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Retour sur le premier long métrage officiel de Mario Bava, Le Masque du démon (La Maschera del demonio), sublime œuvre d’horreur gothique à (re)découvrir dans une riche édition médiabook Blu-ray + DVD signée Sidonis Calysta.

Synopsis : Marquée au feu rouge, un masque de bronze hérissé de pointes sur le visage, la sorcière Asa jette, avant de rendre son dernier souffle sur le bûcher, un sort à ses bourreaux. Trois siècles après son exécution, quelques gouttes de sang frais tombent sur ses restes. Il n’en faut pas davantage pour réveiller la servante de Satan qui multiplie les victimes dans la région, pressée de transférer son esprit maléfique dans le corps de la princesse Katia, sa descendante…

Gothic Bava

À la fin des années 50, le directeur de la photographie Mario Bava a sauvé de nombreuses productions en prenant en main leur réalisation suite au départ de leurs cinéastes pour des raisons diverses et variées : un problème contractuel pour Jacques Tourneur sur La Bataille de Marathon (1959) ou encore des problèmes de santé pour Riccardo Freda sur Caltiki, le monstre immortel (1959). On propose alors à Bava, l’un des futurs grands-parents du giallo comme du slasher, de réaliser son premier long métrage officiel, en remerciement de ses services. Un premier long qui va marquer les codes d’une carrière riche en couleurs – au figuré comme au sens littéral du terme.

Le Masque du démon vous plonge dans un récit gothique où les corps nécrosés en pleine résurrection croisent la légende chrétienne d’un mal pas tout à fait entériné et à l’origine d’une malédiction, avec un tableau Wilde-ien derrière lequel se cachent de terribles histoires d’inceste et de rites infernaux. Dans une œuvre au noir et blanc expressionniste – lui permettant d’éviter une certaine censure (que la version américaine tend à embrasser) –, Bava présentait ainsi un premier éventail de thématiques terrifiantes qui allaient dessiner une œuvre gothique baroque, vive, inspirée et inspirante (de Dario Argento à Tim Burton), dont le travail de l’épouvante allait dépoussiérer un genre pourtant en pleine renaissance du côté des Britanniques avec les œuvres à succès de la Hammer, et notamment celles du génial Terrence Fisher, qui fut par ailleurs une source d’inspiration pour Bava.

Comme le note justement le passionné et passionnant Christophe Gans dans son retour sur le film (l’un des riches bonus de l’édition), Mario Bava était plus un réalisateur intéressé par la mise en scène de ses éléments mythologiques que par l’installation claire et cadrée – et notamment dialoguée – de ceux-ci. Il ajoute que Bava, malin, construisait au fur et à mesure sa mythologie par la mise en scène. Complétons qu’au fond, Mario Bava n’était peut-être pas toujours clair sur les pouvoirs et capacités de ses créatures, mais il savait les installer progressivement par le langage du cinéma.

« Ut pictura poesis » (« comme la peinture, la poésie ») et plus encore, Bava n’avait pas besoin de dialogues, il avait mieux, le cinéma. Par un sens du cadrage élaboré, un montage malin (voir la découverte du tableau « vivant » non dans son entièreté mais par un morceau), et un travail sur la perception des matières (mortes comme vivantes), Bava déploie un arsenal d’outils cinématographiques pour dépasser facilement des contraintes budgétaires et nous permettre d’expérimenter un efficace récit du mal implicite et explicite, dont l’origine ancienne n’est pas sans évoquer un autre ponte de la terreur, H.P. Lovecraft.

Séquence d’ouverture du film dont la brutalité en marqua et marquera plus d’un(e) – Le Masque du démon (Mario Bava, 1960)

Le Masque du démon en Blu-ray

Sidonis Calysta a mis les petits plats dans les grands en proposant ce que de nombreux cinéphiles considèrent comme étant l’édition vidéo ultime du Masque du démon, en attendant, qui sait, une redécouverte en UHD 4K dans quelques années (voire décennies).

Le film est ici présenté dans ses deux versions, la version originale grandiose et celle américaine beaucoup plus sage dans son montage avec une bande-son moins en phase cependant signée par Les Baxter à qui l’on doit les sublimes partitions à la fois romantique et terrifiantes des non moins magnifiques adaptations des œuvres d’Edgar Allan Poe signées Roger Corman : La Chute de la Maison Usher, Le Puits et le Pendule, Le Masque de la mort rouge, entre autres. Les différences sont d’ailleurs recontextualisées par l’un de nos grands spécialistes de Mario Bava, Bruno Terrier, notamment gérant de la boutique cinéphile Metaluna Store.

Les deux versions se présentent avec des rendus vidéo qui peuvent sembler équivalents. On note toutefois qu’une scène du film et les plans avec titrages italiens proviennent de sources SD ici upscalées. Aussi la teinte n’est pas tout à fait identique : un noir et blanc avec une tendance magenta du côté de la copie italienne contre une tendance verdâtre pour la version américaine. Avec leur reprise de masters déjà édités chez Arrow il y a déjà quelques années puis chez l’Allemand Koch Media, Sidonis Calysta écrase l’édition DVD dont les Français devaient se contenter.

Le rendu visuel très convaincant est soutenu par des pistes sonores propres et dynamiques, desquelles la version originale italienne sort tout de même gagnante avec un meilleur équilibre. On félicitera toutefois l’éditeur pour la présence de l’excellent doublage français sur le montage original du film.

L’expérience du film est enfin richement complétée par ses bonus : une présentation académique d’Olivier Père qui tend à se répéter tant sur le film que sur le cinéaste ; la passionnante comparaison contextualisée des versions par Bruno Terrier ; la présence des bandes-annonces originale, américaine et britannique ; un entretien avec l’actrice principale Barbara Steele qui évoque ses souvenirs de tournage, sa prestation qu’elle regrette mais qui permet pourtant de sacraliser la sorcière qu’elle incarne. On trouve aussi, comme cité plus haut, un passionnant retour sur le film par Christophe Gans qui revient en profondeur sur le film et notamment sur le caractère déterminant et le travail du cinéaste. Enfin, édition mediabook oblige, on trouve un livret – de près de cinquante pages – signé Marc Toullec, un habitué des éditions vidéo (et notamment d’ESC), qui revient en texte et en images sur le film, de sa genèse à ses effets spéciaux, de la version américaine puritaine à l’expérience de l’actrice Barbara Steele, de son importance dans l’histoire du cinéma à l’admiration qui lui est portée par de nombreux grands cinéastes tels que ceux suscités. Vous imaginez bien que des compléments tendent à se répéter même si chacun des intervenants possède un ton qui lui est propre et chacun y va de son point de vue qui va différer dans les détails.

On ne peut ainsi que vous conseiller d’acquérir une telle édition. En effet, que vous soyez cinéphiles, fans de cinéma d’épouvante ou plus précisément gothique, ou encore néophytes, cette édition du Masque du démon signée Sidonis Calysta devrait vous combler.

Bande-annonce – Le Masque du démon (Mario Bava, 1960)

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES Blu-ray

BD-50 – MPEG-4 AVC – 1080p HD – Langues : Italien et Français DTS-HD Master Audio (version originale) ; Anglais DTS-HD Master Audio (montage américain) – sous-titres français – 1960 – Italie – Durée : 1h27 (version originale) / 1h23 (montage américain)

COMPLÉMENTS

Présentation d’Olivier Père (29 mn)

Le film vu par Christophe Gans (41 mn)

Les différentes versions du film par Bruno Terrier (14 mn)

Entretien avec Barbara Steele (9 mn)

Bande-annonce originale (3 mn)

Bande-annonce américaine (2 mn)

Bande-annonce britannique ( 3 mn 27 s)

Livret signé Marc Toullec (48 pages)

Sortie le 24/03/2022 – prix de vente conseillé : 29,99 €

En nous plongeant dans l’intimité d’une famille bourgeoise iranienne au début du XXème siècle, Mohammad Reza Aslani fait de L’Échiquier du vent un film étrange et dérangeant qui, après un parcours tourmenté, sort pour la première fois en DVD et Blu-ray 46 ans après sa première projection. Un film à découvrir pour les amateurs de cinéma iranien, ou tout simplement pour les cinéphiles qui aiment être perturbés.

Le destin de L’Échiquier du vent est pour le moins extraordinaire. Réalisé en 1976 par Mohammad Reza Aslani, le film sera projeté trois fois dans le cadre du festival de Téhéran en 1976, mais dans des conditions dignes du sabotage, avant d’être totalement mis de côté puis, en 79, carrément interdit lorsque l’Iran deviendra une République islamique. Réputé totalement perdu, le film fut retrouvé dans un souk en 2015. S’en suit un méticuleux travail de restauration, guidé par le réalisateur lui-même, avant une diffusion dans plusieurs festivals internationaux en 2021.
L’Échiquier du vent a donc le parcours idéal d’un film appelé à devenir culte. Il en a la personnalité également : le film de Mohammad Reza Aslani est pour le moins étrange, dérangeant et inclassable. On y sent de multiples influences : l’esthétique peut renvoyer à Barry Lyndon de Kubrick pour les scènes éclairées uniquement à la lueur de bougies ou à Mario Bava pour l’emploi des couleurs dans un contexte proche de l’horreur, quand le thème peut faire penser au Théorème de Pasolini ou encore aux descriptions cliniques de la chute de l’aristocratie chez Visconti ; sous certains aspects, L’Échiquier du vent peut aussi être considéré comme un précurseur des films de Haneke.

Jeu de massacre dans la bourgeoisie iranienne

L’Échiquier du vent nous plonge au début du XXème siècle, à l’époque de « la révolution constitutionnelle ». L’ensemble du film se déroule dans l’intérieur d’une superbe maison bourgeoise, dans une famille qui a fait fortune dans l’orfèvrerie. Haji Amou, le patriarche, avait épousé La Grande Dame, à qui appartenaient une immense fortune ainsi que cette maison. Elle est morte en laissant sa fille, surnommée La Petite Dame, jeune femme handicapée, seule héritière de la fortune familiale. La Petite Dame vit quasiment enfermée dans sa chambre avec sa servante. Autour de Haji Amou se trouvent également deux neveux, dont l’un veut épouser la Petite Dame.
Commence alors un jeu de domination qui va devenir de plus en plus brutal. Traditionaliste, sévère et misogyne, Haji Amou veut s’accaparer la fortune de son épouse et se débarrasser de La Petite Dame, la seule qui échappe à son contrôle dans la maisonnée. Elle cherche aussi à passer à l’offensive, seul moyen de se protéger. Et petit à petit, la description de la bonne famille bourgeoise iranienne va se transformer en un terrible jeu de massacre.
Parmi les grandes qualités du film, il faut noter sa capacité à générer une ambiance glauque par le seul jeu des couleurs, des lumières et du son. Dès le début, les contrastes créent dans l’image de grandes parts d’ombres et de ténèbres, ce qui se prolongera tout au long du film. Les couleurs d’un rouge glauque vont envahir l’écran dans les scènes les plus tendues ou brutales, créant une atmosphère à la limite de l’horreur. Quant à la musique, que le réalisateur a voulue atonale, elle renforce encore le malaise qui entoure le film.

Tragédie

Mohammad Reza Aslani multiplie donc les procédés pour créer ce malaise et détruire l’image de la famille bourgeoise. Il donne à son film l’allure d’une tragédie grecque avec les lavandières dans le rôle du chœur qui commente l’action. Et en même temps il reconstitue une époque avec une minutie rare. Le film balance sans cesse entre naturalisme et fantastique, dans cette inquiétante étrangeté que l’on peut trouver chez Buñuel.
Dans L’Échiquier du vent la maison tient un rôle décisif. C’est elle qui cristallise les tensions entre les personnages, chacun la revendiquant pour lui. Elle forme aussi un ensemble labyrinthique de couloirs et de pièces, agencés autour d’un escalier central qui est le lieu de rencontre des antagonistes. Enfin, chaque pièce semble avoir son identité, son atmosphère, sa lumière et ses couleurs spécifiques. Le travail visuel est exceptionnel.
Tout cela, et bien d’autres choses encore, font de L’Échiquier du vent une véritable découverte en même temps qu’une expérience sensorielle et perturbante. Un grand film.

Suppléments de programme
L’édition que propose Carlotta est donc, en soi, un événement.
Les suppléments en prolongent agréablement l’expérience.
Mise à part la bande annonce, nous avons trois suppléments de programme.
D’abord un documentaire intitulé Le Majnoun et le vent, et réalisé par la fille de Mohammad Reza Aslani, Gita Aslani Shahrestani. Le film commence en expliquant le sens du mot Majnoun : le terme de Majnoun est péjoratif, il a pour fonction de marginaliser les réalisateurs “philosophiques” du cinéma iranien, les réalisateurs non propagandistes et qui ont une conception toute personnelle du travail sur l’image. Le Majnoun, c’est le fou amoureux, et Mohammad Reza Aslani est qualifié de « Majnoun du son et de l’image ».
Le documentaire est avant tout un hommage à un cinéaste personnel, aux méthodes particulières. Un cinéaste qui s’intéresse aux détails filmés sous un angle particulier. Un cinéaste qui cherche à peaufiner des plans complexes. Un cinéaste qui travaille sur les multiples niveaux de sens de ses films : nous apprenons ainsi que L’Échiquier du vent possède une dimension politique, qui n’est pas forcément immédiatement compréhensible si le spectateur n’est pas un spécialiste de l’histoire iranienne, mais qui ajoute encore de la complexité et de la richesse à l’œuvre.
Le documentaire est constitué d’entretiens avec le réalisateur, mais aussi avec une partie de l’équipe du film : compositrice de la musique, producteur, décoratrice, etc. Cela permet ainsi non seulement de faire l’historique du film depuis l’écriture du scénario en 1968 jusqu’à sa restauration récente, mais aussi de dresser le portrait d’un cinéaste au travail.

Les deux autres suppléments sont deux courts métrages réalisés par Mohammad Reza Aslani à presque 50 ans d’écart et autour du même objet : la coupe Hassanlou, une coupe en or retrouvée dans les années 50 et datée du 2ème millénaire avant notre ère. Cette coupe est ornée de sculptures dont la signification reste encore incertaine.
Le premier de ces courts métrages est également le premier film réalisé par Mohammad Reza Aslani, alors âgé de 23 ans. Il s’intitule La Coupe Hassanlou et l’histoire de celui qui demande et est une commande de la télévision iranienne en 1966. Le réalisateur fait naître des sentiments mystiques en faisant alterner des plans rapprochés de détails de la coupe et de détails d’un corps humain (yeux, doigts, etc.), le tout filmé en noir et blanc. Ce film montre déjà l’importance pour Mohammad Reza Aslani du travail sur la bande son, qui ici contient aussi bien des extraits d’opéra que des bruits du quotidien (cris de bébé, train qui démarre, etc.), ainsi que des textes d’un mystique iranien du IXème siècle. Nous sommes ici pleinement dans un travail expérimental et poétique où le but est de faire naître des émotions.
Le second court métrage se situe à l’autre bout de la carrière de Mohammad Reza Aslani, en 2014. Un texte à l’écran nous indique le contexte : il s’agissait, pour le cinéaste, de refaire le court de 1966, que les autorités iraniennes disaient « disparu ». Nous avons donc à la fois la même chose, et quelque chose de différent.
Le principe est le même, mais cette nouvelle version insiste plus sur la coupe et ses détails ; de surcroît, la coupe est désormais filmée en couleurs et en numérique. On retrouve les décalages avec la bande son, constituée des mêmes bruits qu’auparavant. Le texte semble avoir été un peu remanié. Finalement, on a les mêmes éléments, mais les mouvements de caméra, le jeu des couleurs, la diction du texte, les bruitages changent subtilement l’ambiance du film et en font une œuvre plus mélancolique.

En bref, cette sortie permet non seulement de découvrir un film, mais aussi de se familiariser avec un cinéaste déroutant mais passionnant.

Caractéristiques du DVD :
Nouveau master restauré
PAL
Encodage MPEG-2
Version originale Dolby Digital 1.0
Sous-titres français
Format 1.85 respecté
16/9 compatible 4/3
Couleurs
Durée du film : 96 minutes

Caractéristiques du Blu-ray :
Master haute définition
1080/23.98p
Encodage AVC
Version originale DTS-HD Master audio 1.0
Sous-titres français
Format 1.85 respecté
Couleurs
Durée du film : 100 minutes

Suppléments de programme :
_ Le Majnoun et le vent (2022, couleurs, 51 minutes)
_ La Coupe Hassanlou et l’histoire de celui qui demande (1966, noir et blanc, 20 minutes)
_ La Coupe Hassanlou : j’ai dit de contempler cette coupe divinatoire (2014, couleurs, 26 minutes)
_ bande annonce 2021

Retour sur Le Festin Chinois (1995), une action comedy culinaire signée Tsui Hark à (re)découvrir en Blu-ray dans une solide édition signée Spectrum Films.

Synopsis : Chiu (Leslie Cheung) souhaite s’extraire de son milieu mafieux pour devenir un grand cuisinier. Mais il devient simple commis du grand restaurant de la famille Au. Il tombe sous le charme de la fille du patron, la déchaînée et baroque Ka-wai (Anita Yuen), et veut l’aider à maintenir l’entreprise familiale quand celle-ci se voit menacée par un redoutable concurrent mongol. Ensemble, ils doivent trouver le meilleur chef, celui qui leur fera gagner le défi du Festin chinois.

L’Art, le maître et l’élève

On ne présente plus Tsui Hark, cinéaste à qui on doit – entre autres – Zu : Les Guerriers de la Montagne Magique, la saga Il était une fois en Chine, Time and Tide, la trilogie Detective Dee, The Blade, The Lovers ou encore plus récemment, la coréalisation de La Bataille du Lac Changjin l’année dernière. Toutefois, grâce aux éditeurs video ainsi qu’à quelques cinémas, on ne cesse de redécouvrir son œuvre qui se révèle être toujours plus riche, toujours plus exaltante à chaque ciné-plongée.

Feel good movie de fin d’année conçu pour fêter le nouvel an, Le Festin Chinois s’intéresse à l’art culinaire et, Tsui Hark oblige, l’attention portée à celui-ci est tout aussi importante et dynamique que celle portée aux arts martiaux. Chez Hark, toute action se doit d’être considérée comme une séquence d’action. Ainsi les duels de cuisiniers tiennent lieu d’épreuves d’adresse, de gestes guerriers et de self-control propres à figurer dans La 36^e Chambre de Shaolin (Liu Chia-liang, 1978), et le retour en grâce de Kit n’est pas sans évoquer l’entrainement de Jackie Chan dans Drunken Master (Yuen Woo-ping, 1978).

Le Festin Chinois tient en effet du récit initiatique mythologique dans lequel de jeunes héros – une nana bariolée et un garçon bandit en quête d’un sens à leur vie – vont devoir faire appel à de vieux maîtres afin de réussir dans leur double quête : celle d’ensemble, qui consiste à sauver le restaurant du père de la fille d’un terrible concurrent ; l’autre plus intime, en trouvant la grâce en duo dans le cosmos culinaire.

Plans inventifs, montage à la chorégraphie dynamique et à l’architecture parfaitement lisible servent une narration purement cinématographique qui va donner faim, amuser et en faire transpirer plus d’un. On peut même penser qu’un tel spectacle – au succès retentissant à sa sortie en salles (le plus grand succès économique de Hark) – a dû inspirer de nombreuses vocations depuis sa sortie, à l’instar d’une autre action comedy culinaire majeure, Ratatouille, réalisé par Brad Bird en 2007.

Même s’il adopte un ton plus léger qu’à l’accoutumée, le cinéaste ne perd jamais son sens du sérieux quand il s’agit de mettre en images de cinéma son récit. Dans le respect et l’inventivité mis au service des arts, Tsui Hark n’en oublie jamais le 7^ème, le cinéma.

Extrait – Le Festin Chinois (Tsui Hark, 1995)

Le Festin Chinois en Blu-ray

Le Festin Chinois est à (re)découvrir dans une solide édition signée Spectrum Films. En effet, l’éditeur indépendant propose aussi le visionnage en Blu-ray de Tri-Star, deuxième comédie du nouvel an de Tsui Hark que la mise en scène (manquant toutefois de panache) et le casting ne pourront sauver d’un scénario brinquebalant tant dans son intrigue que dans l’écriture de ses personnages. Toutefois, ce double programme permettra aux amateurs de (re)découvrir une autre facette de Tsui Hark.

Ce double feature se présente sous la forme de deux Blu-ray. Les masters HD sont corrects, oubliez l’édition DVD du Festin Chinois. Toutefois, ils ne doivent pas dater d’hier. Un manque de précision filmique est notable du côté du Festin Chinois avec une image plutôt lisse – à la granularité peu visible – tandis que la problématique du rendu visuel de Tri-Star – au cadrage original 1.85 ici présenté en 1.78 – tient plus dans une colorimétrie qui semble parfois artificiellement saturée, et cela, malgré un rendu plutôt équilibré dans l’ensemble.

Du côté du son, on privilégiera les pistes originales stéréo bien plus dynamiques et mieux équilibrés que les mixages 5.1. Du côté VF, celle du Festin Chinois répond présente et s’avère être assez convaincante.

De nombreux compléments viennent augmenter l’expérience des films : des présentations des films – de leur contexte de conception à leur place dans la carrière du réalisateur – par l’habituelle bonhommie des bonus Spectrum, le formidable Arnaud Lanuque, qui reviendra aussi, lors d’une troisième intervention d’une douzaine de minutes, sur l’acteur Leslie Cheung ; un commentaire audio des scènes culinaire par Tsui Hark qui revient sur leur réalisation (des idées de mise en scène aux trucages ou non de celles-ci) ; un documentaire sur la cuisine chinoise (déjà présent sur l’édition DVD Mad Asia, ici upscalé en 1080i) avec l’intervention d’un chef qui reviendra aussi sur les scènes de cuisine du film ; deux interviews de Tsui Hark (une présentation récente et courte du Festin Chinois à l’occasion d’une séance menée par l’équipe de Capture Mag l’année dernière et une autre – riche – de 50 minutes conçue pour l’ancienne édition DVD). On trouve enfin un podcast Capture Mag réalisé lors de leur séance et disponible sur le net, ainsi qu’un bonus – qui n’en est pas franchement – expliquant qu’une scène de combat a remplacé une scène de chant avec la conception de la version internationale du film.

En effet, Le Festin Chinois est présenté dans une unique version, alors que l’édition DVD présentait les deux versions, l’internationale et la copie director’s cut hongkongaise. Et, étrangeté du bonus précisant qu’il y a cette unique différence de scène, celui-ci ne montre pas la fameuse scène chantée mais réexpose la scène d’action – qui n’en reste pas moins formidable au demeurant.

Cela va sans dire que des bonus se font écho, mais chacun arrive à proposer de nouveaux détails ou un point de vue différent. Malgré quelques réserves, cette double édition du Festin Chinois / Tri-Star ne peut qu’être conseillée aux aficionados comme aux néophytes.

Bande-annonce originale – Tri-Star (Tsui Hark, 1996)

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES Blu-ray

2 BD-50 – 1080p HD – MPEG-4 AVC – Langues : Chinois DTS-HD Master Audio 5.1 et 2.0 + Français DTS-HD Master Audio 2.0 pour Le Festin Chinois – Sous-titres français – Hong-Kong – 1995 & 1996 – 1h42 & 1h46

COMPLÉMENTS

Présentation du Festin Chinois par Tsui Hark

Nouvelle introduction au Festin Chinois par Tsui Hark

Le Festin passe à la casserole (documentaire)

Présentation du Festin Chinois par Arnaud Lanuque

Podcast Capture Mag dédié au Festin Chinois

Commentaire audio sur le Festin Chinois par Tsui Hark

Présentation de Tri-Star par Arnaud Lanuque

Portrait de Leslie Cheung par Arnaud Lanuque

Date de sortie : 11/03/2021 – Prix indicatif public : 25,00€

Réalisé en 1955, et unique film du réalisateur John Parker, Dementia (Daughter of Horror) porte bien son titre car c’est, on peut le dire, un film démentiel. Tant sur la forme, déconcertante, qu’au niveau de l’histoire qu’on aurait bien de la peine à résumer. Ce moyen métrage (54 min) aussi étrange que fascinant vient d’être réédité dans une version magnifiquement restaurée. L’occasion de découvrir cette pépite longtemps censurée qui préfigure, avec quatre décennies d’avance, le cinéma de David Lynch.

Noir c’est noir

Dementia s’inscrit d’emblée dans l’univers du film noir : une petite ville américaine, ses grands boulevards et ses ruelles mal famées plongées dans la nuit. Dès le premier plan, la caméra s’approche de la fenêtre d’une chambre d’hôtel. On y découvre une jeune femme, seule, endormie. Agitée, elle semble en proie à un cauchemar. Mais à son réveil, le cauchemar continue… La suite est difficilement racontable tant le scénario enchaîne les surprises. John Parker embarque son spectateur dans une virée nocturne totalement hallucinée et hallucinatoire où différents degrés de réel vont se mélanger. Comme dans cette scène toute freudienne du cimetière, où les morts rejouent leurs derniers instants. De fait, le fantastique n’est jamais très loin.

Personnages singuliers

La galerie de personnages qui peuple le film vaut à elle seule le détour. Des figures qui semblent tout droit sorties des films d’horreur des années 20. On pense notamment à Freaks de Tod Browning ou M le Maudit de Fritz Lang pour les caractères torturés. Ou encore au Cabinet du Docteur Caligari  pour le traitement expressionniste des espaces. Des personnages que le rythme effréné du récit ne permet pas d’approfondir mais qui ont tous quelque chose de singulier : le souteneur séduisant mais démoniaque, le millionnaire débonnaire et porcin incarné par Bruno Ve Sota, ou encore la troublante Adrienne Barrett dans le rôle de la jeune femme. Anecdote étonnante : cette Adrienne Barrett s’est ‘improvisée actrice pour ce film, elle était en réalité la secrétaire de John Parker. C’est à partir d’un cauchemar qu’elle lui a raconté qu’il a écrit son scénario.

Bande son hallucinatoire

La caractéristique la plus marquante du film est sans aucun doute sa bande son. Principale surprise, le film est sans aucune parole. Il n’est pas muet non plus puisque bruits et rires sont audibles, ayant même été accentués en post-production. Par ailleurs, une partition musicale déroutante signée du compositeur avant-gardiste George Antheil accompagne le film. Une ambiance sonore hallucinatoire qui laisse place par moment à davantage de réalisme comme dans la scène frénétique du Night Club où se produit le groupe Shorty Rogers and His Giants. Plus qu’un film, une expérience sensitive et intellectuelle. A ne pas manquer.

Bande annonce (version originale de 1955) :

Fiche technique :

• Titre : Dementia
• Réalisation : John Parker
• Production : John Parker, Ben Roseman, Bruno VeSota
• Scénario : John Parker
• Musique : George Antheil
• Photographie : William C. Thompson
• Date de sortie : 22 décembre 1955 (États-Unis)
• Durée : 58 minutes
• Genre : Thriller onirique
• Format : Noir et blanc

Contenu :

Version restaurée 2K
Boîtier avec fourreau

DVD ou Blu-Ray

Suppléments :

Présentation du film par Joe Dante (2’27”)
« Dementia, entre avant-garde et exploitation » (12’)
« Before and After : Restoring Dementia » (3’)
« Daughter of Horror » : version d’exploitation du film avec voix off (1955, 55’, VOST)

A l’instar de son contemporain Ryūsuke Hamaguchi dont il est beaucoup question ces derniers mois (Drive My Car, prix du scénario à Cannes et Oscar du meilleur film international), Kōji Fukada fait partie de cette jeune génération de metteurs en scène japonais qui nous permettent d’imaginer une relève à l’hégémonie des « 4 K » (Takeshi Kitano, Hirokazu Kore-eda, Kiyoshi Kurosawa, Naomi Kawase), dont on ne se lasse certes pas mais qui nous semblaient dépourvus de successeurs dignes de ce nom. La compilation de cinq œuvres de Fukada, artiste surprenant quoique inégal, est due à une initiative en tout point remarquable de Hanabi, une association de passionnés de culture nippone en France.

Parmi les activités de Hanabi – dont le nom est à n’en pas douter une référence à l’œuvre de Kitano sortie en 1997 – figurent notamment l’organisation d’événements ou de chroniques sur des films, livres ou expositions. L’association, créée en 2018, s’est également lancée dans l’édition vidéo, en se spécialisant plutôt dans les œuvres et cinéastes récents. C’est le cas de Kōji Fukada, jeune réalisateur et scénariste japonais dont le premier film date de l’orée des années 2000, et dont l’œuvre la plus célèbre à ce jour est sans doute le thriller Harmonium, Prix du jury à Cannes en 2016. Hanabi a judicieusement décidé de ne pas inclure ce film-là dans le coffret qu’il a édité, privilégiant la découverte de longs-métrages moins connus. A cet égard, on peut regretter l’absence du premier d’entre eux, La Comédie humaine de Tokyo, sorti en 2008 et totalement inconnu en Occident. Précisons par ailleurs que parler d’édition est inexact pour qualifier ce coffret, qui compile en réalité cinq DVD publiés par différents éditeurs, ce qui explique notamment les différences dans les suppléments (globalement frugaux) proposés d’un film à l’autre – deux n’en étant pas dotés.

A l’instar de plusieurs de ses aînés, en particulier Kitano, la première caractéristique du cinéma de Fukada est la variété des styles qu’il brasse. Ainsi, au sein de ce coffret, nous trouvons une comédie loufoque au sous-texte sociopolitique, une chronique adolescente rohmérienne, un film de science-fiction poétique, un thriller social et une fable énigmatique et écolo. Malgré cette disparité stylistique et a contrario de Kitano dont on peut considérer chaque film comme un projet à part entière, Fukada porte une attention toute particulière à la cohérence d’une œuvre qu’il est tout à fait possible, voire souhaitable, de considérer comme un ensemble – dont les différents éléments constitutifs sont d’ailleurs étroitement reliés.

L’altérité et sa fonction révélatrice constituent le motif principal de la filmographie du cinéaste nippon, sinon le fil rouge qui la traverse. L’intrusion d’un étranger, dans tous les sens du terme, dans le quotidien d’un groupe de personnages – car ses films sont presque toujours choraux –, va en effet ébranler leur existence et les révéler à eux-mêmes. Cette technique narrative est mise au service de l’évolution de personnages qui sont, dans les cinq œuvres incluses dans ce coffret, toujours des femmes. C’est le cas du superbe Au revoir l’été, où la jeune Sakuko, de retour dans son village natal, découvre les jeux de l’amour et de la séduction au contact du timide Takashi. Dans Le Soupir des vagues, c’est une autre adolescente, Sachiko, elle aussi partie rejoindre sa tante, mais cette fois en Indonésie, qui va renouer avec un passé évanoui au contact d’un homme mystérieux, mutique rescapé du tsunami qui a frappé le pays, une sorte d’esprit de la Nature. Dans Hospitalité, c’est le couple formé du banal et ennuyeux imprimeur Mikio et de sa seconde épouse Natsuki, trop jeune et jolie pour lui, qui va voir son quotidien sans histoire sérieusement bousculé par l’irruption d’un autre type d’étranger. Hanataro est la version positive et absurde du menaçant Yasaka dans Harmonium : parasite sympathique, il va phagocyter la vie du couple avant de libérer leurs secrets et non-dits. Quant à Sayonara et L’Infirmière, ces deux films proposent des variations plus subtiles et complexes sur le même thème. Dans le premier, c’est un phénomène exogène (une catastrophe nucléaire) qui pousse une étrangère restée seule dans un Japon déserté à se confronter à sa propre existence et à sa mort prochaine. Ironiquement, le seul être à ses côtés est un androïde domestique, le premier du genre à jouer un rôle à part entière dans un film de fiction. Dans un retournement dialectique, c’est à L’Infirmière Ichiko qu’échoit, du jour au lendemain, le rôle de l’étranger et de l’élément perturbateur, lorsqu’elle est accusée par une famille, dont elle était très proche, d’avoir joué un rôle dans la disparition de la fille cadette…

Plus qu’un simple dispositif narratif, l’intrus permet à Fukada de sonder l’âme de ses personnages et l’identité de son pays. Hospitalité aborde cette dernière assez frontalement – même s’il le fait sous forme de farce – à travers la confrontation entre des immigrés et un Japon replié sur lui-même. La présence même d’un couple mixte (un Japonais et une caucasienne) est une vision excessivement rare dans le cinéma nippon, dont Fukada renforce le caractère provocateur en faisant de la blonde Annabelle l’objet des fantasmes du terne imprimeur, puis en transformant la demeure sans histoire des Kobayashi en un squat inondé de sans-papiers de tous horizons, au grand dam du comité de quartier dont la xénophobie et l’obsession sécuritaire sont ridiculisés. Deux traumatismes exogènes relient les autres films. La catastrophe nucléaire, tout d’abord, à la fois traumatisme historique pour cette nation martyre qu’est le Japon et sourde menace après l’accident de Fukushima de 2011. Sans qu’il ne soit nécessaire de la montrer à l’écran dans ce film catastrophe anti-spectaculaire et introspectif qu’est Sayonara, c’est bien un monde condamné par la catastrophe atomique et déserté qu’habitent encore deux catégories d’êtres rejetés par le Japon : les étrangers… et les objets (les androïdes domestiques). Au revoir l’été renvoie au drame nucléaire de manière plus subtile et paradoxale : si Takashi est un réfugié de Fukushima, il refuse d’assumer un rôle de victime, s’estimant chanceux d’avoir fui non une région dévastée mais des parents qu’il déteste. Autre traumatisme, le tsunami. Celui-ci constitue en quelque sorte l’intersection entre les deux autres thématiques du cinéma de Fukada : l’accident nucléaire (on se rappelle que la catastrophe de Fukushima fut causée par un tsunami) et la rencontre avec l’étranger (malgré son étymologie japonaise, le tsunami concerne toute l’Asie du Sud-Est). Deux films se répondent sur le sujet du tsunami. Dans Au revoir l’été, Sakuko reproche à Mikie d’avoir été aider des victimes indonésiennes du tsunami de 2004 alors qu’il y a tant de malheureux au Japon, ce qui lui vaut une réponse emplie de sagesse de sa tante. Dans Le Soupir des vagues, la jeune Sachiko se rend elle-même dans une Indonésie encore marquée par le passage de la terrible vague géante afin d’y retrouver sa famille installée dans ce pays, ainsi que la trace d’un père disparu. L’homme mystérieux rejeté par la mer s’apparente à un esprit de la nature, imprévisible et parfois cruel, mais jamais malveillant.

Enfin, ce qui relie la plupart des films de Kôji Fukada est une réflexion, certes plus convenue, sur les travers du Japon contemporain, même si le cinéaste les aborde la plupart du temps à travers un prisme narratif indirect et non une charge politique. Nous avons déjà évoqué la critique du repli identitaire japonais dans Hospitalité et via quelques références indirectes dans d’autres films. L’exemple le plus évident demeure toutefois L’Infirmière, dont la descente aux enfers naît d’un concours de circonstances puis d’un choix malheureux, dont les effets sont ensuite démultipliés par la rigidité morale toute japonaise dont Fukada n’hésite pas à souligner l’hypocrisie et la lâcheté. Quant à Sayonara, son emploi d’un vrai androïde fascine autant qu’il interroge sur l’incommunicabilité et la solitude au Pays du Soleil Levant. Notons que tous ces fils rouges entre les œuvres incluses dans ce coffret (et avec d’autres qui ne s’y trouvent pas) sont parfaitement assumés par le cinéaste dans les entretiens qu’il a accordés, et se retrouvent sous forme de clin d’œil dans le choix de ses comédiens, souvent issus de la troupe de théâtre Seinendan dont il fit lui-même partie, qui assurent un trait d’union entre plusieurs longs-métrages, parfois même sous forme de simples caméos (Au revoir l’été).

Si l’on salue la remarquable cohérence intellectuelle et artistique de Kôji Fukada, et si sa place de choix dans la nouvelle génération de cinéastes nippons est indiscutable, reconnaissons toutefois que la qualité de sa filmographie n’est guère uniforme. Dans le coffret qui nous est présenté ici, Au revoir l’été est à notre avis le meilleur opus ; osons même parler de ravissement absolu. Ce conte rohmérien subtil aborde beaucoup de sujets sans ennuyer une seconde, dans une ambiance estivale et provinciale qui en fait manifestement un conté d’été inspiré du maître français. Chaque personnage possède plusieurs facettes (le cool et permissif Ukishi n’hésite pas à titiller les autres sur un ton humoristique, mais gère lui-même un love hotel en fermant les yeux sur certaines activités repoussantes ; le professeur d’université couche avec une étudiante tout en se déclarant toujours amoureux de Mikie ; Sakuko feint l’indifférence tout en étant attirée par Takashi ; ce dernier est un réfugié de Fukushima mais est bien content d’avoir été placé chez son oncle, quitte à travailler lui aussi dans le love hotel) et, ce qui ne gâche rien, l’image est splendide sans être esthétisante. Hospitalité, qui ressemble encore à maints égards à un film « de jeunesse » (c’est le second long-métrage du metteur en scène), fonctionne parfaitement comme une farce, grâce à des comédiens très convaincants et à la figure du glandeur assumé (jouissive anomalie dans la culture japonaise) dont il use et abuse gaiement, beaucoup moins comme satire politique… même si la farce finit par s’imposer, fort heureusement. Quant à L’Infirmière, si le film évite un peu trop ostensiblement les codes du thriller et si sa protagoniste (jouée par la magnifique Mariko Tsutsui, qu’on retrouve également dans Harmonium) demeure particulièrement opaque, il révèle sa subtilité et son charme vénéneux lors du second visionnage – avis aux spectateurs qui apprécient qu’une œuvre se mérite. Les deux derniers films sont hélas moins réussis. Sayonara possède une prémisse passionnante et la relation entre Tania et Leona, son androïde, crée un malaise sourd, mais le sous-jeu de Bryerly Long, le rythme lent et l’absence de rebondissements notables finissent par susciter un terrible ennui. Enfin, Le Soupir des vagues pèche par un scénario moins abouti et un budget modeste qui rend les quelques effets spéciaux peu crédibles.

Synopsis : 

Hospitalité

Au cœur de Tokyo, la famille Kobayashi vit paisiblement de l’imprimerie. Quand un vieil ami de la famille réapparaît, aucun ne réalise à quel point il est en train de s’immiscer progressivement dans leur vie… Jusqu’à prendre leur place. 

Au revoir l’été

Mikie, accompagnée de sa jeune nièce Sakuko, est de retour dans son village natal. La langueur estivale de la campagne japonaise est l’occasion pour Mikie de renouer avec Ukichi, un ancien amant. Quant à Sakuko, c’est du timide Takashi qu’elle se rapproche. L’adolescent est un réfugié de Fukushima… 

Sayonara

Dans un avenir proche, le Japon est victime d’attaques terroristes sur ses centrales nucléaires. Irradié, le pays est peu à peu évacué vers les états voisins. Tania, atteinte d’une longue maladie et originaire d’Afrique du Sud, attend son ordre d’évacuation dans une petite maison perdue dans les montagnes. Elle est veillée par Leona, son androïde de première génération que lui a offert son père. Toutes deux deviennent les derniers témoins d’un Japon qui s’éteint à petit feu et se vide par ordre de priorité, parfois selon des critères discriminatoires. Mais doucement, l’effroi cède la place à la poésie et la beauté. 

L’Infirmière

Ichiko est infirmière à domicile. Elle travaille au sein d’une famille qui la considère depuis toujours comme un membre à part entière. Mais lorsque la cadette de la famille disparaît, Ichiko est suspectée de complicité d’enlèvement. En retraçant la chaîne des événements, un trouble grandit : est-elle coupable ? Qui est-elle vraiment ? 

Le Soupir des vagues

En quête de ses racines, Sachiko rend visite à sa famille japonaise installée à Sumatra. Tout le monde ici essaye de se reconstruire après le tsunami qui a ravagé l’île il y a dix ans. A son arrivée, Sachiko apprend qu’un homme mystérieux a été retrouvé sur la plage, vivant. Le village est à la fois inquiet et fasciné par le comportement de cet étranger rejeté par les vagues. Sachiko, elle, semble le comprendre… 

SUPPLÉMENTS 

Comme précisé en début d’article, ce coffret Kôji Fukada consiste en une compilation de DVD publiés auparavant par différents éditeurs. Trois des films contiennent un supplément. Ceux de Hospitalité et Le Soupir des vagues sont tirés d’un même entretien du cinéaste japonais, réalisé en juillet 2021. Prolixe, Fukada livre plusieurs clés de son cinéma. Il affirme ainsi que tous ses films « abordent une notion très banale, la solitude consubstantielle à l’Homme », ainsi que la certitude de la mort. Avec beaucoup de lucidité, il décrit son parcours comme celui d’un Japonais né à l’orée de ces années 80 où la péninsule s’appropria massivement la culture occidentale. Lui-même fut baigné par le cinéma européen, surtout Rohmer (c’est évident dans plusieurs de ses œuvres, en particulier Au revoir l’été), mais aussi par les œuvres de Balzac. Il s’attarde également à la figure de l’inconnu comme méthode de confrontation à l’altérité, à ce qui échappe au contrôle des personnages. On sent également chez le metteur en scène une importance toute particulière accordée à la juste représentation, nuancée, des sentiments humains et à la manière dont ils s’expriment. Dans l’extrait d’interview proposée en bonus de Hospitalité, Fukada détaille la genèse du film qui devait initialement s’intituler Rotations, et dont le thème s’inspire d’une lecture de De l’hospitalité (1997) du philosophe français Jacques Derrida. Il revient également sur le casting, et plus particulièrement sur le choix de son ami Kanji Furutachi (membre de la troupe théâtrale Seinendan), qui jouera plus tard dans Harmonium non plus le rôle du perturbateur mais de celui qui en subit l’ingérence. Dans l’interview accompagnant Le Soupir des vagues, Fukada révèle que Le Mystérieux Etranger, d’après un manuscrit de Mark Twain datant de 1916, fut sa source d’inspiration principale, tout comme son voyage personnel effectué en Indonésie en 2011, à Banda Aceh où le film sera tourné. Le cinéaste souligne les nombreux points communs entre le Japon et l’Indonésie, entre catastrophes naturelles et passé historique (l’occupation japonaise). Tournée et montée sans chichi, l’interview est néanmoins très éclairante et révèle un intellectuel passionné par son métier. Seul bémol : plus de la moitié de l’entretien est curieusement identique d’un supplément à l’autre…

Le DVD de Sayonara contient quant à lui comme supplément un entretien d’un quart d’heure avec Carlos Tello, chercheur en Histoire et sémiologie du texte et de l’image. Celui-ci analyse le film à travers le prisme du post-humanisme. Trois de ses manifestations s’y retrouvent : la post-apocalypse (dans Sayonara, l’apocalypse n’est pas montrée, ce que nous voyons est ce qui en reste, c’est-à-dire la création humaine du robot, qui ne peut plus remplir la mission pour laquelle il a été créé), la transgression des frontières (entre le robot et l’humain, mais dans les deux sens, Tania développant une proximité avec l’androïde allant jusqu’au mimétisme dans l’immobilité et le rythme de la parole) et la singularité (l’intelligence artificielle puissante, comprenant la récitation de poèmes et la maîtrise de plusieurs langues, mais toutes ces connaissances sont rendues possibles par une base de données très étendue). Tello conclut en estimant que l’anamorphose, le rapport intime entre l’Homme et la machine, observée dans Sayonara est un cas unique dans l’histoire du cinéma. Une analyse certes académique mais qui a l’avantage de constituer une grille de lecture originale, et les explications de l’invité sont particulièrement claires.

Last but not least, le coffret est accompagné d’un livret de vingt pages formé en réalité par un numéro de « Hanabi Magazine », dans lequel on retrouve plusieurs articles rédigés par des membres de ce collectif. Courtes analyses parfois assez inspirées des films inclus dans le coffret, portrait du cinéaste et sélection de ses mangas préférés (Fukada, décidément très éclectique, a fait ses premières armes dans le cinéma d’animation) : en quelques pages, on apprend à (encore) mieux connaître l’artiste. Une interrogation, toutefois : pourquoi accorder plusieurs pages à Suis-moi, je te fuis, première partie du diptyque The Real Thing du cinéaste, qui n’est pas compris dans le coffret ?

Note concernant les films

Note concernant l’édition