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Le monde d’après fascine toujours les curieux du sensationnel. Les films catastrophes ont la particularité de stimuler cet imaginaire afin de renverser la morale au sein d’un groupe. Et c’est dans cette direction que Um Tae-hwa développe sa version sociale et satirique de La Tour infernale (1974). Un immeuble HLM devient ainsi le dernier bastion des locataires, tandis qu’il constitue le dernier refuge pour ceux de l’extérieur. La survie est l’objectif commun des survivants de Concrete Utopia, qui vont peu à peu révéler les limites de leur humanité.

Synopsis : Séoul a été détruite par un gigantesque tremblement de terre. La ville est en ruines. Seul un immeuble tient encore miraculeusement debout, intact. Ses habitants s’organisent pour survivre et résister aux menaces extérieures…

Le soleil matinal caresse les joues d’un couple qui ne manque de rien. Pourtant, il ne faut pas très longtemps pour saisir l’enjeu social et survivaliste qui se jouera pendant un peu plus de deux heures. Quelques pas vers la fenêtre la plus proche et ce sont les ruines d’un Séoul anéanti par un séisme dévastateur qui nous apparaissent à perte de vue. Le monde entier est-il mis en échec ? Um Tae-hwa (Vanishing Time : A Boy Who Returned) préfère ne pas y répondre pour se concentrer sur la communauté de l’immeuble Hwang Gung et du nouvel ordre que les locataires tentent d’instaurer. Il ne va pas chercher la destruction à outrance, comme le ferait Roland Emmerich : son film catastrophe minimise les effets spéciaux pour nous enfermer dans le seul complexe habité qui tient encore debout.

Une histoire sans fin

Quelques séquences ne lésinent pourtant pas sur l’aspect spectaculaire du tremblement de terre, de quoi donner quelques frissons avant de s’attaquer au plat de résistance. Car ce qui intéresse essentiellement Um Tae-hwa et son co-scénariste Lee Shin-ji, c’est bien la gestion dystopique d’une crise. Lorsque des blocs de béton se sont écroulés sur un homme au volant de sa voiture dans Tunnel de Kim Seong-hoon, le gouvernement et les médias se sont mobilisés. Ici, il s’agit de recréer un sentiment de sécurité en employant le même dispositif administratif. Sans s’en rendre compte, la classe populaire commence peu à peu à devenir comme ceux contre qui elle s’est révoltée depuis des années. Cette effrayante perspective n’échappera certainement pas aux spectateurs coréens, car elle peut rappeler les heures sombres du soulèvement de Gwangju, face à la dictature mise en place. Paradoxalement, Concrete Utopia rejoue l’histoire du pays, même après sa chute.

L’argent ne vaut plus rien. Seul le troc de matériels essentiels à la survie compte. Et le partage des richesses communes ne se fait pas sans peine, car les avis divergent forcément lorsqu’il s’agit d’expulser les squatteurs. C’est le cas au sein du couple de l’appartement 602. Min-seong (Park Seo-jun) est un ancien fonctionnaire qui obtient l’opportunité d’exister dans ce nouveau microcosme, tandis que son épouse Myeong-hwa (Park Bo-young) tente de conserver ses valeurs d’infirmière, en aidant son prochain quoi qu’il arrive. Cette scission est représentative de la communauté de l’immeuble, qui semble avoir trouvé son nouveau leader, incarné par un comédien qui revient en force. Directeur de la KCIA (L’Homme du Président) ou père protecteur en pleine crise sanitaire (Défense d’atterrir), Lee Byung-Hun a également été un faire-valoir du cinéma d’action hollywoodien (G.I. Joe, Red 2, Terminator Genesys). Cette fois-ci, l’acteur n’incarne pas un personnage aussi revanchard que l’agent secret de J’ai rencontré le diable, bien qu’il s’en approche avec subtilité. Le monde s’est écroulé et Yeong-tak en a profité pour siéger au sommet d’une société totalitaire naissante.

Tout ce qui reste de la démocratie est écrasé par la terreur que sèment les groupes musclés, qui ne jurent que par la territorialité, que l’on peut également trouver dans High-Rise de Ben Wheatley. Chaque appartement devient alors peu à peu une cellule pour ses locataires, qui tentent malgré tout de garder espoir. Les différentes ruptures de ton que Um Tae-hwa éparpille tout au long de l’intrigue permettent alors de reprendre une grande inspiration. Il n’est pas non plus étonnant de voir le cinéaste manier l’humour comme un argument satirique, notamment lorsque les locataires commencent à mettre en place leur routine. Retrouver le goût d’avant, c’est ce qui les maintient dans cette utopie, dont les piliers ne peuvent que s’effondrer lorsque l’individualisme entre en conflit avec le collectif.

« On s’y sent aussi bien chez soi que chez les autres. » Cela pourrait être un slogan incongru, mais cela reste cohérent avec l’esprit du film, qui tacle amèrement l’inaction gouvernementale face à l’escalade de prix dans l’immobilier. Loger tous les citoyens coréens est un enjeu majeur encore aujourd’hui et le cinéaste en profite pour le rappeler. Il fait ainsi le choix de noyer certains personnages secondaires dans la masse, avant qu’ils incarnent pleinement leurs fonctions dans le film choral. Ceci, afin de ne pas briser le rythme d’un récit très bien structuré.

Sélectionné pour la course aux Oscars, le film de Um Tae-hwa mise évidemment sur l’empathie des spectateurs, car dans le fond, c’est ce qui nous rassemble autour des films catastrophes. Les couleurs cendrées du directeur de la photographie, Cho Hyoung-rae, nous projettent ainsi dans des ruines hivernales au milieu d’une tragédie qui se répète sans cesse. Et s’il faut s’armer de patience avant d’entrer dans l’arène du nouveau monde, Concrete Utopia nous rappelle, de manière ludique et un brin moralisatrice, que les racines du mal ne sont jamais enfouies bien loin dans le genre humain. Seul compte la force du collectif et le film nous montre ô combien cet équilibre peut être fragilisé en un battement de cils.

Bande-annonce : Concrete Utopia

Fiche technique : Concrete Utopia

Réalisation : Um Tae-hwa
Scénario : Um Tae-hwa, Lee Shin-ji
Directeur de la photographie : Cho Hyoung-rae
Montage : Han Mee-yeon
Chef décorateur : Cho Hwa-sung
Son : Kim Hyun-sang
Musique originale : Kim Hae-won
Producteur exécutif : Choi Byung-hwan
Producteur : Byun Seung-min
Production : Climax Studio, BH Entertainment
Pays de production : Corée du Sud
Distribution internationale : Lotte Entertainment
Distribution France : The Jokers, Les Bookmakers
Durée : 2h18
Genre : Catastrophe, Drame
Date de sortie : Prochainement

L’Arras Film Festival ouvre ses portes ce soir, dans une ambiance qui ne prête pas forcément à la fête. La plaie ouverte par l’attentat qui a frappé la ville très récemment est toujours à vif, et le deuil de ses habitants est encore frais. Quand la réalité vous impose son sordide, on se demande à quoi bon imprimer sa légende sur grand-écran. Ça tombe bien, le film d’ouverture, Une affaire d’honneur, nous fournit une piste de réponse.

Fin du XIXe siècle, la France est une grande nation qui tremble sur ses appuis. Toujours fragilisée par sa sanglante défaite militaire face à la Prusse, l’Hexagone est également bousculé par un air du temps qui souffle à grand vent contre le sens du récit national. Dans ce contexte crépusculaire s’engage une lutte à mort entre un maître d’armes révéré et soldat de la nation jamais revenu du front, et un héros de guerre et officier belliqueux qui ne veut pas en revenir. Ce à travers une série de duels d’honneur, coutume traditionnelle, ici ultime point d’ancrage d’un monde à bout de souffle qui s’accroche à son passé.

Conditionnel présent

Enfonçons tout de suite une porte déjà grande ouverte : oui, on pense à forcément à Ridley Scott, qui a consacré au duel d’honneur deux films inégalement gâtés par son talent. Soit Les Duellistes et Le Dernier duel, respectivement l’aîné et le cadet de sa filmographie. Et non seulement Une affaire d’honneur colle une douille au Dernier duel, matin, midi et soir, quelque soit le choix des armes, mais il joue toe-to-toe au pointage avec le premier film de Sir Ridley. Oui, rien que ça.

Vincent Pérez s’intronise comme un grand cinéaste avec son quatrième film, qui défie les conventions du film d’époque telles que le cinéma et la télévision ont l’habitude de nous en abreuver pour mieux en transcender les traditions.

Son 1.85 près des visages qui en disent beaucoup et des détails qui font la différence éjectent du ring la reconstitution argentée qui aplatit ses personnages en cinémascope de 16/9e. Son scénario condensant deux films en un sur 1h40 sans pet de gras à la pesée brûle les calories superflues des téléfilms surécrits qui cassent la balance en sous-intrigues et sous-protagonistes pour ne rien raconter. Sa direction d’acteurs tire à l’épure le meilleur de ses comédiens habités (Fucking Roschdy Zem. Lumineuse Dora Thilliez. Massif… Vincent Perez, justement). Le cinéaste asphyxie le « films d’aipauque » à papa qui gaspille son énergie en pose surannées et tirades de 10 lignes écrites à l’imparfait du subjonctif. Et ces duels, vinguette. Ces duels.

Le Maitre de guerre

Une chose est sûre, Vincent Perez ne déconne pas avec son sujet, et l’escrime n’est pas un point de détail qu’il met en images parce qu’il le faut bien. Les gestes techniques les plus subtils à portée d’intuition de spectateur, le souci d’éloquence narrative du mouvement, le rythme en crescendo qui articule en joutes et en touches tout ce qui n’est pas dit et montré (la « fin de l’histoire » d’alors, le changement sociétal, la réconciliation du monde d’avant et celui d’après)… Perez joint le geste à la pensée à la pointe de sa caméra. Il n’y a guère que dans le cinéma hongkongais qu’on retrouve cette déférence pour l’art martial au sens « artistique » du terme, c’est-à-dire tout ce qu’il peut raconter en faisant l’économie des mots et des images en trop.

Une affaire d’honneur fait partie de ces films qui nous rappellent pourquoi le cinéma reste et restera un besoin populaire. À savoir sa capacité à nous mettre au diapason de tout ce qui se trame sous la surface des choses que l’on voit et que l’on entend. Un sixième sens essentiel.

Souvent liée à la célébration, la danse constitue avant tout une forme d’expression de ses émotions. C’est le procédé que Peafowl choisit d’embrasser, en suivant le retour aux sources chaotiques d’une femme transgenre. L’héroïne doit ainsi faire face aux réactions les plus venimeuses dans son village natal, alors qu’une cérémonie funéraire se prépare. Il s’agit pourtant d’une opportunité qui la réconcilierait avec ses proches, mais l’héroïne saura-t-elle retrouver ses couleurs et prendre du recul sur son identité ?

Synopsis : Myung est une danseuse de waacking courant les concours, en quête de l’argent qui lui manque pour finaliser sa transition. Mais son père, qu’elle n’avait pas vu depuis des années, décède subitement. Elle se rend à ses funérailles dans son village natal et affronte une famille conservatrice qui ne tolère pas la présence de cette femme transgenre. Quand un ami lui demande de participer à la cérémonie qui conclut les obsèques afin qu’elle touche l’héritage, elle décide de rester.

En 2020 et 2021, le court-métrage God’s Daughter Dances ne manque pas de se faire remarquer et triomphe dans une dizaine de festivals. On y met en scène l’interprète transgenre Choi Hae-jun dans une situation cocasse. En effet, son examen médical est exigé par le service militaire en Corée du Sud (obligatoire pour les hommes). Naturellement, son statut dépasse l’administration bien qu’il n’y ait aucun doute sur sa personnalité ou son identité. Le réalisateur Byun Sung-bin revient alors avec un premier long-métrage qui ausculte les réactions épineuses d’une société coréenne, qui n’est décidément pas encore prête à sauter le pas sur l’identité du genre. En ramenant de force son héroïne Myung à ses racines, toujours campée par la talentueuse danseuse Choi Hae-jun, on se laisse guider par son caractère bien trempé et dont elle n’aura jamais honte.

Ni trop clair, ni trop sombre

Des appels oppressants, un jackpot vital en tête, la musique lance rapidement Myung sur la piste d’un concours de waacking, une danse dérivée du hip-hop qui consiste à synchroniser les gestes de son corps à la musique. Ses mouvements sont agressifs et manquent de souplesse, tandis que son maquillage et ses paillettes ne peuvent dissimuler une certaine colère sur son visage. Myung semble avoir une revanche à prendre avec la vie, ce qui donne tout le sens au parcours qui l’attend au terme d’une battle qui manque d’achever tous ses espoirs de transition. Sans le montant nécessaire à son opération, qui la légitimiserait enfin aux yeux d’une société encore transphobe, Myung ne peut que compter sur l’héritage de son père, récemment décédé.

On quitte alors Séoul pour un cadre rural particulièrement hostile lorsque ses proches l’accueillent avec plus ou moins de déceptions. Malgré tout, il reste une issue dans cette mascarade, un ultime acte de réconciliation possible pour une famille que rien ne semble pouvoir rabibocher. Un vieil ami propose à Myung de venir danser au 49^e jour commémoratif de la mort de son paternel en échange d’un héritage. Ce pacte suspicieux donne ainsi lieu à une introspection nécessaire, où l’héroïne déjoue tour à tour les superstitions de cet environnement conservateur.

La force principale du film réside dans le jeu de Choi Hae-jun, subtil et vulnérable. C’est toujours dans cet entre-deux que son personnage y lâche des plumes à force de vouloir s’envoler trop rapidement. Elle est un paon majestueux qui ne demande que de la considération et un peu d’affection, véritables carburants dans la lutte des LGBTQIA+ que défend le cinéaste et son équipe. Ce dernier le fait avec du style, car il n’oublie pas qu’un sujet aussi lourd nécessite un peu de légèreté. La musique est un catalyseur essentiel dans ce film, car la danse ne quitte jamais Myung. Elle s’exprime davantage avec son corps qu’avec des mots, qui sont rarement reçus avec bienveillance. Ses différentes tenues colorées l’aident également à se motiver. C’est sa manière d’exhiber sa confiance et de célébrer sa liberté.

Par ailleurs, Byun Sung-bin confronte sans cesse des points de vue opposés, jusqu’à ce que les enjeux constituent finalement le dénominateur commun de tout un pays inquiet sur son identité. La peur du changement se lit dans ce portrait simplifié de la Corée du Sud et Peafowl ne laisse pas la volonté de son héroïne retomber, avant d’avoir embrasé le dancefloor où les vivants dansent avec les morts. Dans le même instant, on efface toute identité de genre pour enfin se réconcilier avec soi-même. C’est là toute la beauté d’une rédemption par l’amour.

Bande-annonce : Peafowl

Fiche technique : Peafowl

Réalisation et Scénario : Byun Sung-bin
Directeur de la photographie : Hae-in Kim
Montage : Young-hoo Lee
Musique originale : Casepeat
Producteurs : Byun Sung-bin, Yoon Suk-chan
Pays de production : Corée du Sud
Distribution internationale : M-Line Distribution
Durée : 1h54
Genre : Drame
Date de sortie : Prochainement

La mer n’a cessé d’être un coffre des merveilles pour les habitants de la surface. Nombreux sont ceux qui s’y aventurent et encore afin de témoigner des richesses naturelles qui s’y trouvent. Koh Hee-young nous propose ainsi une virée ludique et mélancolique auprès des plongeuses haenyeo, une communauté exclusivement composée de femmes de l’île de Jeju. Entre quête spirituelle et récit intime sur la transmission, Legend of the Waterflowers nous maintient en apnée à chaque excursion.

Synopsis : Soon-jik, Ji-ae et les autres sont des haenyeo, ainsi que l’on appelle les plongeuses en apnée de l’île de Jeju. Gagnant leur vie en pêchant quotidiennement mollusques et coquillages à la main dans les fonds marins, ces femmes racontent leurs parcours et leur histoire commune. Elles perpétuent ainsi leurs traditions et transmettent leur savoir‑faire de génération en génération.

Tout un tas de fictions sont attendues par cinéphiles, convaincus d’une véritable ascension du cinéma coréen au-delà de leurs frontières. C’est effectivement le cas depuis plusieurs années, mais au milieu d’une sélection d’une diversité remarquable flotte une œuvre testamentaire, pleine de tendresse et générosité. Le documentaire de Koh Hee-young fait sensation en ce début de Festival du Film Coréen à Paris, grâce à la légèreté insoupçonnée d’une activité trop peu connue du grand public.

La vie aquatique

On enfile les tenues et les masques de plonger, on rassemble les filets de pêche et on s’arme d’un bitchang ou d’autres outils spécifiques. Des connaissances rudimentaires, essentielles, techniques, pratiques et les poumons bien remplis d’air, les haenyeo sont désormais prêtes à plonger. Elles vivent de leur pêche aux abords de l’île et restent en apnée jusqu’à sept heures par jour. Presque dix mètres les séparent de leur collecte quotidienne : conques, ormeaux, concombres de mer et autres mollusques. Et les images remontées à la surface n’ont rien à envier au royaume enchanté d’Avatar : La Voie de l’Eau. Cette nature-là est autonome et bien palpable.

La caméra de la cinéaste coréenne se fait discrète, laissant ainsi le temps nécessaire aux spectateurs le prendre le pouls de cette communauté de toutes les générations, de même que celui de la vie aquatique. Les bancs de poissons colorés effleurent les rochers et traversent tout un écosystème mis en péril par les rejets de matières graisseuses des usines environnantes. Ce paradis bleu est donc menacé par une pollution qui s’accroît d’une année à l’autre. En l’espace de quatre ans, le paysage du littoral n’est plus le même qu’autrefois, bouleversant par la même occasion la longévité des haenyeo.

La plupart de ces plongeuses sont très âgées et la tradition se perd rapidement. C’est en tout cas ce qu’on peut lire dans les yeux mélancoliques d’une nonagénaire, pourtant très énergétique, Hyun Soon-jik, la matriarche du groupe de plongeuses et la détentrice de tous les secrets que regorgent la baie de Jeju. Elle perpétue les croyances autour de la Reine Dragon, qui protège les plongeuses lorsque leurs chants de motivation ne suffisent plus. C’est comme si elle faisait partie de la mer et qu’elle n’était finalement jamais remontée à la surface après ses 87 ans d’activité. Elle constitue ainsi le dernier bastion de ce métier périlleux et ce qu’elle a à transmettre à la génération suivante permettrait à la légende des waterflawers de vivre éternellement. Et on comprend évidemment pourquoi lorsque l’on a l’occasion de poser les yeux sur ces vestiges de la mer.

Il a fallu six ans pour que la cinéaste Koh Hee-young rassemble ces images, afin de rendre hommage aux courageuses plongeuses haenyeo, qui arrivent peut-être au bout de leur voyage. En 2016, elle a célébré le courage de ces femmes dans son premier long-métrage Breathing Undewater. Aujourd’hui, elle est revenue avec Legend of the Waterflowers en compilant les témoignages d’une vie pas si lointaine. Et à défaut de la vivre une dernière fois, la cinéaste souhaite qu’on ne l’oublie pas.

Bande-annonce : Legend of the Waterflowers

Fiche technique : Legend of the Waterflowers

Réalisation : Koh Hee-young
Production : Jinjin Pictures
Pays de production : Corée du Sud
Durée : 1h32
Genre : Documentaire
Date de sortie : Prochainement