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Fin mars dernier, le détective ultimement glamour de la télévision a fait son retour en Blu-ray. Édité par Elephant Films, Magnum nous revient avec sa première saison dans une formidable version remastérisée.

Synopsis : À la suite d’un pari, le détective privé Thomas Magnum peut occuper librement la propriété hawaïenne de l’écrivain Robin Masters, mais qu’il doit partager avec Higgins, majordome britannique, dont les chiens sont la plus grande hantise de notre sympathique héros. Aidé de ses amis Terry et Rick, vétérans du Vietnam et anciens Marines comme lui, il enquête dans un décor paradisiaque sur toutes sortes de crimes, avec humour et charisme…

Préparez votre chemise hawaïenne, votre Ferrari de poche, et votre plus beau sourire moustachu : Magnum est de retour en Blu-ray

En fin mars dernier, Elephant Films a édité en Blu-ray une dose de pure jouissance télévisuelle. Un événement qui s’annonce doublement jouissif : le retour de Magnum en HD dans une version restaurée for-mi-da-ble ! L’éditeur compte aujourd’hui dans son catalogue la première saison du célèbre détective privé Thomas Magnum. La saison compte dix-huit épisodes, soit environ quatorze heures et demi d’enquête, d’aventure, de poursuite, d’humour et de glamour.

Créée et produite par Donald P. Bellisario (NCIS ; JAG ; Code Quantum ; Supercopter) et Glen A. Larson (Battlestar Galactica, la série originale ; Buck Rogers au XXVe siècle ; K 2000) en 1980, Magnum P.I. (sobrement titré en France Magnum) connut un succès retentissant. Rediffusée à de nombreuses reprises, le show constitué par huit saisons est aujourd’hui considéré comme une « série culte », l’une de ces « vieilles séries qui ont bercé l’enfance/l’adolescence » d’un grand nombre de spectateurs. La ressortie Blu-ray de Magnum permet de bousculer l’écran de nostalgie qui avait figé le show comme un tableau vieillissant mais agréablement « doudou » (terme de Nicolas Bonci).

En effet, grâce à une remasterisation impeccable, la série semble être plus belle que jamais, et a regagné de sa vitalité esthétique. Il faut le souligner : Magnum est une série emplie d’énergie, dans ses scènes d’actions, dans son rapport très libre à la sexualité (certes marqué par le point de vue masculin très coquin du héros), ou encore dans sa narration. Du souvenir d’une blessure au toucher d’une bague d’un ancien collègue de l’armée, Thomas Magnum ne cesse de replonger dans son expérience traumatique du Vietnam. La nostalgie/le culte a figé la série en ces quelques éléments bien connus : le drôle, sexy et coloré Magnum interprété par nul autre que Tom Selleck ; une galerie de seconds rôles très drôles ; un décor de rêve (l’archipel d’Hawaï) ; des bombes féminines ; et un glamour renforcé par le sex-appeal mécanique de la fameuse Ferrari rouge… Tout cela dans des « aventures trépidantes » dont très peu s’en souviennent en réalité. Car la série parle ouvertement en 1980 du Vietnam, du trauma, du trafic de drogue. Si Bellisario admire les valeurs militaires, il n’hésite pas, à travers son show, à remettre en question les hommes censés la servir. Ainsi Magnum est davantage qu’un objet de culte, elle est une série de genre, et comme toute œuvre de genre, elle traite sans peur des problématiques de son époque. Cela, avec des outils visuels pop’ portés par l’héritage esthétique de grands modèles de l’imagerie d’action/aventure « moderne » (James Bond, Bullit, et cætera) mêlé aux codes bien assimilés du récit noir. Ainsi l’ensemble n’est pas assombri par la gravité des sujets grâce à la légèreté assurée par l’aventure intriguante, pop’ et glamour dirigée par le plus sexy des moustachus, Tom Selleck aka Thomas Magnum.

Bande-annonce – Magnum – la saison 1 en Blu-ray

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES

1080p – 16/9 – 1.33:1 (format d’origine respecté) – Images : Couleurs – Audio : Français 2.0 DTS-HD Master Audio – Anglais 2.0 DTS-HD Master Audio – Sous-titres : français – coffret 4 disques Blu-ray

COMPLÉMENTS

« Magnum : les origines de la série » : interview de Donald Bellisario, 1^ère partie

Bandes-annonces – Crédits

Magnum en Blu-ray

Saison 1 – sortie le 21 mars 2018

Saison 2 – sortie le 27 juin 2018

Prix public indicatif : 39,99€

The Deuce, série co-signée par David Simon et George Pelecanos, a enfin débarqué en DVD et Blu-ray. À l’occasion de la sortie vidéo du show, retour sur son récit choral au service du réel et sa plongée spectatorielle au cœur d’une représentation New-yorkaise non fantasmée.

Synopsis : L’essor de l’industrie pornographique du début des années 70 au milieu des années 80. Dans les magasins spécialisés, un autre cinéma se vend sous le manteau. Des films pornographiques un peu cheap, tournés à la chaîne, avec de minuscules moyens. Mais bientôt, tout cela va changer… Aux premières loges de cette révolution culturelle, deux frères jumeaux propriétaires de bars servant de couverture aux mafieux du coin, Vincent et Frankie Martino et Candy, prostituée en quête de liberté, visionnaire courageuse à l’écoute des évolutions de son époque.

Avant-propos : le présent article, écrit par le road warrior Benjamin Deneuféglise, est constitué d’une deuxième partie signée par le super-héroïque Guillaume Méral.

Le récit choral au service du réel – B.D.

Comme à son habitude, David Simon – et ici, l’un de ses vieux partenaires, George Pelecanos – a construit The Deuce tel un récit choral. De The Wire à Treme en n’oubliant pas les brillantes mini-séries Generation Kill et Show Me a Hero, l’œuvre de Simon est tissée de toiles d’araignées. En effet, le récit choral permet aux créateurs puis aux spectateurs d’explorer un spectre large de l’objet du show : la criminalité (notamment celui organisé, des gangs et autres groupuscules obscurs) à Baltimore dans l’Amérique des années 2000 dans The Wire ; les débuts de l’invasion en Irak en 2003 dans Generation Kill ; le projet d’installation d’habitations à loyer modéré dans des quartiers dominés pas la classe moyenne blanche à Yonkers entre 1987 et 1994 dans Show Me a Hero ; et cetera. Ici, place à un nouveau contexte : début des années 70′, bienvenue dans le bloc englobé par la 42ème rue de Manhattan et son croisement avec la 7ème et 8ème avenue, surnommé The Deuce.

Dans The Deuce, Pelecanos et Simon s’intéressent au milieu de la prostitution dans le quartier et à l’institutionnalisation du cinéma pornographique. La vision qu’offre le duo de créateur est, comme dit plus haut, ouverte sans pour autant s’écarter de leur principal objet. Ainsi on suit des policiers ; un jeune barman, Vincent Martino, décidant de prendre sa vie en main tout en évitant de trop se mouiller dans les affaires de la mafia locale ; son beau-frère, Bobby Dwyer, chef de chantier qui va connaître un changement de vie radical ; le frère jumeau du jeune barman, Frankie, joueur invétéré ; une journaliste en plein reportage sur le milieu de la prostitution. Et justement, il y a les filles du trottoir, ces êtres noctambules qui arpentent le trottoir du début de soirée jusqu’à la fin de la matinée sous le regard de leurs « macs », business men sans scrupules, pourrait-on préjuger. Il y en a aussi une indépendante, Eileen « Candy » Merrell, qui va suivre avec attention et passion la démocratisation du film pornographique, et qui sait changer de voie. Il y a bien sûr les ramifications des parcours des différents sujets : des ouvriers concernés dans une arnaque du jeune barman, de son beau-frère et des mafieux ; les clients parfois violents, rarement bienveillants ; le collègue de Vincent, Paul Hendrickson, jeune gay cherchant sa place dans ce bloc new-yorkais loin d’être ouvert à l’homosexualité… La toile de Pelecanos et Simon tient d’un équilibre scénaristique qui, de façon organique (la fin radicale d’une petite révolte ; le départ d’une fille loin de New York ; la mort d’un « mac » ; l’assassinat criminel inattendu d’une prostituée), créé un cosmos bien vivant alternant ainsi de façon non systématique entre mouvements centrifuges et centripètes. Cette construction narrative complexe et rigoureuse permet de rendre compte à l’écran de la densité de la réalité, construite par la diversité des expériences, la pluralité des regards, qui ont aussi participé à construire l’Histoire – parfois en la subissant – souvent de façon anonyme.

Comme les précédentes séries (co-)dirigées par Simon, The Deuce met donc son récit au service du réel. Ainsi, les spectateurs désirant s’attacher à un héros seront probablement déçus. Il n’y a pas de héros dans les séries de Simon, ni de protagonistes hyper-psychologisés torturés par je-ne-sais-quel-«passionnant»-démon. Il y a des êtres qui agissent ou non, réagissent de telle ou telle manière à la tournure d’un ou de plusieurs événements, des affects parfois dévoilés, souvent cachés derrière une forme de pudeur ou de persona protectrice. Cependant, l’attachement à des personnages de par des situations ou des gestes du quotidien est bien là. Certains ont des traditions qui nous paraissent absurdes aujourd’hui, d’autres sont juste très drôles ; on pense que quelques-uns font preuve de courage, mais leurs actes peuvent être expliqués par des motivations qui n’appartiennent qu’à eux. Personne n’est parfait. The Deuce partage cette absence de manichéisme qui caractérise l’œuvre documentée et détaillée de Simon. Attention, les créateurs ne rejettent pas l’existence du bien et du mal. Ils acceptent juste de représenter le réel tel qu’il est ou a été, dans la pluralité de ses regards et expériences, et alors dans son infinité de nuances.

Ci-dessous, l’intro de la série The Deuce, premier portail à franchir vers la réalité complexe de la New-York des seventies.

Macadam à deux voies – G.M.

Décidément, il semblerait que quoi qu’il fasse, il y aura toujours une distance entre David Simon et les autres créateurs de séries télés, que ces derniers ne pourront jamais franchir, quel que soit la qualité de leur travail. Dans The Deuce, cet écart pourrait s’illustrer dans cette scène du premier épisode ou Frankie Martino, incarné par James Franco (qui joue aussi Vincent, son frère jumeau) arpente le bitume de la 42^ème Rue, surnommé le Deuce par la faune qui y réside. Le personnage ne fait que marcher alors que les lumières de la ville brillent de tous leurs feux, soleil des animaux de nuit qui parcourent le même trottoir. Pas question de travestir ce moment d’indolence assumé en l’investissant d’une justification narrative. La déambulation se doit d’être un motif valant pour lui-même afin d’ouvrir les chakras de la ville à un spectateur de plus en plus connecté au pouls de l’endroit à chaque pas de Frankie Martino.

A l’instar de The Wire et Treme avant lui, le dispositif de The Deuce repose sur cette capacité à faire du spectateur un membre à part entière de l’environnement urbain à l’écran, à travers ce genre de motifs faussement innocents mais réellement déterminants quant à notre implication. Très néo-réaliste dans l’idée, cette démarche est essentielle pour comprendre l’idée que David Simon se fait de l’interaction spécifique de son médium avec le public. Dans The Deuce comme dans le reste de son œuvre, la ville en tant qu’organisme vivant et invisible s’incarne à la faveur de scènes charnières comme celles-ci, qui nous confèrent cette impression de sonder les battements du cœur de la bête citadine. Dès lors, la relation qui s’est nouée entre nous et l’œuvre se fonde sur ce sentiment d’appartenance organique à l’univers déployé. Le spectateur n’est jamais seulement spectateur chez Simon, il est partie prenante de cet écosystème dans lequel chaque personnage tient le rôle qu’il doit jouer pour faire fonctionner l’ensemble.

Peu importe au fond que The Deuce ne soit pas la plus aboutie des séries créées par Simon. On pourra chipoter une utilisation du temps télévisuel un peu trop abrupte en ce qui concerne la trajectoire du personnage de Maggie Gyllenhaal (tout simplement exceptionnelle), ou l’évidence pas toujours immédiate de certains choix scénaristiques. Autant de réserves qui s’effacent devant l’ambition concrétisée de la série de faire REVIVRE (et non pas illustrer sur la base des fantasmes de cartes postales) ce New-York des 70’s underground et dangereux. Un univers peuplé de tapineuses opiniâtres, de macs hauts en couleurs et de flics corrompus et autres mafieux débonnaires qui essaient d’exister dans ce monde sur le point de basculer. Car si The Deuce ranime les braises d’une époque, c’est pour mieux en signifier sa fin à travers l’arrivée et la démocratisation du porno, qui s’apprête à bouleverser tant la conception du sexe que de ses usages. Quitte à sacrifier les protagonistes qui font tâche dans le nouvel organigramme social en gestation (voir le sort déchirant de Ruby « Maxicuisses », personnage « simonien » s’il en est). The Deuce illustre une nouvelle fois le poids dérisoire du libre-arbitre face à l’omnipotence démiurgique du système. La vérité sociologique de David Simon est d’abord anthropologique.

Bande-Annonce – The Deuce – saison 1

COMPLÉMENTS DE L’ÉDITION Blu-ray

/ Le point sur The Deuce / Le New York sauvage des années 1970 / Coulisse des épisodes / Commentaires audio exclusifs avec James Franco, Maggie Gyllenhaal, Michelle MacLaren, Nina Kostroff Noble, George Pelecanos et David Simon /

Une production HBO

Éditée par Warner Bros

Prix de vente conseillé :

DVD : 29,99 €

Blu-Ray : 34,99 €

Date de sortie : 14.02.18

La Vache, Le Coureur, Leila et Close Up : ce sont quatre classiques du cinéma iranien de ces cinquante dernières années que les éditions Elephant Films nous proposent de voir ou revoir en de très belles éditions Blu-Ray.

Les quatre films iraniens qui sortent en Blu-Ray permettent d’avoir un aperçu de la diversité du 7ème art dans ce pays dont la production cinématographique est devenue incontournable de nos jours. Ces films d’époques différentes, tournés avant ou après la Révolution Islamique, en noir et blanc ou en couleur, montrent un visage profondément humain et d’une grande finesse intellectuelle, subtilement teinté de réflexions politiques.

Close Up est, de très loin, le plus connu des quatre films. D’abord, c’est un film réalisé par Abbas Kiarostami, le plus célèbre des cinéastes iraniens, auteur de Où est la maison de mon ami ?, A travers les oliviers et bénéficiaire d’une Palme d’Or en 1997 pour Le Goût de la cerise. On retrouve ici les procédés habituels du cinéaste, en particulier cette absence d’une frontière bien nette et définie entre réalité et fiction. Kiarostami filme le procès (réel ? fictif?) d’un parfait inconnu, Hossain Sabzian, qui s’est fait passer pour Mohsen Makhmalbaf (un des cinéastes iraniens les plus connus) et en a profité pour s’inviter chez des gens. C’est le début d’un film déroutant. A l’imposture de Hossain, Kiarostami ajoute une autre imposture, celle du cinéma en lui-même. Le film devient une réflexion d’une profonde intelligence sur le pouvoir des images et sur leur capacité à dire la vérité, ou plutôt à en inventer une, et le spectateur se retrouve dans une situation où il ne peut définir ce à quoi il assiste : documentaire ? Fiction ? Un habile mélange des deux ? Le procédé arrivera à un point culminant lors des scènes finales…

Sorti en 1985, Le Coureur, d’Amir Naderi, est également un petit chef d’œuvre, certes dans un genre bien différent, mais cependant inspiré du cinéma de Kiarostami. Comme son illustre collègue, Naderi va nous montrer un film dont le personnage principal est un enfant, la petit Amiro, d’une dizaine d’années environ. Amiro est un gosse des rues. Il vit seul dans une vieille carcasse de bateau toute rouillée et survit par différents petits bouleaux : ramassage d’ordures, distribution d’eau fraîche, cirage de chaussures, etc. Dès les premières scènes, on le voit regarder l’horizon, faire signe aux bateaux ou errer le long du grillage d’un aérodrome. Amiro rêve de partir, d’aller loin. L’acte de courir devient alors une métaphore : courir pour survivre, car pour Amiro la vie est une lutte permanente (contre les innombrables autres enfants des rues, contre les injustices sociales qui constituent autant d’obstacles sur son parcours), une course épuisante, sans cesse recommencée, pour un résultat souvent dérisoire. Dans un style qui se rapproche beaucoup du néo-réalisme italien des années 40, le cinéaste parvient à capter la réalité avec une justesse de ton extraordinaire. En particulier, il montre ces enfants avec leurs jeux, leurs rires, leurs rêves, sans que cela ne fasse artificiel un seul instant. Cette vérité dans la façon de capter l’enfance empêche le film de sombrer dans le misérabilisme et en fait, au contraire, une fable politique magnifique, émouvante, tendre et intense.

Les deux autres films sont signés par le même cinéaste, Dariush Mehrjui. Tout d’abord, nous avons Leila, le plus récent des quatre films, sorti en 1997. C’est un complet changement d’ambiance : Leila nous plonge dans l’intimité d’un drame bourgeois. Leila (incarnée par Leila Hatami, l’actrice de Une Séparation) épouse Réza et ils forment un couple heureux. Mais Leila est stérile. Malgré les propos sans cesse rassurants d’un époux qui multiplie les preuves d’amour à son égard, Leila va sombrer dans la culpabilité, aidée en cela par une belle-mère qui rêve d’avoir un petit-fils pour perpétuer la lignée. Le film de Mehrjui est un drame intimiste, une exploration de la psychologie d’une femme qui est convaincue de faire le malheur de son mari. L’emploi de la voix off, les cadrages, les décors, les fondus enchaînés colorés (rouge, orange) : nous ne sommes plus dans la fibre réaliste, quasi-documentaire, du cinéma d’un Kiarostami. On peut difficilement dire qu’il s’agit d’un film critique ou politique, d’autant plus que Leila ne se veut pas une attaque contre une société patriarcale. Nous avons par contre une belle réflexion sur le couple et le mariage, sur le sacrifice et la communication, et de très beaux portraits psychologiques loin de toute caricature.

La Vache est le plus ancien des quatre films proposés (1969), et le seul qui soit en noir et blanc (un noir et blanc superbe d’ailleurs, très travaillé, avec de forts contrastes entre une luminosité aveuglante et des ombres où se terrent les personnages). Le film nous plonge dans la vie quotidienne d’un minuscule village perdu loin du monde et hors du temps (il est impossible de savoir à quelle époque se déroule le film). Et si le film se concentre sur Hassan, propriétaire d’une vache (l’unique vache du village) qu’il aime à la folie (expression à prendre au pied de la lettre), c’est finalement tout le village qui va nous être présenté. Avec son insistance sur les visage parcheminés par cette rude vie de misère, La Vache est un très beau film rempli d’humanité. Tour à tour drôle ou émouvant, le film revêtira une importance considérable dans l’histoire du cinéma iranien, étant le premier film du pays primé dans un festival international (celui de Venise, en l’occurrence).

Chaque film est présenté dans une très belle édition. Parmi les compléments de programme, il y a une présentation des films par le critique Jean-Michel Frodon, puis soit un commentaire, soit une interview (de l’acteur principal du Coureur), ou encore le numéro de l’émission Cinéastes de Notre temps consacré à Abbas Kiarostami (en complément de Close Up). Visuellement, le travail est superbe. Et surtout, ces éditions nous permettent enfin de voir ces films dont certains n’étaient pas édités en France à ce jour.

BANDE-ANNONCE : 4 CHEFS-D’ŒUVRE DU CINÉMA IRANIEN

La Vache, de Dariush Mehrjui (1969)
Durée : 104 minutes
Compléments de programme :
Le film par Jean-Michel Frodon
Bandes-annonces
Commentaire audio de Bamchade Pourvali (France Culture) écrivain et critique de cinéma
Galerie de photos

Le Coureur, d’Amir Naderi (1984)
Durée : 90 minutes
Compléments de programme :
Le film par Jean-Michel Frodon
Entretien avec Majid Niroumand
Bandes-annonces
Galerie de photos

Close Up, d’Abbas Kiarostami (1990)
Durée : 94 minutes
Compléments de programme :
Abbas Kiarostami : « Vérités et songes » de Jean-Pierre Limosin
Présentation du film par Jean-Michel Frodon
Bande-annonce
Galerie de photos

Leila, de Dariush Mehrjui (1997)
Durée : 124 minutes
Compléments de programme :
Présentation du film par Jean-Michel Frodon
Commentaire audio de Bamchade Pourvali (France Culture) écrivain et critique de cinéma
Bande-annonce
Galerie de photos

Adapté du best-seller éponyme de Jo Nesbo, Le Bonhomme de Neige entendait marcher sur les traces du célèbre Millenium de Stieg Larsson, mètre étalon du genre dès lors qu’on touche aux tueurs en série sévissant sur les grands froids de la Scandinavie. Patatras, Tomas Alfredson n’est pas David Fincher…

Suède, de nos jours. Lorsque le détective d’une section d’élite enquête sur la disparition d’une victime lors des premières neiges de l’hiver, il craint qu’un serial killer recherché n’ait encore frappé. Avec l’aide d’une brillante recrue, il va tenter d’établir un lien entre des dizaines de cas non élucidés et la brutalité de ce dernier crime afin de mettre un terme à ce fléau, avant la tombée des prochaines neiges.

Un film qui fait froid dans le dos.

On dit souvent que l’enfer est pavé de bonnes intentions. Un dicton justement de mise quand on doit évoquer le cas du Bonhomme de Neige A l’origine chapeauté par Martin Scorsese, le projet est finalement tombé dans la besace du non moins recommandable Tomas Alfredson, lequel avait auparavant brillamment adapté John Le Carré (La Taupe). Dès lors, difficile de ne pas y voir dans ce projet, une véritable promenade de santé pour le cinéaste. Malheureusement, le projet bien que nanti d’éléments étant à même de plaire à n’importe quel cinéphile (un serial-killer, un best-seller nordique, des décors enneigés, une ambiance tétanisante), son exécution a souffert d’un des plus gros travers d’Hollywood : le temps. C’est bien simple : Tomas Alfredson n’a pas eu le temps pour finaliser son film tel qu’il l’entendait. A peine quelques mois. Dès lors, difficile de pouvoir mener à bien une histoire multipliant les temporalités et localités de tournages. Tant et si bien que le film une fois dans la boite a rencontré un énième problème, cocasse : il lui manquait plusieurs scènes clés. Des scènes que le réalisateur estime majeurs et qui n’auront pour conséquence que de vider de sa complexité un film pourtant bien parti pour illustrer les tourments d’un serial-killer. C’est ce qui s’appelle la faute à pas de chance…

Des bonus frustrants

Fatalement, à la vue des bonus, on ne peut que contenir notre frustration tant la prose du romancier Jo Nesbø pouvait donner lieu, si correctement adaptée, à un film valant le détour. Ici, on ne pourra donc que ronger son frein devant l’utilisation des paysages nordiques ou la construction des personnages, notamment celui de Michael Fassbender pour saisir ce qu’aurait pu être le film s’il n’avait pas été la cible d’une production précipitée et d’un montage en catastrophe. Une bien piètre consolation qui au moins a le mérite de nous rassurer pour la suite : si un autre best-seller du romancier norvégien venait à se voir adapté, le réalisateur aurait un bon exemple à ne pas réitérer pour saisir la substantifique moelle de l’auteur et en donner un polar aussi tortueux que les pages du roman.

Caractéristique Technique DVD/Blu-Ray

Version originale sous-titrée français + Allemand DTS HD HRA 7.1, Anglais DTS HD (Master audio) 7.1, Espagnol; castillan DTS HD HRA 7.1, Français DTS HD HRA 7.1, Italien DTS HD HRA 7.1

Images – 16/9 – 1.85 – Couleur

Durée : 119min

Bonus

– la copie digitale
– Les personnages
– Créer le monde de Jo Nesbø
– Le bonhomme de neige
– Les paysages norvégiens
– Plongée dans le lac

Bande-annonce : Le Bonhomme de Neige