LeMagduCiné

Examen de conscience sur la réalité des choix que l’on fait par erreur, par amour et par peur, The Knife nous immerge dans une prise d’otage psychologique où une famille afro-américaine tente de faire entendre leur droit de légitime défense. Ce huis clos ne satisfait malheureusement pas le divertissement en tension que le réalisateur Nnamdi Asomugha souhaite générer, faute à un scénario bancal, malgré d’honnêtes performances chez les comédiens qui défilent un à un devant la caméra.

Chris, ouvrier du bâtiment, retape sa maison jusqu’à pas d’heure, pour qu’elle constitue le refuge idéal pour sa femme Alex (Aja Naomi King) et ses trois enfants, dont un nourrisson. Malheureusement, lorsqu’une inconnue pénètre dans leur foyer en pleine nuit, la sécurité de la famille est mise en péril. Chris choisit d’agir, mais ne se souvient plus du déroulement des faits qui ont conduit l’intruse au sol, inconsciente et entre la vie et la mort. Si l’histoire aurait pu s’arrêter après une simple déposition auprès de la police, le cinéaste, également interprète de Chris, joue mal sa carte de « l’Homme noir en Amérique » ou de « l’Homme noir contre les préjugés des forces de l’ordre ». À force de tirer sur la sirène d’alarme morale, le récit tue son propre suspense.

Trancher dans le vide

Dans un contexte similaire, où les accusations déferlent sans arrêt sur le protagoniste, nous avons Reality, où une jeune femme était prise en étau par des agents du FBI très intrusifs et déstabilisants durant leur interrogatoire, intégralement enregistré. En collant mot pour mot aux échanges, jusque dans les bégaiements d’incertitudes de l’accusée, Tina Satter est parvenue à reconstituer une tension inébranlable et quasiment en temps réel. Atmosphère anxiogène, sentiments d’injustice et d’oppression sont les motifs que partagent les deux films. Il manque cependant à Nnamdi Asomugha et Mark Duplass la maîtrise de l’écriture et de la mise en scène afin que son thriller parvienne à rester cohérent de bout en bout.

Peut-être qu’en endossant de multiples casquettes pour que ce film indépendant puisse voir le jour, Asomugha a manqué de recul sur son œuvre très légitime sur le papier, mais en défaut d’efficacité à l’écran. Le cinéaste se donne pour défi de raconter la bascule entre la vie tranquille d’une famille à son démantèlement par la terreur et un manque de communication. Dans la seconde partie, après avoir donné aux spectateurs « les faits », les membres de la famille se battront pour leur survie, tandis qu’une enquêtrice est chargée de chercher « la vérité ». Mais suffit-elle vraiment à disculper le mari pour son dérapage, ou bien mettra-t-elle sa famille en danger ?

Black-out

Ce qui semble a priori découler de la légitime défense ne l’est pas dans l’absolu à cause d’un black-out volontairement dissimulé aux protagonistes et aux spectateurs. Que s’est-il réellement passé ? Y avait-il un lien entre la victime et l’agresseur ? Pouvons-nous formellement les identifier selon plusieurs versions confuses ? Après l’arrivée en fanfare de la police sur les lieux, rappelant un home invasion, le jeu consiste à croiser les déclarations des uns et des autres, individuellement et avec une pression psychologique que l’inspectrice Carlson prend soin de distiller derrière ses fausses formules de politesse. Incarnée par l’oscarisée Melissa Leo (The Fighter), cette vétérane armée de son flair et de son dictaphone sonde les paroles et les non-dits de la famille.

Si tous les plans sur les mains moites, les visages en sueur et le regard fuyant sont dispensables pour créer de la tension, elle existe un certain temps avant que les dialogues sabotent le scénario, trop incohérent dans l’enchaînement que cela en devient absurde. Chacun possède sa propre vérité, que ce soit le père, la mère, les enfants ou l’inspectrice. Anatomie d’une chute et Quitter la nuit en attestent. Le système judiciaire contraint les individus, et notamment les victimes, à travestir l’honnêteté pour se mettre en sécurité contre des protocoles sans nuances (Border Line). L’idée est évidemment bonne mais la succession de clichés et les plans sur le fameux couteau alourdissent constamment ces propos.

Vain dans sa construction et prévisible dans sa narration, The Knife échoue à maintenir une pression psychologique sur le spectateur, qui n’a plus qu’à ronger son frein avant que la sentence ne soit prononcée pour Chris et sa famille. Dans sa volonté d’illustrer l’horreur du réel et l’horreur des choix sans incidence que l’on fait, le premier-long-métrage de Nnamdi Asomugha se perd dans la démonstration et nous fait perdre de vue le fil rouge que le couteau du titre a tranché par mégarde.

The Knife est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

De : Nnamdi Asomugha
Année : 2024
Durée : 1h22
Avec : Nnamdi Asomugha, Melissa Leo, Aja Naomi King, Manny Jacinto, Amari Price, Aiden Price, Lucinda Jenney
Nationalité : États-Unis

Grand Prix du Festival de Cannes 2024, All we imagine as light a été présenté en avant-première au Festival de Deauville dans la sélection « À l’heure de la Croisette ». En s’attachant au portrait d’un Mumbai effervescent et de jeunes femmes indiennes, le film dépeint avec sensibilité les carcans d’une société traditionnelle. Malgré quelques longueurs, il nous offre une belle ode féminine à l’amitié, l’amour et la liberté.

Synopsis : À Mumbai, le quotidien de Prabha est perturbé lorsqu’elle reçoit un cadeau inattendu de son mari parti vivre à l’étranger. Sa jeune colocataire, Anu, essaie en vain de trouver un endroit dans la ville pour faire l’amour avec son petit ami. Un voyage dans un village côtier offre aux deux femmes un espace où leurs désirs peuvent enfin se manifester.

La réalisatrice Payal Kapadia a acquis sa notoriété dans le monde du documentaire. Après plusieurs courts-métrages, elle signe son premier film, Toute une nuit sans savoir, lauréat de l’œil d’Or à la Quinzaine des Cinéastes de Cannes en 2021. En basculant dans la fiction, elle conserve son attrait pour la représentation de la vie à Mumbai et d’une jeunesse éprise d’indépendance.

Dansons sous la pluie

Dès la scène d’ouverture, Payal Kapadia nous plonge au cœur de la capitale indienne. En pleine saison des pluies, la ville se dévoile, de nuit, dans une foule bouillonnante aux abords des trains. Au rythme de voix off éparses, la réalisatrice indienne pose le cadre de son récit à la manière de la documentariste qu’elle reste intrinsèquement. All We imagine as Light prend donc son temps, et on sent que Payal Kapadia aime tout autant filmer la vie de sa cité natale que ses personnages.

L’histoire s’attache au quotidien de deux jeunes infirmières, Prabha et Anu, colocataires d’un appartement à Mumbai. La première, mariée à un parfait inconnu parti travailler en Allemagne, se morfond dans une existence vide tout en se berçant d’illusions. Attachée à un époux absent, dont la seule matérialisation réside dans un autocuiseur envoyé d’Europe, qu’elle enlace tendrement, Prabha vit dans une attente désespérée qui l’empêche d’avancer. Elle refuse de s’ouvrir sur l’extérieur et croit encore que son époux lui reviendra. Quant à Anu, elle fréquente en secret Shiaz, un homme d’origine musulmane. Incapable d’avouer la vérité à ses parents, qui lui recherchent des prétendants dans son dos, Anu n’aspire qu’à gagner sa liberté.

Entre mariages arrangés et relations prohibées, All we imagine as light souligne ainsi la condition de femmes indiennes aux désirs inaccessibles. En Inde, l’amour véritable apparaît alors comme une réalité malmenée, improbable ou interdite. Prabha et Anu, bien que très proches, n’ont pas du tout le même regard sur ce contexte sociétal peu complaisant envers la place des femmes. En effet, leur duo, qui rappelle un peu les deux sœurs de Raison et Sentiments, l’adaptation du roman de Jane Austen, ne s’accorde pas sur la voie à prendre. Aussi, Prabha, incarnation de la raison, reste irrémédiablement fidèle à un mari qui ne l’a pas appelée depuis un an. Elle considère que les mariages organisés font partie du destin des femmes et qu’il est nécessaire de les accepter. Anu, en revanche, plus jeune et impulsive, vit ses passions sans se soucier des convenances et du regard des autres.

Malgré cette dichotomie, la complicité entre les deux jeunes femmes, qui se disputent parfois mais se soutiennent souvent, compose la base d’un récit traité avec beaucoup de tendresse. Filmé à fleur de peau, de manière assez pudique, All we imagine as light parvient à nous toucher grâce à sa sincérité. Il compose une histoire d’amitié, parsemée d’amour, dans laquelle le bonheur et l’espoir restent, comme des lumières dans le ciel, toujours à portée de main.

Cependant, en déployant assez rapidement ses enjeux, le récit s’étire en longueur et s’épuise un peu en chemin. Il manque ainsi de péripéties susceptibles de donner du souffle et de l’ampleur à une histoire qui se résume finalement en quelques lignes. All we imagine as light fonctionne donc parfaitement dans son aspect descriptif, en lien avec le caractère documentaire de certaines scènes, mais bien moins au niveau dramatique. Et si le film dégage une grande délicatesse, il ne nous emporte pas complètement. Sûrement car la réalisatrice Payal Kapadia n’a encore franchi qu’à moitié les barrières du monde de la fiction.

All we imagine as light est présenté à L’Heure de la Croisette au Festival de Deauville 2024.

Fiche Technique

Réalisé par : Payal KAPADIA
Année de production : 2024
Pays : France, Inde, Pays-Bas, Luxembourg
Durée : 114 minutes
Date de sortie : 02.10.2024

Todd Wiseman Jr. nous a fait l’honneur de présenter son premier long-métrage à Deauville en première mondiale. Entre Battle Royale, Hunger Games et Américain Nightmare, The School Duel décolore les valeurs d’une Amérique soucieuse de son contrôle et de sa sécurité. Un plongeon dans un monde post-apocalyptique et familier, où l’instrumentalisation de la violence va de pair avec une religion qui honore ses rois et pleure ses martyrs.

Synopsis : Dans un futur proche, l’É­tat indé­pen­dant de Flo­ride a abo­li le contrôle des armes à feu et les fusillades dans les écoles n’ont jamais été aus­si nom­breuses. Sam­my, un jeune gar­çon de 13 ans écor­ché vif à la recherche d’une noto­rié­té mal­saine, décide de par­ti­ci­per à une com­pé­ti­tion mor­telle appe­lée « The School Duel ». 

Après la célébration de son court-métrage de science-fiction The Exit Room au Tribeca Film Festival, sur un journaliste qui risquait la potence par le gouvernement lors d’une future révolution américaine, Todd Wiseman Jr. n’a pas renoncé à explorer les défaillances d’une société qui continue de retourner ses armes contre elle. C’est effectivement le cas avec sa nouvelle dystopie, où la jeunesse est sacrifiée sur l’autel de l’endoctrinement et du divertissement. Le programme « Duel des Écoles » constitue donc la plus grande force de dissuasion que l’État libre de Floride a mise en place afin de réguler les déviances et anticiper les actes de rébellion.

Garde à vous

La journée de Sammy (Kue Kellyn Lawrence) ne peut démarrer le rituel du serment d’allégeance et un enchaînement d’humiliation dans son école qui possède toutes les caractéristiques d’un camp militaire. Le jeune maigrichon de 13 ans sert de punching-ball à ses camarades et fait l’objet de moquerie et d’injustice lorsqu’il est enfin disposé à se défendre. Plongé dans un grande solitude, ce dernier se retranche dans les jeux vidéo et dans la boucle infinie de clips de propagande, sans savoir de quoi ils retournent. Le culte des armes et de la virilité envahit les supports numériques et toutes les formes d’arts qui restent accessibles. Il y a de quoi se rapprocher du portrait sarcastique de Starship Troopers, où la citoyenneté n’est garantie qu’après le service militaire. Nombreux sont ainsi les symptômes d’un régime totalitaire et ultraconservateur en place, où les résidents sont conditionnés à chérir leur drapeau jusqu’à leur mort.

Soucieux de rendre fier sa mère et d’honorer la mémoire de son défunt père, Sammy se laisse peu à peu dévorer par des ambitions patriotiques néfastes pour son avenir. Contre toute attente, sa quête de gloire l’emmène jusque dans la fosse aux lions, dans les jeux qu’organise le gouvernement pour remotiver les troupes et pour dénicher une nouvelle mascotte. Sammy continue alors de fantasmer sur la figure de « roi », celle qui lui accorderait l’immunité dans sa famille ou dans son quotidien, en plus de prendre de véritables galons. Une vingtaine d’adolescents s’affrontent alors dans une arène ouverte et avec des balles réelles. Ce qui constituait un concours pour la notoriété devient alors de la pure survie, à l’instant même où certains individus parviennent enfin à reconnaître le monde incolore dans lequel ils vivent et meurent comme des pions.

Requiem pour un massacre

Cela n’empêche pas le film de surfer sur de l’humour noir qui en dit long sur les intérêts d’une telle loi martiale et d’un tel dispositif. Wiseman en joue de ce décalage, fondé sur des idéologies extrémistes et bien réelles, quitte à lui-même réemployer des techniques de manipulation similaire au média qui diffuse et légitimise la tuerie. Le réalisateur prend soin de montrer les habitants dans leurs tâches quotidiennes, comme tondre la pelouse, tout en dirigeant notre regard sur les armes à feu chargées qu’ils ne quittent pour rien au monde. Telle est la voie du deuxième amendement, qui a déclenché nombre de fusillades dans les établissements scolaires. Le film ne manque pas de citer ces drames, qui peuvent toutefois évoluer vers une forme plus virulente et durable. Telle est la crainte et la mise en garde d’un cinéaste qui partage des traumatismes similaires avec son jeune protagoniste, pieds et poings liés.

Pour un premier long-métrage, le fond comme l’emballage esthétique réussissent à nous plonger dans les travers d’un monde qui cherche plus que tout à éliminer la menace de l’intérieur, des indésirables auxquels nous n’avons pas besoin de nous identifier pour remonter la source du mal. Ainsi, The School Duel fascine dans la manière dont son discours préventif nous tient en joug. Un sujet qui ne manque pas de diviser, alors qu’il braque pertinemment un miroir de vérité sur une nation en proie à ses relents extrémistes.

The School Duel est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Todd Wiseman Jr.
Année : 2024
Durée : 1h30
Avec : Kue Kellyn Lawrence, Christina Brucato, Oscar Nuñez, Clayton Royal Johnson, Eugenie Bondurant, Thomas Philip O’Neill, Jim Kaplan, Kelsey Darragh, Jamad Mays
Nationalité : États-Unis

Premier long-métrage de Ryan J. Sloan, Gazer propose un thriller psychologique dans la lignée du cinéma des années 1980. Présenté à la Quinzaine des Cinéastes au Festival de Cannes puis en Compétition au Festival de Deauville 2024, le film, tourné en 16mm avec un budget restreint, nous immerge dans une atmosphère à suspense parfaitement maîtrisée. Dommage que son scénario, pas totalement abouti, ne soit guère à la hauteur de la démonstration technique.

Ryan J. Sloan, électricien originaire du New Jersey, ne dispose d’aucune formation cinématographique. À la manière d’un Quentin Tarantino ou d’un Christopher Nolan, le réalisateur américain s’est formé sur le tas. C’est son amour pour le septième art qui l’a conduit, avec sa coscénariste et actrice Ariella Mastroianni, à prendre en main la caméra. Avec Gazer, il signe un thriller paranoïaque centré sur la perception d’un personnage déconnecté de la réalité, à l’image de Lenny, atteint d’amnésie antérograde dans Memento.

Bandes ombilicales

Frankie peine à joindre les deux bouts en enchaînant des petits boulots. Séparée de sa fille, elle lutte contre une maladie appelée dyschronométrie qui déforme son appréciation du temps et de la réalité. Afin de ne pas perdre pied et de se raccrocher au présent, Frankie enregistre et collectionne des cassettes audio qu’elle écoute pendant chacun de ses déplacements. Guidée par sa propre voix, et focalisée sur l’observation des gens, elle parvient tant bien que mal à gérer son quotidien. Lorsqu’une mystérieuse femme d’un groupe de parole lui propose un arrangement contre une belle somme d’argent, Frankie s’embarque malgré elle dans une sombre affaire criminelle.

Ryan J. Sloan et Ariella Mastroianni souhaitaient créer avec Frankie un protagoniste féminin unique en son genre. C’est en lisant le roman L’Homme qui prenait sa femme pour un chapeau, qu’ils découvrent la dyschronométrie, une pathologie caractérisée par une difficulté à vivre dans le monde numérique. Surstimulés aux écrans, les individus atteints souffrent de maux de têtes, de confusion, de crises et de pertes de mémoire. Cette maladie compose la base du récit de Gazer.

Remarquablement interprétée par Ariella Mastroianni, qui porte le film à elle seule, Frankie cherche à résoudre un labyrinthe d’évènements tout en fuyant les policiers et protégeant sa fille. Forte et débrouillarde, elle rappelle un peu la Lisbeth Salander de Millenium. On peine cependant à prendre pleinement la mesure de sa condition cognitive. En effet, à l’exception de quelques crises et de son refus d’utiliser un téléphone portable, Frankie semble paradoxalement plutôt lucide. Ses actes restent réfléchis et sa pensée logique. Ainsi, contrairement au Lenny de Memento, elle ne paraît pas perdue dans un milieu étranger. Ceci altère malheureusement le lien entre la perception singulière du monde de Frankie et l’intrigue principale, dans la mesure où une personne normale serait sûrement tombée dans le même engrenage.

Puzzle imparfait

L’intrigue de Gazer s’inspire de l’univers de Christopher Nolan, mais aussi des thrillers noirs des années 1980 et de Hitchcock. On y retrouve la même galerie de personnages, comme la femme fatale, l’enquêteur et le héros naïf manipulé. L’atmosphère sombre et tendue du film, avec son côté rétro, fonctionne très bien. Recherches, filatures et courses poursuites s’enchaînent alors dans un bon rythme avec un montage dynamique et une mise en scène assez trépidante.

Malgré cette indéniable réussite technique, Gazer ne convainc pas suffisamment dans la construction de son scénario, dont les pièces ne s’emboîtent jamais parfaitement. Outre la maladie de Frankie, qui n’influence pas directement le déroulement du récit, Ryan J. Sloan ne parsème l’histoire d’aucun indice avant de nous livrer sur un plateau une partie d’explications qui ne résout pas totalement les enjeux exposés. En en disant trop, ou pas assez, selon le point de vue adopté, Gazer délaisse l’implication du spectateur et perd en lisibilité. Nous restons donc un peu sur notre faim, avec l’impression d’avoir vu un thriller d’une redoutable efficacité technique mais pas tout à fait achevé. Ryan J. Sloan, que l’on risque de retrouver prochainement, fait tout de même partie des belles révélations du Festival.

Gazer est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Ryan J. Sloan
Année : 2024
Durée : 1h54
Avec : Ariella Mastroianni, Marcia Debonis, Renee Gagner, Jack Alberts, Tommy Kang
Nationalité : États-Unis

La seconde journée de compétition a vu passer des relations conflictuelles au cœur de familles et de communautés qui prêchent le pardon. Le film de Minhal Baig magnifie cette notion dans un portrait sur l’enfance et l’amitié. We Grown Now raconte donc avec nostalgie la captivité de locataires de logements sociaux, en quête de rebond et de renaissance.

Synopsis : Chi­ca­go, 1992. Malik et Eric, 9 ans, sont deux amis insé­pa­rables. Curieux et ima­gi­na­tifs, ils par­courent la ville pour échap­per à la bana­li­té de leur vie d’écolier et à la dif­fi­cul­té de gran­dir dans un loge­ment social. Mais, à un âge où l’on apprend tout juste à affron­ter l’existence, leur lien indis­so­luble est remis en ques­tion lors­qu’une tra­gé­die secoue leur communauté.

Cinq ans après avoir présenté Hala au festival Sundance, Minhal Baig foule les planches de Deauville pour la première fois pour nous ramener un film solaire, inspiré de faits réels. Son précédent long-métrage évoquait déjà l’envie de s’émanciper des contraintes familiales au sein d’une famille musulmane. Ici, nous suivons de jeunes enfants afro-américains, obligés de réciter leur serment d’allégeance sous le drapeau des États-Unis avant le début de chaque cours. C’est en tout cas un aperçu des nombreux rituels qui habitent cette œuvre, remplie de souvenirs et de fantômes.

Sauter dans le vide…

Identifiable par ses nombreux bâtiments faits de briques rouges et blanches, Cabrini-Green est un quartier de Chicago qui ne ressemble en rien au rêve américain que convoitent même les personnes qui y naissent. Les immeubles sont en partie insalubres et en chantier, mais rien ne semble décourager Malik (Blake Cameron James) et Eric (Gian Knight Ramirez), dont les appartements sont superposés. Meilleurs amis dans la joie et la douleur, ils n’hésitent pas à faire l’école buissonnière lorsque le programme scolaire ne leur sied guère. Non pas qu’ils en profitent pour troubler l’ordre ou qu’ils se laissent dominer par les lois de la rue et des gangs. Ces derniers préfèrent de loin défier la gravité en récupérant des matelas et s’évader dans les étoiles ou à l’Art Institute.

Désireux de se voir pousser des ailes, ces enfants pleins d’innocence constituent la clé de compréhension du monde torturé des adultes. Sans le sou ni la sécurité de l’emploi, comment peuvent-ils réaliser les rêves de cette jeunesse éphémère ? Ce sont à travers les yeux de Malik et d’Eric qu’on lisse une partie de la réalité, celle qui aurait pu s’arrêter au misérabilisme pour provoquer ou émouvoir à outrance. Il n’en est rien. Cette histoire nous est essentiellement contée à travers des plans d’intérieur, où les regards des protagonistes suffisent à nous communiquer leur errance mentale, sans jamais les juger. La réalisatrice joue également avec sa focale et ajoute encore plus de profondeur à ce paysage qui n’existe plus grâce à des contre-plongées. La caméra de Baig attire ainsi toutes les teintes chaudes de son univers. Les appartements apparaissent alors comme des refuges indispensables pour se couper du monde bruyant et violent qui les attend une fois à l’extérieur. Le tragique décès de Dantrell Davis en atteste.

…atterrir chez soi

Sous les feux croisés d’une chasse contre la criminalité, Malik et Eric sont de simples dommages collatéraux, remplaçables au besoin. Pourtant, leur alchimie nous galvanise et nous réconforte. Le duo agit comme une bougie dans l’obscurité dans ce film, qui partage avec Stand by me un discours sincère sur la perte d’innocence, d’une étape transitoire où l’on est confronté aux incertitudes du changement et de la fatalité. C’est le genre de processus qui change une vie et qui les fait grandir de l’intérieur comme de l’extérieur. Qu’il s’agisse de cette génération qui a tout à découvrir, tout à conquérir,  ou celle de Dolores (Jurnee Smollett) et Jason (Lil Rel Howery), mère et père célibataires, il s’agit également de s’élever et de continuer à grandir encore plus.

Un peu à la manière de la comédie dramatique Crooklyn, où Spike Lee y encapsulait ses souvenirs d’enfance, We Grown Now constitue un hommage aux résidents de Cabrini-Green pour Minhal Baig. Elle nous montre la force des liens de cette communauté, seulement à travers deux familles qui sont pleinement conscientes des limites financières, sociales et morales qu’ils rencontrent. La réalisatrice insiste donc pour rétablir la vérité derrière l’acharnement médiatique qui a longtemps diabolisé ce lieu, reconnu comme propice aux violences en tout genre. La majorité des familles qui y loge n’a rien de plus précieux que les liens qui les unissent, notamment à travers une foi incontestée pour l’espoir. Un portrait particulièrement juste et poignant.

We Grown Now est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Minhal Baig
Année : 2024
Durée : 1h33
Avec : Blake Cameron James, Gian Knight Ramirez, S. Epatha Merkerson, Lil Rei Howery, Jurnee Smollett
Nationalité : États-Unis

Présenté en avant-première au Festival de Deauville 2024, en présence du réalisateur Elliott Lester, The Thicket propose un western enneigé découpé au couteau. Un bon bol d’air frais qui nous plonge dans les montagnes isolées en compagnie d’un Peter Dinklage toujours aussi trépidant. Malgré un récit plutôt linéaire manquant un peu d’ampleur et de suspense, The Thicket réussit à divertir grâce à son humour décalé et à sa bande de personnages marginaux.

Synopsis : Lorsque le féroce chas­seur de primes Regi­nald Jones est recru­té par un homme déses­pé­ré pour tra­quer un tueur impi­toyable connu uni­que­ment sous le nom de Cut­throat Bill, il ral­lie une bande de héros impro­bables, dont un ancien esclave fos­soyeur et une pros­ti­tuée rusée. Ensemble, ils se lancent dans une quête périlleuse pour retrou­ver Cut­throat Bill qui les mène dans un no man’s land mor­tel connu sous le nom de… « The Thicket ».

Britannique installé aux États-Unis, Elliott Lester compte déjà plusieurs longs-métrages à son actif, dont Love is the Drug, Blitz, Sleepwalker et Aftermath, tous sortis directement en VOD. Avec The Thicket, il signe son premier western, une chasse à l’homme endiablée où se croisent en chemin des individus de tous horizons. Sans révolutionner le genre, le réalisateur américain s’inspire de films célèbres comme Les Sept Mercenaires ou Les Sept Samourais  pour composer une course-poursuite sur un ton plus léger que dramatique.

Les cinq mercenaires

Au début du XXe siècle, Jack Parker assiste, impuissant, à la mort de son grand-père et à l’enlèvement de sa sœur, Lula, par un mystérieux bandit appelé « Bill Coupe Gorge ». Orphelin et chrétien convaincu, incapable de brandir une arme, il se lance fiévreusement à la recherche du dernier membre de sa famille. Il croise alors la route de Reginald Jones, un chasseur de primes interprété par Peter Dinklage, d’un ancien esclave noir fossoyeur et alcoolique, d’une prostituée tout juste évadée d’une maison close et d’un homme de main engagé pour ramener Jones de force.

Ces cinq individus, laissés pour compte de la société par la taille ou leurs statuts, s’unissent pour retrouver la trace de « Bill Coupe Gorge » jusqu’à « The Thicket », ou « Le Fourré », destination finale de la bande du malfrat. Ennemi énigmatique à la réputation légendaire, Bill kidnappe de jeunes femmes, à la manière d’un barbe bleue, afin de les rendre fidèles à son image. Même si son traumatisme d’enfance est exposé, le personnage, craint dans le récit, ne dégage pas beaucoup de charisme et peine à alimenter une véritable tension. Le western ne s’attarde d’ailleurs pas sur son développement et se concentre davantage sur la quête semée d’obstacles de Jack.

Le frère de Lula, jeune homme brave, déterminé mais peu expérimenté, doit constamment prouver sa valeur. Naïf et détroussé comme un bleu, il gagne progressivement en confiance et en audace lors de son périple, grâce à sa relation complice avec Reginald Jones. Ce dernier, vendu par son père et régulièrement réprimé, tente de reprendre sa revanche sur la société en gagnant sa vie comme chasseur de prime. Après Cyrano et She came to me, Peter Dinklage s’empare avec panache de ce nouveau rôle taillé pour lui sur mesure. Avec une petite référence amusante à Games of Thrones, il joue avec sa propre image tout en adoptant la posture presque tragique d’un homme qui n’aspire qu’à trouver un foyer. L’histoire du film, assez classique, s’inscrit en opposition avec son traitement résolument contemporain.

Un western à la sauce moderne

L’ouverture de The Thicket a de quoi surprendre. Sur une route enneigée, sillonne un véhicule motorisé. Sauf à tomber dans Retour vers le Futur, le décalage temporel, qui ne s’explique pas vraiment, pose d’emblée le cadre d’un western qui veut bousculer un peu les codes du genre. Il est cependant étrange que le film ne s’engouffre pas plus dans cette voie, ce qui prive un peu la première scène de sens. Le choix d’un antagoniste féminin et l’humour décalé participent également à la modernité du film.

Malgré une bonne synergie entre ses personnages, The Thicket sacrifie la profondeur de son récit au profit d’une aventure rocambolesque qui ne convainc pas toujours parfaitement. Aussi, nous sommes évidemment bien loin des westerns d’envergure tels que La Prisonnière du désert ou Il était une fois dans l’Ouest. Le film ne comporte pas de moments de tension, rapidement désamorcés par de l’humour, et les quelques scènes d’action n’offrent pas de grand spectacle. Pour autant, on prend un certain plaisir à voir ce western déjanté, qui ne bénéficiera probablement pas d’une sortie en salles.

The Thicket est présenté dans la sélection Premières au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Elliott Lester
Année : 2024
Durée : 1h45
Avec : Peter Dinklage, Juliette Lewis, Levon Hawke, Esmé Creed-Miles, Gbena Akinnagbe, Leslie Grace
Nationalité : États-Unis

Rares sont ces œuvres psychologiques, ascendantes horrifiques, qui infiltrent les festivals auxquels le genre n’est pas dédié. Speak No Evil est de ceux-là, même s’il semble plus à l’aise en explorant sa dimension sociale. C’est notamment le point fort du film qui, malgré sa longue exposition, se lâche davantage dans un final qui revisite le home invasion.

Synopsis : Une famille amé­ri­caine passe le week-end dans la pro­prié­té de rêve d’une char­mante famille bri­tan­nique ren­con­trée en vacances. Mais ce séjour qui s’annonçait idyl­lique se trans­forme rapi­de­ment en atroce cauchemar.

James Watkins, à qui l’on doit le désespérant The Descent 2 et la vaine tentative angoissante de La Dame en noir, semble de nouveau renouer avec l’atmosphère survival de son Eden Lake. Sans être un grand faiseur d’images, le cinéaste manie mieux la narration lorsque l’on joue sur l’ambivalence de personnages complexes. Bien heureusement pour lui, il dispose d’un gros lot de protagonistes névrotiques en réalisant le remake du film éponyme danois. Le film de Christian Tafdrup a en effet stupéfait de nombreux spectateurs quant au jeu de miroir entre deux familles, diamétralement opposées sur leur perspective du bonheur.

La petite famille dans la prairie

L’été croate bat son plein et la bonne humeur se dégage de tout part, à l’exception des membres de la famille Dalton, que l’on découvre distants les uns des autres. Débarquent alors d’autres vacanciers plus dynamiques et moins pantouflards qu’eux. Ils se laissent guider par leurs pulsions et leurs désirs, échangent ouvertement et avec une grande sincérité avec les Dalton. Après cette étape de séduction, remplie de sarcasmes et de viles intentions derrière leur sourire charmeur, les moutons sont désormais invités à danser avec les loups, littéralement. Au terme de cette rencontre enchantée, et sans plus attendre, direction les contrées rurales de l’Angleterre, loin de la routine et des exigences infernales de la capitale, pour un week-end en famille qui flirte avec l’atmosphère angoissante de Midsommar, à moindre mesure.

Comme le titre l’indique, il demande à ses personnages un contrôle sur eux-mêmes, de rester sages et bienséants. Ne pas faire de vague, ne pas ouvrir la bouche quand ce n’est pas nécessaire, c’est juste dans cette optique que l’on reconnaît la captivité de la famille londonienne dans un décor et un confort qui ne lui est pas familier. Watkins en profite donc pour brosser le portrait de la famille Dalton, très dysfonctionnelle et qui cumule tous les clichés dramatiques entre le mari en défaut d’autorité, de confiance et de masculinité, l’adultère de son épouse, son végétalisme et la surprotection pour sa fille de 12 ans Agnès, qui suffoque lorsqu’elle qu’on la sépare de son lapin en peluche. En opposition à une famille, semble-t-il « parfaite », mais surtout heureuse, les Dalton se laissent donc dépasser par la générosité de leurs hôtes un peu trop enthousiastes à l’idée de les voir débarquer dans leur patelin où personne ne les entendrait hurler.

Ferme tes yeux, donne-moi ta main

L’objet d’étude de Watkins consiste alors à sonder les maux de Ben et Louise Dalton, respectivement campés par Scoot McNairy (Monsters, Cogan) et Mackenzie Davis (Seul sur Mars), qui peinent à communiquer ou à se tenir dans la même échelle de plan. Ce qui est rarement le cas pour le couple que forment Paddy et Ciara. Ce n’est que par petites touches que ce duo révèle des failles et confirme de bien lugubres soupçons. Les micro-aggressions, souvent malsaines et voyeuristes, se multiplient et génèrent cette tension qui se resserre sur les Dalton. Il est toutefois dommage de ne pas pousser les curseurs du malaise à fond. Hormis un regard furtif à travers une vitre et un gobage forcé d’une tranche d’oie, le réalisateur troque la viscéralité de son thriller avec de l’ennui, tout aussi mortel.

De même, le film manque d’être incisif lorsqu’il fait appel à la cruauté graphique, là où le film danois capitalisait autant sur les sévices physiques que sur la dimension psychologique, un peu à la manière de Funny Games de Michael Haneke. Non pas qu’elle soit nécessaire, mais ces éléments sont soit trop éparpillés dans le récit ou trop condensé dans le climax, que l’attente finit par agacer. Le remake de Watkins semble ainsi avoir lissé les traits de caractère des hôtes, malgré une débauche d’énergie comme James McAvoy l’a notamment démonté dans Split. Cela est tout de même suffisant pour éclipser la performance d’Aisling Franciosi, d’abord aperçu dans le rôle de Lyanna Stark dans la série Game of Thrones, puis révélé dans l’impressionnant The Nightingale. À cet étrange duo, très bipolaire dans leur attitude, s’ajoute Ant, un garçon qui n’a plus de langue pour pouvoir s’exprimer. Mais existe-t-il une bonne raison à cela ? À tour de rôle, paternité et maternité s’entrechoquent pour y répondre, car ce qui compte par-dessus tout dans cette intrigue, ce sont bien les actes des personnages, qui sont alors punis ou récompensés en conséquence. Reste à savoir quelle est la meilleure issue pour les Dalton, piégés dans l’enfer d’une amitié et d’une bienséance toxiques, afin de vaincre leurs démons et de se réconcilier pour de bon.

Petite bulle rafraîchissante en début de festival, Speak No Evil ne manque pas de dissimuler certains de ses défauts grâce à son final assez jouissif et à son humour noir plutôt adroit, notamment lorsque James McAvoy prend les rênes du récit.

Speak No Evil est présenté dans la sélection Premières au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : James Watkins
Année : 2024
Durée : 1h50
Avec : James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Aisling Franciosi, Alex West Lefler, Dan Hough
Nationalité : États-Unis

Premier long-métrage de Titus Kaphar, Exhibiting Forgiveness compose un drame familial centré sur les relations pères-fils et la recherche perpétuelle du pardon. Des thématiques classiques traitées sous l’angle un peu plus innovant de la création artistique comme canalisateur d’une souffrance passée dévorante. Malheureusement, la longueur du film et la relative stagnation des personnages, qui évoluent peu émotionnellement, n’impliquent le spectateur que dans la lente attente d’une réconciliation finale.  

Synopsis : Un artiste noir qui se libère de son pas­sé à tra­vers ses pein­tures voit son ascen­sion vers le suc­cès contra­riée après la visite impromp­tue de son père, un ancien toxi­co­mane déses­pé­ré à l’idée de se récon­ci­lier avec son fils. Ils vont batailler ensemble et apprendre qu’il est plus dif­fi­cile d’oublier que de pardonner.

Titus Kaphar, peintre américain dont les œuvres sont exposées au MoMa et au MET de New York, étend avec Exhibiting Forgiveness son champ d’expression artistique. En passant du pinceau à la caméra, le réalisateur brosse le portrait d’une famille en crise, dont les membres se déchirent face à la douleur et à la haine. Les tableaux, qui constituent des sortes de fenêtres sur le passé, donnent à voir l’image d’une enfance brisée incapable d’oublier.

L’éducation à la dure

Tarrel mène une existence confortable avec sa femme Aisha et son fils. Peintre célèbre qui enchaîne les expositions, propriétaire d’une grande maison, tout semble lui réussir. Pourtant, il traîne dans son passé une rancœur indélébile qui le réveille en sursaut et le fait cogner violemment contre les murs. Cette rage, Tarrel la contient dans le cadre de ses peintures, forme de catharsis libératrice de sa souffrance. Mais lorsque son père, La’Ron, resurgit brusquement dans sa vie, cet équilibre précaire bascule.

Appelé à se remémorer l’apprentissage sévère que lui a infligé son père toxicomane, entre coups et travaux acharnés, Tarrel refuse de renouer des liens avec La’Ron. Malgré sa brutalité, c’est bien cette éducation de forcenée qui a forgé, avec le temps, la personnalité créative de Tarrel. Et même si l’on ne peut cautionner un tel traitement, l’attitude de Tarrel, focalisée sur ses blessures, et non sur tout ce qu’il a accompli, finit presque par agacer. Son père, qui se cherche des excuses, lui en fait d’ailleurs la remarque. Profondément marqué par cette expérience, Tarrel s’est construit en parfaite opposition avec La’Ron, jusque dans la définition de sa figure paternelle. Loin de reproduire le traumatisme de son enfance, Tarrel traite en effet son fils avec amour et délicatesse.

Au contraire, La’Ron a sciemment appliqué à son enfant la même éducation stricte qu’il a vécue. Exhibiting Forgiveness souligne ainsi le tragique de la reprise de schémas familiaux, dont la machine implacable se perpétue de génération en génération. Cette violence, La’Ron la justifie par un simple objectif, faire de son fils un homme, doublé d’un constat sociétal, les individus noirs ne peuvent réussir qu’en se tuant à la tâche. Cette réalité, qui aurait été pertinente à développer, ne constitue cependant pas le sujet du film, qui reste principalement attaché à la réconciliation avec le passé.

L’art du pardon

La mère de Tarrel, Joyce, exerce le rôle d’une médiatrice entre Tarrel et La’Ron. Fervente adepte de l’Eglise et lectrice de la Bible, elle considère le pardon comme une nécessité absolue, car celui qui ne pardonne pas ne saurait lui-même être pardonné. Si l’art représente l’exutoire de Tarrel, pour Joyce, c’est la religion qui devient un véritable refuge. Ses efforts favorisent alors des rencontres et des tentatives d’explications successives entre père et fils. Tarrel parviendra-t-il enfin à vider son esprit, à l’image de sa silhouette qu’il découpe au couteau dans la toile ?

En exposant directement son seul enjeu centré autour de la réconciliation, Exhibiting Forgiveness peine à susciter notre intérêt pendant ses deux heures mal rythmées et entrecoupées de chansons, d’autant plus que l’émotion ne jaillit pas vraiment dans l’acte final en demi-teinte. Le personnage de Joyce, éprouvée par La’Ron, mériterait davantage de développements, alors que la relation entre Tarrel et La’Ron tourne en rond pendant la majorité du récit. Ceci nous laisse l’impression d’un film statique, qui propose néanmoins quelques idées de mise en scène, notamment un jeu sur les tableaux qui surgissent dans les décors. Il n’est pas encore certain que Titus Kaphar renouvelle ce premier vernissage cinématographique, mais Exhibiting Forgiveness contribuera peut-être, si l’on oublie ses défauts, à sa renommée d’artiste international.

Exhibiting Forgiveness est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Titus Kaphar
Année : 2024
Durée : 1h52
Avec : André Holland, John Earl Jelks, Aunjanue Ellis-Taylor, Andra Day
Nationalité : États-Unis