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Les séances de minuit de la Croisette ne sont pas exclusivement consacrées aux œuvres cherchant à divertir les cinéphiles en manque de sommeil, mais bien à les maintenir éveillés – jusqu’au bout de la nuit, s’il le faut. Exit 8 s’inscrit dans cette logique, avec un concept aussi fort que poignant entre les mains de Genki Kawamura, un auteur fasciné par la vie et la mortalité. C’est dans ce contexte qu’il insuffle progressivement de la profondeur à un récit dont les règles du jeu, qu’il adapte, prennent une toute autre dimension.

Sorti en 2023 et téléchargé plus de 1,5 million de fois, The Exit 8 est un jeu de simulation de marche minimaliste et à succès, conçu par Kotake Create. Inspiré des couloirs souterrains japonais et des espaces liminaux, il place le joueur dans une boucle temporelle : traverser un couloir à l’infini jusqu’à en sortir, à condition d’identifier correctement d’étranges « anomalies ». Si quelque chose d’étrange se manifeste, le joueur doit faire demi-tour ; sinon, il continue sa progression jusqu’à atteindre la huitième sortie.  La moindre erreur est fatale et renvoie au point de départ. Un parcours sans faute ni hésitation est nécessaire pour espérer briser cette boucle infinie et enfin s’échapper de ce couloir qui ne mène nulle part.

Les anomalies du réel

Le diable se cache dans les détails, et c’est précisément ce qui fait du décor la pièce maîtresse de cette immersion dans un univers étrange et oppressant. On y suit « un homme perdu », incarné par Kazunari Ninomiya. Son jeu exprime toute la fragilité de son personnage, ce qu’il avait déjà démontré dans Lettres d’Iwo Jima ou La Famille Asada. Le personnage est renfermé sur lui-même, à l’image de ces navetteurs qui empruntent chaque jour les transports en commun, sans enthousiasme. Sa vie est faite de répétitions, et le premier plan-séquence du film nous offre un aperçu du réseau souterrain qu’il parcourt chaque jour, avec lassitude et en silence.

Mais lorsqu’une première « anomalie » vient perturber sa routine – l’annonce de la grossesse de sa compagne – il se retrouve confronté à un choix : rebrousser chemin dans sa bulle mentale ou accepter et célébrer cet événement en avançant vers lui. En bon romancier, Kawamura construit son récit autour de thèmes qui lui sont chers : le sens de la vie, les liens familiaux, la difficulté de choisir. Déjà au cœur de son livre Deux milliards de battements de cœur et de son précédent film N’oublie pas les fleurs – centré sur une femme âgée atteinte d’Alzheimer –, ces thématiques trouvent ici une nouvelle résonance. L’expérience du jeu devient alors une métaphore de l’errance mentale et émotionnelle, une manière de représenter les dilemmes intimes dans un monde qui valorise l’effacement de soi.

Le cinéaste japonais propose ainsi au spectateur de découvrir l’origin story de « l’homme qui marche », tout en préservant le gameplay et les décors du jeu comme toile de fond. Mais c’est en ajoutant une dimension intime et sociale à ce personnage vidé de toute humanité que Kawamura déjoue habilement les attentes des spectateurs en quête de subtilité et d’émotion. Les joueurs peuvent témoigner de la capacité du jeu à susciter de véritables frissons, certaines anomalies étant même inspirées de Shining. Fort heureusement, Kawamura ne cède pas à la facilité des jumpscares ou de l’humour déplacé, contrairement à d’autres œuvres comme Happy Birthdead ou, plus récemment, Until Dawn : La Mort sans fin, qui exploitent elles aussi le motif de la boucle temporelle, souvent au détriment de l’aspect dramatique. Dans Exit 8, les protagonistes n’ont qu’une seule vie, et ne peuvent pas tenter indéfiniment de résoudre leurs problèmes. Et c’est justement dans cette fragilité que réside la force du film : une œuvre atypique, ludique dans sa forme mais grave dans son propos, qui donne un visage humain à un avatar solitaire et fait de l’errance numérique un miroir de nos impasses intérieures.

Le sens caché des illusions

Le film repose pourtant sur un équilibre fragile. Son rythme lent, reflet d’une société japonaise étouffée par le culte du travail et la pression sociale, pourra en désarçonner certains. La structure cyclique finit par lasser, et les spectateurs les plus attentifs devineront parfois les anomalies avant « l’homme perdu ». Mais cette lenteur est assumée et convient parfaitement à une séance de minuit hantée par l’introspection de héros du quotidien auxquels on peut pleinement s’identifier. Ce choix narratif reflète le vide existentiel dans lequel évolue un homme ordinaire, aux prises avec une décision fondamentale – devenir père dans un monde qui ne laisse plus de place à l’intime.

Pour « l’homme perdu », le temps est compté. Son sens de l’observation et de l’orientation est aussi crucial que ses choix et sa détermination. Le couloir de métro lui renvoie ce qu’il refuse de voir depuis le début. Peut-il seulement assumer sa future parentalité, alors que la société japonaise tend à réprimer ce rôle en enfermant ses citoyens dans un culte du travail et de la performance ? Avec Exit 8, Genki Kawamura critique justement cet individualisme ambiant et évoque les traumatismes d’une nation proche de l’effondrement sous le poids de ses propres normes. Il le fait de manière ludique, bien que le rythme en pâtisse par moments – conséquence d’une représentation volontairement morne d’une société sans âme. Le spectateur aura souvent un coup d’avance sur les anomalies ou sur le déroulé d’un scénario simplifié, mais ce choix narratif convient à une séance de minuit hantée par l’introspection de héros du quotidien auxquels on peut pleinement s’identifier.

Une belle surprise pour les cinéphiles insomniaques de Cannes, et bien au-delà.

Ce film est présenté en hors compétition (séance de minuit) au Festival de Cannes 2025.

Exit 8 : bande-annonce

Exit 8 : fiche technique

Titre original : 8-ban deguchi
Réalisation et scénario : Genki Kawamura
Interprètes : Kazunari Ninomiya, Yamato Kôchi, Kotone Hanase
Image : Keisuke Imamura
Décors : Ryo Sugimoto
Costumes : Daisuke Iga
Maquillage et coiffure : Katsuhiko Yûmi
Son : Masaya Kitada, Masato Yano
Montage : Sakura Seya
Musique : Shouhei Amimori, Yasutaka Nakata
Sociétés de production : AOI PRO. INC., STORY INC.
Société de distribution : ARP Sélection
Pays de production : Japon
Genre : Épouvante-horreur
Durée : 1h35
Date de sortie en France : 3 septembre 2025

Troisième long-métrage de Hafsia Herzi, La Petite Dernière adapte le roman éponyme de Fatima Daas. Il raconte la jeunesse d’une lycéenne maghrébine, musulmane pratiquante, qui explore son homosexualité. Un récit sensible, filmé à fleur de peau, qui traite de la peur constante du jugement des autres et compose une belle ode à la liberté et à l’égalité.

Hafsia Herzi a commencé sa carrière comme actrice dans La Graine et le Mulet. Ses deux premiers films, Tu mérites un amour et Bonne Mère, ont été respectivement sélectionnés à la Semaine de la Critique et à Un Certain Regard. S’il s’agit de la première adaptation de la réalisatrice, le sujet résonne particulièrement dans son œuvre. Bonne Mère traitait déjà de la maternité, un thème que l’on retrouve dans La Petite Dernière à travers le regard de la mère de l’héroïne. Tout comme le cadre des cités, un milieu que Hafsia Herzi connaît parfaitement.

S’épanouir entre tradition et modernité

Fatima, une jeune fille musulmane, vit en banlieue avec ses parents et ses deux sœurs aînées. Toujours en jogging, casquette vissée sur la tête, elle prie tous les matins, étudie pour son baccalauréat, joue au football et entretient une relation distante avec un garçon de sa confession. Discrète, elle parle peu, car elle cache un lourd secret : Fatima est attirée par les femmes. Le temps d’une année, du printemps à l’hiver, La Petite Dernière relate une tranche de vie, de la préparation du baccalauréat à la première année en faculté de philosophie.

Lorsqu’un camarade de sa classe la traite de lesbienne, Fatima explose. Non pas car elle n’a pas conscience de cette réalité, mais parce qu’elle n’est pas prête à l’assumer. Parce que Fatima doit concilier deux parts d’elle-même qui restent incompatibles : son respect pour sa famille et sa religion, composés de rituels et de lois, et son désir de vivre librement sa sexualité. Son tiraillement entre ces modes d’existence l’amène à se détester. Plus que tout, Fatima craint de perdre la considération de ses proches si son secret était révélé. Elle préfère donc se taire, voire mentir en s’inventant d’autres noms, d’autres frères, d’autres nationalités sur les sites de rencontre. Nadia Melliti, qui n’avait aucune expérience de comédienne, l’incarne à la fois avec force et sensibilité. C’est justement toute la fougue de cette jeune femme, courageuse, déterminée, mais aussi fragile dans sa découverte de l’amour qui la rend particulièrement attachante.

La Petite Dernière a le mérite de traiter l’homosexualité du point de vue féminin, une perspective plutôt novatrice si on la replace dans le contexte de la religion musulmane. D’ailleurs, comme le relève l’imam, aucun texte n’évoque explicitement cette prohibition des relations entre femmes, même si l’interdit se déduit. Celui-ci se retrouve dans la famille de Fatima, qui évoque souvent son futur époux, ou encore dans sa résidence ou sa classe de cours. La faculté, cependant, fait bien plus de place à la tolérance. Au sein du cocon familial, tantôt réconfortant, tantôt étouffant, la mère de Fatima, qui connaît vraisemblablement la vérité sur sa petite dernière, adopte une position de soutien. Fière et aimante, elle ne cherche pas du tout à s’immiscer dans l’intimité de sa fille.

Avec beaucoup de délicatesse, Hafsia Herzi se focalise sur les visages, les regards, l’écoute de son personnage qui demeure toujours en retrait des échanges, comme si Fatima composait « une éponge du monde ». La sexualité, l’amitié, l’amour, la douleur, l’affirmation de soi, la jeune femme est prête à tout apprendre à travers les autres. Dans l’esprit du livre, la réalisatrice française conserve un ton très pudique. Sous l’influence d’Abdellatif Kechiche, de Ken Loach et d’Andrea Arnold, elle privilégie les gros plans pour représenter le quotidien et « filmer des portraits, sentir les respirations, les peaux ». Après son César de la meilleure actrice pour Borgo, Hafsia Herzi repartira-t-elle avec un prix cannois ? Réponse le samedi 24 mai.

Ce film est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2025.

La Petite Dernière : fiche technique

Ecrit et réalisé par Hafsia HERZI
Directrice de casting : Audrey GINI
Interprètes : Nadia Melliti, Ji-Min Park, Louis Memmi
Directrice de production : Rym HACHIMI
Chef opérateur : Jérémie ATTARD
Chef opérateur son : Guilhem DOMERCQ
Première assistante réalisatrice : Camille SERVIGNAT
Cheffe costumière : Caroline SPIETH
Cheffe décoratrice : Diéné BERETE
Cheffe monteuse : Géraldine MANGENOT
Monteur son : Rémi DUREL
Mixeuse : Julie TRIBOUT
Co-mixeur : Jean-Paul HURIER
Sociétés de production : JUNE FILMS, KATUH STUDIO GMBH
Société de distribution : AD VITAM
Pays de production : France, Allemagne
Durée : 1h46
Date de sortie en France : 1^er octobre 2025

À la fois provocateur et séduisant, Dangerous Animals réunit tous les ingrédients du cinéma bis, dans une formule qui risque bien de captiver les amateurs de sensations fortes lors de la Quinzaine des cinéastes. Signé par l’australien Sean Byrne, déjà remarqué pour The Loved Ones (2009), ce nouveau long-métrage mêle thriller horrifique et réflexions sur les rapports de pouvoir, avec un regard acéré sur les stéréotypes genrés.

Le film met en scène Tucker, un tueur en série fasciné par les requins, qui kidnappe une surfeuse survivaliste, Zéphyr, pour nourrir ses obsessions morbides. Le programme est simple, mais la mise en scène, elle, s’avère redoutablement efficace. Depuis Les Dents de la mer, le requin est devenu une figure incontournable du cinéma de genre, avec des incursions plus ou moins réussies dans la série B et Z – de Instinct de survie à Sous la Seine. Mais Byrne choisit ici de renverser les codes : le véritable prédateur n’est pas l’animal marin, mais bien l’homme, incarnation d’une masculinité toxique et solitaire.

Les dents de la Croisette

Dangerous Animals s’inscrit pleinement dans la tradition du slasher, avec une final girl qui échappe partiellement aux clichés. Zéphyr, incarnée par Hassie Harrison, est une blonde intrépide, aventurière libre et insaisissable, tandis que sa comparse brune joue le rôle de faire-valoir plus classique. L’intrigue, volontairement prévisible, permet de se concentrer sur le spectacle : poursuites tendues, scènes de torture et flashbacks distillés sur d’étranges cassettes VHS que conserve Tucker, incarné avec outrance par Jai Courtney. L’opposition entre les deux personnages principaux structure le récit. L’un est un prédateur en quête de contrôle, l’autre une femme libre qui refuse la captivité. Le film suggère que les « animaux dangereux » du titre ne sont pas ceux que l’on croit.

Zéphyr, sans port d’attache, erre sur les côtes de l’est australien à la recherche de la vague parfaite. Son escale à Surfers Paradise l’amène à une bifurcation existentielle : céder à l’appel du large ou poser ses valises aux côtés d’un prince charmant un peu trop lisse (Josh Heuston). L’affrontement avec Tucker devient alors métaphore d’un combat plus intime : celui d’une femme face à sa propre solitude et à la tentation de la fuite.

Cette thématique, déjà présente dans The Loved Ones, trouve ici un écho plus adulte. Là où Byrne filmait la cruauté adolescente et la transition vers l’âge adulte, il interroge désormais la quête d’identité et de liberté chez une femme qui refuse de se laisser définir par un homme ou la peur.

Lors de la présentation du film, Julien Rejl, délégué général de la Quinzaine, a rappelé que Massacre à la tronçonneuse de Tobe Hooper fut sélectionné en 1973. Le retour en grâce d’un cinéma de genre assumé mérite donc notre attention. Byrne livre un film rythmé, avec des scènes d’action bien menées et des punchlines qui instaurent un décalage comique bienvenu. Cependant, à force de vouloir interagir avec son public, Dangerous Animals tombe parfois dans une forme de complaisance. Les dialogues semblent chercher l’approbation du spectateur, et certains choix de mise en scène, trop explicites, affaiblissent la charge subversive du film. L’horreur n’est plus suggérée mais assénée à l’aide d’une musique stridente, ce qui nuit à la tension dramatique.

Sans révolutionner le genre, Dangerous Animals propose une relecture intéressante des codes du slasher et de la « sharksploitation », en désignant l’homme comme principal danger. Porté par une héroïne forte et une mise en scène mordante, le film de Sean Byrne s’impose comme un divertissement suffisamment intelligent et ludique pour qu’on y trouve son compte. Une œuvre à la fois rugueuse et ensanglantée qui a toute sa place sur la Croisette.

Ce film est présenté à la Quinzaine des cinéastes au Festival de Cannes 2025.

Dangerous Animals : bande-annonce

Dangerous Animals : fiche technique

Réalisation : Sean Byrne
Scénario : Nick Lepard
Interprètes : Hassie Harrison (Zephyr), Jai Courtney (Tucker), Josh Heuston (Moses), Ella Newton (Heather)
Son : David White
Musique : Michael Yezerski
Photographie : Shelley Farthing-Dawe
Montage : Kasra Rassoulzadegan
Décors : Pete Baxter
Sociétés de production : Brouhaha Entertainment, LD Entertainment, Oddfellows Entertainment, Range Media Partners
Pays de production : Australie
Distribution France : The Jokers Films
Genre : Horreur, Thriller, Survival
Durée : 1h38
Date de sortie : 23 juillet 2025

Avec Eddington, Ari Aster poursuit sa mue. Après avoir tordu les codes de l’horreur psychologique (Hérédité), du folk horror (Midsommar) et du drame kafkaïen (Beau Is Afraid), le cinéaste américain abandonne les motifs fantastiques pour affronter de front l’angoisse contemporaine. Ici, pas de cultes païens ni de spectres vengeurs : l’horreur est partout, infiltrée dans les masques chirurgicaux, les chaînes d’info en continu et les cellules familiales en implosion. Eddington est un film sur la peur. Celle de l’autre. De la vérité. De la réalité.

Le film s’ouvre sur une ville fictive du Nouveau-Mexique, Eddington, en pleine pandémie. Les rues sont vides, les regards soupçonneux, les écrans omniprésents. Le coronavirus plane comme une malédiction abstraite, mais Aster ne fait jamais du virus son sujet. Il s’en sert comme déclencheur : le révélateur d’une société au bord de la rupture, où l’individu préfère la paranoïa au doute, la violence au dialogue. Le shérif Joe Cross (Joaquin Phoenix), figure désabusée et maladroite d’une autorité dépassée, tente de maintenir un semblant d’ordre. Face à lui, Ted Garcia (Pedro Pascal), maire populiste à la posture martiale, manipule les peurs pour mieux affermir son emprise. Leur rivalité, grotesque et sinistre, fait basculer le film vers la comédie noire, un terrain inattendu mais parfaitement maîtrisé par Aster.

Reflet d’un pays fracturé

Le film ne raconte pas une histoire à proprement parler. Il expose un effondrement. Celui d’une démocratie locale minée par les fake news, la défiance et la violence structurelle. Les dialogues sont tranchants, les situations absurdes, et le climat constamment sous tension. Aster filme une société malade comme il filmait autrefois une famille endeuillée : avec froideur, précision et une forme de cruauté clinique.

Le choix de l’affiche n’est pas anodin : un diorama représentant des bisons lancés vers leur chute, qui est l’œuvre de David Wojnarowicz, Untitled (Buffalos). Cette image devient l’emblème du film. Le passé, ici, n’est pas un décor : c’est une faille. Aster fait de cette scène une allégorie de l’Amérique contemporaine, lancée à pleine vitesse vers sa propre désintégration. Comme chez Wojnarowicz, la beauté plastique masque une rage sourde. C’est tout l’art d’Aster : faire surgir la violence sous l’esthétisme, sans jamais céder au spectaculaire.

Eddington ne se contente pas de contextualiser l’époque post-2020. Il en révèle la matrice : une société obsédée par ses armes, ses écrans et ses fantômes idéologiques. Le film convoque en creux les émeutes de 2020, la mort de George Floyd, les débats sur le second amendement, les fake news et l’érosion du lien social. Rien de démonstratif pour autant : Aster laisse ces éléments infuser dans un récit éclaté, parfois flottant, mais toujours tendu.

Dans ce paysage en ruines, Joe Cross est une figure tragique. Mal à l’aise avec la technologie, englué dans ses propres contradictions, il tente d’apaiser un monde qui ne veut plus de lui. Il parle peu, rate souvent, mais incarne une forme d’humanité maladroite. Joaquin Phoenix, comme souvent, excelle dans ce rôle d’homme brisé. Le personnage pourrait prêter à rire, ce qui est souvent le cas, mais une tristesse profonde finit toujours par remonter à la surface. Ses relations avec sa femme (Emma Stone, glaçante) et ses adjoints achèvent de dresser le portrait d’un homme seul, dépassé par une époque qui ne veut plus de médiation, seulement du clash. Joe ne combat pas des monstres : il combat l’indifférence, le cynisme, et l’aveuglement collectif. Et il perd.

Un film malade avec son époque

Eddington est un film inconfortable. Il ne délivre aucun message clair, ne propose aucune issue, et brouille constamment les pistes. Certains pourront y voir un défaut ; d’autres y reconnaîtront la marque des grandes œuvres politiques. Car Aster, plus que jamais, interroge notre capacité à croire. À croire en l’autre, en l’État, en la vérité. Le film ne cherche pas à dénoncer : il dissèque. Il observe les symptômes d’un effondrement sans faire de diagnostic. La mise en scène, sobre mais précise, refuse l’esbroufe. L’horreur vient ici du hors-champ, du quotidien, de l’implicite. À la fois satire politique, comédie noire et drame social, le film parvient à capter l’air du temps sans jamais sombrer dans l’opportunisme.

Ari Aster signe ici son film le plus risqué, et peut-être le plus abouti. Eddington est moins immédiat, moins frontal que ses précédents, mais il travaille en profondeur. Il dérange, questionne et dérègle, à l’image de l’époque qu’il reflète. Un film nécessaire ? Peut-être. Un film lucide ? Assurément. Un cauchemar politique d’une précision clinique, qui nous tend un miroir sans fard : celui d’une société où la peur est devenue le langage commun.

Ce film est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2025.

Eddington : bande-annonce

Eddington : fiche technique

Réalisation et scénario : Ari Aster
Interprètes : Joaquin Phoenix, Pedro Pascal, Emma Stone, Austin Butler
Musique : Bobby Krlic, Daniel Pemberton
Photographie : Darius Khondji
Montage : Lucian Johnston
Décors : Elliott Hostetter
Costumes : Anna Terrazas
Production : Ari Aster, Lars Knudsen
Sociétés de production : A24, Square Peg
Société de distribution : Metropolitan FilmExport
Pays de production : États-Unis
Genre : Thriller, Western
Durée : 2h25
Date de sortie en France : 16 juillet 2025

Mais qui est donc Johan Otto von Spreckelsen, cet architecte danois dont presque personne ne connaît le nom ? Comment un tel artiste a-t-il pu tomber complètement dans l’oubli ? Dans L’Inconnu de la Grande Arche, Stéphane Demoustier fournit des éléments de réponse en nous plongeant dans la construction d’un monument emblématique de Paris, entre 1983 et 1987. Le drame traite avec intelligence des liens de dépendance étroits entre création artistique et pouvoirs publics. Il rend aussi un bel hommage au travail d’un homme, à l’œuvre d’une vie.

Rares restent les films qui traitent l’architecture comme sujet central. Playtime de Jacques Tati s’est intéressé à l’urbanisme moderne. Plus récemment, The Brutalist a dressé le portrait d’un architecte hanté par son vécu dans les camps de concentration. Quant à Eiffel, il abordait le chantier de la Tour, mais sous un angle plutôt romanesque.

Après Borgo, Stéphane Demoustier regagne la capitale pour se pencher sur une personnalité ombrageuse. Celle de Johann Otto von Spreckelsen, un professeur danois qui a remporté en 1983 un concours d’architecture international lancé par François Mitterrand. Une figure qui nous ramène aux origines de l’iconique Arche de la Défense, « un cube » tout à fait singulier.

L’artiste, le technicien et le bureaucrate

L’Inconnu de la Grande Arche s’ouvre sur l’annonce du lauréat du concours organisé par la Présidence de la République. Surprise. Johann Otto von Spreckelsen, l’architecte danois, est non seulement absent, mais aussi injoignable. Lorsque l’artiste débarque enfin, il reçoit tous les honneurs de François Mitterrand, qui pense avoir trouvé l’homme idéal : un rêveur ambitieux qui ne recule devant rien pour accomplir son œuvre. Malgré l’absence flagrante de ressemblance physique, Michel Fau donne au Président socialiste une figure de mécène pleine d’humour et presque enfantine.

Pour réaliser son projet de cube, sous l’égide du centre international de la communication (Cicom), l’architecte doit composer avec Jean-Louis Subilon, un bureaucrate nerveux campé par Xavier Dolan, et Paul Andreu, le « maître d’œuvre de réalisation », concepteur de Roissy, interprété par Swann Arlaud. Tous pris entre différents étaux, ils peinent à avancer. Subilon se soucie du budget, Andreu de la technique et de la réglementation, alors que Johann, intraitable, refuse de modifier la moindre ligne de son cube. Cette œuvre, c’est celle de sa vie. Le monument devra s’élever à 110 mètres, briller dans la lumière grâce au meilleur marbre blanc italien, et comporter des nuages. Créateur à l’ancienne, l’architecte danois rejette également toute utilisation du numérique prôné par Andreu.

L’Inconnu de la Grande Arche montre les désillusions d’un artiste progressivement dépossédé de son œuvre. Constructeur de sa propre maison et de quatre églises, Johann, incarné par Claes Bang (The Square) découvre vite les contraintes de la gestion d’un chantier colossal, et surtout, les blocages de l’administration française. Un cadre très étriqué qui ne lui permet pas de s’exprimer comme il l’entend, à l’image du verre collé, interdit en France. Les revirements politiques s’ajoutent également à l’équation. Lorsque Mitterrand, le seul à accorder à l’architecte une confiance aveugle, doit composer avec un nouveau gouvernement de droite, les financements publics s’envolent. Avec l’arrivée du RPR et des plans d’austérité budgétaire menés par Alain Juppé, le projet doit se tourner vers des investissements privés pour subsister. Le réalisateur français s’attache ainsi à montrer que l’art et la politique doivent avancer ensemble pour trouver les compromis nécessaires à la finalisation d’une œuvre. Seul, un artiste buté ne peut rien achever. Un cube ou une arche, c’est pareil.

« A cube is a cube »

Cette affirmation de Johann pourrait être reformulée par l’art, c’est l’art. Un travail de création pur qu’il convient de respecter autant que les édifices religieux bâtis par l’architecte danois. Très taiseux sur les origines de son idée, l’artiste explique simplement que Paris ne possédait pas de cube, à l’heure où Pei construit à quelques kilomètres la pyramide du Louvre. Ce souci des figures se traduit jusque dans la forme carrée de l’écran, qui compose lui-même un cadre jouant sur les perspectives.

La réalisation de ce cube iconique devient peu à peu obsessionnelle, maladive pour son auteur rongé par une volonté créative existentielle. Entre œuvre artistique et film politique, Stéphane Demoustier signe une grande arche passionnante. Si l’image de l’administration française n’est pas toujours flatteuse, il change notre regard sur la dalle de la Défense.

Ce film est présenté à Un Certain Regard au Festival de Cannes 2025.

L’Inconnu de la Grande Arche : fiche technique

Réalisation : Stéphane Demoustier
Scénario : Stéphane Demoustier d’après le roman de Laurence Cossé « La Grande Arche » © Editions Gallimard 2016
Interprètes : Claes Bang, Sidse Babett Knudsen, Michel Fau
Image : David Chambille
Son : Julien Sicart Tan-Ham
Décors : Catherine Cosme
Costumes : Camille Rabineau
Montage : Damien Maestraggi
Musique : Olivier Marguerit
Société de production : Ex Nihilo (Muriel Meynard)
Coproduction : Zentropa (Danemark)
Distribution : Le Pacte
Pays de production : France
Genre : Drame
Durée : 1h44

Après La Nuit du 12, présenté à Cannes Première et récompensé par 6 césars en 2023, Dominik Moll foule à nouveau le tapis rouge avec Dossier 137. Un film d’enquête passionnant qui s’insère, contrairement à son prédécesseur, dans un contexte de crise politique. Il nous plonge dans le fonctionnement de l’IGPN en questionnant notre rapport à la police, ainsi que dans le tiraillement, plus intime, entre esprit de corps et désir de justice. Une œuvre brillante d’une actualité brûlante.

Dans La Nuit du 12, le réalisateur français nous a fait vivre une enquête labyrinthique aux côtés de deux policiers qui traquent le coupable du meurtre d’une jeune fille. Dans Dossier 137, Dominik Moll conserve son traitement réaliste du monde policier en s’intéressant à l’IGPN, un service dont le travail reste mal perçu par les agents et les syndicats d’un métier déjà haï par une partie de la population. Le réalisateur souhaitait traiter « des tensions » inhérentes à cette position très inconfortable consistant à enquêter sur des collègues, sous pression, qui franchissent la ligne rouge. Une approche fidèle qu’il a documentée grâce à une immersion dans la délégation parisienne de l’IGPN.

La police, une confrontation des points de vue 

Décembre 2018, Paris est en flammes. Le mouvement des Gilets jaunes mène aux émeutes, aux insultes et au vandalisme. Les policiers débordés ont pour ordre de maintenir l’ordre et d’arrêter les casseurs. Dans ce contexte de révolte, déjà abordé dans le documentaire Un pays qui se tient sage, les plaintes contre les violences policières s’amoncellent sur les bureaux de l’IGPN. Également présente à Cannes pour L’Intérêt d’Adam, Léa Drucker incarne Stéphanie, une scrupuleuse inspectrice chargée d’enquêter sur les exactions commises par les agents de police. Lorsque le dossier 137 arrive sur sa table, elle se retrouve face à des victimes originaires de sa ville natale, Saint-Dizier. Elle cherche alors à identifier l’auteur du tir de LBD qui a frappé le jeune Guillaume Girard en pleine tête. S’il ne s’agit pas d’une affaire réelle, le scénario est bien inspiré de cas concrets.

À travers cette enquête, Dossier 137 propose une riche réflexion sur les points de vue. En effet, la quête de vérité passe par une confrontation des témoins, des angles de caméras, et même des interprétations d’images floues. Malgré ce recueil objectif de versions, le regard de Stéphanie reste biaisé par sa proximité avec la famille Girard. Elle n’hésite donc pas à sortir de ses prérogatives. Pourtant, comme tout agent de l’IGPN, l’inspectrice mesure très bien la complexité du travail des forces de l’ordre. Comme le relève Benoît, son partenaire, les gardiens de la paix sont placés en première ligne, puis « montrés du doigt au moindre dérapage ». Plutôt que de chercher à les couvrir, Stéphanie fait l’effort de se mettre à leur place et d’adopter leur point de vue. Elle est une inspectrice, une policière, mais aussi une citoyenne. Ce changement d’une perspective à l’autre est d’autant plus facile que les policiers et les Gilets jaunes partagent souvent les mêmes origines sociales.

D’autre part, Dominik Moll utilise cette affaire pour montrer la fracture sociale, la position d’une population totalement délaissée. La mère de Guillaume explique ainsi à Stéphanie que « Saint-Dizier ou ailleurs, c’est partout pareil. On se fout de nous. » Une jeune femme noire, employée dans un hôtel de luxe, s’insurge également de la situation dans les banlieues, où des crimes commis par les policiers resteraient impunis. Un thème déjà abordé dans Les Misérables.

Dossier 137 interroge enfin notre propre regard sur la police. Le fils de Stéphanie demande ainsi à sa mère : « Pourquoi personne n’aime la police ? » Par crainte ou par honte, il ment sur la profession de ses parents. Cette police, nous l’aimons et la louons quand elle lutte contre le terrorisme. Bien moins quand elle repousse des manifestants. C’est l’exemple de la BRI. Les exploits accomplis par cette brigade justifient-ils pour autant une impunité lorsque des dérapages surviennent ? Pour épargner l’image de la profession, les syndicats, les médias et la direction de l’IGPN doivent-ils protéger à tout prix les agents du maintien de l’ordre ?

Sans prendre parti, Dominik Moll nous immerge avec un grand souci du détail au cœur d’une enquête. Les énoncés de procès-verbaux, de réquisitoires et les nombreux échanges avec le procureur traduisent toute la réalité d’une procédure juridique au langage complexe, jusqu’aux limites d’un système judiciaire impuissant à punir systématiquement. Plus dramatique, il témoigne aussi du dépassement du gouvernement, qui a mobilisé tous les policiers disponibles, même ceux qui n’étaient pas formés au maintien de l’ordre, comme la BAC ou la BRI, contraints de s’équiper en urgence chez Decathlon. Portrait d’un état de panique, d’un État en crise, Dossier 137 compose une enquête palpitante sur fond de profondes inégalités sociales.

Ce film est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2025.

Dossier 137 : fiche technique

Titre international : Case 137
Réalisation : Dominik Moll
Scénario : Dominik Moll et Gilles Marchand
Photographie : Patrick Ghiringhelli
Interprètes : Léa Drucker, Yoann Blanc, Guslagie Malanda
Montage : Laurent Rouan
Musique : Olivier Marguerit
Son : François Maurel, Rym Debbarh-Mounir
Décors : Emmanuelle Duplay
Producteurs : Carole Scotta, Caroline Benjo, Barbara Letellier, Simon Arnal
Sociétés de production : Haut et Court, France 2 Cinéma
Société de distribution : Haut et Court
Pays de production : France
Genre : Policier, Thriller
Durée : 1h55
Date de sortie en France : 19 novembre 2025