5 minutes, buvez frais (ou chaud, c’est la saison) on vous explique. À l’approche de Noël, un quidam de la France d’en bas tue par accident deux quidams de la France d’en haut en essayant d’éviter un ours au volant de son pick-up. Coup de bol – ou pas -, les deux victimes qui n’auraient pas dû être là transportaient deux millions en cash dans le coffre de leur bagnole…

Selon vos affiliations cinéphiles, vous reconnaîtrez peut-être le Fargo des frères Coen ou Un plan simple de Sam Raimi. Dans le pitch, dans le cadre et même dans l’iconoclasme macabre dont les cinéastes pré-cités ont fait leur marque de fabrique lorsqu’ils racontent l’histoire de losers confrontés aux cadeaux empoisonnés de la vie. Mais il n’y a pas de fatalité, seulement ce qu’on fait des cartes distribuées par le karma, semble répondre Dubosc. Le réalisateur/interprète ne donne au couple joué par lui-même et Laure Calamy le temps de faire trop de conneries avec l’oseille tombée du ciel. Par une gymnastique scénaristique plutôt bien articulée, l’argent finit par faire le tour des habitants et colmater l’austérité quotidienne du français moyen. Celui qui subit les aléas du monde sur son panier de courses, trop occupé à garder la tête hors de l’eau pour rêver à la good life. Un ours dans le Jura devient un vrai conte de Noël redistributif qui blanchit l’argent sale bien mal acquis mais, en l’occurrence, bien utilisé. Une proposition réellement originale et atypique qui vaut bien plus que ses allures d’exercice de style écrasé par ses modèles, et sait tirer le meilleur de ses comédiens. Mention spéciale à Benoît Poelvoorde, juste et juste « juste » dans le rôle du gendarme rondouillard qui arbitre le conflit avec bienveillance.

The Gardener’s Year, a plus encore à offrir qu’un propos bien ficelé : un véritable manuel de résistance pacifique. Le « western patates » comme le définit le réalisateur Jiri Havelka raconte l’histoire d’un fermier qui ne laisse rien ni personne perturber son stoïcisme rectiligne. Même pas le manoir d’à-côté acheté par un riche trop riche pour apparaître à la caméra et qui s’emploie sournoisement à le déloger de chez lui… Mais le menhir est autant déterminé à rester qu’à ne pas laisser la situation altérer son éthique d’un iota. La parabole de David contre Goliath a fait les grandes heures du cinéma américain, mais ce que le cinéaste raconte ici, c’est plutôt une itération du mythe de Pyrrhus : un homme qui s’emploie jour après jour à reconstruire ce que son adversaire détruit, sans jamais céder à l’appel de la vengeance. Malgré son canevas ultra-minimaliste, The Gardener’s Year fait figure de véritable roller-coaster émotionnel jouant en crescendo avec les nerfs du spectateur, en anticipation permanente d’une explosion qui ne vient jamais. Un plaisir de cinéma pour de vrai et judicieusement roublard, parfaitement conscient de son public.

La résistance n’est pas plus une option dans Le choix du Pianiste de Jacques Otmezguine, évocation de la vie de François Touraine, musicien d’exception au destin emporté par les heures sombres de la Seconde guerre mondiale et l’occupation. Il faut se ménager un petit quart d’heure pour s’habituer au jeu très « Cours Florent » des comédiens avant de rentrer dans un film plus singulier qu’il n’y paraît.

Car Le Choix du pianiste est moins un biopic sur un musicien qu’un film qui s’efforce de raconter musicalement l’histoire d’un musicien. Ce n’est pas jouer sur les mots, mais sur un montage qui cherche l’accord plutôt que simplement le raccord entre deux plans ou deux séquences, une mise en scène qui préfère le jeu d’orchestre du plan aux solos du champ/contre-champ, un scénario qui refuse de se ranger à la chronologie linéaire pour éclater les temporalités. Le tout trahit un peu plus que parfois son manque de moyens, mais se révèle une véritable proposition de cinéma qui n’oublie pas de questionner la place de l’artiste dans le monde. Sa place, son poids, et son besoin d’être aligné avec tous les compartiments de son être pour traverser les affres de la création.

La touche-à-tout Zabou Breitman (Les Hirondelles de Kaboul) nous revient en duo derrière la caméra pour quelque chose de totalement inédit dans le paysage cinématographique français. Ni véritable documentaire, ni véritable œuvre de fiction, Le Garçon est un objet hybride rare et précieux aussi bien dans ce qu’il provoque en nous que dans sa conception même, unique en son genre. Si le procédé et la proposition peuvent laisser dubitatifs au premier abord, on est finalement conquis par cette expérience peu commune – qui frôle l’expérimental justement – et qui nous fait vibrer pendant une heure et demie. Un petit bijou de nostalgie, d’inventivité et de délicatesse qu’il serait dommage de rater.

Synopsis : Tout débute avec les photos d’une famille. Une famille inconnue, qu’on a pourtant l’impression de connaître. Au centre : ce garçon. Qui est-il ? Quelle est son histoire ? Et si chaque individu était aussi le héros involontaire d’un conte ? Une enquête familiale vertigineuse, où réalité et fiction se mêlent jusqu’à se confondre parfois.

Tout part d’une idée folle. Celle de faire un film entre documentaire et fiction à partir d’une personne inconnue choisie sur des photos. Trouvée lors d’une balade dans une brocante, la personne en question (et les photos où elle apparaît), choisie par Breitman et son coréalisateur Florent Vassault (monteur sur L’Autre continent et Il Boemo), deviendra le héros involontaire de ce long-métrage qu’est Le Garçon. Comme si on réécrivait l’histoire de cet homme, qu’on lui redonnait une vie, une sorte de soldat inconnu du cinéma en somme. Et le résultat va nous emmener au sein d’un voyage cinématographique hors des sentiers battus où trois films en un finissent par se mélanger avec fluidité pour une sorte d’installation vivante faite film. Un projet casse-gueule et étrange de prime abord dont le résultat est absolument étonnant, épatant et beau.

D’un côté, on va suivre Vassault tenter de retrouver la trace du garçon en parcourant les lieux vus sur les tirages et en rencontrant des personnes vivant sur les lieux qui auraient pu le connaître. De l’autre, Zabou va imaginer, au sein d’une fiction, ce qu’a pu être la vie dudit garçon. Et, comme une sorte de mise en abyme figurant un troisième film, on suit leur travail à tous les deux pour tenter de joindre le plus justement possible ce drôle de mélange. Une œuvre hybride à la construction passionnante et au montage malin qui rend les frontières entre la fiction et la réalité plus que poreuses et nous interroge sur le pouvoir des photos. Car tout cela, toujours dans la sincérité et la véracité revendiquée (aucun trucage ou arrangement), n’a pu être possible que par l’entremise de ces photographies et de l’accord des gens rencontrés. Et on sent le travail passé de la cinéaste versatile qu’est Zabou avec Raymond Depardon dans la manière qu’elle a d’appréhender les vrais gens comme l’illustre documentariste de la vraie France le faisait.

C’est une des belles réussites de Le Garçon. Celle de faire honneur aux personnes croisées et interrogées au gré des recherches et de montrer la vraie France, rurale ou profonde, sous un aspect plein de douceur et de bienveillance. Tantôt gentiment comique, parfois aussi tragique, mais surtout souvent nostalgique et presque mélancolique. Son film nous plonge forcément dans le passé (certaines des photos où apparaît le garçon sont en noir et blanc), une sorte de France d’antan dont le parfum résonne en nous bien après la projection. Cette œuvre nous imprègne et elle fait partie de celles qui nous habitent encore longtemps après la projection.

On le sent, ce long-métrage comparable à nul autre au cinéma et qui a été tourné sur plusieurs années, s’est nourri au fur et à mesure que le tournage avançait. Une sorte de film évolutif qui a probablement pris de nombreuses formes avant ce montage final très pertinent. Il y a beaucoup de clins d’œil des cinéastes envers le public et même un aspect presque ludique de voir comment cette sorte d’enquête du réel allait progresser. Et puis il y a ce plaisir de voir ces véritables personnes se livrer à la caméra dans un naturel confondant. On pensera notamment à cette vieille dame sur le pas de sa porte, désolée de ne pas pouvoir aider plus. Un grand moment de cinéma à la fois simple et bouleversant. Sans le vouloir, en tout cas pas de manière réellement volontaire, plein de petites choses nous remuent, ont de l’incidence sur nous. On sort de la projection de cet objet filmique non identifié ému et mélancolique, notamment suite aux révélations que l’on découvre en même temps que le duo de cinéastes.

Il y a aussi quelque chose de touchant de voir François Berléand, Isabelle Nanty et d’autres se prêter avec gourmandise à cette expérience semblable à aucune autre. La grâce et la magie de ce film, c’est d’avoir su redonner vie à un oublié, un inconnu, dont quelques photos permettent d’avoir encore une trace, un souvenir. Entre plongée documentaire à la recherche d’une personne dans toute la France et fiction qui s’inspire de suppositions et bourrée de trouvailles et de surprises, Le Garçon est un moment de cinéma difficile à décrire avec des mots. Une expérience douce et amère que l’on aurait presque envie de garder uniquement pour soi plutôt que de la partager au monde entier. Elle révèle aussi le pouvoir oublié de la photographie développée. Et même si on est loin du chef-d’œuvre ou de l’immanquable, on encouragera le plus de monde possible à découvrir le film et tenter cette expérience belle, à la fois si simple (à regarder) et si complexe (dans sa conception).

Bande-annonce – Le Garçon

https://www.youtube.com/watch?v=PSVQ9fHIINU&ab_channel=FESTIVALCINEMANIA

Fiche technique – Le Garçon

Réalisateurs : Zabou Breitman et Florent Vassault.
Scénaristes : Zabou Breitman et Florent Vassault.
Production : Nolita Productions.
Distribution: Nolita Distribution.
Interprétation : Damien Sobieraff, Isabelle Nanty, Francois Berléand, …
Genres : Documentaire – Drame.
Date de sortie : 12 février 2025.
Durée : 1h37.
Pays : France.

La 25^e édition de l’Arras Film Festival commence véritablement aujourd’hui. Première journée pleine en termes de projection, premier jour du chapiteau, et première salve d’interviews pour votre serviteur. Et des films qui, encore et toujours, expriment le besoin d’écarter le spectateur de sa zone de confort pour métaboliser à l’écran des mondes ne faisant pas forcément partie de sa réalité.

Par Amour est un film comme on aimerait en voir plus souvent. Parce qu’Elise Otzenberger fait partie de ces cinéastes qui prennent leur médium au pied de la lettre et surtout de l’image, et investissent une foi sans retenue dans sa capacité d’émerveillement. La foi, c’est justement ce qui manque à Sarah, une femme qui a encapsulé son mal-être au sein d’un quotidien sans magie. Lorsque son fils aîné se met à entendre des voix dans l’eau après avoir survécu à une noyade, sa raison l’incite à résister, mais son cœur lui demande de s’y abandonner… Tout comme le spectateur, très vite appelé à laisser son cartésianisme de côté pour se laisser porter par la beauté du « peut-être ». De ce fantastique invisible à l’œil nu qui relève du domaine du sensible, comme chez M. Night Shyamalan ou Hideo Nakata.

Par Amour n’est pas une injonction arbitrairement formulée, mais une proposition qui donne des motifs de cinéma de croire à l’incroyable. Le ruissellement des vagues s’imprime dans les nuances d’une (magnifique) photographie qui fait parler l’eau dans l’image, l’extraordinaire surgit dans l’ordinaire par la grâce d’un crescendo ciselé, et Cécile de France cristallise le doute puis la conviction avec une égale absence d’équivoque. Elles sont rares, les actrices dans le paysage francophone à traduire leur capacité d’incarnation de manière aussi picturale. Sa prestation n’est pas sans rappeler le Richard Dreyfuss de Rencontres du troisième type, autre quidam à troquer son bon sens contre un sixième pour se laisser porter par une idée qui le dépasse… Alors oui, l’édifice s’avère plus fragile que celui de Spielberg. L’évidence absolue et de tous les instants sur la déraison totale reste le kata le plus aiguisé de tonton. Mais sa maîtrise n’est plus de son monopole et s’étend désormais dans nos contrées, comme le prouve Par Amour.

Little Jaffna constitue une autre occasion de rappeler au cinéma l’une de ses vocations essentielles : trancher avec les habitudes du spectateur pour lui proposer quelque chose de neuf. Sur le papier, il n’y a que le cadre qui change : la communauté tamoule parisienne, et notamment l’antenne locale du groupuscule séparatiste (ou mouvement de résistance, selon le point de vue) des Tigres de libération, infiltrée par un flic français né là-bas mais élevé ici.

Double identité en souffrance, loyauté qui ne sait plus où se diriger, écartèlement entre la fonction et la conscience : on pense connaître la chanson pour avoir entonné le refrain plus d’une fois. Mais pas question pour Lawrence Valin de réchauffer un plat cuisiné par d’autres, il s’agit de réinventer la recette. Le réalisateur/co-scénariste/acteur principal (tout ça tout ça) fait mieux du neuf avec du vieux avec une volonté de ne ressembler à rien d’autre que lui-même qui ne s’impose jamais aux besoins de son histoire. On pense à Martin Scorsese de Mean Street et des Affranchis dans cette volonté de dévoiler un monde peu connu du grand public avec des formes de cinéma qui lui sont propres.

Il y a ainsi dans Little Jaffna une frénésie créative, apanage des premiers films qui n’ont peur de rien, et sûrement pas de bousculer la zone de confort du spectateur. Une rage de vivre et de filmer bigger than life qui se répercute dans tous les compartiments artistiques et évoque autant la comédie musicale que Les Princes de la Ville. Little Jaffna partage d’ailleurs avec le film de Taylor Hackford cette ferveur à fleur de peau et de bitume, certes pas toujours bien dégrossie mais enivrante, qui sait taguer ses (nouveaux) visages à hauteur de grande Toile. Tous interprétés par un casting uniformément excellent dont surnage… Lawrence Valin justement, qui imprime la rétine du spectateur avec la même force des deux côtés de l’écran.

Dans Une part manquante, Romain Duris brûle d’une flamme tout aussi ardente, mais se garde bien de l’exprimer tout haut. Il faut dire que le Japon montre peu de compassion envers les gaijins séparés de leur conjoint(e) et privés de l’exercice de leurs droits parentaux. Privé de sa fille depuis trop longtemps, Jay est tacitement convié à raser les murs et à garder ses états d’âme pour lui dans un système où le mal-être s’éprouve en silence et sans faire de vagues. Un statu quo qui s’envole lorsqu’il pense recroiser sa fille au détour d’une course dans son taxi… Une part manquante démarre avec ce portrait d’un homme dévitalisé, rééduqué malgré lui par un pays qui ne lui provoque plus rien, et sûrement pas l’effet Lost in Translation qui marche encore à plein sur les touristes.

La proposition la plus intéressante du film, cette contemplation absente qui absorbe son personnage dans le décor en même temps qu’il en est disjoint. Mais c’est aussi sa limite : la réalisation n’incarne jamais le mal-être du personnage de Romain Duris, comme si l’identification du spectateur était prise pour acquise. Moins l’histoire d’un père esseulé en butte contre un système inique que celle d’un homme-enfant qui joue le pot-de-terre contre le pot-de-fer, jusqu’à l’absurde, avec un monde qui se moque de son vague à l’âme. On parlera moins d’ouverture ici, le diaphragme est plutôt contracté.

Bande-annonce : Une part manquante

La 25ème déjà. Les raisons de faire la fête ne manquent pas à l’Arras Film Festival, mais le passage d’un cap symbolique donne toujours un parfum d’impatience supplémentaire aux retrouvailles annuelles avec la manifestation. Et à en croire le nombre de séances déjà complètes avant même le coup d’envoi, la fièvre des salles obscures n’est pas près de s’estomper dans l’arrageois.

On ne pourrait choisir meilleur titre pour ouvrir le bal. Dans En Fanfare, film d’ouverture de cette 25ème édition, Benjamin Lavernhe joue le rôle de Thibaud, célèbre chef d’orchestre attaqué par une leucémie. En quête d’un donneur de moelle osseuse, il se découvre un frère adoptif en la personne de Jimmy, incarné par Pierre Lottin, cantinier et joueur de trombone à Lallaing, petite ville des Hauts-de-France. Une vie et un monde les sépare, mais ils ont en commun l’amour de la musique et surtout l’oreille absolue, faculté de superception dont un seul des deux a pu faire un destin…

« Le berceau lève le voile, multiples sont les routes qu’il dévoile, Tant pis on n’est pas nés sous la même étoile ». IAM l’a rappé et Bourdieu l’a écrit, mais entre l’inné et l’acquis il peut y avoir un fossé socio-culturel susceptible de ne jamais se combler. Emmanuel Courcol et la scénariste Irène Muscari se proposent d’incarner cette dualité sociale dans la relation de deux frères, antagonistes jusque dans la physionomie de leurs interprètes. La légèreté longiligne de Lavernhe résonne comme un affront à la gravité qui cloue le massif et trapu Lottin sur le plancher des vaches gris et désindustrialisé de ch’Nord. Deux sons de cloches et deux musicalités différentes, qui doivent apprendre à jouer ensemble, dans tous les sens du terme. Une quête qui aboutira à une belle apothéose finale mais précédée d’un récit quelque peu cacophonique. Car il n’y a pas un film mais cinq dans En Fanfare, comme si le cinéaste n’arrêtait pas de recommencer une nouvelle histoire sans avoir terminé la précédente. Un peu comme un orchestre dans lequel les musiciens prendraient 1H30 pour enfin accorder leurs violons. La destination est belle, mais le chemin un peu cahoteux.

Un film auquel on ne pourra pas reprocher ses dissonances, c’est Julie se tait. Tout y est uniformément linéaire, calé sur une seule note en ultramineure à peine audible, dont s’échappent parfois des hyperboles de lyrisme provenant des chutes de vocalises de Lisa Gérard. Tout est sous-intentionné et sous-incarné dans cette histoire d’une jeune joueuse de tennis prodige, accablé par un secret dont elle refuse de se libérer mais éventé dès la première image. Le film devient alors un exercice de procrastination au sein d’une succession de vignettes qui tiennent plus des vues Lumières que d’un récit articulant son propos avec son personnage au sens cinématographique du terme. Julie se Tait, et le film ne dit pas grand-chose de plus, malheureusement.

L’héroïne d’Aïcha ne se montre pas beaucoup plus loquace. Medhi M. Barsaoui, qui fait son retour à l’AFF après Un fils avec Sami Bouajila, y raconte l’histoire d’une femme de ménage tunisienne accablée par sa condition, qui prend la porte de sortie que lui offre la vie suite à un accident de voiture mortel pour tous les passagers sauf elle. Mais pas aux yeux des autorités, qui la déclare décédée avec les autres…

Remettre les compteurs à zéro, repartir d’une page blanche sans rendre de comptes à personne : le cinéaste sait traduire en cinéma son postulat universel en diable. C’est la meilleure partie d’Aïcha, quand l’héroïne (re)découvre tout ce que la vie lui avait refusé jusqu’alors. Barsaoui donne au spectateur l’impression d’ouvrir les yeux pour la première fois avec elle dans une mise en scène élégante et subtilement sensitive qui capte un Tunis qu’on ne voit pas sur les cartes postales.. C’est un peu plus compliqué ensuite, lorsque le sort s’en mêle, et amène la politique et la corruption policière avec lui. On ne passe du micro au macro sans vraiment prévenir, et le récit simple devient une intrigue un poil trop compliquée et (parfois) tractocapillée s’acharnant à coup de ficelles un peu trop voyantes sur le personnage principale.

Mais le film tient, malgré tout. Parce que le réalisateur a plus d’un tour de cinéma dans sa poche (superbe scène de bad trip virant au film d’horreur), et parce que Fatma Star dans le rôle principal résiste à tous les soubresauts, du destin comme du 7^ème Art. Une grande figure de résilience, des deux côtés de l’écran.