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Fin mars dernier, le réalisateur Mantas Kvadaravicius trouvait la mort alors qu’il tentait de quitter la ville assiégée. Diffusé en séance spéciale au Festival de Cannes 2022, son documentaire posthume – Mariupolis 2 – enregistre la (sur)vie d’un groupe de réfugiés. À la clé : une œuvre qui prend à la gorge en (ré)affirmant que la démocratie ne saurait se passer du cinéma.

Filmer (autrement) la guerre en Ukraine

Cela commence dans une cage d’escalier. L’image grésille, portée par une caméra tremblante, tandis que des bombardements retentissent en hors-champ. Nous ne sommes pas dans un blockbuster mais bel et bien dans la réalité. Nous sommes en Ukraine, plus précisément à Marioupol. Mantas Kvedaravicius revient dans la ville assiégée, qu’il avait commencé à filmer lors de l’invasion du Donbass en 2014. Si de cette première expérience était sortie Mariupolis (2016), le cinéaste retrouve ici les témoins rencontrés six ans plus tôt.

On a tous entendu parler du siège de Mariupol, du bombardement de son théâtre, causant la mort de plusieurs centaines de personnes, de ses soldats (encore actuellement) retranchés dans l’aciérie d’Azovstal. Comment ne pas penser à ces images satellites, dévoilant une ville ravagée, comme rayée de la carte. Ces images médiatiques, qui circulent en boucle sur les chaînes de télévision, côtoient, voire masquent le quotidien de celles et ceux qui organisent leur (sur)vie. C’est cette réalité-là que filme Mantas Kvedaravicius. Le cinéaste suit en effet, pendant quelques jours, le quotidien d’un groupe de personnes réfugiées au sein d’une église.

La (sur)vie et rien d’autre

Les plans sont généralement fixes. Ce sont, le plus souvent, des panoramas pris au petit jour, ou en fin de journée, d’une ville encore fumante, sonnée de se réveiller au milieu des bombes. La rigidité du dispositif accuse le coup : derrière la fixité se cache ou plutôt se dévoile une guerre de mouvement qui déchire les corps autant que les tympans. Les survivants déambulent au milieu d’un décor de désolation, entre des rues détruites et des champs de mines.

On découvre, au détour de cette promenade macabre, des corps sans vie aussi bien que des tombes improvisées à la hâte. Oui, mais la vie continue. Vaille que vaille. Les habitant.e.s retranché.e.s tentent de (sur)vivre comme ils peuvent. Cette vie sur le fil, dansant au milieu des flammes, donne parfois lieu à des situations tragiquement cocasses. Comme issues d’un mauvais film de Chaplin. Si cette légèreté est de courte durée, fragile face à l’incertitude d’une guerre absurde qui ne veut pas prendre fin, elle n’est pas tout à fait absente. Comme un message d’espoir en dépit des bombes.

Le cinéma documentaire : arme de lutte nécessaire

Regarder Mariupolis 2 ne nous confronte pas à la réalité de la guerre ukrainienne. Il documente une situation à laquelle nous n’avons accès qu’à travers un écran pixelisé. Le cinéaste nous incite, en revanche, à (r)ouvrir les yeux. Nous ne sommes pas forcés d’aller jusqu’au bout de l’horreur indicible des images filmées. Néanmoins, faire le geste de visionner son travail – pour lequel il trouva la mort fin mars dernier – constitue un geste politique nécessaire, qui fait perdurer celui du cinéaste.

Ce dernier met en jeu ce que nous ne voulons pas voir. Mantas Kvedaravicius ne nous cache rien. Mariupolis 2 constitue un document historique inestimable qui rappelle que le cinéma documentaire est une arme dont les opprimés ne sauraient se passer.

Mariupolis 2 – Fiche technique

Ce film est présenté en Séance Spéciale au Festival de Cannes 2022.

Réalisation : Mantas Kvedaravicius
Sociétés de production : Twenty Twenty Vision, Studio Uljana Kim
Coproduction: Easy Riders Films
Genre : Documentaire
Durée : 1h45 min

Ukraine – 2022

Metsurin Tarina se laisse (paradoxalement) apprécier (après-coup). Présenté au Festival de Cannes, dans la prestigieuse sélection de la Semaine de la Critique, le premier long-métrage du réalisateur finlandais Mikko Myllylahti est une œuvre dense qui bouscule les codes.  Un nouveau cinéma (finlandais) est né.

Pepe ou l’histoire d’un bûcheron finlandais

 Ce jeudi 19 mai, la semaine de la critique présentait, en avant-première, au public cannois, Metsurin Tarina, le premier long-métrage du réalisateur finlandais Mikko Myllylahti. Si le nom du film ne nous offre que peu d’indices quant à son contenu, son titre anglais – The Woodcutter Story (littéralement « L’histoire du bûcheron ») lève assurément quelques interrogations. Cet effet d’annonce n’advient, pourtant, que partiellement au cours du film. Si ce n’est pas du tout, tant Metsurin Tarina multiplie les (sous-)intrigues et autres rebondissements inattendus. Bûcheron taciturne, Pepe (Jarkkho Lahti) habite un petit village de Finlande, cerné par des sapins enneigés, où la vie suit son court, entre le calme apaisant et la plate monotonie. Cette vie (trop) bien réglée bascule radicalement lorsque Pepe perd son emploi dans la scierie locale. S’ensuit une série d’évènements où le personnage sera amené à s’interroger sur le sens de son existence, sur fond de meurtre sanglant et de phénomènes fantastiques inexpliqués.

Une œuvre qui prend du temps (au temps)

Si ce synopsis paraît alléchant sur le papier, il l’est nettement moins dès qu’il apparaît à l’écran. En voulant passer du réalisme au fantastique, de la description clinique au tableau mystique, Mikko Myllylahti finit par perdre son public. Le réalisateur opte pour la lenteur en privilégiant des plans séquences où la caméra est statique. Cette fixité devient progressivement synonyme de rigidité, voire d’ennui. L’étirement du temps qu’elle implique renforce la confusion du public en dépit de l’humour et des situations absurdes qu’elle (se) veut mettre en avant. La lenteur de la narration rejoint le flegme (parfois agaçant) de son héros. Pepe traverse, imperturbable, le tragique de l’existence avec un sang-froid qui a de quoi étonner. Cette (fausse) ataraxie engendre une réflexion qui prend (parfois) des allures naïves à propos de la dureté (vache) d’une condition humaine (qui ne se laisse décidément pas facilement comprendre par le commun des mortels).

(Re)mettre le(s) sens (sans) dessus dessous

Si l’histoire et la trajectoire du héros (et du film) peinent à (totalement) nous convaincre, elles signent, néanmoins, l’entrée de Mikko Myllylahti dans le septième art. Le symbolisme qui baigne Metsurin Tarina oscille entre facilité (énervante), incompréhension (totale) et éclectisme (érudit). Un tel mélange n’est, certes, pas fait pour plaire à tout le monde. Il faut toutefois saluer le courage d’un premier long qui n’hésite pas à bousculer son public, quitte, pour cela, à le pousser dans les retranchements de l’ennui. Le cinéaste brouille les pistes narratives, entame une intrigue pour en débuter une autre, en faisant exploser les barrières du sens. La dimension cyclique de l’œuvre l’installe au cœur d’une réflexion qui interroge la valeur des images autant que le sens (que l’on veut bien leur donner). La lenteur du film (et l’ennui qu’elle procure sciemment) invite le public à un questionnement sans perspectives de fins. Un nouveau cinéma finlandais est né.

Metsurin Tarina : fiche technique

Le film est présenté à la Semaine Internationale de la Critique au Festival de Cannes 2022 en compétition long-métrage.

Réalisation : Mikko Myllylahti
Interprètes : Katja Küttner, Omar Abdi, Hannu-Pekka Björkman
Société de production : /
Société de distribution : Urban Distribution
Genre : comédie dramatique
Durée : 99 min

Finlande – 2022

Tom Cruise renfile le blouson d’un Pete Mitchell égal à lui-même. Un deuxième opus qui mixe entre le film original et un show toujours plus exceptionnel. Top Gun : Maverick est le film miroir de l’acteur qui nous rappelle qu’il est toujours présent et toujours prêt à redoubler d’effort.

Ici il n’est pas question de nouveauté mais de la réappropriation d’un passé bourré de remords et d’une envie continuelle de dépasser les limites.

Souvenir d’une bromance enterrée, le film ne cesse de jouer avec les sentiments de son personnage principal qui s’efforce de continuer à s’engager toujours plus loin dans de nouvelles sensations fortes. Là où dans le premier film il n’était question que de l’ego d’un jeune lieutenant, ici il s’agit de tout autre chose. Un refus catégorique du héros d’abandonner sa seule raison de vivre, ce qu’il est. Mais plus étroitement encore, son désir de rappeler à lui son meilleur ami dans une prière qui ne quittera jamais le film. « Talk to me Goose »

Lorsqu’on nous présente le nouvel escadron avec lequel notre pilote iconique va devoir travailler, quelques bribes d’une première histoire nous reviennent en mémoire avec les deux opposants « Rooster » et « Hangman ». Le nouveau Maverick est moins désobéissant et n’a pas le même attrait que son prédécesseur pour la prise de risque (circonstance d’une croissance orpheline d’un père mort dans les airs) mais s’amuse quand même de son charme et de ses prouesses dont il connaît la valeur. Quant au nouvel Iceman, il s’agirait presque d’une copie conforme, de la belle gueule à l’assurance surdimensionnée qui retrouvera plus tard sa raison et son sens de la solidarité.

Premier miracle… deuxième miracle ?

Le récit s’annonce comme une demande de rédemption autant pour notre capitaine que pour le cinéma dans lequel son interprète a évolué. Une véritable biographie pour l’action man qu’est Cruise et de ce qu’il est capable de donner encore aujourd’hui, au point de confier au monde entier que comme son personnage, il n’est pas prêt de passer le flambeau et que sa détermination restera fidèle à des limites qu’il n’a jamais eues.

Il est bon de savourer le manque de CGI dans les plans de vols, une véritable immersion dans le langage du corps humain, rudement capturé par un environnement de cascades et de loopings qui défient l’apesanteur. En attendant, ces séquences ne suffisent pas à créer une nouvelle identité à l’oeuvre de Joseph Kosinski, même en la romance mièvre de Cruise et de l’envoûtante Jennifer Connelly. Contre vents et marrées, certaines scènes ont la bonté de nous émouvoir surtout en la présence de Val Kilmer.

Maverick est un héros hanté par les fantômes du passé qui cherche maladroitement l’expiation dans les yeux d’un fils qu’il aurait aimé délivrer de sa propre pénitence. Mais cette redondance de souffrance plante un scénario qui a pourtant de quoi nous envoler lui aussi jusqu’au Mach 10.

Top Gun : Maverick : bande annonce

Top Gun : Maverick, fiche technique

Le film est présenté hors-compétition au Festival de Cannes 2022.

Réalisation : Joseph Kosinski
Scénario : Ehren Kruger, Eric Warren Singer, Christopher McQuarrie
Interprétation : Tom Cruise (Pete « Maverick » Mitchell), Jennifer Connelly (Penny Benjamin), Miles Teller (Bradley « Rooster » Bradshaw), Val Kilmer (Tom « Iceman » Kazansky)
Photographie : Claudio Miranda
Montage : Eddie Hamilton
Musique : Lorne Balfe, Harold Faltermeyer, Hans Zimmer
Production : Jerry Bruckheimer, Tom Cruise, David Ellison, Christopher McQuarrie
Société de production : Paramount Pictures, Skydance Media, Jerry Bruckheimer Films
Société de distribution : Paramount Pictures International
Genre : action
Date de sortie en France : 25 mai 2022
Durée : 131 minutes

Etats-Unis – 2022

Présenté au Festival de Cannes, dans la sélection Cannes Classics, le nouveau documentaire d’Alexandre Moix renoue avec l’acteur Patrick Dewaere. Patrick Dewaere, mon héros brosse le portrait d’un acteur génial et torturé à travers une hagiographie inégale et décevante.

Patrick Dewaere chez Cannes Classics

Cannes. Palais des Festivals. Salle Buñuel. Ces trois lieux géographiques suffisent à eux seuls à susciter le rêve chez tout.e cinéphile qui se respecte (ou pas, c’est selon). Nous avons pu avoir la chance de découvrir, en avant-première, Patrick Dewaere, mon héros d’Alexandre Moix. Le cinéaste retrouve son acteur fétiche, dans un documentaire inédit, presque vingt ans après la sortie de son premier long, déjà consacré au comédien maudit (Patrick Dewaere, l’enfant du siècle, 2003). Pourtant, contrairement à ce que le titre laisse présager, il n’est nullement question de Patrick Dewaere (ou presque).

Une hagiographie plus familiale que cinématographique

Car, c’est bien la fille cadette de Patrick Dewaere, Lola Dewaere, elle-même actrice, qui endosse le rôle principal du documentaire. En effet, si cette dernière prête sa voix au film, elle en est aussi le sujet. Dès les premières minutes, la jeune femme se (ré)empare de l’histoire légendaire de son père. La caméra la filme, parfois en gros plan, dans des squares ou chez elle, exhumant des photos de famille, ou bien regardant dans le vide. Elle souhaite apporter ses réponses, raconter ce qu’elle sait, afin de rétablir la vérité sur son père. Cette intention de départ aurait pu être intéressante si elle ne se soldait pas par un résultat, finalement, assez creux – si ce n’est carrément gênant.

Évoquer le mythe en dépit de l’homme

Au lieu d’évoquer le travail et les choix artistiques de l’acteur, le documentaire commet l’erreur de se plonger dans une hagiographie voyeuriste à la Un jour, un destin. La quête et l’enquête légitime de Lola Dewaere se transforme et frôle parfois le voyeurisme. On a à certains moments l’impression d’assister à un règlement de compte familial plus qu’à un exercice de style cinématographique. Le cinéma semble être, en effet, un peu laissé de côté par Alexandre Moix. Pourtant, le réalisateur choisit d’utiliser des archives inédites. Or, il ne les commente pas (ou presque). Celles-ci sont bien souvent noyées dans un montage abrupt et sensationnaliste à la Faites entrer l’accusé. Ce faisant, alors qu’il était question, à travers le biais filial, d’évoquer l’homme en dehors du mythe, la mise en scène renforce paradoxalement la légende malheureuse et éloigne, de ce fait, un peu plus l’homme Patrick Dewaere.

Si Lola Dewaere rappelle que Dewaere n’était pas que l’écorché vif que l’on si souvent décrit, le documentaire enfonce, néanmoins, les portes desquelles il était censé s’éloigner. Dommage, car, pour les nouvelles générations qui ne connaissent pas son travail, Patrick Dewaere aurait mérité qu’on parle de lui autrement qu’à l’image classique (mais non moins stéréotypée) du suicidé de la société.

Patrick Dewaere, mon héros : fiche technique

Le film fait partie de la sélection Cannes Classics 2022 : les documentaires.

Réalisation : Alexandre Moix
Interprètes : Lola Dewaere
Production : Alexandre Moix, Patrice Gellé
Société de production : Zoom production, Bleu Kobalt
Société de distribution : /
Genre : documentaire
Durée : 90 min

France – 2022

Difficile de parler de la vie de Romy Schneider sans la placarder dans le sempiternel cliché du « destin brisé ». Le documentaire Romy, femme libre de Lucie Cariès opère un virage à 360 degrés. En interrogeant le mythe « Romy Schneider », la cinéaste offre à la comédienne un magnifique écrin posthume qui lui permet de (ré)affirmer sa modernité autant que sa liberté.

(Dé)construire le mythe de la star

Cannes. Jour 2. En cette matinée ensoleillée du jeudi 17 mai 2022, alors que la Croisette peine à se remettre de la présence de Tom Cruise, venu la veille présenter la suite du mythique Top Gun, le public cannois a eu la chance de découvrir le documentaire de Lucie Cariès. Magiquement intitulé Romy, femme libre, le documentaire s’attache à déconstruire le mythe (malheureux) qui colle à la peau de l’actrice.

D’entrée de jeu, le documentaire casse les codes qui ont jusqu’ici prévalu dès lors qu’il était question de raconter la vie de la comédienne. Si la vie personnelle de Romy Schneider n’a cessé de fasciner, Lucie Cariès refuse le traditionnel misérabilisme que l’on associe au destin de la star. « Cela fait 40 ans qu’on nous la raconte, qu’on se la raconte sous l’angle du déterminisme, du drame annoncé, et c’est sûr qu’il y a eu drame, mais ce n’est tellement pas que cela Romy Schneider ! Or, on oublie qu’elle est vraiment une femme extrêmement combattante[1]. » explique Lucie Cariàs.

« Redonner la parole » à la femme derrière l’actrice

« Je désirais avancer en même temps qu’elle. Pour ce faire, j’ai essayé de me situer à l’intérieur de sa temporalité. Je voulais vraiment lui redonner son point de vue » ajoute la réalisatrice. Lucie Caries redonne la parole à une femme trop souvent spoliée par une narration médiatique avide de la classer dans la catégorie (rentable) des « destins brisés ». Nous y (re)découvrons ainsi la vie d’une femme qui ne manque pas de panache. Tour à tour épouse modèle ou signataire d’un manifeste pro-avortement, Romy Schneider n’aura cessé de (se) (dé)jouer des critiques comme des classifications.

Ni féministe ni antiféministe, l’actrice est un véritable « électron libre » qui, selon les mots de Lucie Cariès, refuse les étiquettes, mettant sa liberté au-dessus de tout. Le documentaire brosse le portrait d’une femme qui a fait de l’indépendance une exigence personnelle autant qu’artistique, et ce, à une époque où l’autonomie (financière et sexuelle et affective) des femmes constitue encore un débat de société.

Romy, femme libre mêle des images d’archive, pour la plupart inédites, qui donnent à voir une autre facette d’une actrice que l’on croit trop souvent connaître (à tort). Lucie Cariès tient à effacer cette collusion fallacieuse entre la femme et l’icône, l’actrice et son rôle. « Il y a eu une espèce de confusion, encore une fois, par les drames qu’elle a traversés à la fin et aussi par les rôles qu’elle endossait, au bout d’un moment parce qu’elle est devenue une tragédienne au sens noble du terme. Il y a eu une espèce de confusion entre sa vie et ses rôles » Le documentaire renouvelle la réflexion (ancienne) sur le pouvoir de l’image et sa puissance identificatrice. Si « le cinéma, c’est la vie » comme l’affirmait François Truffaut, il ne saurait se confondre avec elle.

Rosalie pour toujours

Romy, femme libre permet d’opérer un recul salutaire sur notre rapport aux acteur.trice.s. Par le choix des images, autant que par le soin du montage, Lucie Cariès décortique le mythe ou plutôt la construction de l’icône (féminine) cinématographique. La misogynie criarde qui se dégage de certains extraits n’est pas sans faire écho à celle qui agite encore (très largement) la scène médiatique actuelle. Ce faisant, la réalisatrice va à contre-pied des normes narratives traditionnelles (et sexistes) en s’éloignant de l’objectification attendue. « J’ai voulu me débarrasser de la beauté de Romy Schneider. C’est pour cela que j’ai souhaité commencer le documentaire par la phrase « Cela commence toujours par sa beauté. » Une fois qu’on a posé cela, on peut rentrer dans notre histoire. »

Ce choix de mise en scène permet, ainsi, d’explorer plus largement le lien qui nous unit à l’actrice. En interrogeant nos a priori sur Romy Schneider, le documentaire questionne du même coup les frontières entre le privé et le public, l’image et la réalité. Romy Schneider devient, en somme, par la force des images, la vectrice d’une réflexion autour du star-system d’hier et d’aujourd’hui.

« Quoi qu’elle joue, Romy Schneider, de toute façon, elle te donne » évoque, dans un sourire, Lucie Caries. Romy Schneider n’est ni une icône de papier glacé ni une plate antonomase, elle est un être dont la présence, la liberté et le talent continuent d’irradier notre quotidien. Ne dit-on pas que les étoiles ne meurent jamais ?

[1] Tous les propos en italique ont été recueillis lors d’une interview à l’occasion du  Festival de Cannes le jeudi 19 mai 2022. Le documentaire sera diffusé pour la première en clair sur France 3 le vendredi 20 mai 2022.

Romy, femme libre : Bande-annonce

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▶ "Romy, femme libre", un portrait de 95 minutes posant un regard neuf sur la plus grande comédienne de sa génération, disparue il y quarante ans. pic.twitter.com/pftnmrIbOV

— France Télévisions (@Francetele) January 19, 2022

Le film, Romy, femme libre de Lucie Cariès, fait partie de la sélection Cannes Classics 2022 : les documentaires.
Par Lucie Cariès et Clémentine Deroudille
Distributeur : France 3