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Déjà confortablement installé à Hollywood, où il a gravi les échelons jusqu’à devenir l’un des monteurs les plus éminents de son temps – il a notamment travaillé pour la RKO Pictures sur les films d’Orson Welles, dont Citizen Kane –, Robert Wise réalise, deux années avant son fameux West Side Story, un film noir sublimé par l’utilisation du grand angle, la présence au générique du chanteur et acteur noir Harry Belafonte, et comportant une réflexion d’avant-garde sur le racisme.

Entamé au début des années 1940, le cycle originel des films noirs américains entonne peut-être, dès 1959, son chant du cygne. Pour beaucoup en effet, Le Coup de l’escalier se pose en ultime battement de cœur d’un genre qui influence aujourd’hui encore des générations entières de cinéastes. Chef-d’œuvre viscéral aux airs de caper movie, pétri par les mains expertes de Robert Wise, réalisateur de West Side Story (1961) et de La Maison du diable (1963), ce thriller désenchanté, sondant volontiers le racisme de son temps, pose un regard froid et distant sur un triangle humain sous haute tension, composé d’un policier injustement évincé, d’un ancien soldat vieillissant aux penchants négrophobes affirmés et d’un chanteur noir désabusé, tiraillé entre son rôle de père et celui de joueur maladif, aussi criblé de dettes que dépourvu de perspectives.

Reprenons dans l’ordre. Le premier cherche à fomenter un braquage de banque dans l’espoir de s’extirper d’un « grenier » où il se sent à l’étroit ; le second, un militaire peinant à se réinsérer dans la société, essaie de (se) prouver qu’il est « encore trop jeune pour être jeté à la ferraille » ; le dernier subit des pressions financières multiples, tente de régler une lourde ardoise contractée auprès de voyous sans pour autant négliger la pension due à son ex-femme, qui s’avère tout à fait prompte à la lui réclamer, avocats à l’appui si nécessaire. Scénarisé avec malice et une minutie d’orfèvre, Le Coup de l’escalier fait écho à la faiblesse et aux contradictions des hommes, installe ses intrigues dans un climat de violence émotionnelle permanente, décline la condition humaine sous toutes ses formes, même les plus cyniques et intolérables. « On n’est plus au temps de la guerre de Sécession », lancera ainsi le vieux policier au soldat réactionnaire, lequel taxe sans sourciller de « négrillonne » une gamine croisée dans la rue, et affirme un peu plus tard n’accorder aucune confiance « à un type de couleur ». Un racisme ordinaire très en phase avec l’époque, qui conduira à des altercations aux conséquences variables.

Dès son ouverture, Le Coup de l’escalier trace les lignes cardinales d’un monde clos entièrement privé d’espoir. On y filme d’abord une flaque d’eau sur laquelle flottent toutes sortes de déchets, puis des avenues peu avenantes, presque sordides, avant de surexposer un visage marqué par le temps, las et contrarié. Les plans s’attardant ensuite sur des autoroutes dédaléennes et désincarnées, comme les séquences de tension galopante dans les bistrots, participent eux aussi de cette mécanique appuyée du désenchantement. Jean- Pierre Melville, qui tenait en haute estime l’œuvre de Robert Wise, y puisa sans doute de quoi conforter ses propres obsessions, peut-être dans l’usuel « dernier coup » qui vire au désastre ou dans les effets de symétrie confrontant précisément les différents protagonistes.

Filmé au cordeau et remarquablement distribué – Shelley Winters et Robert Ryan sont deux monstres sacrés du film noir –, Le Coup de l’escalier apparaît aujourd’hui encore indémodable et magistralement exécuté de bout en bout : reflets faisant sens, plongées vertigineuses, plans saisis à travers des stores, mouvements d’ombres sur un manège, caméra papillonnant tout en capturant l’horizon, zooms étourdissants, prises de vue normatives à même le sol, dilatation et rétractation du temps… Nul doute qu’il y a du génie, et autant de désespoir, dans ce cinéma-là.

TECHNIQUE & BONUS

Très convaincante sur le plan technique, et notamment dans la gestion des contrastes et la stabilité de l’image, cette édition comporte en outre deux suppléments très intéressants, à travers lesquels le prolifique Jacques Demange, critique de cinéma, analyse le temps dans le film de Robert Wise, et Olivier Père, responsable cinéma d’ARTE France, recontextualise et problématise une œuvre d’une richesse longtemps insoupçonnée. Le premier va notamment mettre en opposition les cinq minutes de flottement (volontaire) précédant le braquage – ainsi que les procédés techniques qui les appuient – et l’accélération du rythme, du montage et du mouvement qui va leur succéder. Le second revient plus abondamment sur la carrière de Robert Wise et souligne ce qui fait l’étoffe du Coup de l’escalier, film hybride – noir, sociétal, de braquage – adulé par Jean-Pierre Melville et se caractérisant par l’emploi, encore rare, d’un comédien noir, Harry Belafonte.

Bande-annonce

Fiche technique

Audio : Français DTSHD-MA 2.0mono, Anglais DTSHD-MA 2.0mono
Sous-titrage : Français

Master HD au format 1.37 utilisé par le British Film Institute pour leur sortie Blu-ray
Boîtier Digipack 2 volets avec étui
Contient :
– le Blu-ray du film (96′)
– le DVD du film (92′)
– le livret « Le Sommeil de la raison engendre les monstres » conçu par Christophe Chavdia (28 pages)

« Le Temps selon Robert Wise » : analyse de Jacques Demange, critique à la revue Positif (9′)
« La Griffe Robert Wise » : interview d’Olivier Père, directeur de l’Unité Cinéma d’ARTE France (29’38 »)
Bande-annonce

Premier thriller politique de la carrière du cinéaste britannique, Hidden Agenda fut aussi sa première œuvre marquante après une longue parenthèse où il se consacra à la télévision. Largement inspiré de faits authentiques, le film est une attaque en règle contre les méthodes policières brutales employées par les Britanniques dans leur lutte contre l’IRA. Loin de l’âpreté et du réalisme kitchen sink de ses débuts, Ken Loach y associe avec un talent fou la critique sociopolitique avec une fiction haletante. On retrouve avec bonheur ce film quelque peu oublié dans une nouvelle édition plus que recommandable signée Rimini. 

Pour le cinéaste britannique Ken Loach, l’orée des années 1990 représente son retour sur grand écran, après pas moins de deux décennies d’absence quasi-totale. Son dernier succès au cinéma remonte en effet à 1971, avec Family Life. S’ensuivirent des années de vaches maigres marquées par un désintérêt des producteurs vis-à-vis de cet auteur très engagé politiquement, tendant même vers la censure. Cette époque fut « inaugurée » dès 1971 et un documentaire pour la BBC commandé par l’association caritative Save the Children afin de mettre en valeur son travail. Le résultat fut cependant tout autre, puisque Loach et son producteur Tony Garnett s’employèrent à y dénoncer ce qu’ils estimaient être une attitude « néocoloniale » dans la gestion de certains projets africains de l’association. Cette dernière fut scandalisée par le documentaire, refusa de le payer et s’opposa à sa retransmission. Il fallut alors attendre 1979 pour voir le nom du réalisateur au générique d’un long-métrage de cinéma, même si ce fut dans le style inattendu du film d’aventures pour enfants (Black Jack). Les années 80 furent encore pires pour Loach, qui ne signa durant cette période que deux films – pour autant d’échecs –, Regards et Sourires (1981) et Fatherland (1986).

Pendant toutes ces années, Loach se consacra essentiellement à la télévision, pour laquelle il tourna de nombreux documentaires, dont certains ne furent pas moins controversés que ses films (par exemple Days of Hope, retransmis en 1975). En 1989, il réalisa un court-métrage documentaire intitulé Time to Go dans lequel le cinéaste appelait l’armée britannique à se retirer d’Irlande du Nord. Il développera cet intérêt pour la question nord-irlandaise un an plus tard dans une œuvre de fiction, la première pour le cinéma depuis quatre ans, qui signera son grand retour (il n’a plus quitté le grand écran depuis lors) : Hidden Agenda.

Le film sort la même année que survient la fin de « l’ère Thatcher ». En Irlande du Nord, le mandat de la « Dame de Fer » fut marqué par une nette crispation du gouvernement britannique qui, à l’instar de sa Première ministre, refusa tout compromis avec l’IRA. Attentats à la bombe (dont un visant Thatcher en 1984), assassinats, grèves de la faim scandent le mandat de la Première ministre. Du côté britannique, l’on n’est pas en reste, ainsi que nous l’apprendront plusieurs révélations. C’est l’époque des unités militaires et policières « spéciales », en d’autres termes des barbouzes qui n’hésitent pas à torturer et liquider des républicains, forment des escadrons de la mort, montent de faux attentats, déstabilisent le gouvernement travailliste, etc. C’est précisément le sujet du film scénarisé par Jim Allen (qui collaborera plus tard avec Loach sur Raining Stones et, surtout, Land and Freedom), qui colle au plus près des faits qui se sont déroulés lors de l’impitoyable décennie qui vient de s’achever. Hidden Agenda débute d’ailleurs par deux citations affichées sur fond d’une marche orangiste. La première est de Margaret Thatcher, qui réaffirme l’appartenance de l’Irlande du Nord au Royaume-Uni. La seconde est attribuée à un ancien agent secret britannique : « Deux lois gouvernent ce pays : une pour les forces de sécurité et une autre pour toutes les autres personnes. ». Le ton est donné.

La réussite indéniable de Hidden Agenda tient avant tout au fait que le film constitue un mélange parfait entre une authenticité des situations et des personnages qui définissent à eux seuls le cinéma de Ken Loach (on pense notamment à ces premières images de personnes témoignant de tortures subies de la part de policiers, qu’on jurerait tirées d’un documentaire), et un scénario solide et à suspense, plus surprenant de la part du cinéaste, qui fait du film tout simplement le premier thriller politique de la carrière de Loach. Le scénario se concentre en effet sur un duo de représentants américains de la Ligue internationale pour les droits civils qui, une fois arrivés à Belfast, enquêtent sur les accusations de bavures policières et militaires. Alors qu’il se trouve en voiture en compagnie d’un militant de l’IRA, Paul Sullivan (Brad Dourif) est abattu par des policiers dans un guet-apens. Son assistante Ingrid Jessner (Frances McDormand, comme toujours excellente) ne ménage pas ses efforts pour tenter de découvrir la vérité, en compagnie d’un enquêteur inflexible envoyé par Londres, Peter Kerrigan (Brian Cox, très convaincant dans le rôle). Ces deux personnages droits dans leurs bottes et qui veulent découvrir la vérité, mettent alors les pieds dans un monde complexe de règlements de comptes, d’intrigues et d’officines en tout genre téléguidées par un monde politique qui ne recule désormais plus devant rien pour écraser le terrorisme en Irlande du Nord…

Mené par des comédiens – McDormand et Cox en tête – très solides, le film adopte certes une position particulièrement critique vis-à-vis des agissements britanniques durant les années 80, ce qui lui valut l’hostilité d’une partie de la presse britannique à sa sortie. Comme à son habitude, Loach assume ses positions ; qu’on les partage ou non, il se dégage de Hidden Agenda un tel degré de réalisme dans l’écriture et la mise en scène (Loach tourna même la scène de l’enlèvement final en caméra cachée) que le film s’impose comme un thriller politique de haut niveau, particulièrement bien écrit et sans effet de manche ni recherche du spectaculaire. Des qualités qui justifièrent en 1990 un Prix du jury cannois, et qui aujourd’hui n’ont rien perdu de leur impact.

Synopsis : Paul Sullivan et sa fiancée Ingrid Jessner se rendent à Belfast pour enquêter sur des allégations d’atteintes aux droits de l’homme commises par les forces de sécurité britanniques. Paul est assassiné dans des circonstances mystérieuses et est qualifié de complice de l’IRA. Mais Ingrid et l’enquêteur britannique Paul Kerrigan mettent en doute les conclusions de l’enquête et viennent à découvrir un complot mettant en cause des personnalités haut placées… 

SUPPLÉMENTS

En guise de supplément principal, Rimini propose en entretien d’une grosse demi-heure avec Agnès Blandeau, Maître de Conférences en Anglais à l’Université de Nantes, qui s’était déjà livrée à cet exercice pour l’édition Blu-ray/DVD de Black Jack de Ken Loach, publié par le même éditeur en avril 2021. On retrouve avec bonheur ses commentaires, qui consistent davantage en une contextualisation historique mais aussi par rapport à la carrière de Loach, plutôt qu’une analyse cinématographique proprement dite. Blandeau resitue ainsi avec justesse le thriller politique comme le premier du genre à être traité par Loach, qui parvient à en adopter les codes et à s’éloigner de certains des standards de son début de carrière (notamment via l’utilisation d’une majorité de comédiens professionnels, ainsi qu’une actrice américaine) tout en restant fidèle à son cinéma engagé. Alors que ses premières œuvres traitaient essentiellement de problématiques sociales, Hidden Agenda est en effet son premier succès important pour un récit foncièrement politique – et s’intéressant à un sujet très sensible à l’époque. L’enseignante s’attache ensuite au contexte historique et rappelle les contours de la question nord-irlandaise, tout en ne cédant jamais à la tentation du cours d’histoire mais en illustrant au contraire ses propos par des personnages ou des situations du film. L’occasion de vérifier une fois de plus l’authenticité et le sens du détail du scénario.

Les deux autres suppléments proposés sont nettement plus anecdotiques. Il s’agit de deux extraits d’archives de la chaîne de télévision nationale belge RTBF (à l’instar de ce que Rimini avait fait pour l’édition de Black Jack) : une interview du cinéaste et une de Frances McDormand. L’ennui est que ces extraits ne durent qu’une poignée de minutes, ce qui ne permet évidemment pas d’aborder beaucoup de sujets de façon approfondie… Si on aurait apprécié quelques bonus supplémentaires apportant une réelle plus-value au film, voici une édition qui ne démérite pourtant pas, principalement en raison du plaisir que l’on éprouve en revoyant cet excellent opus du maître anglais.

Suppléments de l’édition Blu-ray/DVD :

• Interview d’Agnès Blandeau, Maître de conférences en Anglais à l’Université de Nantes (2022, 32 min)
• Interview de Ken Loach (archives RTBF, 1991, 4 min)
• Interview de Frances McDormand (archives RTBF, 1991, 3 min)
• Bande-annonce originale

Note concernant le film

Note concernant l’édition

Retour sur Beauty Water, film d’animation d’horreur sud-coréen réalisé par Kyung-hun Cho à découvrir en Blu-ray chez Spectrum Films.

Synopsis : Yaeji, une jeune femme obèse, découvre par hasard un produit de beauté pas comme les autres. Il suffit de l’appliquer sur la peau pour remodeler son corps et son visage selon ses désirs. Yaeji va ainsi pouvoir exaucer son vœu le plus cher : devenir la plus belle des femmes. Mais la beauté a un prix qu’elle va payer cher…

Gueule d’argile

Produit en 2020 et diffusé en France en VOD et Blu-ray en 2022, Beauty Water annonce tout son propos dans son synopsis. Conte horrifique moderne, Beauty Water tire sa force non pas dans sa satire du monde des apparences et des cosmétiques, mais dans la représentation des effets de l’eau de beauté éponyme.

À l’image du personnage de Matt Hagen adapté à l’écran en 1992 par Marv Wolfman et Dick Sebast sous la supervision de Bruce Timm et Paul Dini dans le 20^e épisode de Batman, la série animée intitulé Feat of Clay, Yaeji goûte à un produit cosmétique expérimental et inconnu du grand public afin de pouvoir se remodeler. Si l’acteur défiguré Matt Hagen désirait retrouver son charme afin de poursuivre sa carrière au cinéma, Yaeji, elle, va chercher à se transformer, à transcender sa beauté. Les deux êtres deviennent rapidement dépendants de leurs apparences et par conséquent du fameux produit miracle. L’accident que va toutefois connaître Hagen va le transformer en Gueule d’Argile, être monstrueux et métamorphe dont la représentation audiovisuelle a été inspirée par une grande incarnation mimétique, le T-1000 du Terminator 2 : Judgment Day réalisé par James Cameron en 1991. Beauty Water n’est pas aussi sans évoquer les travaux du maquilleur et génie du morphing analogique Rob Bottin, l’œuvre de Cronenberg de même que celle de Clive Barker. Le fait de pouvoir se couper la peau, de s’en rajouter, voire d’en changer peut justement rappeler le personnage de Frank dans le premier Hellraiser (1987) ainsi que les Borgs, aliens de Star Trek : The Next Generation qui se modifient, s’améliorent technologiquement au gré de nouvelles rencontres spatiales.

Le monde d’apparats que représente le cinéaste, très attaché à représenter les sujets tabous en Corée de la beauté et de l’industrie des cosmétiques, a beaucoup de mal à exister dans le film qui se déroule dans peu d’espaces. La représentation d’écran très limitée n’aide pas à saisir l’importance de cet attachement à la beauté dans cet univers. Il y a des fans ici et là, et surtout des hommes affamés autour de Yaeji, qui se renommera suite à sa transformation. Il n’y a qu’un cinéaste faiseur de « stars » éphémères au sein d’un seul studio toujours cité. Le cosmos semble trop petit pour être pris au sérieux. D’autant plus que Yaeji est présentée comme une frustrée, une enfant au physique pas spécialement atypique incapable de s’aimer, de se trouver belle à travers les yeux de ses parents toujours fiers d’elle. Yaeji est cette éternelle deuxième des palmarès qui reproche au monde de la trouver laide. Elle ne cesse alors de se goinfrer, de se couper du monde en l’insultant et le maudissant sur les réseaux sociaux. Moquée à son travail par sa patronne, une de ces beautés ultimes qui font rêver les ados accros aux flux des réseaux, puis humiliée sur un plateau de télévision, elle se renferme pour de bon, jusqu’à ce qu’elle goûte – pas tout à fait par hasard – à la fameuse beauty water.

Malgré ce qu’elle a subi, difficile d’avoir beaucoup de peine pour le personnage qui n’a pas de pitié pour les autres. Et c’est probablement là, que se développe la force d’horreur du film. Quand un personnage devenu infâme et en quête de la beauté ultime connaît l’expérience d’un morphing horrifique suite à des effets secondaires causés par sa bêtise ou à son addiction à son apparence, l’effet d’effroi est immédiat. Car, comme l’expose d’autant plus la fin, l’exceptionnel peut vite perdre son caractère d’unicité en obéissant à la bêtise humaine et à la loi du marché. Yaeji deviendra finalement elle-même un produit d’une collection plutôt tordue faisant d’ailleurs virer le film dans l’horreur grotesque.

Le travail graphique de l’horreur est réussi malgré une animation 3D et 2D loin d’être adroite et particulièrement rigide. Certes, l’artificialité et l’aspect pantin de l’animation auraient pu appuyer le propos du cinéaste sur la facticité de son univers. Toutefois, le réalisateur a raté ce coche en usant de sa technique sur des personnages au premier comme au second plan. Il aurait été pertinent que les êtres modifiés soient en animation 3D pendant que la plèbe subsiste en 2D. Malgré cela, l’équipe sud-coréenne a réussi à soigner suffisamment les scènes attachées au corps, leur donnant une certaine texture, une physicalité qui permet à l’horreur d’être effective sur le spectateur. Le film constitue ainsi une belle surprise sur ce point, même si en effet, le récit ne propose rien de véritablement inventif, qui plus est avec son univers sous-développé.

Thème principal de Beauty Water – un morceau de thriller nerveux composé par Hong Dae Sung

Beauty Water en Blu-ray

Beauty Water débarque en France dans une édition Blu-ray soignée chez Spectrum Films. Il y a peu à dire sur le rendu visuel du film, hormis quelques plans flous et un effet de palier sur certaines images sombres, et cela malgré l’avertissement de l’éditeur qui peut surprendre :

« Bien que présentant quelques défauts, ce master est le seul disponible et a été validé par le réalisateur »

Du côté du son, on privilégiera la piste son 5.1 formidablement dynamique, qui ne manque pas de puissance lors d’ambiances festives ou animées.

Quelques bonus viennent compléter l’expérience du film. On trouve une présentation du film par Antoine Coppola qui revient sur les sujets tabous en Corée du Sud que sont la recherche de la beauté et l’industrie des cosmétiques, ainsi que sur l’histoire récente de l’animation sud-coréenne et sur la réception peu positive du film. Il en profite par ailleurs pour citer quelques films coréens déjà portés sur les sujets précités tels que Cinderella (2006) et The Beauty Inside (2015). Le réalisateur de Dernier train pour Busan et Seoul Station introduit le film le temps d’une courte minute dont on voit peu l’intérêt si ce n’est celui du parrainage. Enfin, en plus de deux bandes-annonces du long métrage, on note une interview du réalisateur qui revient sur la genèse de Beauty Water adapté d’un webzine d’anthologies horrifiques, sur le sujet de la beauté en Corée, sur sa carrière surtout occupée par la production et espère présenter prochainement un meilleur film.

BANDE-ANNONCE – Beauty Water (Kyung-hun Cho, 2020)

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES

BD-50 – 1080p HD – Mpeg-4 AVC – Format 1.78 – Langue : Coréen DTS-HD Master Audio 5.1 & 2.0 – Sous-titres français optionnels – Corée du Sud – Thriller fantastique horrifique – Durée : 85 min

COMPLÉMENTS

Présentation du film par Antoine Coppola

Introduction par le cinéaste Yeon Sang-ho (Seoul Station, Dernier train pour Busan)

Interview du réalisateur Kyung-hun Cho

Bandes-annonces

Sortie le 4 avril 2022 – prix de vente public conseillé : 25,00 €